Escultura francesa no século XIX

A escultura francesa do século XIX é a produção estatuária e escultórica na França entre 1801 e 1901. É caracterizada pela diversidade de correntes e estilos, do neoclassicismo do início do século, na Art Nouveau e Modernismo do final do século.

A escultura francesa do século XIX é marcada por uma produção muito importante induzida por ordens oficiais relacionadas às transformações urbanas e à secularização da vida pública: cidades e governos, particularmente com Napoleão III e a Terceira República, competem nessa área. campo. A ascensão de uma burguesia rica também participa da moda da estatuária com monumentos funerários privados e do gosto por pequenas moedas de bronze que muitos escultores de animais fazem uma especialidade.

Grandes artistas marcam o século como François Rude, David de Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Bartholdi, Jules Dalou, Auguste Rodin e Camille Claudel.

Vários pintores também praticaram escultura, incluindo Honoré Daumier, Gustave Dore, Jean-Léon Gerome, Edgar Degas e Paul Gauguin. Algumas esculturas deste século fizeram escândalo em suas exposições, Satyr e Bacchante por Pradier em 1834 Killing of Préault no mesmo ano, Mulher mordida por uma cobra de Auguste Clésinger em 1847, Gorilla retirando uma mulher negra de Emmanuel Frémiet em 1859, The Carpeaux Dança em 1869, o dançarino de Degas, de 14 anos, em 1881, e o Monumento a Balzac de Rodin, em 1897.

O fenômeno da escultura francesa do século XIX
O fenômeno da escultura francesa do século XIX. atraiu contemporâneos. A luta com métodos e imagens ultrapassados ​​do academicismo e do classicismo na escultura do país nunca terminou em uma vitória por parte das correntes estilísticas mais recentes, embora tenha dado uma dramática história. O academismo foi ativamente e materialmente apoiado pelos governos e pela Academia de Artes de Paris, que alimentou sua existência por cem anos e recrutou em suas próprias fileiras um exército de artistas de vários talentos. O apoio do Estado para o desenvolvimento da escultura criou condições favoráveis ​​para ela, o que não estava em nenhum dos países de então. O ímpeto para isso foi uma campanha para a construção de edifícios triunfantes e socialmente significativos, o rápido desenvolvimento do comércio capitalista apesar da guerra e da revolução, a prática de exibições mundiais, decididas pela burguesia, está convencida de seu próprio poder.

Assim, o escultor Eugène Guillaume executou em 1867 uma ordem para sete seños de Napoleão Bonaparte, apresentado em vários períodos de sua vida desde sua juventude até a derrota em sua carreira política. É claro que tal série de esculturas era anacrônica e necessária apenas para o regime monárquico regular. Escultura da França do século XIX. houve uma censura tangível e pressão política.

Um dicionário enciclopédico de Broccuza e Efron chegou a listar as esculturas mais destacadas criadas após um século. Na lista caiu

“Jeanne d’Arc sente a voz de Deus” – bronze, sc. Henry Chapa
“Psique Abandonada por Eroth” – mármore, Carre Bellaz Albert-Ernest
“A fonte da poesia” – mármore, sc. Eugene Guillaume
“Menina no poço” – mármore, sk. Shaneverk
“Dream” – mármore, sk. Maturen Moro
«Gloria victis» – bronze, Reino Unido. Antonin Mercier,
“Retary” (gladiador com uma grade e tridente) Antony Noel

As Alegorias da Fé, Amor, Coragem dos Soldados e Virtude Cívica são quatro esculturas de bronze executadas por Paul Dubois para a lápide do General LaMorisier na Catedral de Nantes.
A lista de esculturas excepcionais incluía a “Marselha” de Ryuda (a melhor em termos de esculturas do século), mas sob os nomes cotidianos “O Chamado à Batalha” ou “Discurso à Campanha Voluntária em 1792”, que neutralizou sua conteúdo revolucionário e traduziu-o em um lar e politicamente seguro.

Uma vez no centro do distrito aristocrático de Paris, “Marselha” François Rhuda ficou no exame e no centro da capital francesa, e o exame é às vezes. O relevo tornou-se o trabalho central do próprio escultor e um significativo trabalho monumental dos plásticos franceses de todo o século XIX. Tudo isso – em contraste com a maioria dos produtos esculturais.

No entanto, estimativas elevadas desta lista de esculturas perderam a sua relevância devido à censura do dicionário e à pequena qualidade artística das próprias obras. Dicionário pateticamente anotado –

… o nível geral de escultura francesa durante os anos do segundo império era alto, e permanece até os dias atuais (no início do século XX). Devido ao fato de que o governo é quase o único, mas um patrono ativo deste ramo da arte, bem como a existência da academia francesa em Roma, a França ainda tem uma escola de escultores, com a qual nenhuma das escolas de outros países podem competir no que diz respeito à solidez do conhecimento, estilo de continuidade na composição e desempenho, diversidade e força do talento.
Contudo, tal avaliação era meramente uma representação da desejada. A avaliação será rejeitada e radicalmente revisada no século XX.

Períodos e estilos

Neoclassicismo
Jean-Antoine Houdon, último grande representante da escultura do século XVIII, fazendo a conexão entre classicismo e neoclassicismo, continua sua atividade até 1814, dedicando-se principalmente a bustos de retratos, incluindo o do imperador Napoleão I ao Museu de Belas Artes de Dijon. No início do século, a era napoleônica viu consolidar o neo-classicismo influenciado pelo italiano Antonio Canova. Neste momento, os principais representantes são Antoine-Denis Chaudet, Pierre Cartellier, François Joseph Bosio e Joseph Chinard. Esta corrente é expressa principalmente com as ordens oficiais do regime napoleônico, em baixos-relevos, bustos, colunas nacionais e arcos de triunfo. Continua após o Primeiro Império com o escultor James Pradier mais elegante sob a Monarquia de Julho e que, por seu estilo cheio de sensualidade e inspirações orientais, tenta uma síntese entre o classicismo e o romantismo 1. Com o neoclassicismo tardio, essa corrente se estende ao segundo Império, com Eugène Guillaume, Pierre-Jules Cavelier e Gabriel-Jules Thomas.

Joseph Chinard, A Imperatriz Josephine (1808), Londres, Victoria e Albert Museum.
Antoine-Denis Chaudet, Busto de Napoleão 1 st (1811), Paris, Museu do Louvre.
François Joseph Bosio, Hércules (1824), Paris, Museu do Louvre.
James Pradier, As Três Graças (1831), Paris, Museu do Louvre.
Eugène Guillaume, Música Instrumental (1874), Paris, ópera Garnier.

A escultura romântica
David d’Angers e François Rude são os principais representantes do romantismo na escultura. Este estilo é caracterizado pela sua sensação de movimento e sua impetuosidade, ilustrada pelo famoso alto relevo do Arco do Triunfo A Partida dos voluntários de 1792 (também chamada Marselhesa) elaborada por Rude de 1833 a 1836. David d’Angers Distinga-se especialmente através de seus retratos esculpidos, 500 medalhões em baixo-relevo, e vários bustos dos quais o monumental de Goethe é representativo. Antoine-Louis Barye em suas esculturas de animais como O Leão esmagando uma cobra, é comparável a Delacroix com suas cenas de caça 3. A escultura romântica realmente emerge no Salão de 1831, que é particularmente exposta a Orlando Furioso de Jehan Duseigneur, que lida com o tema romântico por excelência do amor leva à loucura com uma forte expressividade de pesquisa. No Salão de 1834 Auguste Préault provoca um escândalo artístico com seu baixo-relevo Tuerie. Henry de Triqueti e Félicie de Fauveau revivem o renascimento italiano para o primeiro e o gótico para o segundo, nesta paixão pela história antiga desvelou referências clássicas à antiguidade que é outra característica do romantismo.

David d’Angers, O Grande Condé (1817), Angers, Galeria David d’Angers.
François Rude, A Partida dos Voluntários de 1792 (1836), Paris, Arco do triunfo da Estrela.
Auguste Préault, Tuerie (1834), Museu de Belas Artes, Chartres.
Antoine-Louis Barye, Theseus e o Minotauro, Museu de Arte do Condado de Los Angeles.

Ecletismo
O ecletismo é o estilo em voga sob o Segundo Império e a Terceira República. Como na arquitetura, caracteriza-se pelo empréstimo de diferentes estilos do passado, da Idade Média, do Renascimento, do neoclassicismo, do neobarroco. Seu representante mais famoso é Jean-Baptiste Carpeaux, que sintetiza o espírito da Renascença e o espírito neobarroco cujo primeiro testemunho é o seu Pescador com a concha. Seu grupo Dança para a fachada da Ópera Garnier, por seu escândalo naturalista e foi considerado indecente. 6. Charles Cordier com seus bustosOrientalistas quer introduzir um “estudo das raças” por retratos de população do Sudão ou de Darfur.

Charles Cordier, Negro do Sudão (1857), Paris, Musée d’Orsay.
Alexandre Falguière, Tarsisius, mártir cristão, (1868), Paris, Musée d’Orsay.
Albert-Ernest Portador-Belleuse, Sleeping Hebe (1869), Paris, Musée d’Orsay.
Jean-Baptiste Carpeaux, A Dança (1874), Paris, ópera Garnier.
Louis-Ernest Barrias, Nature desvelando na Science (1899), Paris, Musée d’Orsay.

Acadêmico
Indicada para monumental estatuária e decoração arquitetônica, a escultura acadêmica é caracterizada pela escolha de temas alegóricos e patrióticos, e cujo estilo se aproxima do neoclassicismo tardio. Henri Chapu, aluno de Pradier, é representante do academismo alegórico. Outro representante dessa tendência, Georges Récipon cuja harmonia triunfante de carruagem da discórdia do Grand Palais é também característica do movimento neobarroco.

A chamada corrente neo-florentina, que surgiu na década de 1860 e criou uma escultura canônica elegante, refinada e elegante, foi incorporada por Paul Dubois e Toulousans Alexandre Falguière, Antonin Mercié e Laurent Marqueste.

Nascido em Colmar e marcado pela guerra franco-prussiana, Frédéric-Auguste Bartholdi produziu uma estatuária dedicada a temas patrióticos, O Leão de Belfort e Vercingetorix de Clermont-Ferrand. Ele se torna universalmente famoso com a Estátua da Liberdade. Outros escultores de monumentos patrióticos, Georges Diebolt criador do Zouave e Grenadier do Pont de l’Alma e Emmanuel Frémiet, escultor da Joana d’Arc do local das pirâmides, a estátua equestre de Napoleão, em Laffrey, e do Hipismo Estátua de Duguesclin em Dinan.

Jean-Léon Gérôme foi um dos pintores acadêmicos (com Ernest Meissonier), por ter também abordado a escultura. Seus trabalhos de inspirações antigas ou orientais usam, para alguns deles, policromia (The Bowler, Busto de Sarah Bernhardt).

Henri Chapu, Joana d’Arc (1872), Paris, Musée d’Orsay.
Emmanuel Frémiet, Monumento a Joana d’Arc (1874), Paris, Place des Pyramides.
Auguste Bartholdi, Estátua da Liberdade (1886), Nova York.
Georges Récipon, Harmony triunfando sobre a discórdia (1900), Paris, Grand Palais.
Jean-Léon Gérôme, o jogador de bola (1902), Vesoul, Museu Georges-Garret.

Realismo
O cartunista e pintor Honoré Daumier, com as celebridades da série Juste Milieu de bustos crus de argila de figuras políticas da Monarquia de Julho, e Ratapoil, estatueta anti-bonapartista de 1851, prenunciam o realismo da escultura.

Em 1847, Auguste Clésinger fez manchetes exibindo no Salon sua mulher picada por uma cobra. A arte deste escultor estava alinhada com o Romantismo tardio, mas o tratamento realista inflexível do corpo representado em todos os seus detalhes, chegando a reproduzir a celulite no alto das coxas, foi obtido por moldagem direta. do corpo do modelo Apollonie Sabatier, meia-socialite à vista na sociedade da época. O realismo da escultura, a técnica utilizada e a identidade do modelo contribuíram para o escândalo do trabalho.

O principal representante da escultura realista é Jules Dalou com obras monumentais sobre o mundo do trabalho, onde ele demonstra seus compromissos republicanos e Comunards. Ele deixou muitos estudos para um projeto do Monumento aos Trabalhadores Inacabados (Musée du Petit Palais e Musée d’Orsay), que presta homenagem ao mundo do trabalho e do campesinato. Outro escultor representativo desta corrente, o belga Constantin Meunier, cuja maior parte da sua carreira se realiza na Bélgica, fez-se conhecido em Paris exibindo no Salon de 1886 o seu Hammer. Seu baixo-relevo La Glèb, entre as coleções do Musée du Luxembourg, em 1892, o deixa como Monumento ao Trabalho póstumo.

Auguste Clésinger, Mulher picada por uma cobra (1847), Paris, Musée d’Orsay.
Honoré Daumier, Ratapoil (1850-1851), Baltimore, Museu de Arte Walters.
Constantin Meunier, O Puddler (1886), Leuven, M Museum.
Jules Dalou, Monumento a Boussingault (1895), La Plaine Saint-Denis, Conservatório Nacional de Artes e Ofícios.

História
Na virada dos séculos XVIII e XIX
A situação na indústria escultórica da França no final do século XVIII. foi complicada pelos trágicos eventos da Revolução Francesa de 1789-1793. A escultura monumental refere-se a formas de arte intensivas em capital e geralmente desaparece durante períodos de agitação popular ou revoluções. A família real da França durante a revolução foi isolada da vida política e artística, assim como a rica aristocracia que emigrou do país, salvando suas próprias vidas. Foram eles que foram os principais clientes e consumidores de escultura na França.

O país tem um número de escultores que continuam a trabalhar, mas lentamente nas áreas de não-monumental. Este é Simon Louis Bouazzo (1743-1809), ex-chefe da Fábrica de Esculturas de Sèvres, Claudion (1738-1814), autor de alegorias, phanus, nicho e bacantes no estilo do rococó e escultor Jean-Antoine Goodon (1741-1828). ). Todos viram com os próprios olhos o curso dos trágicos acontecimentos da revolução, o terror, as prisões dos ditadores da revolução, a direção, a tomada do poder pelo ambicioso general Napoleão Bonaparte.

Um lugar especial foi ocupado pelo escultor Jean-Antoine Gudon (1741-18228). Durante a sua vida, ele (como retratista) também trabalhou sob as ordens dos aristocratas (a filha de Louis XVI, princesa de Adelaide, 1777, o Louvre, o grafite de Sabran, o Museu da Turíngia), e de acordo com as ordens de algumas figuras da revolução (busto de Dumurie, 1792, Angers, busto de Mirabeau), e por ordens da nova aristocracia militar de Napoleão I Bonaparte (busto de Napoleão, Museu, Dijon). Goodon, em seu trabalho, rompeu fortemente os laços com o rococó lúdico da aristocracia francesa e avançou para a posição de realismo e corajosa restrição do classicismo com sua aspiração de esclarecimento, serviço público e heroísmo. Infelizmente, o trabalho criativo do escultor permanece não sistematizado e espalhado por diferentes continentes [2]. Apenas a criatividade de Goodon será uma ponte que ligou as melhores realizações da escultura francesa do século anterior à escultura do início do século XIX.

Início do século XIX
O começo do 19o século. foi caracterizada por um aumento na pressão oficial sobre os escultores por Napoleão e sua nova aristocracia militar. Império foi introduzido na prática artística da força. O Império Napoleônico é um estilo rígido, patético e legal, oficial, mais simbólico no retrato da frente e na escultura. Diferenciava-se marcadamente do classicismo do final do século XVIII, que foi livremente escolhido e revivido por artistas franceses em meados do século. Napoleão, como o usurpador do poder, buscou ativamente a grandeza e o halo do poder dos antigos imperadores romanos. É por isso que os artistas da França foram obrigados a assumir os modelos de arte não republicanos de Roma, mas em Roma, a era dos imperadores – oficial, moderada e fria-majestosa. Não havia império e um grau mais elevado de desenvolvimento do classicismo, desde que o Império foi imposto a Napoleão pelo Império, o classicismo no país foi restaurado e, pouco depois, renasceu no academismo do século XIX.

De maneira oficial, Antoine-Denis Schode (1763-1810), Pierre Cartelle (1757-1831), Joseph Schinard (1756-1813) e outros trabalham. Este estilo oficial foi totalmente apoiado pelo escultor François Joseph Boziio (1768-1745), que tinha cerca de dezessete anos de idade na Itália e gostava do conselho do escultor Antonio Canova. Bogio chegou em Paris apenas em 1807.

Escultores recebem ordens para a criação de arcos de triunfo, bustos de aristocracia militar e numerosos retratos oficiais do ditador Napoleão. A escultura veio com um estereótipo, a figura foi alimentada em pleno andamento com sinais de grandeza e embrulhada à maneira dos tempos antigos romanos. Poderia igualmente decorar o salão do palácio ou lápide, isto é, perder seu destino local (Napoleão-legislador, Conde François José Boseau, Túmulo de Casimiro Pierre). O tamanho de Napoleão (pequeno em altura e inclinado ao peso supérfluo) na escultura perdeu completamente os sinais da realidade e adquiriu as características de um símbolo irreal, para a criação destas esculturas o imperador não postou (Antonio Canova, “Paz Napoleão “, Academia de Brera, Milão – alta, magra, completamente nua e com uma lança na mão à maneira dos antigos tiranos).

A falsidade e o caráter decorativo generalizado também passam para o império (cf. Antoine-Denis Schode, “Homero”)

Esta linha de escultura oficial não é interrompida nem com a derrubada do império de Napoleão em 1814 (o chamado Primeiro Império) e a restauração da monarquia. Durante este período, Jean-Jacques Pradieux (1790-1852) trabalhou como francês de ascendência suíça. Os temas de suas obras – os temas da antiguidade, retratos, figuras lendárias da Idade Média.

Outro Francois Joseph Bozo vivo com a mesma diligência realizará o seio restaurado no trono real de Carlos X em 1825 e a “Apoteose da Revolução do Rei Luís XVI”, de 1826, que simbolizaria o retorno à Idade Média, ignorando mudanças significativas nas mentes dos franceses e mudanças nas leis da França, introduzidas pela revolução e a era das aventuras militares de Napoleão Bonaparte.

Escultores do período do romantismo
As posições mais consistentes do romantismo foram feitas pelos artistas da França. Foi lá que a lacuna extremamente dolorosa entre o ideal humanista e a realidade cruel do país que liderou as guerras intermináveis, sofreu com o nivelamento da personalidade e a destruição prática da geração mais jovem nas aventuras militares de Napoleão, desapontamento com as frequentes mudanças na política. poder ea falta de perspectivas de estabilidade. O romantismo da França (em oposição a outras escolas nacionais) também teve um componente social patriótico que foi totalmente incorporado por Theodore Gericco no filme “O Coelho da Medusa” e Eugène Delacroix nas pinturas “A Liberdade do Líder” e “O Líder da Medusa”. Extermínio dos gregos pelos turcos em Chios “(” Chopping on Chios “). O fenômeno único do romantismo francês e europeu foi o baixo-relevo “Marselha”, no Arco do Triunfo, em Paris (escultor – François Ruid).

Somente com o tempo, o componente patriótico do romantismo francês deu em nada, e os artistas assumiram a posição de resistência individual à brutal realidade burguesa (Eugène Delacroix, Alfred Musset, George Sand, Stendhal, Victor Hugo, na Grã-Bretanha – George Gordon Byron , etc.).

Uma posição intermediária entre o romantismo e o classicismo tardio foi tomada pelo escultor David d’Ange (1788-1856). As preferências políticas republicanas forçaram-no a passar parte da sua vida em emigração no Reino Unido. O escultor também foi reconhecido em Paris depois de voltar para casa. Tenta domar o artista e fez o governo monárquico da França. David d’Ange recebeu um pedido de um monumento ao príncipe Conde, comandante do pátio em Versalhes. Ele trabalhou duro como mestre dos plásticos memorial e criou várias lápides de arte. Sua reputação como escultor talentoso também fortaleceu a Ordem da Legião de Honra, que ele concedeu ao poder em 1825. 1826 No ano em que ele se tornou um membro do Instituto da França.

Entre as famosas obras em Paris é um grupo escultórico para o frontão do Panteão, que virou o Império Igreja de St. Genevieve. A estilística empírica e fria da arquitetura do Panteão obrigou o artista a recorrer a uma imagem alegórica. Ele criou alegorias inspiradoras de alegoria da história entre a França e a liberdade. No estilo exuberante mas formalista do academicismo francês, as figuras realistas dos heróis do passado foram comprometidas e injustificáveis, o que se tornou mais uma indicação da profunda crise do academicismo francês em meados do século XIX.

O romantismo trouxe para a escultura um interesse no nordeste do indivíduo, suas aspirações e emoções. Em todas as capitais europeias, existem numerosos monumentos para grandes compatriotas, tanto do passado como do presente. No entanto, no campo da escultura monumental, existe um exército de artistas talentosos que podem oferecer soluções e composições exuberantes, mas banais. O valor artístico de numerosos monumentos é baixo e as exceções são poucas. A escultura monumental tornou-se um longo período de declínio na qualidade artística e declínio. Em geral, a escultura da Europa Ocidental, que era quase inteiramente dependente de gostos oficiais e fundos públicos, estava significativamente atrasada no desenvolvimento e no significado artístico da pintura contemporânea.

Monarquia e escultura de julho
A monarquia de julho (1830-1848) é um governo que tomou o poder na França após a Revolução de Julho de 1830. Vlad era apropriadamente chamado de “reino dos banqueiros”, já que apenas a burguesia fazia parte do governo. O orçamento do Estado se transformou em uma fonte de renda apenas para os banqueiros-financiadores, que receberam enormes empréstimos e subsídios através dele. Os banqueiros, usando laços estreitos com o novo governo, juntamente com o rei, desempenharam com sucesso o mercado de ações, especulando sobre títulos do governo e ações de empresas privadas. Eles tentaram de todas as maneiras interferir com os defensores franceses da monarquia da dinastia Bourbon, pois insistentemente exigiam o retorno do poder e da riqueza.

Para este período houve a criação de uma série escultórica “Rainha da França e mulheres glorificadas”. Eles só queriam dizer a rainha e as mulheres gloriosas da França. A série tinha vinte esculturas de mármore de altura total. Louis-Philippe I, o último monarca com o título de rei no trono francês, fez uma escolha digna de uma série de pessoas. Surpreendentemente, Zhanna d’Arc, uma camponesa, chegou à lista de rainhas e santos.

Regras sob o título do francês de 1830 a 1848. Ele era um representante da dinastia de Orleans, após a Revolução de Julho, que o levou ao poder, chamou-se um “rei-cidadão” para se manter no poder. Ele forneceu financiamento para a caminhada. Um número de pessoas medievais chegou à lista de esculturas criadas, retratos realistas dos quais não existiram e não puderam ser criados durante a Idade Média. Escultores franceses criaram figuras de fantasia a seu critério. Monótonas e decorativas, esculturas das rainhas da França e celebradas mulheres decoravam o parterre e imaginavam a lagoa em frente à fachada do Palácio de Luxemburgo, que então usava para o trabalho do Senado. A maioria das figuras pseudo-históricas foram criadas por volta de 1843, cada uma custando 12.000 ao Tesouro do Estado. A revolta e a revolução de 1848 forçaram o “rei-cidadão” a renunciar ao trono. O resto da vida viveu Louis-Philippe I no exílio no Reino Unido.

Declínio na segunda metade do século XIX
O declínio de idéias na escultura foi particularmente notável em meados do século. Quantidades significativas de dinheiro gastas pelos governos em ordens escultóricas contribuíram para as condições em que uma multidão de artistas talentosos, ávidos por dinheiro e sinais externos de sucesso burguês se apressavam para esculturas. Diferentes sistemas estilísticos poderiam ser usados ​​na obra escultórica: classicismo tardio, academismo, características do realismo, feitas a partir da observação cuidadosa da realidade. Embrulhado mix estilístico, conhecido como ecletismo.

Entre os patronos e clientes do escultor, Antoine Bari é o príncipe Ferdinand Philip of Orleans. A proximidade com as antigas famílias monárquicas da França levou ao recebimento pelo escultor de ordens para o monumento a Napoleão Bonaparte (um modelo preservado no Museu d’Orsa), a escultura de cavalo de Napoleão III para o portão do Louvre, ordenando quatro esculturas alegóricas (“Paz”, “Guerra”, “Força”, “Ordem”) para a decoração do novo Palácio do Louvre. Sua maneira artística era formada pela observação da realidade, tinha uma direção puramente realista, que rompeu sua conexão com o então dominante academicismo.

O declínio da escultura atrai a atenção dos trabalhadores de arte que se tornaram famosos em outros campos. Entre eles está o artista e artista gráfico Gustav Dore (1832-1883).

Gustave Dora tornou-se o exemplo perfeito do domínio escultórico da escultura do gabinete “O Parque e o Amor de Eroth” ou “O Amor nas Mãos do Destino”. Um desenhista virtuoso com uma imaginação artística desenvolvida, ele suportou toda a habilidade em recriar as figuras alegóricas de Parks e Eroth. Na escultura, Dore arquivou apenas o último parque, que ameaçadoramente mantém o alerta da tesoura. Juntamente com Eroth, eles olham em uma direção, como se estivessem observando a próxima vítima. A mão de Erota pode ter sido armada com um arco, porque um tremor com flechas caídas aos pés de uma deusa. O artista recriou cuidadosamente o rosto do velho. Parques com bochechas caídas e pescoço enrugado, que contrastam com a juventude de um adolescente alado. Imagens inspiradas e figuras alegóricas cuidadosamente reproduzidas e detalhes do grupo escultural (Parques de capa de chuva pesados ​​reminiscentes do Manto da Morte, aljava de flechas, atributo de relógio de areia destrutivo deus Chronos) trouxeram o grupo acadêmico estilisticamente escultural ao nível de verdadeiras obras-primas que eram raras.

Escultura do impressionismo
O Impressionismo, essencialmente pictórico, encontra equivalências na escultura, pela técnica da modelagem e pelo tratamento de superfície espontâneo. Dois artistas da pintura representam esta tendência na escultura, Edgar Degas e Auguste Renoir. Degas criou polêmica com sua pequena dançarina de 14 anos cujo realismo chocou os contemporâneos. Única escultura a ser exposta, deixa após sua morte uma série de ceras modeladas por representantes de estudos de movimento, que foram fundidos em bronze. Outro representante desta tendência, o francês naturalizado italiano Medardo Rosso, cujas esculturas levam para o título: Impressão de mulher sob um guarda-chuva, ou Impressão em ônibus. Seu trabalho poderia ter influenciado Rodin quando ele estava trabalhando em seu Balzac

Edgar Degas, Grande Arabesque, Museu de Arte do Condado de Los Angeles.
Edgar Degas, Dançarino Pequeno de Quatorze anos, Copenhaga, Ny Carlsberg Glyptotek.
Medardo Rosso, Chefe da Criança (1892-1893), Buenos Aires, Museu Nacional de Belas Artes da Argentina.
Auguste Renoir, Busto de Coco (1908), Frankfurt-am-Main, Museu Städel.

Simbolismo
Origem artística de origem literária, o simbolismo também encontrou na escultura um modo de expressão. Estilo imbuído de liberdade, é principalmente com os altos e baixos-relevos que se expressa totalmente. Encontra-se em particular, nos monumentos funerários. Albert Bartholome deixa muitas obras representativas, incluindo o memorial de guerra cemitério Pere Lachaise e máscaras de bronze inspiradas na arte japonesa 18. Também influenciado pela arte japonesa, através de suas máscaras de cerâmica, Jean Carriès marcou o 1881 vivendo com seu decapitado chefe de Charles I em bronze. Com a Porte de l’enfer Auguste Rodin como para ele, realiza o monumento do simbolismo na escultura. Outros representantes, Pierre Roche fez a transição do simbolismo de seus temas e Art Nouveau em grande estilo.

Albert Bartholomew, Memorial de Guerra (1899), Paris, Cemitério Père-Lachaise.
Jean Carriès, Máscara de horror, Paris, Petit Palais.
Auguste Rodin, O Portão do Inferno, Paris, Musée Rodin.
Pierre Roche, o esforço (por volta de 1900), jardim de Paris, Luxemburgo.

Arte Nova
O extremo do século coincide com o aparecimento da Art Nouveau, cujas principais expressões da escultura na França são principalmente decorativas, com artistas como Raoul Larche, Agathon Leonard ou François-Rupert Carabin.

Raoul Larche, Loie Fuller (c. 1896), Instituto de Arte Dayton.
Pierre Roche, Loie Fuller (cerca de 1901), Museu de Artes Decorativas de Paris.
Leonard Agathon, Scarf Dancer (cerca de 1900), Rijksmuseum Amsterdam.
François-Rupert Carabin, Piano (1900), Museu de Artes Decorativas de Paris.

Escultura moderna
Auguste Rodin, escultor que abordou o neobarroco, o simbolismo e o realismo, é considerado o inventor da escultura moderna. Com seu Monumento em Balzac, ele exibiu seu manifesto de modernidade na escultura e causou um escândalo durante sua apresentação pública. Seus discípulos Camille Claudel e Antoine Bourdelle, especialmente com Hercules the Archer (1910), garantem a transição para o século XX.

Auguste Rodin, O Burguês de Calais (1889), Paris, Musée Rodin.
Auguste Rodin, Monumento a Balzac (1898), Paris, Musée Rodin.
Antoine Bourdelle Grande guerreiro de Montauban (1898-1900), museu-jardim departamental Bourdelle d’Egreville.
Camille Claudel, A Idade da Parede (1899), Paris, musée Rodin.