O romantismo francês refere-se à era romântica da literatura e da arte francesas da segunda metade do século XVIII à primeira metade do século XIX.

Classificação conceitual
“Romantismo francês” significa não apenas o movimento literário, mas também a visão de mundo, época, escola e estilo. Inclui todos os gêneros e artes. A classificação temporal é aproximadamente entre 1750 e 1850.

O significado atual da palavra “romântico” difere consideravelmente do primeiro. Em inglês, “romântico” significava algo como “à maneira romana”, que se referia ao “romance”, que se referia a um gênero literário da Idade Média, escrito em vernáculo romanche e não em latim, contando heróis e sentimentos. Os românticos alemães também associavam “romântico” sobretudo a “medieval” e “cristão”. Na França, o movimento do romantismo atrasou-se em ganhar terreno em comparação com os vizinhos (por razões explicadas abaixo).

Romance é geralmente entendido como uma mudança para a sensibilidade, natureza, sentimento, fantástico, sonho, inconsciente, sublime, passado e exótico. O amplo espectro desses elementos ilustra a orientação universal-poética e liberal do Romantismo: ele quer incluir todos os aspectos da natureza humana e rejeita tanto a exclusão da subjetividade através do Iluminismo, a regularidade do clássico e a relativização do indivíduo pelo revolução.

Geral
No alvorecer do século XIX, uma nova geração literária subiu ao palco e pediu uma renovação da literatura. Depois da Revolução Francesa, o indivíduo perdeu seu lugar na sociedade, a ordem política e religiosa anterior foi destruída, e a revolução e Terreur deixaram traços traumáticos. O derramamento dos grilhões do Ancien Régimesmeant para o indivíduo, tanto de libertação quanto de isolamento e desespero. Tradicionalmente, instituições normativas, como a igreja, haviam perdido a influência, de modo que os escritores viam cada vez mais a tarefa de realizar uma literatura que atendesse às condições da sociedade pós-revolucionária e romper com as regras ainda dominantes da música clássica. Já no Iluminismo surgira uma nova sensibilidade, condicionada pela mudança de situação do indivíduo na sociedade. Em particular, Jean-Jacques RousseauSarmar com a natureza, sua tendência a substituir a razão pelo sentimento e sua linguagem poética deram importantes impulsos à era pós-revolucionária. Mas as possibilidades de desenvolvimento artístico sob o regime napoleônico eram limitadas. Napoleão estava bem ciente do efeito didático-moralizador da literatura e culpava os escritos iluministas pela Revolução e suas tribulações. Ele tirou a consequência de supervisionar o trabalho artístico do Império e suprimir opiniões de oposição pela censura. Sua política cultural visava provocar um renascimento do período clássico: promovia literatura que continuava temas e formas antigas e reprimia o presente.

Semelhante à Alemanha, houve uma revolta contra a imitação da antiguidade, especialmente no final do século XVII. A discussão começou muito cedo na França com a Querelle des Anciens et des Modernes e foi levada para outros países. O verdadeiro avanço veio com os dramas de Denis Diderot.

Romantismo Primitivo
Dois autores que inicialmente acolheram o reinado de Napoleão, mas depois entraram em conflito com ele, foram François-René de Chateaubriand, que era mais conservador-aristocrático, e Anne Louise Germain de Staël, que era filha do ex-ministro da Fazenda Necker e um liberal Opinião representada.

Anne Louise Germaine de Staël
Madame de Staël publicou a escrita De la littérature em 1800, na qual concebeu a ideia de que a história de uma literatura só pode ser entendida no contexto de sua condição social e moral. Segundo Madame de Staël, instituições políticas, processos, valores em determinados momentos, leis, religiões, mas também a situação geográfica e o clima determinam a literatura de um povo. Naquela época, o público literário francês era muito franquocêntrico; A literatura francesa foi considerada a mais perfeita. Madame de Staël afirmava agora que a literatura francesa era apenas uma entre muitas, e que as literaturas do norte (especialmente o inglês e o alemão) tinham prioridade porque eram melancólicas e sonhadoras, filosóficas e liberais. Ela pediu aos franceses que não seguissem o exemplo da cultura pagã e mediterrânea em direção à cultura antiga e cristã-germânica da Idade Média. Isso foi considerado uma provocação monstruosa. Madame de Staël recebeu críticas muito hostis. Em 1803 ela foi banida por causa da resistência conspiratória a Napoleão. Ela usou esse tempo para uma longa estadia na Alemanha, onde ela e outros. uma. August Wilhelm Schlegel, a quem ela contratou como tutora e levou para o seu castelo em Coppet (Suíça). Coppet tornou-se o centro de uma troca intelectual animada, onde muitos líderes se reuniram e reuniram novos impulsos.

Em 1805, Madame de Staël viajou com Schlegel para a Itália, onde encontrou inspiração para seu romance Corinne (1807). Em 1810, sua obra mais famosa sobre a Alemanha (De l’Allemagne), que foi imediatamente banida; Madame de Staël teve que se exilar novamente. Neste livro, ela descreveu suas impressões sobre a Alemanha e ficou entusiasmada com a literatura romântica alemã, especialmente seu entusiasmo e seriedade. Ela resumiu que, apesar da impotência política e das condições sociais ultrapassadas, uma literatura moderna foi criada na Alemanha, enquanto a França congelou em sua imitação do período clássico. O livro apareceu alguns anos depois na França e inspirou muitos jovens através da imagem de conto de fadas da Alemanha. Romântico recebeu um novo significado e fascínio: já não era apenas sinónimo de “cristão” e “medieval”, mas também de “germânico”, “folclórico” e “moderno”. De l’Allemagne Durante décadas, a imagem alemã da França foi moldá-las e disfarçá-las por tanto tempo que o país vizinho estava prestes a se tornar uma força militar perigosa.

François-René de Chateaubriand
O significado de Chateaubriand está acima de tudo no desenvolvimento de idéias poéticas e no enriquecimento da língua francesa através de descrições da natureza até então desconhecidas. Ele reconheceu a importância da revolução, mas viu nela uma destruição da tradição cristã. Ele próprio sentiu desenraizado toda a sua vida e foi marcado por uma melancolia inexplicável. Em 1798/99, ele renovou sua fé cristã após severos golpes e decidiu escrever um pedido de desculpas do cristianismo (o que certamente teve motivos profissionais, já que ele imaginava uma carreira no serviço civil e sabia-se que Napoleão aspirava à pura institucionalização da Igreja) . Em 1802 Le génie du christianisme apareceu, Nele ele tentou compreender a causa dos efeitos: da beleza dos fenômenos naturais, ele concluiu a existência de Deus. Além disso, ele não derivou a posição proeminente do cristianismo de sua origem divina, mas da atratividade do ensino. Somente a religião pode preservar o equilíbrio interno do homem e criar ordem. A religião cristã inspira as artes através das imagens e da beleza de seus ensinamentos. As novelas René e Atala foram originalmente planejadas para aparecer no contexto deste trabalho e ilustrar as teses do Génie, mas foram removidas e publicadas individualmente. Estas obras foram extremamente bem sucedidas e contribuíram significativamente para a recristianização.

Avanço do Romantismo
Após a abdicação de Napoleão, durante a liberdade temporária de expressão, o debate literário público e assim o confronto das frentes ideológicas (“les deux Frances”) se instalaram novamente: por um lado estavam as ultras (monarquistas ou legitimistas que desejavam um retorno do ancien régime) que incluía jovens aspirantes a poetas como Victor Hugo, Alphonse de Lamartine e Alfred de Vigny. Seus adversários eram os liberais como Stendhal e Prosper Mérimé que preferiam uma monarquia constitucional. Ironicamente, os monarquistas conservadores a princípio defenderam uma partida do clássico, enquanto os clássicos geralmente estavam entre os liberais. Somente após a ascensão ao poder, Charles X. (1824) mudou isso e os românticos gradualmente se uniram nos chamados “cenáculos” com uma atitude liberal.

Lamartine publicou em 1820 com sucesso esmagador sua coleção de poesia romântica Méditations, cuja novela poesia inspirou a juventude e seu sucesso continuou com Hugo Odes (1822). A Academia Francesa, no entanto, atacou duramente os românticos, chamando-os de “bárbaros” e “seitas”. Isto foi seguido por uma troca literária, que caiu como um battaille romantique na história e foi executada principalmente no teatro. Em 1823 e 1825, Stendhal escreveu o ensaio Racine et Shakespearein, no qual ele atacou a falsidade, a rigidez e a artificialidade do teatro clássico, que considerou especialmente entediante. Ele exigiu um drama romântico em prosa (em vez do verso Alexandrino planejado) que romperia com as regras clássicas das três unidades e, assim, seria capaz de descrever conflitos e épocas contemporâneas. Ele equiparava o romantismo à modernidade e declarava que todos os grandes poetas eram românticos em seus dias.

Em 1827, Hugo escreveu a peça Cromwell, cujo prefácio se tornou um manifesto do romantismo, pois ilustra suas teses excelentemente. Nisto ele também pediu um drama moderno, estabelecendo a teoria dos três períodos, segundo a qual as letras do passado, o épico da antiguidade e o drama dos tempos modernos pertencem. Acima de tudo, ele propagou uma “mélange des genres” que combina épico, drama e poesia – todos os aspectos da natureza humana devem ser integrados, o belo e o feio assim como o sublime e o grotesco. Ele elogiou o cristianismo porque entendeu a dualidade do homem, um ser composto de dois elementos (o belo e o feio). Hugo reivindicou por si mesmo a liberdade poética completa. O clímax do confronto entre clássicos e românticos formou o “Bataille d’Hernani” na performance da peça Hernani de Hugo, na qual os partidários de seus romances românticos disputavam com os oponentes em voz alta na platéia e, eventualmente, carregavam vitória esmagadora.

A segunda geração do romantismo
Em 1830, mais agitação política e social ocorreu durante a Revolução de Julho; Os românticos da primeira geração foram entretanto estabelecidos. Enquanto o romantismo inicial se concentrava na posição do indivíduo na sociedade e na representação de seus estados mentais apaixonados, os crescentes conflitos sociais da industrialização levaram alguns dos românticos, como Victor Hugo e Alphonse de Lamartine, a recorrer a problemas sociais. Os poetas mais jovens (“segunda geração”), como Théophile Gautier, Paul de Musset e Charles Nodier, no entanto, estavam após a tomada de poder pela burguesia, a quem odiavam, profundamente desapontada. Eles carregavam seu desprezo manifestamente para fora através de comportamento provocativo, roupas, etc. A crescente comercialização da arte frequentemente os forçava a se envolver em atividades jornalísticas para ganhar dinheiro – uma circunstância que era repugnante para eles. Em contraste com o conceito de arte social, eles desenvolveram uma direção da arte elitista para a arte, arte em prol da arte (e não por consideração à sociedade). Em última análise, o drama romântico falhou, após o fracasso de Les Burgraves (1843) de Hugo foi inconfundível. Por um lado, não podia se estabelecer entre o público, porque era apenas burguês e mais inclinado à música clássica; por outro lado, a censura não permitia a plena implementação do drama romântico contemporâneo (Hugos Marion Delorme e Le roi s’amuse foram banidos).

Romantismo na arte francesa
A discussão de clássicos e românticos não era apenas literária; também ocorreu na arte, e o paralelismo é notável entre os dois domínios, artístico e literário.

The Empire Art
O romantismo literário foi anunciado no início do século pelo Genie du Christianisme (1802). Quase na mesma época (1804), a Jaffa de Gruppos de Gros anunciara o romantismo artístico. Mas de ambos os lados só havia sido uma corneta sem o eco imediato; o movimento real deveria ocorrer apenas quinze anos depois, em uma segunda ligação. Nesse meio tempo, “o império de arte” de Pierre Guerin e Gerard era o que estava na literatura a poesia de Delille, Fontanes e Nepomucene Lemercier. A estética de David, erigida como uma pedagogia estreita e peculiar, Consulado um selo oficial e arte, como literatura, obedecia cada vez mais ao gosto pessoal de Napoleão.

A princípio, o gosto da arte romana dominou, e toda uma geração começou a construir, esculpir e pintar no estilo do arco de triunfo de Septímio Severo e dos baixos-relevos da coluna de Trajano.

Mais tarde, quando o mestre ergueu a águia romana sobre todas as nações da Europa, o campo dessa arte, já tão limitado, se estreita novamente, e a arte oficial emprestou todos os seus temas do ciclo imperial. Daí essas alegorias, ainda mais frias que as do Antigo Regime, essa prodigalidade de atributos bélicos, aquele gosto do seco, do duro e do tenso que, das proclamações do Imperador, passava por todos os motivos decorativos. Tudo está agora com troféus, capacetes e espadas, e até mesmo nas linhas geométricas das linhas de móveis de mogno, o metal de cobre dourado todo militar, brilham em esfinge, obeliscos e piramidias.

Sinais de Alerta de uma Transformação Futura
No entanto, a arte, como a literatura, não podia escapar da influência de novas respirações. Entre os alunos de David, mais do que um estava tentando um casamento entre a forma antiga e o sentimento moderno, entre o clássico e o romântico;

como Girodet em seu Funeral de Atala (1808), especialmente Prud’hon em sua tela dramática de Justiça e Vingança Divina perseguindo o crime (1808). Energia escura da composição, gestos dos personagens não tendo nada de acordado nem esperado, subordinação do drama da ação ao drama da luz, todo o romantismo foi neste quadro, seguido logo de um Cristo na cruz da expressão mais comovente .

A revolução romântica
A exposição da Jangada da Médse de Géricault no Salão de 1819 é o sinal do ataque romântico contra as obras frias e formais da “arte heróica”. Essa tela de um jovem artista, desconhecida no dia anterior, lança o terror no campo clássico. Os acadêmicos estão à distância. Atrás de Géricault, eles se sentem repreendendo uma regra juvenil bataliente e inquietante.

Em 1822, na verdade, Delacroix expõe Dante e Virgílio ao inferno, uma obra cheia de ardor e de uma cor de prestígio, que põe fim à ira dos clássicos e afirma o sucesso da nova pintura. Em vão Géricault cairá aos trinta e três em 1824; Delacroix o sucede como porta-bandeiras da nova escola, da qual La Bataille de Nancy é um excelente exemplo.

Duas datas marcam os últimos e triunfais estágios, 1824 e 1827:

No Salão de 1824, ao lado do Massacre de Scio de Delacroix; uma tela quebrada, escovada por algum inimigo furioso, a falange de artistas inovadores estava brilhando: Ary Scheffer com um assunto nacional, The Death of Gaston de Foix; Eugene Devéria com uma Madona romântica; Champmartin com seu Massacre des Innocents colorido; Léopold Robert com este improvisador napolitano que parece inspirado por Corinne de Germaine de Staël.

Em 1827, os vencedores terminaram esmagando o “rabo de Davi”. Delacroix exibe sua deslumbrante Sardanapale, Louis Boulanger seu Mazeppa, Ary Scheffer suas dolorosas mulheres Souliot, enquanto Decamps, em suas primeiras pinturas exóticas, prelúdio para a conquista do Oriente. Por contras, é verdade, a Apoteose de Homero por Ingres incluída na mesma sala; mas Apoteose revelou um Ingres inesperado, tocado pelo art nouveau. Quanto às pinturas dos últimos clássicos, o Wattelet e o Turpin de Crisse, a comparação voltou-se para a confusão deles.

Assim, a pintura romântica triunfou ao longo de toda a linha. Em três passos, ela estava no gol. Ela distanciou a literatura, que ainda estava esperando por seu manifesto; mas ela ajudou a chocar este manifesto, ela preparou para isso o espírito público.

Relatório de arte e literatura romântica
A arte romântica, como a literatura, tomou em primeiro lugar o oposto da arte clássica. Foi uma reação contra a fórmula da técnica anterior, e essa reação foi a conseqüência lógica daquele individualismo que, quebrando os estreitos moldes das antigas doutrinas, havia criado o pensamento moderno. Na arte, como na literatura, era necessário reconhecer que as velhas regras não se baseavam em nenhum fundamento sólido e que o único agente vital era a liberdade. E o romantismo artístico, como o romantismo literário, proclamava que “tudo o que tem vida tem razão”.

Pela primeira vez, a vida natural era uma arte envelhecida e enfraquecida; Pela primeira vez, a arte deixou a estufa do estúdio para viver a atmosfera comum e respirar o ar dos tempos. Em busca do rejuvenescimento, dirigiu-se a tudo o que poderia infundir-lhe uma nova seiva: a história, recém-exumada; à nova literatura, adornada com seu estranho brilho; para mundos fabulosos, reais ou imaginários; aos sonhos do Oriente, às ficções germânicas.

A prosa harmoniosa de Chateaubriand, suas visões exóticas, sua América, sua Germania, seus bardos celtas, suas catedrais, seu “cristianismo de sinos”, despertam nos artistas uma alma que não conheciam, e que eles aplicam para traduzir. Atala, René, o Gênio do Cristianismo, os Mártires, são para Girodet e seus emuladores uma mina inesgotável de temas artísticos.

Por seu turno, Me de Stael descobriu o entusiasmo, instalado como rei no campo da mente, e torna a excitação sinónimo de inspiração. Por outro lado, empurrando a idéia do Genie du Christianisme, ela convida nossos artistas a se afastarem da Antigüidade para procurar por assuntos que pertencem à nossa própria história ou à nossa própria religião; ela os joga na vida, empurra-os para a Alemanha e a Itália.

A literatura e a arte são uma neste momento, há muita coesão entre as várias formas de pensamento, que não é vista aqui desde a Idade Média.

Victor Hugo, que veio depois e lançou seu manifesto quando Géricault e Delacroix já venceram a batalha decisiva, assegura as posições da arte romântica reforçando com uma autoridade doutrinal os efeitos que os pintores haviam instintivamente encontrado, e sela o acordo definitivo da literatura. e arte no princípio essencial de que tudo o que está na natureza está na arte.

Para essas influências francesas são adicionadas influências estrangeiras. Faust, mal traduzido por Albert Stapfer, encontra em Delacroix um ilustrador magistral. O mesmo Delacroix desenha com as duas mãos em Shakespeare, junto com Chasseriau e muitos outros. Quanto a Hoffmann, cujo Fantastic Tales tem alucinado toda uma geração, seu humor vai para os frontispícios cheios de Nanteuil e para as composições de Gigoux e Johannot.

A briga do desenho e a cor: Ingres e Delacroix
O infortúnio da arte romântica foi que rapidamente passou da inspiração para a rotina. Já em 1827, Jal, em seu relato do salão, profere o grito de alarme; mais estudos, a pintura é abandonada, a composição macia, a ciência nula; “A cor não é mais, na maioria dos inovadores, um sentimento íntimo, do que o desenho foi nos alunos da escola de estilo.”

Os artistas só mudaram de convenções; eles adotaram apenas os mais fáceis. É então que o relaxamento dos estudos suscita ao romantismo o útil adversário que mostrará a necessidade de um ensino sólido. Ingres (1781-1867) designou-se para este papel com a Apoteose de Homero. “Este trabalho abertamente restaurou em 1827 tudo o que a nova escola afetou a desprezar. Não era mais, é verdade, a pintura de David no estilo de baixo-relevo, o falso grego, a ênfase acadêmica; era a escola romana reintegrada como Um exemplo, Rafael nomeou como o mestre a seguir, as leis da composição entraram em vigor, o desenho defendido como a alma da pintura, a cor tratada como um acessório, a elevação do estilo e do pensamento designados como a meta suprema da arte. (Rocheblave).

Então a famosa briga de desenho e cor irrompe. A arte está no desenho? Está na cor? A linha é mais expressiva que o efeito? É mais preciso? É a eterna dissensão do desenhista e do pintor, o observador frio e o colorista apaixonado. Sem tentar resolvê-lo aqui, podemos dizer que o mal-entendido que separou Ingres e Delacroix deriva menos da verdade ou do erro das teorias que eles sustentam do que da oposição de seus temperamentos. Um é frio, o outro é apaixonado; um metódico e pensativo, o outro entusiasta e do primeiro movimento; procura-se pura beleza, mas, sendo capaz de purificá-lo, congela-o; o outro não procura até agora, e se não atingir a beleza majestosa e serena,

E por trinta anos continua entre esses dois homens uma notável antítese, desde a Apoteose de Homero, oposta à tomada de Constantinopla pelos cruzados, até a Apoteose de Napoleão e o Triunfo da paz, expostos ao mesmo tempo em 1854! Cada um deles reflete em uma das grandes faces da arte. No entanto, se considerarmos as obras mais do que as idéias, o poder mais do que a doutrina, sem dúvida: o desenhista de Édipo adivinhando o enigma da Esfinge e da Fonte Com toda sua ciência e precisão, não vale a pena o incomparável criador Delacroix. “Profundo pensador, alma atormentada, Delacroix é só romantismo que faz arte. Com a ponta do seu pincel, ele move a humanidade para o coração. Ele realmente, sozinho em seu tempo, o dom da magia, da evocação a Shakespeare, é que ele cria estas formas dolorosas, terríveis, como a Medéia, que arrebatou a Victor Hugo este grito: “Sê orgulhosa, és irresistivelmente feia! “ou que ele escreve a lenda dos séculos à sua maneira em páginas como a Batalha de Taillebourg” (Rocheblave).

A escultura romântica
Enquanto na pintura a disputa surgiu entre o desenho e a cor, na escultura surgiu a questão entre o antigo e o moderno. Nossos escultores também queriam um rejuvenescimento.

Mas o romantismo na escultura não apareceu até muito tarde, por volta de 1830, e durou pouco. Até então os artistas, sem ousar romper com o cânone tradicional, estavam apenas tentando acentuar o movimento das linhas ou dar-lhes mais flexibilidade: a quadriga do Carrossel de Bossio, o Spartacus de Foyatier, o Corredor da Maratona de Cortot. ainda mostra apenas um caminho tímido para a liberdade.

Os escultores verdadeiramente românticos se entregam aos seus assuntos: a literatura moderna, a Idade Média e a Bíblia fornecem quase todos. Jehan Du Seigneur expõe em 1831 um furioso Roland nu e epiléptico, e em 1833 um Quasimodo e Esmeralda; Étex dá em 1833 um Caim desgrenhado e uma Françoise de Rimini; Preah, o tipo do escultor romântico, com seu cinzel truculento, tem descobertas fúnebres, como sua famosa máscara do silêncio, ou efeitos shakespearianos como a Ophelia afogada do museu de Marselha; Drouet [Qual?] Esculpa em 1836 um Chactas curioso pela busca das particularidades étnicas; No mesmo ano, Rude explodiu no Arco do Triunfo sua Marselhesa gritando o hino da liberdade, a escultura trêmula da vida, uma das maiores páginas escultóricas do século; ao mesmo tempo, Barye cria uma escultura animal que nenhuma nação possui.

Mas o escultor romântico é David d’Angers (1788-1856), o artista exaltado por Vigny, celebrado por Hugo, e tão unido ao Cenáculo que deixou em mármore a efígie de todos os seus membros. Romântico, ele era de coração e mente, aquele que, da sala de estar de 1824, entregou a Delacroix a luta romântica com sua morte de Bonchamp, ainda clássica pelo nu, mas romântica pelo sotaque e gesto; ele que estava em mármore ou bronze fundido Victor Hugo, Balzac, Goethe, Gericault, Lamartine e Gautier.

A arquitetura romântica
A arquitetura não pôde escapar inteiramente das influências que transformaram a pintura e a escultura. Nesse campo, mais rígido e menos receptivo às transformações imediatas, o romantismo teve o efeito de mostrar a seca e a esterilidade da arquitetura acadêmica e de provocar a ressurreição da arquitetura francesa na Idade Média. arte chamada “gótica”, que é a arte mais lógica e homogênea que o mundo conhece desde a época de Péricles. O que estava em Notre-Dame de Paris era apenas um instinto poético e uma admiração romântica, transformada em ciência, uma doutrina fértil. Fazendo de Notre-Dame um canteiro de obras onde retomou peça por peça todo o funcionamento da catedral, Viollet-le-Duc demonstrou que o trabalho da arquitetura é uma organização completa, que deve se adaptar aos tempos, lugares, costumes, necessidades, encontrou o métodos de nossos antigos construtores, que eram a lógica e a perfeição, e inauguraram este vasto movimento de restauração que permitiu que nossas grandes catedrais e antigos castelos recuperassem toda a sua beleza imponente.

Música romântica
Ao mesmo tempo que os nossos pintores e escultores, Shakespeare, Goethe, Schiller, Byron, Chateaubriand e Victor Hugo, abriram novos horizontes para os nossos músicos.

A música italiana havia afundado pelo excesso de virtuosidade. Mehul e Cherubini deixaram de agradar. A disputa entre os gluckistas e os piccinnistas havia se voltado para os alemães e suas ricas combinações harmônicas e instrumentais: Beethoven, no início do século xix, e Weber e Schubert, estendiam indefinidamente o poder da música.

Na França, essa nova música foi inaugurada por Berlioz (1803-1869), cuja Fantástica Sinfonia e a Danação de Fausto, com suas ricas sonoridades, orquestração brilhante, ritmos por vezes suaves e poéticos, às vezes impetuosos e atormentados, criaram a escola sinfônica francesa.

No exterior, o romantismo coincidiu com o surgimento da música nacional, nutrida pelo folclore popular: assim como Chopin e Liszt, mas, mais tarde, Grieg e Rachmaninov.

O balé romântico
O período romântico é caracterizado por muitas inovações no mundo do balé:

A dançarina está agora montada em pontos que alongam as linhas e transformam a marcha. Ela usa um tutu branco, um corpete estreito e usa uma coroa de rosas brancas em seus cabelos. A bailarina é leve, arejada, sobrenatural e tem uma graça imaterial. O balé branco nasceu e dançarinos famosos como Carlotta Grisi, Marie Taglioni e Fanny Elssler cativam os espectadores em obras imortais como La Sylphide (1832) e Giselle (1841). O balé romântico encontrará um teórico na pessoa de Carlo Blasis que escreverá em 1830 seu manual completo da dança.

O sucesso do balé branco será relativamente curto e, no entanto, como o movimento literário que lhe deu origem, ele corre rapidamente para o meio do século xix.

A transformação da arte romântica
O ano de 1836 marca uma parada na fortuna da arte romântica: uma cena de Hamlet of Delacroix é recusada no Salon. Apoiado pela Academia de Belas Artes, Ingreseventualmente colocou as mãos no júri. Além disso, o romantismo artístico, que começou antes do romantismo literário, decompõe-se diante dele. Porque, como ele, o romantismo artístico era composto de vários elementos, diferentes do ponto de hostilidade, e que, aglutinados pelo encontro, mas não fundidos, tinham de ganhar cada um para isolar-se, separar-se da massa. Sentido do passado, senso do presente, ciência, cor, busca pela característica, descoberta da natureza “natural”, amor da “cor local”, todas essas descobertas do romantismo na dissolução, criarão na arte novas combinações : art «nota média» de Paul Delaroche, orientalismo de Delacroix que, fora da escola, continua a sua ascensão de, Sandy Noce, Fanatics Tangier) Sandy Theodore Rousseau, de Millet e Corot, que levam ao realismo de Courbet e ao impressionismo de Manet.

Trabalho
Os trabalhos românticos são muito diferentes; mas compartilham uma sensibilidade elevada, um entusiasmo pela natureza, um subjetivismo que coloca o “ego” no centro das atenções, a melancolia e uma mudança para o passado.

No início do romantismo ainda pode ser vista uma forte incerteza nas questões de gênero: Chateaubriands René e Atala são difíceis de classificar entre romance e romance, e o romance de 1804 publicado por Oberman de Étienne Pivert de Senancour até mesmo nega no prefácio ser um romance. O enredo em René e Atala não é muito complexo, mas reflete o estado emocionalmente agitado dos heróis. Em Oberman É impossível falar de uma ação: o protagonista escreve para um destinatário (possivelmente imaginário) que permanece tão obscuro quanto os outros personagens. Enquanto Oberman viaja para a Suíça, ele se dá reflexões filosóficas, que ele perpetua em suas cartas.

No entanto, ou talvez por causa disso, os heróis das obras em questão exemplificam o herói tipicamente romântico: tanto Oberman quanto René são atingidos por uma “tristesse d’une vague profonde”, uma melancolia inexplicável que os leva de um lugar a outro, tornando-os desesperados e condenados à inação. A causa desse estado mental é o “tempo do século”, a doença do século, desencadeada pelo trauma revolucionário, pelos conflitos não resolvidos da sociedade.

Chateaubriand queria ilustrar com René e Atala as teses de Génie du christianisme: ilustram o contraste entre a condição humana moderna e a harmonia que só a fé cristã pode transmitir. Somente a submissão às normas cristãs pode dar ao indivíduo um lugar útil na sociedade. Há também algumas contradições: a condenação dos “tempos do século” de René pelo Père Souel ocorre com muita naturalidade para parecer essencial e o cristianismo causa uma tragédia em Atala, mesmo que isso seja considerado fanatismo. Tipicamente romântico em René, Atala e Oberman são as arrebatadoras descrições da natureza, a evocação de certos estados de ânimo que sublinham o estado emocional dos personagens (por exemplo, o serviço é acompanhado pelo nascer do sol, a agonia de Atalas com uma terrível tempestade, etc. ).

Outro tópico perseguido por Madame de Staël em Corinne. Descreve os problemas de adaptação de uma jovem extremamente talentosa, que é superior ao seu ambiente em todos os aspectos e não encontra nenhuma oportunidade, sob a pressão da sociedade, para combinar sua reivindicação de atividade artística com uma vida amorosa realizada. Os personagens principais servem como representantes de um modelo político-cultural específico: Corinne significa catolicismo, Itália e liberdade, enquanto Lord Oswald personifica a Inglaterra reconhecidamente politicamente liberal, mas espiritualmente repressiva. O romance não conta apenas a trágica história de amor dos dois jovens, mas também familiariza-se com a cultura, a religião e a moralidade da Itália, que são então comparadas por considerações filosóficas com a cultura da Inglaterra e da França. Esta concepção, consequentemente, requer um afastamento do “pessoal romano” e é narrada na terceira pessoa.

A Notre Dame de Paris de Victor Hugo (1831) é a obra mais conhecida e talvez mais incompreendida do romantismo francês, devido ao título posteriormente alterado em outros países O Corcunda de Notre-Dame, que levou à concentração de atenção na figura de Quasimodo. Em contraste com o teatro romântico, onde Hugo não pôde realizar suficientemente suas ambições, as reflexões de Notre Dame refletem exatamente as idéias do “Préface de Cromwell”. A rejeição do clássico é evidente na primeira parte, já que o público prefere o desfile de idiotas como Gringoires entediante peça clássica perseguida. A mistura do sublime e do grotesco, o belo e o feio é personificada, por exemplo, pela justaposição do mensageiro deformado e da graciosa Esmeralda. Mas a catedral é a verdadeira protagonista do romance: une todos os personagens e forma o limiar entre o fim da Idade Média e a aurora dos tempos modernos. É o primeiro romance que coloca as massas das pessoas no centro da ação; o clero desumano (Claude Frollo) é punido simbolicamente pela queda na morte. Acima de tudo, o romance é um apelo à arquitetura gótica, que no início do século 19 do vandalismo foi ameaçado. Devido ao grande sucesso de Notre Dame de Paris, o interesse público na catedral aumentou e pôde ser salvo da decadência.

Romantismo e Realismo
Sob a influência do positivismo e do avanço das ciências desenvolveram-se paralelamente ao romantismo a partir de 1830 uma corrente realista na literatura, que rejeitava a especulação metafísica e, portanto, também o mundo emocional irreal dos românticos e seu subjetivismo. No entanto, o romantismo tem o mérito de atender ativamente às necessidades de seu tempo e de promover o desapego das tradições tradicionais. O romance foi, portanto, um passo importante no caminho da literatura moderna.