Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea, Roma, Itália

A Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma é a maior coleção de arte contemporânea italiana. Localizado em Roma, tem mais de 4 400 obras de pintura e escultura e cerca de 13 000 desenhos e gravuras de artistas – principalmente italianos – dos séculos XIX e XX. Em seus 55 quartos você pode ver as obras-primas da coleção, cerca de 1 100 obras. É o único museu nacional dedicado inteiramente à arte moderna; de fato, em muitas capitais regionais existem galerias de arte modernas, mas elas são municipais.

História da galeria
A galeria foi fundada em 1883, poucos anos depois do estabelecimento do jovem estado unitário italiano (Roma se tornou a capital da Itália em 1871), pois sentiu a necessidade de um museu dedicado a artistas contemporâneos que vivem ou desaparecem recentemente. A primeira sede da Galeria foi o Palazzo delle Esposizioni na Via Nazionale, sua instituição é devido ao trabalho do ministro Guido Baccelli.

Logo, no entanto, o Palazzo delle Esposizioni mostrou-se insuficiente para acomodar pinturas e esculturas que aumentaram em número ao longo do tempo. Depois houve outra desvantagem: cada vez que uma exposição temporária era realizada, os trabalhos expostos tinham que ser removidos.

A ocasião da Exposição Internacional de Roma de 1911 (50º aniversário da Unificação da Itália) foi levada para construir o atual edifício em Valle Giulia como o local permanente da Galeria. O palácio de belas artes foi projetado pelo arquiteto e engenheiro romano Cesare Bazzani (o mesmo autor do Ministério da Educação em Viale Trastevere, em Roma, e do hospital Fatebenefratelli, na Ilha Tiberina).

Em 1933, este edifício também se tornou insuficiente para acomodar todas as obras que haviam chegado à galeria para compra ou doação. Também por Cesare Bazzani, foi planejada e inaugurada uma extensão naquele ano, que duplicou o espaço expositivo (corresponde às salas atualmente ocupadas pelo século XX).

Estas novas salas não entraram na posse da Galeria porque foram ocupadas por uma “Exposição da Revolução Fascista”, que com tabelas, gráficos, fotos e trabalhos artísticos quis “glorificar” as principais realizações do regime.

Em 1941 (então no meio da Segunda Guerra Mundial) ele se tornou superintendente da Galleria Palma Bucarelli ainda não com trinta anos de idade, permaneceu neste escritório por mais de 30 anos até 1975. Ela deve um importante trabalho de rejuvenescimento da cultura italiana e abertura para experimentos internacionais mais modernos. Ele se esforçou para equipar a Galeria com todas as estruturas que hoje são consideradas indispensáveis ​​para um museu moderno: serviço de ensino, biblioteca, refeitório, livraria, apresentação de livros, reuniões com artistas. Não faltaram reuniões mundanas, como desfiles de moda. Neste trabalho ele fez uso de colaboradores de primeira classe, como Nello Ponente, Giovanni Carandente, Corrado Maltês, Maurizio Calvesi, Giorgio de Marchis.

Mas antes de fazer tudo isso você tinha que salvar as obras de arte dos perigos da guerra, ele as levou secretamente no palácio Farnese de Caprarola (na província de Viterbo, no lago de Vico), depois no Castel Sant’Angelo.

Após a libertação de Roma (4 de junho de 1944) foi possível proceder à reabertura da Galeria entre muitas dificuldades. Seguiram-se anos de grandes exibições que permitiram aos italianos conhecer artistas que o regime tentara não divulgar. Em 1953 foi realizada uma grande exposição sobre Picasso, em 1956 em Mondrian, em 1958 em Pollock, em 1959 houve a exibição do grande saque de Burri que suscitou escândalo, em 1971 com a exposição de Piero Manzoni o superintendente Palma Bucarelli arriscou a seu lugar. Neste trabalho de inovação cultural, ele teve ao seu lado os críticos e historiadores de arte Giulio Carlo Argan (Turim 1909 – Roma 1992) e Cesare Brandi (Siena 1906 – Vignano SI 1988).

Em 1973, o financiamento estatal foi recebido para uma expansão adicional da galeria com base em um projeto de Luigi Cosenza. A inauguração aconteceu em 1988.

Em 1975, com a instituição do Ministério do Patrimônio Cultural, a Galeria adquiriu o título de Superintendência Especial. No mesmo ano, a aposentadoria do superintendente Palma Bucarelli marca uma nova fase, na qual o “museu de vanguarda”, concebido e desenvolvido por ela, não mantém o papel de abertura para a arte contemporânea no mesmo nível. Sob a direção de Italo Faldi, de 1975 a 1978, a Galeria reforça as tarefas de conservação e aprimoramento através de um programa estruturado de exposições sobre a arte italiana no século XIX e XX e sobre arte européia e americana, em um contexto de colaboração internacional. Entre 1978 e 1982, o novo superintendente, Giorgio de Marchista, aprofunda as linhas essenciais dos discursos de Bucarelli, acalmando-os na nova situação social e cultural do final dos anos setenta. A Galeria está em sua concepção de um museu dinâmico em sintonia com os tempos, é um centro de estudos, um produtor de cultura e serviço público. Como centro de estudo, o museu promove, além do conhecimento das coleções e atividades de exibição, o uso de instalações de ensino, informação e documentação (biblioteca, arquivo, sala de projeção, conferências). Como museu de arte moderna, é necessariamente um lugar de “invasão” que acolhe e promove atividades culturais de várias disciplinas de teatro, música, cinema e dança. O programa das exposições organizadas corresponde a linhas precisas de estudo da arte italiana e estrangeira dos séculos XIX e XX, consistente com as coleções e história do museu. Quando o fenômeno do consumo de exposição em massa começa a se manifestar, de Marchis coloca a ênfase em exibir as atividades dos museus como produção cultural. As inúmeras exposições organizadas neste período dizem respeito a contribuições, muitas vezes ainda de vitalidade considerável, sobre a história da arte do século XX (De Chirico, Arte Abstrata, Leoncillo), sobre a história do museu e coleções, investigadas na ampla perspectiva da história da cultura (Roma, 1911), sobre a situação contemporânea (Arte e Crítica, 1980 e 1981), também no que diz respeito à recente arte minimalista, através das esculturas da coleção Panza de Biumo (1980).

Desde os anos setenta foram doadas importantes doações que, pela sua vastidão, se localizaram em edifícios destacados da Galeria, de modo a formar uma série de museus de satélite. Em 1979, a doação de Manzù di Ardea foi aberta e aberta ao público em 1981. Em 1986, foi doada a galeria Mario Praz (inaugurada em 1995 no Palazzo Primoli na Via Zanardelli). Em 1995, ele abriu o museu Boncompagni Ludovisi para artes decorativas, moda e fantasia na Via Boncompagni (a doação de 1972 foi prejudicada por seus herdeiros).

Entre 1995 e 1999, todo o edifício passou por grandes obras de restauro e as colecções foram reorganizadas. Estas obras utilizaram os recursos alocados para o Jubileu de 2000, sob a égide da superintendente Sandra Pinto.

Em 1997 a Galeria recebeu a doação de arte surrealista e Dada de Schwarz, preenchendo assim uma lacuna importante.

Em janeiro de 2000 iniciou-se a construção do MAXXI – Museu Nacional das Artes do Século XXI no lugar do quartel na via Guido Reni (distrito de Flaminio) sobre o projeto da arquiteta anglo-iraquiana Zaha Hadid. Esta é a continuação natural da Galeria de Arte Moderna.

A partir de 1 de julho de 2004, Maria Vittoria Marini Clarelli é a superintendente da Galeria. Em 2011 foi realizada uma reorganização e reorganização dos trabalhos da Galeria, o que lhe conferiu um visual caracterizado por um forte impacto visual e estético graças ao projeto original do arquiteto. Federico Lardera.

Em outubro de 2016, foi inaugurada a nova configuração da galeria, baseada em um projeto original que, ao reduzir o número de obras expostas, introduz a chave de leitura não cronológica à base da exposição principal “O tempo está fora do comum”. ” Além da nova configuração dos quartos, a área de acesso aos serviços é redefinida, chamada de “área de boas-vindas”, a livraria e a Sala delle Colonne. Mantendo o nome institucional da Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea, em sua comunicação, a galeria assume um novo nome, “La Galleria Nazionale”.

Venda do século XIX
A descrição a seguir refere-se à preparação das salas antes da reorganização de 2012. Em 2016 os espaços também foram re-estofados.

Salone dell’Ercole (1)
A exposição é dedicada ao período de transição entre o neoclassicismo e o romantismo, entre o final do século XVIII e o início do século XIX.

Um exemplo importante de escultura neoclássica é:

Antonio Canova: Hercules e Lica 1815. Mármore 350x152x212. A escultura é acompanhada pelas estátuas dos doze deuses do Olimpo que, como originalmente, o fizeram voar no demulido Palazzo Torlonia na Piazza Venezia. Canova foi inspirado na Ercole Farnese hoje no Museu Arqueológico Nacional de Nápoles. O episódio esculpido está entre os mais terríveis da mitologia grega: Hércules, enlouquecido pela tristeza com a morte do centauro Nessus, mata o mensageiro desta notícia. Lica está prestes a ser lançada e em vão retém a juba e o altar. Observe a circularidade do esforço oposto. A estátua deve ser vista por trás, para entender a resistência desesperada de Lica. Até alguns anos atrás, a estátua foi movida em horários fixos. Na sala há obras de Francesco Podesti, o pintor que pintou o salão do Palazzo Torlonia, de onde vem o Hércules e a Lica.
Nas paredes a grande pintura histórica e mitológica. Artistas românticos retratam episódios da história italiana para incitar as pessoas a se rebelarem contra o opressor austríaco. Nos anos seguintes ao congresso em Viena, de fato, a Itália foi dividida em muitos estados, todas as formas de liberdade estavam ausentes e a Áustria dominava diretamente sobre a região da Lombardia, enquanto influenciava outros estados. Entre as várias pinturas na sala, consideramos:

Francesco Hayez: Vésperas da Sicília 1846. O trabalho lembra um episódio que realmente ocorreu em 1282 durante o domínio Angevino da Sicília, a ofensa trazida a uma mulher por um soldado francês provocou a rebelião e a expulsão dos franceses. A mulher é sustentada pela indignação imediatamente, e é apoiada por sua família, enquanto o noivo com os punhos cerrados pondera sobre vingança. A figura pintada atrás do soldado, em atitude de oração, é um retrato excepcional, um gênero em que Hayez foi particularmente apreciado. Atrás do grupo de figuras principais o começo da rebelião, o camponês colecionando a pedra, o outro com o punhal invocando Deus. Monte Pellegrino em segundo plano.

Outras obras na sala são:

Federico Faruffini, A Virgem no Nilo, 1865;
Tranquila Cremona, Marco Polo, 1863.
Há também pinturas de Vincenzo Camuccini, Bernardo Celentano e esculturas de Pelagio Palagi.

Quarto Psique (2)
A sala apresenta o panorama composto e internacional de Roma no início do século XIX (“Internacionalismo Romano”). É assim chamado pela presença, no centro dela, da estátua de:

Pietro Tenerani, Psiche desmaiou, 1822, mármore. A estátua representa o estilo purista, um movimento artístico italiano nascido por volta de 1833, na época dos nazarenos. Referindo-se a uma concepção ética de arte, Purism reconheceu os primitivos de Cimabue para o primeiro Raphael como modelos. Importantes expoentes do purismo foram além de Tenerani, o pintor e escritor Antonio Bianchini (que escreveu o manifesto do purismo em 1849), Friedrich Overbeck, Tommaso Minardi, Augusto Mussini e outros.
A estátua lembra um dos mais famosos mitos da antiguidade grega e romana, a de Psique e Amor, daí o termo psicologia. Esta estátua é mencionada por Argan em sua história da arte. Na mesma sala, novamente por Pietro Tenerani: Retrato da Princesa Zenaide Wolkonsky, 1850 e Pellegrino Rossi.

Tommaso Minardi, A Madonna do Rosário, 1840.
Tommaso Minardi, cego Homer na casa do Pastor Glauco, 1810.
Andrea Appiani, retrato de Vincenzo Monti, 1809.
Marianna Candidi Dionigi, Paisagem (L’Aniene, perto de Tivoli), 1798.

Sala della Saffo (3)
ESCOLAS TUSCANAS. A sala é dedicada à pintura toscana da primeira parte do século XIX, caracterizada pela presença do movimento Macchiaiolo, talvez o mais importante e original movimento artístico italiano daquele século. O movimento foi baseado no princípio de que a visão da realidade nada mais é do que um conjunto de manchas coloridas, mais ou menos intensas pelo efeito da luz, e que a tarefa do pintor não era retratar as coisas como sabemos que elas são obrigatórias, mas faça a impressão ótica do modo mais direto. O café Michelangelo (na Via Larga, hoje Cavour, uma placa comemora) em Florença foi o ponto de encontro dos Macchiaioli, enquanto Pergentina (apenas fora de Florença, ao longo da torrente Affrico) e Castiglioncello (na costa, não muito longe de Livorno) eram os lugares favoritos para pintar. O mais importante e justamente famoso pintor foi Giovanni Fattori (Livorno 1825 – Florença 1908), Telêmaco Signorini foi o cérebro do movimento, Adriano Cecioni e Nino Costa foram os teóricos. Eles eram conhecidos na Exposição Nacional de 1861 em Florença. Seu melhor tempo foi de 1855 a 1865.

No centro da sala, a escultura de:

Giovanni Duprè, Saffo, 1857, que dá nome ao salão.
Silvestro Lega, A Visita, 1868.
Giovanni Fattori, Retrato da primeira esposa, 1865.
Nino Costa, Mulheres de embarque de madeira no porto de Anzio, 1852.
Adriano Cecioni, Interior com figura, 1867.
Vincenzo Cabianca, Estudo da Mulher em Montemurlo, 1862. Esta pintura pode ser tomada como um exemplo do estilo Macchiaioli.
Giovanni Fattori, A Batalha de Magenta. É o esboço de um quadro maior, para perceber o quanto ele é anti-retórico.
Raffaello Sernesi, Cupolino na Cascine. Observe o efeito de manchas de sol em verde
Odoardo Borrani, Mugnone.
Vincenzo Cabianca, Castiglioncello.
Vincenzo Cabianca, Casas em Lerici.

Salão do Jenner (4)
PIEDONTAS E LOMBARDO NORTE DE ESCOLAS – VENETA. A pintura do norte da Itália daqueles anos é caracterizada pela presença dos Scapigliati, que pode ser visto acima de tudo em Giovanni Carnovali, chamado Piccio. Piccio é o autor de uma pintura tocada em transparências e véus. Os Scapigliati caracterizam-se pela dissolução da forma na cor forçando o embaçamento dos contornos e o uso de pinceladas descontínuas e luminosas, a estes Tranquillo Cremona dá uma caracterização patética e sensual.
Scapigliatura foi um movimento literário e artístico que se desenvolveu na Lombardia entre 1860 e 1900. Os principais expoentes foram Emilio Praga e Arrigo Boito. De: Garzanti Universal.

Giulio Monteverde, Edoardo Jenner, 1873, bronze. A escultura dá o nome ao salão. “O trabalho retrata o médico inglês, descobridor da vacina contra a varíola (1796), que realiza o experimento sobre o filho” … escultura em seu dia famosa, mesmo para o assunto, mas, certamente, tem todos os limites da escultura histórica – anedótica ”
Domenico Induno, Bollettino di Villafranca, 1861. Durante a Segunda Guerra da Independência os exércitos piemonteses e franceses avançam vitoriosos sobre os austríacos recuando, a libertação de Veneza também parece próxima quando chega a notícia de paz entre a Áustria e a França que Napoleão III assinou sem a Italianos sabendo. Na face dos patriotas, lemos a decepção pela chegada do boletim com as notícias. Observe certos detalhes que dão um tom verístico como a bandeira italiana com as cores colocadas em uma ordem errada. “Induno dá ao quadro histórico um acento de atualidade, traduz em cenas de um verismo anedótico”. De: Bucarelli, A Galeria Nacional de Arte Moderna, 1973, Istituto Poligrafico dello Stato.
Cremona quieta, os dois primos.
Antonio Fontanesi, em uma manhã de outubro.
Antonio Fontanesi, na fonte, 1865.
Antonio Fontanesi, na fonte, 1869.
Giovanni Carnovali (chamado PICCIO), Retrato de um homem no ato de escrever, 1869.
Giovanni Carnovali, Retrato do pai do baixo Marini, 1843.
Vittorio Avondo, La valle del Pussino, 1874.
Ippolito Caffi, Roma visto de Monte Mario. Um famoso pintor de paisagens, ele morreu na batalha de Lissa durante a terceira guerra da independência.

Sala Morelli (5)
A sala é inteiramente dedicada a Domenico Morelli. Nos anos setenta e oitenta do século XIX, Domenico Morelli e Filippo Palizzi são as figuras centrais do panorama artístico napolitano e meridional. Morelli (Nápoles 1826 – 1901) elaborou um estilo verístico fundado na preeminência da cor com respeito ao desenho acadêmico, ele tentou adaptar sua pintura a conteúdos ainda românticos, literários, religiosos, históricos e simbolistas. Em 1905, a galeria comprou tudo o que restou no estúdio quando o autor morreu, pinturas, desenhos, aquarelas e um grande número de desenhos. Nos anos em que Palma Bucarelli foi superintendente, duas salas foram dedicadas ao pintor. De: Encyclopedia of the Art, 2002 Garzanti.

Domenico Morelli, Tasso lê o Gerusalemme Liberata em Eleonora d’Este, 1865. “Uma das pinturas mais famosas da pintura italiana do século XIX é a cena de um melodrama, uma semelhança pode ser estabelecida com a música de Verdi” … intimista e O silêncio é a pintura de Toma, tanto é chamativo, magniloquente e às vezes retórico que de Domenico Morelli “De: Palma Bucarelli, A Galeria Nacional de Arte Moderna, 1973 Instituto do Estado Poligrafico.
É a pintura principal do salão, que pode ser vista do Salão de Hércules, colocando-se assim em conversação com as grandes obras de romantismo histórico que caracterizam esse salão. De: Colombo – Lafranconi, Guia da Galeria Nacional de Arte Moderna, 2004 Electa. Dizem que Tasso estava secretamente apaixonado por Eleonora d’Este e suas duas damas na companhia que também se chamavam Eleonora. De áudio guia disponível em Galleria em 2008.

Domenico Morelli, as tentações de Santo Antônio, 1878.
Domenico Morelli, Retrato de Bernardo Celentano, 1859.
Mario Rutelli, Retrato de Domenico Morelli, c.1884. Rutelli (Palermo 1859 – 1941) é o escultor acadêmico que criou a fonte Najadi na Piazza della Repubblica, em Roma, seu trabalho mais importante. Este é o bisavô de Francesco Rutelli, ex-prefeito de Roma.

Salão Cleópatra (6)
ESCOLAS SUL

Esta sala é dedicada a artistas que nasceram, treinaram e operaram em Nápoles ou no sul da Itália. Leva o nome do mármore de:

Alfonso Balzico, Cleópatra. Um assunto muitas vezes retratado na história da arte pelo encanto que sempre inspirou a rainha do Egito. Estamos nos anos de corte do istmo de Suez (1869), depois houve um ressurgimento de interesse e estudos sobre o antigo Egito. Observe a delicadeza da pulseira no braço e a cobra emergindo da cesta de frutas que em breve trará a morte para a jovem rainha.
Gioacchino Toma, Luisa Sanfelice na prisão, 1875. “Esta é sua obra-prima, não é uma ação dramática, mas uma condição humana”. Uma das pinturas mais famosas do século XIX italiano, uma das exposições mais importantes desta galeria. Luisa Sanfelice, patriota da república napolitana, está na prisão à espera da sentença de morte desejada pelos Bourbons, apesar de estar grávida. Nós a vemos preparando um vestido para o filho que não nascerá. “A pintura de Morelli é tão animada e teatral, como a de Toma”, também de Bucarelli, cit.
Gioacchino Toma, O guarda ao volante do enjeitado, 1887.
Gioacchino Toma, O viático do órfão, 1877.
Gioacchino Toma, Novela no convento, 1877.
Michele Cammarano, Atrium de Santa Maria Maggiore, 1868.
Michele Cammarano, Chiacchiere na praça em Piscinula, 1865.
Michele Cammarano, Caffè na Piazza San Marco.
Vincenzo Gemito, Brutus, 1871.
Antonio Mancini, Carmiella, 1870
Antonio Mancini, vendedor de cerini, 1878.
Antonio Mancini, Retrato do Barão Carlo Chiarandà, 1883.
Antonio Mancini, Nello Studio, 1875.
Antonio Mancini, Il malatino, 1878.

Sala Palizzi (7)
PAISAGENS E PINTURA DE PINTURA EM NÁPOLES.

Mesmo esta sala, como as duas anteriores, é dedicada à pintura em Nápoles e no sul da Itália. Deve-se ter em mente que Nápoles era uma das maiores cidades européias do final do século XVIII. O salão também atesta a presença de pintores estrangeiros em Nápoles e a possibilidade de abertura internacional dos pintores que trabalhavam naquela cidade.

Os quatro irmãos Palizzi vieram de Abruzzo a Nápoles para estudar na Academia, onde seguiram os cursos realizados por Smargiassi, um dos pintores da escola de Posillipo. Com eles a pintura italiana faz contato com os franceses e precisamente com a escola chamada Fontainebleau ou Barbizon, do lugar onde se reuniram para pintar fora das academias. O mérito é do mais velho, José, que foi para Paris em 1844, permaneceu lá toda a sua vida. Filippo, a quem pertencem quase todas as pinturas da sala, é de longe o mais conhecido e o mais importante, tanto pela qualidade do trabalho como pela influência que teve na afirmação da corrente realista. O trabalho de Palizzi desenvolve-se, no ambiente napolitano, em antítese ao de Morelli, autor de uma pintura de história e defensora de um ideal que transcende a realidade. Em 1892, a Galeria recebeu a doação de 300 pinturas e estudos de Filippo Palizzi. É a primeira doação importante em sua história.

Giuseppe Palizzi, La foresta de Fontenbleau, 1874. A mais famosa das pinturas de Giuseppe, uma obra citada por Argan em seu manual, mencionou várias vezes.
Anton Sminck Pitloo, Castel dell’Ovo em Nápoles, 1820. Exemplo de presença artística internacional em Nápoles. Ao redor dele, holandês, formou-se a escola de Posillipo. De: Colombo – Lafranconi, Guia da Galeria Nacional de Arte Moderna, 2004 Electa.
Eduardo Dalbono, La terrazza, 1867. Em que a composição perspectiva com planos de luz é tipicamente macchiaiola.
Filippo Palizzi, Paisagem após a chuva, 1860. Citado por Argan em seu manual.
Filippo Palizzi, Viottolo com padre ou Viottolo entre duas paredes, figura de padre na parte de trás (Cava).
Filippo Palizzi, Estudos de Garibaldi e Soldados, 1860.
Giacinto Gigante, Marina di Sorrento, 1840. Influenciada por Turner.
Giacinto Gigante, Mercado no porto de Castellammare, 1859.
Giacinto Gigante, Marina di Posillipo, 1828 -30.

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