Moda é inspirada na arte, Attraverso arte e moda, Museu Salvatore Ferragamo

Arte e moda se enfrentaram, muitas vezes se olhando, mesmo no passado. Se os artistas são fascinados por roupas, como uma ferramenta essencial para dar realismo às suas representações, os artesãos alfaiates costumam tirar suas inspirações do mundo da arte e assumem atitudes que os igualam aos artistas. Para os estudiosos de arte, as roupas documentadas em uma pintura ajudam a namorar uma obra de arte. Por outro lado, para os historiadores da moda, o vestido pintado dá conta do movimento, gesto e inclinação de um vestido.

O itinerário da exposição se concentra no trabalho de Salvatore Ferragamo, que era fascinado e inspirado pelos movimentos de arte de vanguarda do século XX, em vários ateliês das décadas de 50 e 60 que eram locais de estudos e encontros e no advento da cultura de celebridades. Em seguida, examina a experimentação dos anos noventa e continua a ponderar se na indústria cultural contemporânea ainda podemos falar sobre dois mundos separados ou se estamos lidando com uma interação fluida de papéis.

O aspecto distintivo do layout da exposição reside na colaboração com outras instituições culturais, que participaram ativamente da implementação desse conceito com o objetivo de inspirar uma reflexão conjunta: além do Museo Salvatore Ferragamo, promotor e organizador do projeto, juntamente com o A Fundação Ferragamo, em Florença, a Biblioteca Nacional Nacional, a Galleria degli Uffizi (a Galeria de Arte Moderna do Palazzo Pitti e a Galleria del Costume), o Museo Marino Marini e em Prato o Museo del Tessuto.

Para a moda italiana, desde os primeiros debates no início do século XX sobre a necessidade de dar identidade nacional à produção de roupas em Bel Paese, a referência ao mundo da arte italiana tem sido sentida como um elemento de forte distinção em comparação à moda francesa , então prevalecendo. Fundamental nesse caminho foi o papel de Rosa Genoni, costureira, mas também professora da seção de alfaiataria da Escola Profissional Feminina de Milão. Para a Expo de Milão de 1906, ele fez duas roupas, como pôsteres programáticos de suas idéias, uma inspirada em um desenho de Pisanello preservado no Museu Condé de Chantilly e a outra no vestido de Botticelli. A capa retirada da obra de Pisanello, generosamente emprestada pela Galeria de Figurinos do Palazzo Pitti, é comparada com roupas contemporâneas inspiradas em obras de arte famosas em uma sala coberta com um artigo de Sergio Tofano, publicado em “Lidel” em 1920, onde o grande ilustrador hipotetizou roupas italianas retiradas dos afrescos de Beato Angelico e Masaccio.

O filme da Bienal de Arte e Moda de Florença, em 1996, dirigido por Germano Celant, Ingrid Sischy, Luigi Settembrini, atua como caixa de ressonância desse tema, uma grande exposição que envolveu quarenta protagonistas internacionais das artes e trinta e oito do mundo marcas de moda, em um projeto que teve como objetivo explorar e contar as influências mútuas, a relação criativa entre o universo da moda e as artes visuais, design, arquitetura, cinema, fotografia, costumes e história, colocando o tema na atenção de todos.

Durante séculos, os artistas retrataram cada detalhe minucioso das roupas que gradualmente estavam na moda, entregando-nos o testemunho visual de gestos, posturas e gostos, mas também de soluções, materiais e decorações de alfaiataria de muitos artesãos anônimos. Os artistas participaram ativamente dessa corrida de luxo, fazendo desenhos de tecidos, atacadores, bordados e até fantasias para festas e começaram o que seria comunicação de moda com obras-primas de gravura. Durante o século XIX, a moda começou a se espalhar nas cidades com a contribuição da indústria têxtil e novas formas de distribuição comercial. Foi uma metamorfose total, que também iniciou formas originais de diálogo entre arte e moda. As relações entre os dois mundos tornaram-se mais próximas e mais frequentes e as trocas não se limitavam mais à representação do mundo bonito, vestido da última moda.

Através de uma série de exemplos, a seção propõe um caminho nesse diálogo que ocorre há mais de um século.

Começamos com os artistas ingleses pré-rafaelitas, a secessão vienense de Gustav Klimt e a Wiener Werkstätte continuando com Mariano Fortuny, sem esquecer as experiências futuristas. Passamos então às experiências dos artistas que fizeram moda como Sonia Delaunay e às colaborações diretas entre artistas e criadores de moda, como Thayaht com Vionnet ou Dalí e Cocteau com Schiaparelli, até as mais recentes cooperações. É dada especial atenção aos designers que, inspirados na arte, inovaram profundamente a moda, como no caso de Yves Saint Laurent com Mondrian

O tema é realizado levando em consideração diferentes temas: os artistas que criaram alternativas às tendências atuais e os que colaboraram com a indústria da moda; os estilistas que buscavam a criatividade dos artistas, compartilhavam as propostas mais originais de algumas vanguardas, mas acima de tudo inspiradas nas formas ou superfícies de obras de todos os tempos.

Com sua presença no cenário cultural de Nova York, participando de festas, noites de abertura, retrospectivas e desfiles de moda, ele ajudou a moldar a relação entre arte, moda e celebridades que hoje reconhecemos. Esse conceito é explorado em uma série de fotografias mostrando Warhol em vários eventos sociais de Nova York e com a famosa instalação Altered Image do Makos Studio.

Não há dúvida de que, com seu trabalho, Andy Warhol desencadeou uma contribuição estética de alto impacto – e freqüentemente sacrílega -, o exemplo mais flagrante é The Souper Dress, uma destilação de moda, arte e indústria. Feito nos anos sessenta sem papel, celulose e algodão, com uma serigrafia da famosa sopa Campbell pode rotular repetidamente em sequência, este vestido está em exibição como parte da exposição.

Arte e moda
é arte da moda? Uma pergunta simples oculta o universo complexo de um relacionamento articulado que há muito tempo é investigado, mas sem chegar a uma definição clara e inequívoca. Este projeto analisa as formas de diálogo entre esses dois mundos: inspirações recíprocas, sobreposições e colaborações, das experiências dos pré-rafaelitas às do futurismo e do surrealismo à moda radical. O itinerário da exposição se concentra no trabalho de Salvatore Ferragamo, que era fascinado e inspirado pelos movimentos de arte de vanguarda do século XX, em vários ateliês das décadas de 50 e 60 que eram locais de estudos e encontros e no advento da cultura de celebridades. Em seguida, examina a experimentação dos anos noventa e continua a ponderar se na indústria cultural contemporânea ainda podemos falar sobre dois mundos separados ou se estamos lidando com uma interação fluida de papéis.

Essa questão simples oculta o universo complexo de um relacionamento articulado, que é investigado há muito tempo, sem nunca chegar a uma definição clara ou inequívoca. A moda – por sua necessidade de ser funcional e, portanto, de se referir concretamente à vida real, bem como por seu vínculo com o artesanato e a indústria – parece estar longe do ideal de art pour arte, um conceito que, no entanto, nem sempre era representativo. mesmo do mundo da arte. Andy Warhol nos ensinou que a singularidade da obra de arte não coincide mais com a produção artística e hoje as exposições de estilistas proliferam e os estilistas dão boas-vindas às práticas da arte contemporânea com disponibilidade. Ainda é possível, nesse contexto, falar da dicotomia entre arte e moda como aconteceu no século passado?

Este projeto analisa as formas de diálogo entre esses dois mundos: contaminações, sobreposições e colaborações. Das experiências dos pré-rafaelitas às do futurismo, do surrealismo à moda radical. O caminho enfoca o trabalho de Salvatore Ferragamo, fascinado e inspirado pela vanguarda artística do século XX; em alguns ateliers dos anos cinquenta e sessenta, um local de estudo e reuniões, e no nascimento da cultura da celebridade, para continuar com os experimentos dos anos noventa e nos perguntarmos se na indústria cultural contemporânea ainda podemos falar sobre dois mundos distintos, ou se, em vez disso, somos confrontados com um jogo fluido de papéis.

A peculiaridade do plano de exposições está na colaboração de várias instituições culturais e na localização da exposição em vários locais: além do Museu Salvatore Ferragamo, promotor e organizador do projeto, juntamente com a Fundação Ferragamo, eles organizam as várias exposições. em Florença, a Biblioteca Nacional Central, as Galerias degli Uffizi (Galeria de Arte Moderna do Palazzo Pitti), o Museu Marino Marini e, em Prato, o Museu Têxtil

As instituições envolvidas participaram ativamente da realização da ideia, com o objetivo de convidar uma reflexão comum.

É uma homenagem ao Museu Salvatore Ferragamo, que curou e concebeu o projeto e um símbolo: por um lado, um elemento decorativo, essencial à estética de um modelo de 1958 de Salvatore Ferragamo, o decote de Tirassegno, e, por outro, um trabalho de um dos grandes artistas americanos da segunda metade do século XX, Kenneth Noland, que foi uma inspiração.

A exposição no Museu Salvatore Ferragamo conta com quatro curadores, Stefania Ricci, diretora do Museu Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini e Alberto Salvadori, que com suas diferentes habilidades e personalidades colaboram dia após dia na construção da rota, em conjunto com os diretores e os gerentes das diversas instituições que participaram da iniciativa com entusiasmo e espírito de colaboração e com os autores do catálogo, que auxiliaram os curadores na escolha final dos trabalhos, disponibilizando seus conhecimentos e profissionais. experiências. Existem muitos empréstimos das mais prestigiadas coleções públicas e privadas, nacionais e internacionais, que dão à exposição uma sensação internacional

Museu Salvatore Ferragamo
O Museu Salvatore Ferragamo, em Florença, Itália, é um museu de moda dedicado à vida e obra do designer de sapatos italiano Salvatore Ferragamo e sua empresa de mesmo nome. O museu contém 10.000 modelos de sapatos criados e de propriedade de Ferragamo desde a década de 1920 até sua morte em 1960. Após a morte de Ferragamo, a coleção foi ampliada por sua viúva e filhos. O museu também inclui filmes, recortes de imprensa, materiais publicitários, roupas e acessórios da década de 1950 até os dias atuais.

A família Ferragamo fundou o museu em maio de 1995 para familiarizar o público internacional com as qualidades artísticas de Salvatore Ferragamo e com o papel que ele desempenhou na história não apenas dos sapatos, mas também da moda internacional.

Como a maioria dos museus corporativos, o Museo Salvatore Ferragamo e seus arquivos resultam da visão de um empreendedor. Nesse caso, a viúva de Salvatore Ferragamo, Wanda, que chefia a empresa desde a morte do fundador em 1960 e seus seis filhos. Em particular, a mais velha de seus filhos, Fiamma, que administrou o negócio principal de calçados e artigos de couro da empresa após a morte de seu pai, ficou no comando deste projeto em nome de sua família e o trouxe à vida, moldando sua estratégia com a assistência de historiadores. e arquivistas.

A idéia do museu surgiu inicialmente quando uma exposição foi organizada no Palazzo Strozzi sobre a história de Salvatore Ferragamo. A exposição saiu em turnê e foi apresentada por alguns dos museus mais prestigiados do mundo, como Victoria e Albert, em Londres, o County Museum of Los Angeles, o New York Guggenheim, a Sogetsu Kai Foundation, em Tóquio, e o Museo de Bellas. Artes no México. A exposição temporária tornou-se gradualmente permanente.

Em reconhecimento à importância cultural do museu e à de suas muitas iniciativas ao longo dos anos, em 1999, Salvatore Ferragamo recebeu o Prêmio Guggenheim Impresa e Cultura, concedido anualmente às empresas que melhor investem em cultura para fins construtivos. O museu está localizado no centro histórico de Florença, no Palazzo Spini Ferroni, que também é a sede da empresa desde 1938.