Arte gótica

A arte gótica era um estilo de arte medieval que se desenvolveu no norte da França a partir da arte românica no século XII dC, liderada pelo desenvolvimento simultâneo da arquitetura gótica. Ele se espalhou por toda a Europa Ocidental e grande parte da Europa Central e do Sul, nunca substituindo os estilos mais clássicos da Itália. No final do século XIV, desenvolveu-se o sofisticado estilo da corte do gótico internacional, que continuou a evoluir até o final do século XV. Em muitas áreas, especialmente na Alemanha, a arte gótica tardia continuou até o século XVI, antes de ser incluída na arte renascentista. A mídia primária no período gótico incluía escultura, pintura em painel, vitrais, afrescos e manuscritos iluminados. As mudanças facilmente reconhecíveis na arquitetura dos estilos românico para gótico e gótico para renascentista,

A arte gótica mais antiga era escultura monumental, nas paredes de catedrais e abadias. A arte cristã era muitas vezes tipológica por natureza (veja alegoria medieval), mostrando as histórias do Novo Testamento e do Antigo Testamento lado a lado. A vida dos santos era frequentemente retratada. As imagens da Virgem Maria mudaram da forma icônica bizantina para uma mãe mais humana e afetuosa, abraçando seu bebê, balançando-se do quadril e mostrando as maneiras refinadas de uma dama aristocrática bem-nascida e cortesã.

A arte secular surgiu durante esse período com o surgimento de cidades, a fundação de universidades, o aumento do comércio, o estabelecimento de uma economia baseada em dinheiro e a criação de uma classe burguesa que poderia se dar ao luxo de patrocinar as artes e encomendar obras, resultando em uma proliferação de pinturas e manuscritos iluminados. O aumento da alfabetização e um crescente corpo de literatura secular vernacular incentivaram a representação de temas seculares na arte. Com o crescimento das cidades, formaram-se associações comerciais e artistas eram frequentemente obrigados a ser membros de uma associação de pintores – como resultado, devido à melhor manutenção de registros, mais artistas nos são conhecidos por nome nesse período do que em qualquer outro anterior; alguns artistas foram tão ousados ​​que assinaram seus nomes.

Origens
A arte gótica surgiu em Île-de-France, França, no início do século XII, na Igreja da Abadia de St Denis, construída pelo Abade Suger. O estilo rapidamente se espalhou para além das origens da arquitetura, passando pela escultura, tanto em tamanho monumental quanto pessoal, arte têxtil e pintura, que assumiram uma variedade de formas, incluindo afrescos, vitrais, manuscrito iluminado e pintura em painel. As ordens monásticas, especialmente os cistercienses e cartuxos, foram importantes construtores que disseminaram o estilo e desenvolveram variantes distintas em toda a Europa. As variações regionais da arquitetura permaneceram importantes, mesmo quando, no final do século XIV, um estilo universal coerente conhecido como Gótico Internacional havia evoluído, que continuou até o final do século XV e além em muitas áreas.

Embora houvesse muito mais arte gótica secular do que se pensa hoje, como geralmente a taxa de sobrevivência da arte religiosa tem sido melhor do que para equivalentes seculares, uma grande proporção da arte produzida no período era religiosa, seja encomendada pela igreja ou por os leigos. A arte gótica era muitas vezes de natureza tipológica, refletindo a crença de que os eventos do Antigo Testamento pré-figuravam os do Novo, e que esse era realmente o seu principal significado.

As cenas do Antigo e do Novo Testamento foram mostradas lado a lado em obras como o Speculum Humanae Salvationis e a decoração de igrejas. O período gótico coincidiu com um grande ressurgimento da devoção mariana, na qual as artes visuais tiveram um papel importante. Imagens da Virgem Maria evoluíram dos tipos hieráticos bizantinos, através da Coroação da Virgem, para tipos mais humanos e íntimos, e os ciclos da Vida da Virgem eram muito populares. Artistas como Giotto, Fra Angelico e Pietro Lorenzetti na Itália e a pintura neerlandesa adiantada trouxeram o realismo e uma humanidade mais natural à arte. Os artistas ocidentais e seus patronos ficaram muito mais confiantes na iconografia inovadora, e muito mais originalidade é vista, embora as fórmulas copiadas ainda fossem usadas pela maioria dos artistas.

A iconografia foi afetada por mudanças na teologia, com representações da Assunção de Maria ganhando terreno na morte mais antiga da Virgem, e em práticas devocionais como o Devotio Moderna, que produziu novos tratamentos de Cristo em assuntos como o Homem das Dores, O pensativo Cristo e Pietà, que enfatizavam seu sofrimento e vulnerabilidade humanos, em um movimento paralelo ao das representações da Virgem. Mesmo nos Últimos Julgamentos, agora era mostrado a Cristo expondo seu peito para mostrar as feridas de sua paixão. Os santos eram mostrados com mais frequência, e os retábulos mostravam santos relevantes para a igreja ou doador em particular, participando de uma crucificação ou virgem e criança entronizada, ou ocupando o próprio espaço central (geralmente para obras projetadas para capelas laterais).

Caracterização
Em frente às igrejas e mosteiros românicos, tendo dito isso em geral, o gótico ergue-se, como sua obra arquitetônica emblemática, catedrais prodigiosas, cheias de luz e com grande altura, sendo estas as suas principais contribuições técnicas, justificadas no escritos de Pseudo Dionisio Aeropagita, embora também tenha sido desenvolvida uma arquitetura civil importante. Outra de suas características é que outras artes plásticas, como pintura e escultura, começaram a se tornar independentes de sua subordinação ao suporte arquitetônico.

No entanto, existem também muitos elementos de continuidade: essa ainda é uma arte predominantemente religiosa; O mosteiro como instituição dificilmente varia, exceto em detalhes formais e adaptação a novos requisitos, mas seu layout não apresenta variações, e o plano das igrejas, principalmente catedrais, permaneceu predominantemente de uma cruz latina com uma cabeça de abside voltada para o leste, embora era complicado ou variado (plantas basílicas, colocação do transepto no centro, complicação de naves, capelas e ambulâncias). Sem dúvida, o principal elemento da continuidade é a concepção atemporal do trabalho: na maioria das construções os estilos se seguem e se fundem ao ritmo dos séculos, contemporâneos sabendo que fazem uma obra que não veriam terminada, nem talvez sua filhos ou netos, mas que a construção desses edifícios implica o trabalho de várias gerações. Em muitos deles, até a ousadia de iniciar um desafio técnico ou econômico é valorizada, às vezes devido à rivalidade política, que quando o projeto é iniciado não foi totalmente planejada e, portanto, não se sabe como concluí-lo, é o caso de as catedrais de Siena e Florença.

A luz
Os novos edifícios religiosos caracterizam-se pela definição de um espaço que deseja trazer aos fiéis, de maneira experiencial e quase palpável, os valores religiosos e simbólicos da época. o iniciante em humanismo libertou o homem da escuridão e o convidou para a luz. Esse fato está relacionado à disseminação de correntes filosóficas neoplatônicas, que estabelecem um elo entre o conceito de Deus e o campo de luz. Como as novas técnicas de construção tornaram as paredes praticamente desnecessárias para o benefício das aberturas, o interior das igrejas ficou cheio de luz, e a luz moldará o novo espaço gótico. Será uma luz física, não contida em pinturas e mosaicos; luz geral e difusa, não concentrada em pontos e direcionada como se fosse um foco; ao mesmo tempo que é uma luz transfigurada e colorida através do jogo de vitrais e janelas de rosas, que transforma o espaço em um irreal e simbólico. A cor se tornará crucialmente importante.

A luz é entendida como a sublimação da divindade. A simbologia domina os artistas da época, a escola de Chartres considera a luz o elemento mais nobre dos fenômenos naturais, o elemento menos material, a aproximação mais próxima da forma pura.

O arquiteto gótico organiza uma estrutura que lhe permite, através do uso da técnica, usar luz transfigurada, que desmaterializa os elementos do edifício, alcançando nítidas sensações de elevação e leveza.

Arquitetura
A novidade mais original da arquitetura gótica é o desaparecimento das grossas paredes típicas da arquitetura românica. O peso da estrutura não é mais absorvido pelas paredes, mas distribuído em pilares e em uma série de estruturas secundárias colocadas fora dos edifícios. Assim nasceram as paredes de luz, cobertas por magníficas janelas, às quais correspondia no exterior uma complexa rede de elementos para liberar as forças. Os contrafortes voadores, os pináculos e os arcos de descarga são todos elementos estruturais, que contêm e direcionam os impulsos laterais do telhado para o chão, enquanto as paredes do interior perdem importância, substituídas pelas janelas. A extraordinária capacidade dos arquitetos góticos não termina na nova estrutura estática: os edifícios, livres do limite das paredes de alvenaria, desenvolvidos com ímpeto vertical,

Na Inglaterra, houve um desenvolvimento adicional do cofre cruzado com o cofre de seis segmentos e, em seguida, o cofre radial ou de ventilador: soluções que permitiam uma distribuição de peso ainda melhor. A catedral gótica foi concebida como uma metáfora para o céu; portanto, o juízo final era frequentemente esculpido em sua entrada.

Arquitetura gótica tardia
Nos séculos XIV e XV, o gótico se desenvolveu em novas direções em relação às formas dos dois séculos anteriores.

O edifício dos séculos XIV e XV foi caracterizado por uma nave central de altura considerável e pelas duas naves laterais muito inferiores. Isso significava que a luz estava concentrada acima de tudo no nível do clerestório.

Por outro lado, no final do gótico, o layout interno mais comum segue o modelo da igreja do salão, ou seja, com os corredores laterais de igual altura comparados ao central. Isso significava que a luz não vinha mais do alto, mas das paredes laterais, iluminando de maneira homogênea todo o ambiente. A direcionalidade tradicional também foi modificada, perdendo sua forte conotação para eixos anteriores, em favor de uma espacialidade policêntrica. Essa nova visão do espaço também tem sido relacionada à religiosidade mais terrena e mundana do século XV.

A geografia dessa nova sensibilidade apresenta um mapa diferente do do gótico clássico: as regiões mais inovadoras foram Alemanha, Boêmia, Polônia, Inglaterra e região alpina.

A península Ibérica viu a construção de algumas grandes catedrais dos séculos XV a XVI, inspiradas nos modelos francês e alemão dos séculos anteriores. Em Portugal, uma tendência autónoma resultou na chamada arte manuelina.

Pintura
A pintura em um estilo que pode ser chamado de gótico não apareceu até cerca de 1200, quase 50 anos após as origens da arquitetura e escultura góticas. A transição do românico para o gótico é muito imprecisa e nada clara, e os detalhes ornamentais góticos são frequentemente introduzidos antes que muita mudança seja vista no estilo das figuras ou composições. Em seguida, as figuras se tornam mais animadas em pose e expressão facial, tendem a ser menores em relação ao fundo das cenas e são organizadas mais livremente no espaço pictórico, onde há espaço. Essa transição ocorre primeiro na Inglaterra e na França por volta de 1200, na Alemanha por volta de 1220 e na Itália por volta de 1300. A pintura durante o período gótico era praticada em quatro mídias principais: afrescos, pinturas em painel, iluminação de manuscritos e vitrais.

A pintura no período gótico sofreu uma diferença de tempo considerável em comparação com outras artes, chegando a uma renovação com um atraso de três a quatro décadas, graças à escola italiana (em particular a Toscana e talvez romana). Somente na segunda metade do século XIII, queimando rapidamente os palcos, a pintura se renovou completamente, graças ao trabalho de Giotto.

As razões para esse atraso provavelmente estavam ligadas aos diferentes modelos que a pintura e a escultura tinham: nos tempos românicos a escultura já havia sido renovada, redescobrindo em alguns casos as obras do classicismo ainda existentes, enquanto que para a pintura o principal modelo de referência era o bizantino. escola. Com a conquista de Constantinopla durante a quarta cruzada (1204) e com a formação dos reinos latinos do Oriente, o fluxo de pinturas e obras de mosaicos bizantinos até engrossou.

Na segunda metade do século XIII, na época de Nicola Pisano, a desconexão entre vivacidade narrativa, representação naturalista e força expressiva entre escultura e pintura atingiu seu clímax, com os pintores desarmados diante das extraordinárias inovações introduzidas pelos escultores. Em duas gerações, no entanto, os pintores conseguiram queimar os palcos, renovando modelos e linguagem, chegando até às artes pictóricas para recuperar espacialidade, vivacidade narrativa, figuras credíveis e cenários arquitetônicos ou paisagísticos plausíveis. A pintura também foi beneficiada na renovação por ter uma clientela mais ampla, devido aos custos decididamente mais baratos.

Da pintura românica, especialmente no centro da Itália, herdara a expansão de chapas pintadas, apoiadas pelas ordens mendicantes por sua portabilidade prática. Os assuntos principais não eram muitos:

Crucifixos em forma, gastos pendurados no final das naves das igrejas para despertar a comoção dos fiéis;
Madonas com a Criança, símbolos da Ecclesia e símbolo de uma relação mãe / filho que humaniza a religião;
Representações de santos, entre as quais se destacam as novas iconografias relacionadas à figura de São Francisco de Assis.
Entre os mestres do século XIII italiano estavam Berlinghiero Berlinghieri e Margaritone d’Arezzo, ambos ainda totalmente bizantinos, mas que começam a mostrar alguns caracteres tipicamente ocidentais. Mais tarde, Giunta Pisano chegou ao limite das possibilidades da arte bizantina, tocando a criação de um estilo tipicamente “italiano”. Esse limite foi superado por Cimabue, o primeiro, também segundo Giorgio Vasari, que partiu da “maneira grega estúpida, pouco ágil e comum”. Finalmente, um novo estilo ocidental moderno foi formado no canteiro de obras da basílica superior de Assis, com os famosos afrescos atribuídos a Giotto. Estudos recentes, no entanto, reduziram parcialmente o escopo inovador da escola italiana,

Além da escola Giotto (Taddeo Gaddi, Giottino, Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco, etc.), a escola sienesa com mestres como Duccio di Buoninsegna, Pietro e Ambrogio Lorenzetti e Simone Martini também foi de grande importância. A importância da escola romana com Pietro Cavallini, Jacopo Torriti e outros também é bastante recente. Personalidades mais independentes foram Buonamico Buffalmacco ou Vitale de Bolonha.

Afrescos
Os afrescos continuaram a ser usados ​​como o principal ofício narrativo pictórico nas paredes das igrejas no sul da Europa, como uma continuação das antigas tradições cristãs e românicas. Um acidente de sobrevivência deu à Dinamarca e à Suécia os maiores grupos de pinturas de parede de igrejas sobreviventes no estilo Biblia pauperum, geralmente estendendo-se a abóbadas cruzadas recentemente construídas. Na Dinamarca e na Suécia, quase todas foram cobertas com calcário após a Reforma que as preservou, mas algumas também permaneceram intocadas desde a sua criação. Entre os melhores exemplos da Dinamarca estão os do Mestre Elmelunde da ilha dinamarquesa de Møn que decorou as igrejas de Fanefjord, Keldby e Elmelunde. Albertus Pictor é sem dúvida o artista de afresco mais conhecido do período em que trabalhou na Suécia.

Vitral
No norte da Europa, o vitral era uma forma importante e prestigiosa de pintura até o século XV, quando foi suplantado pela pintura em painel. A arquitetura gótica aumentou bastante a quantidade de vidro em grandes edifícios, em parte para permitir amplas extensões de vidro, como nas janelas de rosas. No início do período, foi usada principalmente tinta preta e vidro transparente ou de cores vivas, mas no início do século 14 o uso de compostos de prata, pintados em vidro que foi então disparado, permitiu várias variações de cor, centradas nas amarelos, para serem usados ​​com vidro transparente em uma única peça. No final do período, os desenhos usavam cada vez mais grandes pedaços de vidro pintados, com amarelos como as cores dominantes e relativamente poucos pedaços menores de vidro em outras cores.

O desenvolvimento da pintura entre os séculos XII e XIV foi condicionado pelo rápido surgimento de sistemas de construção góticos. Na maioria das novas catedrais, as superfícies de vidro são agora predominantes em comparação com as de alvenaria, e a necessidade de decorar as paredes se torna cada vez mais marginal. É por esse motivo que as técnicas antigas e consolidadas de mosaico e afrescos enfrentam um declínio inevitável. Esse declínio é acompanhado pelo refinamento contemporâneo da pintura em vidro e da pintura em painel, que já havia começado a se desenvolver com algum sucesso nos tempos romanos. Sua realização não está subordinada a nenhum requisito arquitetônico e isso permite que os artistas se expressem em absoluta liberdade. A pintura em vidro consiste na realização de janelas coloridas para serem aplicadas nas janelas e rosetas das catedrais.

Como na Idade Média não era possível obter grandes lajes, cada janela tinha que ser composta de várias peças juntas. Por esse motivo, optou-se pelo uso de óculos coloridos unidos por meio de armações formadas por tiras de chumbo em forma de “H”. Primeiro, os óculos foram cortados com pontas de metal em brasa seguindo os desenhos feitos anteriormente, depois as várias peças se encaixam entre as duas asas da tira de chumbo. Cada tira foi soldada na adjacente para recompor o desenho fornecido pelo papelão. O todo foi finalmente inserido em uma estrutura de ferro e murado. Esta técnica permitiu obter figuras de grande efeito.

Para pintar as figuras, era necessário ter cores que pudessem agarrar diretamente o vidro. Na França, experimentou-se o grisaille (em italiano grisaglia), substância obtida de uma mistura de pós de vidro e óxidos ferrosos moídos e misturados com água e colas de animais. O uso do grisaille foi muito simples: espalhado sobre os vários pedaços de vidro a serem decorados e, uma vez seco, tinha a peculiaridade de torná-los opacos. Em seguida, o grisaille foi riscado com uma caneta de madeira, trazendo à tona a transparência do vidro abaixo. Para fixar a pintura, foi necessário refazer o cozimento dos copos individuais, para que o grisaille terminasse de derreter e misturar na própria pasta de vidro. Ao fazer isso, os contornos traçados se tornaram opacos,

A maneira de lidar com os temas da pintura é afetada pela mudança da situação histórica, social e econômica. A burguesia da cidade é agora animada por um espírito de concretude cada vez maior e sua visão do mundo e da vida também muda radicalmente.

Há uma atualização progressiva das narrativas sagradas, na qual os personagens das escrituras sagradas aparecem vestidos com roupas da época e os lugares correspondem aos lugares existentes.

Na Itália, diferentemente da França, Inglaterra, Alemanha e Holanda, o afresco e, em parte, também o mosaico, continuaram a ter uma ampla difusão. Nos símbolos religiosos, a janela permite a passagem de luz sobrenatural e metafísica. Os vitrais lembram, de acordo com a escatologia cristã, os esplendores da Jerusalém celestial do Apocalipse. A luz é o espírito de Deus e a janela é um símbolo de Maria que brilha com a luz divina. Freqüentemente, o número de vitrais tem um valor simbólico-religioso: eles estão em grupos de três (a Trindade), de quatro (os evangelistas), em segmentos de sete (os sete sacramentos, os sete dons do Espírito Santo, o sete dias da criação de acordo com Gênesis).

Manuscritos e gravuras
Os manuscritos iluminados representam o registro mais completo da pintura gótica, fornecendo um registro de estilos em lugares onde nenhuma obra monumental sobreviveu. Os primeiros manuscritos completos, com ilustrações góticas francesas, datam de meados do século XIII. Muitos desses manuscritos iluminados eram bíblias reais, embora os saltérios também incluíssem ilustrações; o Saltério Parisiense de Saint Louis, datado de 1253 a 1270, apresenta 78 iluminações de página inteira em tinta tempera e folha de ouro.

Durante o final do século XIII, os escribas começaram a criar livros de oração para os leigos, geralmente conhecidos como livros de horas devido ao seu uso nos horários prescritos do dia. O exemplo mais antigo conhecido parece ter escrito para uma leiga desconhecida que vive em uma pequena vila perto de Oxford por volta de 1240. A nobreza frequentemente comprava esses textos, pagando generosamente por ilustrações decorativas; Entre os criadores mais conhecidos, está Jean Pucelle, cujas Horas de Jeanne d’Evreux foram encomendadas pelo rei Carlos IV como um presente para sua rainha, Jeanne d’Évreux. Elementos do gótico francês presentes em tais obras incluem o uso de molduras de páginas decorativas que lembram a arquitetura da época com figuras alongadas e detalhadas.

A partir de meados do século XIV, os blocos de anotações com texto e imagens cortados em xilogravura parecem ter sido acessíveis por párocos nos Países Baixos, onde eram mais populares. No final do século, livros impressos com ilustrações, ainda principalmente sobre assuntos religiosos, estavam rapidamente se tornando acessíveis à próspera classe média, assim como gravuras de alta qualidade por gravadoras como Israhel van Meckenem e Master ES. No século XV, a introdução de impressões baratas, principalmente em xilogravura, possibilitou até para os camponeses ter imagens devocionais em casa. Essas imagens, minúsculas na parte inferior do mercado, geralmente de cores grosseiras, foram vendidas aos milhares, mas agora são extremamente raras, a maioria delas coladas nas paredes.

Retábulo e pintura em painel
Pintar com óleo sobre tela não se tornou popular até os séculos XV e XVI e era uma característica da arte renascentista. No norte da Europa, a importante e inovadora escola de pintura neerlandesa antiga tem um estilo essencialmente gótico, mas também pode ser vista como parte do Renascimento do Norte, pois houve um longo atraso antes que o renascimento italiano do interesse no classicismo tivesse um grande impacto. o norte. Pintores como Robert Campin e Jan van Eyck, usaram a técnica da pintura a óleo para criar trabalhos minuciosamente detalhados, corretos em perspectiva, onde o realismo aparente foi combinado com o simbolismo ricamente complexo, decorrente precisamente dos detalhes realistas que agora podiam incluir, mesmo em pequenas trabalho.

Na pintura neerlandesa antiga, das cidades mais ricas do norte da Europa, um novo realismo minucioso na pintura a óleo foi combinado com alusões teológicas sutis e complexas, expressas precisamente através dos cenários altamente detalhados das cenas religiosas. O Retábulo Mérode (1420) de Robert Campin e a Anunciação de Washington Van Eyck ou Madonna do Chanceler Rolin (ambos de 1430, de Jan van Eyck) são exemplos. Para as ricas e pequenas pinturas em painel, até os polípticos da pintura a óleo estavam se tornando cada vez mais populares, mostrando frequentemente retratos de doadores ao lado, embora muitas vezes bem menores do que a Virgem ou os santos retratados. Estes eram geralmente exibidos em casa.

Escultura
A escultura gótica deixou de desempenhar o papel que havia sido dado durante o período românico, isto é, para decorar a arquitetura e educar os fiéis, criando as chamadas Bíblias de pedra.

Gradualmente, o arranjo das esculturas na construção arquitetônica tornou-se mais complexo e cenográfico. Os episódios mais importantes da escultura foram, como nos tempos românicos, os portais das catedrais, onde os personagens do Antigo Testamento e do Novo Testamento são geralmente representados.

Uma passagem fundamental é o fato de que, no período gótico, as esculturas deixaram de ser totalmente incorporadas ao espaço arquitetônico (o batente de um portal ou de uma capital …), mas começaram a se libertar simplesmente apoiando-se no vários elementos de suporte de carga. Assim, as primeiras estátuas gerais apareceram, embora ainda não fosse concebível um uso independente e isolado da mesma. Pode ser que o legado da luta contra o paganismo, que venerava estátuas na rodada como uma divindade, ainda estivesse latente, mas até o Renascimento Italiano as estátuas eram sempre colocadas contra paredes, em nichos, sob arquitraves ou como cariátides e telâmeros .

Do ponto de vista estilístico, as características inovadoras da escultura gótica são menos evidentes do que as introduzidas na arquitetura, mas não menos ricas em consequências nos desenvolvimentos subsequentes da história da arte. Se, por um lado, a figura se alonga consideravelmente e o modelo vive de jogos totalmente novos, como a cortina virtuosa e às vezes improvável, por outro, ele volta a representações plausíveis de movimento corporal, expressões faciais, fisionomias individuais, a atenção do artista ao naturalismo nunca conhecida em épocas anteriores, do que nos melhores exemplos (como no portal da Catedral de Reims, por volta de 1250, ou nas obras de Nicola Pisano) chega a ser comparada ao retrato romano. Isso é ainda mais importante, pois precede as mesmas conquistas no campo pictórico por algumas décadas.

Comparado ao classicismo, no entanto, deve-se notar uma inquietação expressiva diferente, uma certa angularidade das formas e cortinas, um uso inquieto dos efeitos do claro-escuro.

Escultura monumental
O período gótico é essencialmente definido pela arquitetura gótica e não se encaixa totalmente no desenvolvimento do estilo na escultura, tanto no início quanto no final. As fachadas das grandes igrejas, especialmente em torno das portas, continuaram a ter grandes tímpanos, mas também fileiras de figuras esculpidas espalhadas ao redor deles.

As estátuas no Portal Ocidental (Real) da Catedral de Chartres (c. 1145) mostram um alongamento colunar elegante, mas exagerado, mas as do portal do transepto sul, de 1215 a 2020, mostram um estilo mais naturalista e um distanciamento crescente da parede atrás , e alguma consciência da tradição clássica. Essas tendências foram continuadas no portal oeste da Catedral de Reims, alguns anos depois, onde os números estão quase na ronda, como se tornou usual quando o gótico se espalhou pela Europa. A Catedral de Bamberg tem talvez o maior conjunto de esculturas do século XIII, culminando em 1240 com o Bamberg Rider, a primeira estátua equestre em tamanho natural da arte ocidental desde o século VI.

Na Itália, Nicola Pisano (1258–78) e seu filho Giovanni desenvolveram um estilo que é freqüentemente chamado de proto-renascentista, com influência inconfundível dos sarcófagos romanos e composições sofisticadas e cheias de gente, incluindo um manejo simpático da nudez, nos painéis de alívio em seu púlpito. Catedral de Siena (1265–68), a Fontana Maggiore em Perugia e o púlpito de Giovanni em Pistoia, em 1301.

Outro renascimento do estilo clássico é visto na obra gótica internacional de Claus Sluter e seus seguidores na Borgonha e na Flandres por volta de 1400. A escultura gótica tardia continuou no norte, com uma moda de retábulos esculpidos em madeira muito grandes com entalhes cada vez mais virtuosos e grandes números agitados figuras expressivas; A maioria dos exemplos sobreviventes está na Alemanha, depois de muita iconoclastia em outros lugares. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss e outros continuaram o estilo até o século XVI, absorvendo gradualmente as influências da Renascença Italiana.

Efígies de tumbas em tamanho real em pedra ou alabastro tornaram-se populares para os ricos, e grandes túmulos de vários níveis evoluíram, com os túmulos Scaliger de Verona tão grandes que tiveram que ser movidos para fora da igreja. No século XV, havia uma indústria exportando relevos de altar de alabastro de Nottingham em grupos de painéis em grande parte da Europa para paróquias econômicas que não podiam pagar retábulos de pedra.

Escultura portátil
As esculturas pequenas, para um mercado principalmente leigo e muitas vezes feminino, tornaram-se uma indústria considerável em Paris e em alguns outros centros. Os tipos de marfim incluíam pequenos polípticos devocionais, figuras únicas, especialmente da Virgem, estojos de espelho, pentes e caixões elaborados com cenas de Romances, usados ​​como presentes de noivado. Os muito ricos colecionavam metais sofisticados e esmaltados, extravagantemente elaborados, tanto seculares quanto religiosos, como o Relicário do Santo Espinho do Duc de Berry, até ficarem sem dinheiro, quando foram novamente derretidos por dinheiro.

Esculturas góticas independentes de ornamentos arquitetônicos foram criadas principalmente como objetos devocionais para o lar ou como doações para igrejas locais, embora pequenos relevos em marfim, osso e madeira abranjam assuntos religiosos e seculares, e eram para uso doméstico e religioso. Tais esculturas foram obra de artesãos urbanos, e o assunto mais típico para pequenas estátuas tridimensionais é a Virgem Maria sozinha ou com criança. Paris era o principal centro de oficinas de marfim e era exportada para a maior parte do norte da Europa, embora a Itália também tivesse uma produção considerável.

Um exemplo dessas esculturas independentes está entre as coleções da Igreja da Abadia de St Denis; a Virgem e o Menino, dourados de prata, datam de 1339 e apresentam Maria envolvida em uma capa esvoaçante, segurando uma figura infantil de Cristo. Tanto a simplicidade da capa quanto a juventude da criança pressagiam outras esculturas encontradas no norte da Europa que datam do século XIV e início do século XV. Essa escultura mostra uma evolução de um estilo rígido e alongado anterior, ainda em parte românico, para uma sensação espacial e naturalista no final do século XII e início do século XIII. Outros assuntos esculturais góticos franceses incluíam figuras e cenas da literatura popular da época. As imagens da poesia dos trovadores eram particularmente populares entre os artesãos de estojos de espelho e pequenas caixas, presumivelmente para serem usadas por mulheres.

Lembranças de peregrinações a santuários, como distintivos de barro ou chumbo, medalhas e ampolas estampadas com imagens também eram populares e baratas. Seu equivalente secular, o emblema da libré, eram sinais de lealdade ou aliança feudal e política que passaram a ser consideradas uma ameaça social na Inglaterra sob o feudalismo bastardo. Às vezes, as formas mais baratas eram distribuídas gratuitamente, como os 13.000 crachás encomendados em 1483 pelo rei Ricardo III da Inglaterra em tecido fustão com o emblema de um javali branco para a investidura de seu filho Eduardo como príncipe de Gales, um grande número dado o população na época. A Dunstable Swan Jewel, modelada totalmente na rodada em ouro esmaltado, é uma versão muito mais exclusiva, que seria dada a alguém muito próximo ou importante para o doador.

A consideração social da arte e do artista
O florescimento do negócio de lã e tecidos, vinculado às feiras e rotas comerciais que atravessam a Europa de norte a sul (de Florença, Gênova e Veneza a Champagne e Flandres, sem esquecer a Medina del Campo), produz o nascimento de uma arte singular: o tecido de tapeçaria, que tinha um prestígio social muito importante. Não para seus autores, que nunca foram além da consideração de meros artesãos, mas para seus donos. Não havendo uma separação clara entre as artes industriais e as que hoje consideramos artes plásticas, o mesmo poderia ser dito dos mestres construtores, pintores e escultores, que, apesar de mantermos o nome de muitos deles, eles não deixaram de exercer também um. dos negócios vis e mecânicos, nem mesmo comparáveis ​​às profissões liberais.