Crítica da exposição nos primeiros anos, Museu de Arte Moderna de Estocolmo, Suécia

O Museu de Arte Moderna (Moderna Museet) é um museu estadual de arte moderna e contemporânea localizado na ilha de Skeppsholmen, um cenário de belezas naturais. Inaugurado em 1958, o prédio foi projetado pelo arquiteto espanhol Rafael Moneo. Em 2009, o museu abriu uma nova filial em Malmö, no sul da Suécia, Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet é um museu estadual com mandato nacional para arte moderna e contemporânea. A coleção está na vanguarda deste tipo na Europa. O museu é um ponto de encontro de pessoas e arte com uma base sólida na sociedade e no mundo em geral. Com seu programa de exposições de classe mundial, projetos baseados em coleções e atividades educacionais, Moderna Museet tem presença local substancial e alcance internacional. O intercâmbio com outras instituições de arte ao redor do mundo é extenso.

O Museu de Arte Moderna de Estocolmo é uma autoridade administrativa estatal do Ministério da Cultura e tem, de acordo com suas instruções, a tarefa de colecionar, preservar, exibir e comunicar a arte dos séculos XX e XXI em todas as suas formas. Moderna Museet promoverá contatos internacionais através da colaboração com instituições fora da Suécia na forma de exposições itinerantes, e também será responsável pela participação sueca em bienais internacionais de arte. O Museu Moderno é também um museu central, com responsabilidade nacional na sua área.

O Moderna Museet foi inaugurado na casa de exercícios em Skeppsholmen, em 9 de maio de 1958. O Superintendente do Museu Nacional, Otte Sköld, lembrou em seu discurso inaugural que já em 1908 o problema da arte local atual no Museu Nacional havia sido resolvido a sério e a ideia de um novo prédio para essas coleções. Pouco antes de sua morte, Otte Sköld viu por si mesmo o museu realizado e seu compromisso com a criação do novo museu foi decisivo. Juntamente com, entre outros, os Amigos do Museu Moderno, fundado em 1953, deu à coleção de arte do século XX do Museu Nacional uma casa própria. Os superintendentes de direção do museu, Pontus Hultén e Olle Granath, vieram com seus contatos e iniciativas para perseguir essas intenções nas décadas seguintes.

Em 14 de fevereiro de 2004, o prédio do museu foi reaberto com festividades. Além das reparações, aproveitou-se a oportunidade para melhorar alguns dos espaços, em parte para facilitar a deslocação dos visitantes pelo museu e em parte para utilizar o espaço da entrada superior de forma mais adequada. Ao mesmo tempo, o perfil gráfico do museu foi atualizado. Outra grande novidade na reabertura foi a introdução dos anfitriões do museu – pessoas que possuem uma variedade de habilidades, desde salvar vidas até serem capazes de contar aos visitantes sobre as obras de arte em exposições permanentes e temporárias. A razão para a introdução de novos anfitriões foi para atender ao grande aumento no número de visitantes desde que a taxa de admissão foi abolida.

Em 1901, o arquiteto John Smedberg estabeleceu um belo prédio de usina elétrica em Gasverksgatan 22. Nowaday, a missão de transformar o prédio em um museu mais apropriado foi para a premiada firma de arquitetos Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Eles optaram por estabelecer um novo anexo – uma adição contemporânea ao edifício histórico. E dar ao interior uma ordem espacial inteiramente nova.

A paixão da Moderna Museet é mediar arte para as pessoas. Para abraçar, desafiar e inspirar as pessoas e somos movidos pela ambição de falar com muitos. Moderna Museet inclusivo e para celebrar a diversidade, reconhecendo que as pessoas chegam de diferentes pontos de partida. O Moderna Museet envolve um público mais amplo por meio do compartilhamento das maravilhas da arte.

Moderna Museet tem uma longa história de hospedagem de artistas internacionais para exposições, performances e outras apresentações inovadoras, bem como por meio de sua coleção de renome mundial. Experimente uma das principais coleções de arte da Europa do século XX até hoje, com obras de artistas como Picasso, Dali, Derkert e Matisse.

O extraordinário poder da arte é nossa força vital. A arte surge e reflete seu próprio tempo. Permite perguntas que geram novas perspectivas; os artistas são uma força enorme e estimulam uma criatividade mais ampla. O Moderna Museet defende a arte porque abre novos caminhos e permite uma visão reflexiva da história e do presente.

Moderna Museet foi uma plataforma estimulante para pessoas e arte, para ser um museu vibrante, aberto e dinâmico que existe como um espírito, que oferece ao público formas elevadas, envolventes e diretas de encontrar a arte em termos iguais. Moderna Museet inspira e cria espaço para novas ideias por ser uma plataforma estimulante que torna a arte de classe mundial acessível a um amplo público. Definimos novos padrões para museus de arte em todo o mundo.

Moderna Museet coleta, preserva, exibe e medeia arte moderna e contemporânea. Moderna Museet gerencia nosso patrimônio cultural com base nos mais altos padrões de excelência e gera pesquisas que levam a colaborações e reconhecimento internacional de alta qualidade. Moderna Museet é uma instituição líder em nossa área e acreditamos em compartilhar nosso conhecimento.

A coleção, pesquisa, exposições, mediação e comunicação do Moderna Museet devem se complementar e fertilizar; essas atividades não podem ficar sozinhas. Moderna Museet nos define com base nos contextos em que estamos envolvidos. Nosso objetivo de disponibilizar a maior arte ao maior número de pessoas possível deve se basear em práticas sustentáveis ​​que levem em consideração os impactos ambientais e sociais. O Moderna Museet deve ser movido pela coragem de experimentar, ousar ultrapassar limites e seguir novos caminhos na forma como gerimos as nossas tarefas.

Com uma coleção de arte que compreende mais de 130.000 obras, Moderna Museet (Museu de Arte Moderna) é o principal museu de arte moderna e contemporânea da Suécia. Moderna Museet possui uma das melhores coleções de arte moderna e contemporânea da Europa. As coleções contêm pinturas, esculturas, fotografias e filmes de arte contemporâneos de 1900 em diante e, no caso de fotografias, também de cerca de 1840.

Ao combinar obras-primas internacionais de artistas como Warhol, Picasso e Dali com exposições temporárias de artistas proeminentes dos séculos 20 e 21, o Moderna Museet consegue atrair muitos visitantes que retornam para uma experiência artística em constante mudança. A coleção original era dominada pela arte sueca e nórdica, arte americana dos anos 1950 e 60 e modernismo de orientação francesa, no entanto, a coleção foi ampliada para incluir mais artistas mulheres e criar uma coleção mais versátil com obras de todo o mundo.

O Moderna Museet organiza várias grandes exposições em Estocolmo e Malmö a cada ano, uma série de exposições de médio e pequeno porte. Em 2012, o museu em Estocolmo teve cerca de 500.000 visitantes e o museu em Malmö mais de 100.000 visitantes.

Desde o início em 1958, o Museu é conhecido por sua estreita relação com os artistas – Marcel Duchamp, por exemplo, assinou várias de suas obras em Estocolmo no final de sua vida, e Andy Warhol teve sua primeira exposição individual em um museu na Europa em Moderna Museet em 1968.

A coleção Moderna Museet agora compreende cerca de 6.000 pinturas, esculturas e instalações, 25.000 aquarelas, desenhos e gravuras, 400 vídeos de arte e filmes e 100.000 fotografias. A coleção abrange pinturas, esculturas, instalações, filmes, vídeos, desenhos e gravuras de artistas suecos e internacionais dos séculos 20 e 21, e fotografia dos anos 1840 até hoje.

Graças a iniciativas de coleta direcionadas, o Museu conseguiu aumentar a amplitude e a profundidade de sua coleção. Em 1963, o Museu dos Nossos Desejos foi lançado, transformando o Museu instantaneamente em uma instituição de arte europeia líder; o governo contribuiu com SEK 5 milhões para a aquisição de obras icônicas de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico e muitos outros. Algumas décadas atrás, o exercício foi repetido, mas desta vez destacando apenas mulheres artistas – obras de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller e outras foram adicionadas à coleção.

Apenas uma fração da coleção pode estar em exibição. Mas nos permite explorar e reformular a narrativa histórica da arte padrão por meio de novos insights e mudanças constantes na exposição. Isso inclui Moderna Museet Malmö, com seu ângulo inovador na seleção e exibição de obras da coleção desde a inauguração em 2009.

Uma grande coleção de arte é o melhor ponto de partida possível para experimentos visuais e intelectuais. Moderna Museet, como um museu aberto e vivo, está constantemente reescrevendo a história padrão do modernismo, frequentemente reformulando sua coleção de maneiras novas e radicais. Desde 2009, o Museu tem dois locais, Estocolmo e Malmö, onde seleções inovadoras de obras da coleção têm sido apresentadas regularmente desde a inauguração. Algumas das obras icônicas, como a paisagem marroquina de Henri Mattisse (Acanthus), o monograma de Robert Rauchenberg e a escultura de Eva Hesse, sem título, estão quase sempre disponíveis para verificação.

Explosão! – Pintura como ação
Explosion explora as ricas e complexas fertilizações cruzadas e as fronteiras da pintura, performance e arte conceitual. Ele traça essa ideia expandida da pintura como ação do final dos anos 1940 até os dias de hoje. A exposição incluirá obras em diferentes meios de cerca de 45 artistas de várias partes do mundo, como o importante grupo japonês Gutai, entre outros Shozo Shimamoto, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami e Kazuo Shiraga, juntamente com artistas como Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono e Lawrence Weiner.

Após a segunda guerra mundial, vários pintores em diferentes partes do mundo começaram a atacar os pressupostos fundamentais da pintura de maneiras que eram ao mesmo tempo agressivas e lúdicas. Muitos artistas atribuíram tanta importância ao ato criativo em si quanto à pintura que dele resultou. Nessa fronteira entre a pintura e a performance, o acaso ou o espectador eram frequentemente recrutados como co-criadores da obra. Essa atitude experimental e conceitual em relação à pintura e à arte inspirou posteriormente muitos outros artistas. Nos últimos anos, o interesse pela arte performática aumentou e, com ele, o interesse por suas raízes.

Ignasi Aballí (1958)
A obra Persones de Ignasi Aballí consiste em uma longa linha de pegadas sujas ao longo de uma parede. Eles foram feitos pelo artista encostado na parede e apoiado um pé languidamente contra ela. A obra também funciona como uma espécie de coreografia, já que o público é convidado a completá-la encostando-se na parede e deixando pegadas sujas na parede branca do museu, normalmente imaculada. Aballí é consumido pelas questões de ausência e desaparecimento, e várias formas de capturar o tempo. Sua prática costuma ser conceitual, baseada em sua formação como pintor.

William Anastasi (1933)
No início dos anos 1970, William Anastasi começou a trabalhar em uma série de desenhos cegos quando estava no metrô de Nova York. Freqüentemente, ele ia a John Cage para jogar xadrez. Com o bloco de desenho no colo e uma caneta em cada mão, ele colocava seus grandes fones de ouvido e fechava os olhos para se concentrar e atingir um estado de espírito meditativo. Seu corpo se movia com as guinadas, paradas e acelerações do trem. Como um sismógrafo, Anastasi registrou as mudanças em sua posição. Ao tornar-se instrumento de registro do movimento do trem, renunciou à autoria dos desenhos. O título da obra é o momento em que foi feita.

Janine Antoni (1964)
Janine Antoni usa seu cabelo como pincel para pintar o chão da galeria com um tintura de cabelo Loving Care. Antoni explora os rituais diários que realizamos em nossos corpos. Ela realiza atividades cotidianas, como comer, tomar banho e limpar o chão, e as transforma em processos escultóricos, imitando os rituais da arte. Ela esculpe os dentes e pinta com o cabelo e os cílios. Os materiais que ela usa são aqueles normalmente usados ​​no corpo para defini-lo na sociedade – sabonete, banha, chocolate e tintura de cabelo. Seu significado particular para as mulheres significa que suas obras são interpretadas de forma diferente dependendo do gênero do espectador, ela afirma.

John Baldessari (1931)
Sendo filho de um senhorio, John Baldessari ocasionalmente tinha que redecorar apartamentos. Ele costumava fingir que estava fazendo uma pintura quando pintava uma parede. Esse agradável exercício conceitual o ajudou a superar a tarefa monótona. Ele também começou a pensar na diferença entre um tipo de pintor e outro. Em Six Colorful Inside Jobs, Baldessari permite que uma pessoa repinte um quarto por seis dias nas seis cores primárias e secundárias, filmando tudo de cima. Horas de pintura se transformam em minutos de filme. O título é um trocadilho. Inside Job alude a um drama policial de Hollywood. O tempo corresponde a seis dias úteis da semana. Como Deus, o pintor descansa no sétimo dia.

Lynda Benglis (1941)
Na série de trabalhos de Lynda Benglis, Pours, a tinta é derramada de grandes tonéis e deixada para secar no chão. Assim, a tinta tem o caráter de uma escultura, tinta seca sem nenhum “suporte” em forma de tela ou painel. Ao contrário de Pollock, a pintura não é pendurada na parede, mas instalada diretamente no chão. Além de suas qualidades pictóricas e escultóricas, as obras de Benglis são também um comentário sobre Pollock, que é ainda mais realçado nas fotos publicadas na revista americana Life em 1970, juntamente com uma foto menor da pintura de Pollock.

Olle Bonniér (1925)
Olle Bonniér mostrou seu trabalho pela primeira vez em uma exposição coletiva lendária em Estocolmo em 1947. Dois anos depois, em 1949, ele criou a obra Plingeling, que é uma pintura abstrata e uma trilha sonora. Esta pintura branca pode ser vista como um universo iridescente. Os pontos que surgem neste universo têm órbitas irracionais, ocasionalmente colidindo uns com os outros de forma que um tilintar surge. Plingeling não contém nenhuma instrução explícita sobre como deve ser tocado e o resultado é diferente a cada vez que é executado. O trabalho de Bonniér é um dos primeiros exemplos de pintura performativa, um trabalho criado como uma pintura, mas incorpora instruções que podem ser transformadas em música.

George Brecht (1926–2008)
Water Yam é um livro de artista que Georg Brecht publicou originalmente em 1963, em uma caixa desenhada por George Maciunas, que escreveu o Manifesto do Fluxus. Essa caixa, às vezes chamada de Fluxbox ou Fluxkit, contém cartões de tamanhos diferentes que são pontuações de eventos, ou pontuações de Flux, para vários tipos de acontecimentos. As partituras muitas vezes deixam espaço para o acaso ou coincidências, forçando o usuário, ou o público se a partitura for apresentada publicamente, a fazer sua própria interpretação e, assim, tornar-se co-criadores da obra. Brecht disse que suas partituras visam garantir “que os detalhes da vida cotidiana, as constelações aleatórias de objetos que nos cercam, parem de passar despercebidos”.

Tony Conrad (1940)
Quando Tony Conrad chegou a Nova York na década de 1960, ele era cético em relação à cena artística, mas descobriu a vibrante cena cinematográfica, achando-a mais interessante por ser independente das instituições de arte. Conrad queria combinar o filme com os novos e empolgantes desenvolvimentos da pintura. Uma de suas estratégias era fazer filmes ultralongos. Andy Warhol fez filmes que duraram 24 horas. O trabalho de Conrad Yellow Movie é um filme que já dura 40 anos! A ideia é que a tinta barata mude gradualmente de cor com o tempo. Ninguém pode medir a mudança que está ocorrendo no “filme”, ​​mas isso não tem consequências, já que está ocorrendo em sua própria imaginação, diz Conrad.

Öyvind Fahlström (1928–1976)
Öyvind Fahlström foi um artista multifacetado que trabalhou experimentalmente e em várias disciplinas. Ele foi um artista visual, escritor, cineasta e compositor. Seu encontro com a pop art e a cultura dos quadrinhos em Nova York no início dos anos 1960 teve um impacto radical em sua arte, e ele começou a fazer pinturas variáveis ​​na forma de jogos de tabuleiro. Os jogos eram sua forma de ilustrar constelações de poder político, social e econômico. Os espectadores são intencionalmente convidados a mover os marcadores e elementos das pinturas para formar novas combinações.

Ceal Floyer (1968)
As principais preocupações de Ceal Floyer são luz, sombra e cor, e como percebemos e interpretamos o mundo com nossos sentidos. Com um uso prolífico de tecnologia moderna, ela cria trabalhos baseados em ideias que combinam elegância com aparente simplicidade. Aqui, a tela do monitor é totalmente preenchida com cores intercambiáveis. Na verdade, são closes de um copo d’água, no qual são mergulhados pincéis com diferentes pigmentos. Os pigmentos correspondem às cores básicas da tecnologia de vídeo. Assim, Floyer reúne cores analógicas e digitais.

Pinot Gallizio (1902-1964)
Em 1959, o manifesto de Pinot Gallizio para pintura industrial foi publicado. A arte industrial deveria ser produzida mecanicamente e estar à disposição de todos. A arte era para ser feita entre as pessoas, ou não. A ideia era que milhares de quilômetros de telas seriam produzidos em massa e depois distribuídos ao povo, para libertá-lo da arte burguesa que havia gerado especulação financeira e contribuído para perpetuar a divisão de classes. Quantidade e qualidade se tornariam a mesma coisa, encerrando assim o status da obra de arte como uma mercadoria de luxo. Gallizio também foi membro fundador do movimento de arte radical de esquerda conhecido como situacionismo, que queria libertar a arte de seu papel de mercadoria fetichista do capitalismo.

Cai Guo-Qiang (1957)
Cai Guo-Qiang usa pólvora e fogos de artifício para fazer desenhos no ar. Às vezes, essas obras duram alguns segundos, às vezes as explosões deixam rastros no papel ou na tela. Desde 1989, Guo-Qiang tem feito “projetos para extraterrestres” obras de explosivos monumentais diretamente no solo, para que possam ser vistos de outros planetas. Em 1998, Guo-Qiang realizou um projeto sobre as águas congeladas entre Moderna Museet e o Museu Vasa: uma trilha de fusíveis e pólvora fez as águas entre as duas ilhas se separarem por um momento, como o Mar Vermelho na Bíblia, quando Moisés levou os judeus para a terra prometida.

Sadaharu Horio (1939)
Sadaharu Horio mostrou seu trabalho pela primeira vez com Gutai em 1966. Com mais de 100 exposições e performances anuais, ele destaca que as exposições não são uma situação separada, mas uma extensão da vida, e que o dia a dia é basicamente uma performance . Cada momento é diferente e insubstituível. Horio se dedica às possibilidades do momento com a abertura de uma criança. Em um ritual contínuo, ele cobre os objetos do cotidiano ao seu redor com tinta todos os dias. Para não ter que escolher cores, ele se atém à ordem das tintas da caixa, evitando qualquer vestígio pessoal. Este ritual pictórico pode ser assumido por qualquer pessoa e perpetuado eternamente.

Yves Klein (1928–1962)
Para Yves Klein, a cor azul representa o vazio, o céu e o mar – o intangível. Quase todas as suas obras são monocromáticas em sua cor característica, International Klein Blue. Ele usou um ligante especial que não afeta o brilho e o caráter intenso do pigmento. As antropometrias de Klein são pinturas feitas em público, como performances. As modelos pintavam diretamente no corpo umas das outras e se pressionavam contra a tela, ou se arrastavam sobre ela, como pincéis vivos. Diz-se que Klein teve a ideia da pintura como uma impressão direta do corpo ao ver uma pedra em Hiroshima com a sombra de um ser humano queimada nela pela bomba atômica. Essa visão também pode ter inspirado suas pinturas de fogo.

Akira Kanayama
Akira Kanayama era o secretário do grupo Gutai. Ele brincou dizendo que a posição envolvia tanto trabalho que ele não tinha tempo para pintar e, em vez disso, deixou um carrinho de brinquedo com controle remoto pintar para ele. O trabalho resultante (1957) pode ser visto como uma crítica às pinturas por gotejamento de Jackson Pollock, com as quais têm algumas semelhanças. Em Kanayama, o gênio masculino que expressa seus sentimentos com tinta é suplantado por um carrinho de brinquedo que voa aleatoriamente pelo papel, deixando um rastro de tinta, ou, como na obra Pegadas, onde as solas do artista deixam rastros no papel. Kanayama, portanto, desafiou a relevância pessoal do artista para a qualidade e engenhosidade do trabalho.

Paul McCarthy
The Black and White Tapes são uma compilação das 13 primeiras apresentações dos anos 1970. Esta seleção mostra o desenvolvimento inicial de temas, a corporeidade brutal e a persona performática que passou a significar sua obra. Como Hermann Nitsch e os ativistas de Viena, Paul McCarthy explora a perda de controle, mas sem os elementos rituais e com ligações diretas à superficialidade de Hollywood e abundância material. Comum a Nitsch e McCarthy é que a forma líquida (tinta) não se limita diretamente a uma tela, mas derrama-se de maneira a se assemelhar a fluidos corporais que aparecem repentina e catastroficamente por todo o lugar.

Ana mendieta
No início dos anos 1970, Ana Mendieta começou a criar silhuetas e “esculturas de corpos terrestres” principalmente de sangue, terra, fogo e água. Usando seu corpo como ferramenta, ela fez impressões humanas na natureza. Suas performances foram documentadas em filme. Ana Mendieta foi a primeira a combinar os dois movimentos contemporâneos de land-art e body-art, resultando em obras que envolvem os temas da vida, da morte, do lugar e do pertencimento. O uso ritualístico de sangue, pólvora, terra e fogo de Mendieta também está ligado à religião cubana de Santería. Aos treze anos, Mendieta foi enviada de Cuba para os EUA, onde foi criada em orfanatos. Sua busca por identidade e senso de pertencimento permeia toda a obra de Mendieta.

Saburo Murakami
Saburo Murakami foi co-fundador do grupo Gutai e um de seus membros mais importantes. Ele formulou o conceito do grupo de exposições ao ar livre e criou atos performáticos nos quais desafiou a pintura, movendo seus limites e explorando se o gênero poderia ir além da pintura sobre tela. A obra Seis buracos é um golpe literal e teórico contra a pintura. O artista fez furos em várias camadas de papel pardo esticadas em uma moldura, usando várias partes de seu corpo. O resultado de seus experimentos foram novos tipos de “pinturas”, uma primeira tentativa artística de renegociar a relação entre performance e objeto.

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwander chama sua arte de “materialismo etéreo”. Ela usa materiais do cotidiano para expressar a passagem do tempo, a fragilidade da vida e das relações humanas, muitas vezes permitindo que o acaso e processos interpretativos determinem o resultado final, como quando pediu a dois chefs que elaborassem uma refeição a partir de uma lista de compras que encontrou no andar de um supermercado. Na obra Secondary Stories (2006), círculos coloridos de papel de seda flutuam acima de um teto interno com ventiladores. De vez em quando, eles caem aleatoriamente no chão, formando novos padrões como gotas de tinta.

Hermann Nitsch
As performances teatrais e agressivas de pintura e arte corporal dos Actionists de Viena combinaram arte com rituais e religião. Em muitos aspectos, as obras de Hermann Nitsch são como dramas clássicos, com sua busca pela catarse, uma forma de purificação curativa por meio do sofrimento. Eles oferecem resistência ao fato de que o homem ocidental moderno está tão distante dos rituais que causavam o êxtase com seu efeito purificador e regenerador. De acordo com essas idéias, não podemos experimentar grande alegria a menos que também possamos sentir dor, tristeza e medo. As práticas dos Actionists de Viena podem ser vistas como parte da tradição expressionista austríaca, com elementos de catolicismo, psicanálise e rebelião contra a ordem social burguesa e hierárquica.

Niki de Saint Phalle
No início dos anos 1960, Niki de Saint Phalle abalou a cena artística dominada por homens até os alicerces com seu Shooting Pictures (Tirs). Nessas obras, ela cobriu recipientes de tinta com camadas grossas de gesso em uma placa de madeira. Ela então disparou um rifle contra eles de uma longa distância; quando a bala atingiu os recipientes, a tinta escorreu aleatoriamente no gesso. O ato de atirar tornou-se um ato extremamente intencional que também pode ser visto como uma performance. Descrevendo o ato, Niki de Saint Phalle disse que estava atirando em todos os homens, seu irmão, a sociedade, a Igreja e a escola.

Jackson Pollock
Quando Jackson Pollock teve sua descoberta em 1947, ele se converteu a uma forma inteiramente nova e revolucionária de pintar. Colocando grandes telas diretamente no chão, ele mergulhou pincéis e bastões em potes de tinta líquida e deixou pingar na tela enquanto se movia pelos quatro lados dela, enquanto ouvia um bebop alto ou outra música jazz. Esse método, disse ele, estava relacionado às pinturas rituais de areia dos índios nativos americanos, feitas com areias coloridas espalhadas em belos padrões. Para Pollock, o ato de pintar em si era tão importante quanto a obra acabada. Sua forma de pintar foi chamada de Action Painting, e ele é considerado um dos expressionistas abstratos seminais.

Robert Rauschenberg, Niki de Saint Phalle
Em maio de 1961, a mostra Movimento na Arte foi inaugurada com festa. Niki de Saint Phalle fixou uma miríade de sacos cheios de tinta em um cenário de teatro, em cima do qual ela colocou uma folha de plástico e um tapete, para formar uma pista de dança. Quando os convidados começaram a dançar, as bolsas estouraram, criando uma pintura abstrata. Depois da festa, Robert Rauschenberg e Billy Klüver (fundador da Experiments in Art and Technology, EAT) foram os únicos convidados restantes. A pintura ainda estava no palco. Eles o levaram para fora e Rauschenberg sugeriu que eles poderiam melhorar o trabalho, e talvez atrair a atenção de um motorista de táxi, espalhando-o pela estrada. Vários carros que passavam deixaram marcas de pneus na lona antes que um táxi finalmente parasse.

Carolee Schneemann
Carolee Schneemann é uma pioneira em performance e arte feminista. No início dos anos 1960, ela utilizou seu corpo como material artístico e foi a primeira artista americana a trabalhar com “body art”. Em Eye Body ela aparece nua, manchada de tinta, graxa e giz. Transferindo a pintura da tela para o corpo, Schneeman desafia o papel feminino contemporâneo e a atitude predominante na arte em relação ao corpo feminino como um objeto a ser retratado e olhado. Ela tem sido criticada por ser drástica, mas seus trabalhos espetaculares sempre têm um propósito. Como sujeito e objeto de suas pinturas, ela reivindica o poder sobre o corpo feminino e a sexualidade. Além de performances, Schneemann realiza montagens, filmes, vídeos e instalações.

Eclipse – Arte na era das trevas
Eclipse, um escurecimento do sol, descreve uma situação na sociedade onde muitos dos ideais do Iluminismo parecem ter sido abandonados – e uma abordagem artística. Os artistas desta exposição de arte contemporânea internacional compartilham a falta de fé em uma cultura didaticamente esclarecedora; daí a metáfora do título.

Os artistas apresentados usam instalação, escultura, performance, projeção de vídeo e pintura como seus meios de comunicação para explorar e formular temas sombrios ou irracionais. Muitos deles têm um senso especial do absurdo da vida, resultando em um senso de humor revigorante. Questões existenciais relativas à condição da humanidade são o ponto de partida. A exposição segue dois eixos principais: um sombrio, místico e conciso, o outro mais anárquico e burlesco.

Eclipse é uma declaração e uma pergunta sobre a arte hoje. Se os artistas dos anos 90 se preocupavam com a realidade, postura que poderia ser expressa, por exemplo, nas estratégias documentais e na estética relacional, muitos artistas hoje estão mais interessados ​​na especulação, em refletir o incompreensível. Pode parecer drástico dizer que vivemos na era das trevas. Mas depois de 11 de setembro, em uma era de turbulência política, estamos vendo um aumento da intolerância. A exposição destaca a arte que não é política de uma forma simplista, mas afirma seu direito de dizer o errado, arte que usa a licença da ficção para experimentar.

Michaël Borremans
O artista belga Michaël Borremans (n. 1963, residente em Ghent), mais conhecido por suas pinturas e desenhos, é apresentado com uma série de obras em seu estilo neo-surrealista característico. Os sujeitos são pessoas que parecem pertencer a um passado em tons de sépia, empenhadas em alguma tarefa enigmática. Os títulos das obras aumentam o clima de incerteza sobre o tipo de cena que estamos vendo, como The Advantage, que mostra um jovem em uma camisa-de-força.

Anri Sala
A qualidade enigmática das pinturas de Borremans tem correspondência nas obras de vídeo de Anri Sala (n. 1974, morando em Berlim), muitas vezes filmadas na penumbra. Em uma de suas obras, Ghostgames, duas pessoas estão envolvidas em um jogo no que poderia ser uma praia no escuro, onde usam lanternas para atrair, ou pressionar, caranguejos para rastejar entre as pernas do oponente – marcando um gol . A falta de informação nas imagens sugere questionamentos e aguça os sentidos.

Nathalie Djurberg
Nathalie Djurberg (n. 1978, residente em Berlim) cria trabalhos em vídeo ambientados em um universo grotesco de figuras feitas de argila de modelar. O formato dos filmes é como a TV infantil, mas os personagens – muitas vezes mulheres obesas demais – estão envolvidos em ataques brutais. Djurberg está atualmente em uma exposição individual na Fondazione Prada em Milão.

Dana Schutz
As pinturas de Dana Schutz ‘(nascida em 1976, morando em Nova York) também evocam um mundo estranho, possivelmente pós-apocalíptico, habitado por sobreviventes grotescos, como os’ autocanibais ‘que fazem cirurgia uns nos outros, os’ fanáticos por gravidade ‘ou aqueles que estão simplesmente’ em Jesus ‘. Formalmente, ela navega agilmente entre os vários estilos da história da arte. Suas pinturas costumam ser baseadas em ideias que servem como desafios, temas aparentemente impossíveis para a pintura.

Ellen Gallagher
Os trabalhos De Luxe de Ellen Gallagher (nascida em 1965, morando em Rotterdam e Nova York) misturam personagens históricos e mitológicos feitos de fotos publicitárias antigas destinadas a leitores afro-americanos. Algumas de suas aquarelas da série Water Ecstatic também são apresentadas. A série é baseada em um mito sobre humanos submarinos – uma espécie especial que se desenvolveu a partir de escravas grávidas que morreram afogadas na passagem atlântica do comércio de escravos.

Tom Mccarthy
Tom McCarthy (n. 1969, residente em Londres) é o secretário-geral do INS – International Necronautical Society, um pastiche sobre grupos de artistas de vanguarda do início do século XX. O INS é destaque com um relatório – Calling All Agents – de uma das reuniões do grupo na Áustria, perpetrando a ideia de que a arte contém mensagens subversivas que são dinamite política. Uma nova obra de áudio específica do site de McCarthy será apresentada em sueco nos guias de áudio que normalmente são usados ​​para guiar os visitantes através da coleção.

Lucas ajemian
As obras de Lucas Ajemian (n. 1975, morando em Nova York) aludem à arte como portadora de mensagens codificadas. Com seu irmão, o músico de jazz Jason Ajemian, ele cria uma performance na igreja em Skeppsholmen que será filmada e exibida na exposição; eles tocam o clássico do Black Sabbath Into the Void de 1971, ao contrário, junto com uma orquestra de dez homens, com referência aos mitos que afirmam que isso revelaria mensagens ocultas e satânicas.

Mike Nelson
Mike Nelson (nascido em 1967, morando em Londres) também colabora com um grupo – no caso dele, a fictícia gangue de motoqueiros The Amnesiacs, formada por veteranos da Guerra do Golfo com amnésia. Os membros “ajudam” Nelson a criar obras que reconstroem suas memórias, como em Amnesiac Shrine – uma grande instalação espacial que foi adquirida para a coleção Moderna Museet com financiamento dos Amigos da Moderna Museet, como um presente de 50 anos.

Paul Mccarthy
Em seus trabalhos em vídeo baseados em performance, Paul McCarthy (nascido em 1945, morando em Los Angeles) retrata figuras paternas que são ao mesmo tempo ameaçadoras e patéticas; uma cabeça de boneca parecida com Alfred E. Neuman ou um pirata sangrento e zombeteiro, em uma espécie de Disney World que enlouqueceu. A colaboração de Magnus af Petersens com Paul McCarthy em conexão com sua retrospectiva no Moderna Museet em 2006 foi um evento que inspirou o conceito de Eclipse.