A escultura ambiental é uma escultura que cria ou altera o ambiente para o espectador, ao contrário de se apresentar de forma monumental ou monumental antes do espectador. Uma característica freqüente de esculturas ambientais maiores é que se pode entrar ou passar pela escultura e estar parcialmente ou completamente cercado por ela. Além disso, no mesmo espírito, pode ser projetado para gerar sombras ou reflexões, ou para colorir a luz na área circundante.

Escultura ambiental, forma de arte do século XX destinada a envolver ou englobar os espectadores em vez de simplesmente enfrentá-los; A forma desenvolveu-se como parte de uma maior corrente artística que buscava quebrar a dicotomia histórica entre vida e arte. O escultor ambiental pode utilizar praticamente qualquer meio, da lama e da pedra à luz e ao som.

Escultura ambiental com uma ênfase algo diferente, é a escultura criada para um conjunto particular de arredores. Assim, a escultora contemporânea Beth Galston escreve: “Um escultor ambiental planeja uma peça desde o início em relação aos seus arredores. O site é um catalisador, tornando-se parte do processo criativo”. Isso é bastante diferente de uma escultura de Nevelson, que geralmente pode ser movida de um lugar para outro, como uma escultura convencional, sem perder o seu significado e eficácia.

Uma escultura ambiental não é meramente arte específica do local, já que muitos monumentos de mármore figurativos e convencionais foram criados para sites específicos. Galston salienta que a escultura ambiental implica a idéia de que a peça também funciona para alterar ou permear o ambiente existente ou mesmo para criar um novo ambiente no qual o espectador é convidado a participar: “A escultura e o site acabados se tornam uma unidade integrada, trabalhando juntos para criar um clima ou atmosfera unificada “, escreve ela. Muitas das grandes esculturas minimalistas específicas do site de Richard Serra também se qualificam como escultura ambiental, em ambos os sentidos descritos aqui. Grande parte do que se chama “arte da terra” ou “arte da terra” também pode ser denominada escultura ambiental sob esta definição. Andrew Rogers e Alan Sonfist (que vêem) estão entre os notáveis ​​praticantes atuais da arte da terra.

História:
Desde a década de 1950, as tendências modernistas em escultura, tanto abstratas como figurativas, dominaram a imaginação pública e a popularidade da escultura modernista havia deixado de lado a abordagem tradicional. Os órgãos públicos e de comissionamento ficaram mais à vontade com escultura ambiental.

No final da década de 1950 e 1960, escultores abstratos começaram a experimentar uma grande variedade de novos materiais e diferentes abordagens para criar seu trabalho. Imagens surrealistas, abstrações antropomórficas, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e variadas superfícies e objetos tornaram-se características de muitas escultura modernista nova. Imagens surrealistas, abstrações antropomórficas, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e superfícies e objetos variados tornaram-se característicos de uma escultura ambiental muito nova.

Na década de 1960, o expressionismo abstrato, a abstração geométrica e o minimalismo, bem como a escultura e instalação ambiental, que reduz a escultura às suas características mais essenciais e fundamentais, predominaram.

Desde meados dos anos setenta, o artista francês Jean-Max Albert trabalhou com estruturas de trellis, desconstruindo e reorganizando os elementos da arquitetura circundante.

Desde 1983, o artista alemão Eberhard Bosslet faz intervenções sobre ruínas, as chamadas “Re / formações e efeitos colaterais”; ele se refere às condições dos edifícios industriais e residenciais por linhas pintadas de branco ou campos de cores pintadas de preto. Em 1999, a artista Elena Paroucheva criou seu conceito de torres, integrando redes de energia com esculturas.

Arte da terra:
Nos anos 1960 e 1970, a arte terrestre protestou contra a “comercialização implacável” da arte na América. Durante esse período, os expoentes da arte terrestre rejeitaram o museu ou a galeria como cenário de atividade artística e desenvolveram projetos de paisagens monumentais que estavam além do alcance da escultura transportable tradicional e do mercado de arte comercial.

A arte terrestre foi inspirada por arte minimalista e arte conceitual, mas também por movimentos modernos como De Stijl, Cubismo, minimalismo e o trabalho de Constantin Brâncuşi e Joseph Beuys. Muitos dos artistas associados à arte terrestre estiveram envolvidos com o mínimo de arte e arte conceitual. A influência da arte da terra na arte da terra contemporânea, arquitetura paisagística e escultura ambiental é evidente em muitos trabalhos hoje.

Como uma tendência “Terra arte” expandiu fronteiras da arte pelos materiais utilizados e a localização das obras. Os materiais utilizados eram, muitas vezes, os materiais da Terra, incluindo, por exemplo, o solo, as rochas e a vegetação e a água encontradas no local, e a localização das obras era muitas vezes distante dos centros populacionais. Embora às vezes bastante inacessível, a documentação fotográfica foi normalmente trazida de volta para a galeria de arte urbana.

As preocupações com o movimento da arte centraram-se na rejeição da comercialização da arte e do entusiasmo com um movimento ecológico emergente. O movimento artístico coincidiu com a popularidade da rejeição da vida urbana e sua contraparte, um entusiasmo pelo que é rural. Incluídas nessas inclinações foram anseios espirituais sobre o planeta Terra como lar da humanidade.

Na maioria dos aspectos, a “arte da terra” tornou-se parte da arte pública comum e, em muitos casos, o termo “arte da terra” é mal utilizado para rotular qualquer tipo de arte na natureza, embora conceitualmente não esteja relacionado com as obras de vanguarda dos pioneiros de arte da terra

A arte terrestre da década de 1960 às vezes lembrava as obras terrestres muito antigas, Stonehenge, as pirâmides, os montes nativos americanos, as Linhas Nazca no Peru, as pedras de Carnac e os funerários nativos americanos, e muitas vezes evocavam a espiritualidade de tais sítios arqueológicos.

Escultura ambiental:
Um escultor ambiental planeja uma peça desde o início em relação ao seu entorno. O site é um catalisador, tornando-se parte do processo criativo. A escultura acabada e seu site formam uma unidade integrada, trabalhando juntos para criar um clima ou atmosfera unificada. Na maioria dos trabalhos deste site, passei horas no local antes de conceber a escultura, então eu a construí no site; O espaço tornou-se o estúdio do meu artista durante o processo de instalação.

Cada site tem características particulares, o que pode afetar as qualidades da escultura acabada. Por exemplo, uma sala pode ter uma parede de janelas através da qual a luz da tarde entra, que se torna parte do projeto. Ou uma lagoa pode ter um caminho que leva a ele ou um bosque de árvores de carvalho nas proximidades que deixam cair suas folhas, provocando uma idéia de uma escultura no site.

Uma escultura ambiental também pode ser uma série de objetos inter-relacionados que existem juntos em um espaço, e através de uma repetição de materiais, formas, qualidades de luz ou links temáticos, eles se envolvem em uma conversa, cobrando o espaço e conscientizando o Atmosfera em toda a sala. As esculturas individuais podem ser pequenas, mas criam uma espécie de zing ou centelha entre eles. Em seguida, o espaço maior torna-se unificado, e um está ciente apenas dos materiais, mas dos espaços entre as coisas.

Julia M. Bush enfatiza o aspecto não-figurativo de tais trabalhos: “A escultura ambiental nunca é feita para trabalhar em escala exatamente humana, mas é suficientemente maior ou menor que a escala para evitar a confusão com a imagem humana aos olhos do espectador”. A escultora norte-americana ucraniana Louise Nevelson é pioneira na escultura ambiental neste sentido. Busch (p. 27) também coloca as esculturas de Jane Frank, bem como algumas obras de Tony Smith e David Smith, nesta categoria. Algumas escultura ambiental, portanto, abrange o observador que se aproxima da arquitetura.

George Segal, Duane Hanson, Edward Kienholz, Robert Smithson, Christo e Michael Heizer são bem conhecidos praticantes do gênero, embora o trabalho de Segal e Hanson seja figurativo. Muitas obras figurativas de George Segal, por exemplo, qualificam-se como ambientais, em que – em vez de serem exibidas em um pedestal como apresentações para serem vistas – ocupam e perturbam a configuração em que são colocadas. Um exemplo bem conhecido disso é o par de figuras de Segal que se sentam e estão ao lado de um dos bancos públicos na Praça Sheridan da Cidade de Nova York; qualquer um pode sentar-se entre eles.

Um exemplo menos conhecido, mas mais apropriado, é o parque de 2 acres (8.100 m2) de Athena Tacha no meio da cidade de Filadélfia (entre o 18º St. e o 19º St., dois quarteirões ao norte de Vine St.), criado como ambiente de paisagem artística depois de ganhar um competição em 1980 (onde Segal era na verdade um dos finalistas). Foi o primeiro parque projetado inteiramente por um artista “esculpindo a terra” com terraços plantados, ramos de rocha e caminhos (concluída em 1992).

Arte específica do site:
O termo “arte específica do site” às ​​vezes é usado indistintamente com “arte ambiental”. Louise Nevelson, por exemplo, é uma artista ambiental americana pioneira com fontes que discordam da classificação de seu trabalho como “escultura ambiental”. Os termos “escultura ambiental”, “arte específica do site” e “arte ambiental” ainda não se estabilizaram completamente em seus significados.

Uma escultura ambiental tem um relacionamento especial com seus arredores. Está planejado para um site particular, e as qualidades desse site influenciam a elaboração da obra de arte. O espaço pode ser em qualquer lugar – uma sala, um bosque de árvores, uma lagoa, um beco, uma praça pública, um complexo de edifícios. Muitas vezes, existente em grande escala, uma escultura ambiental envolve seus espectadores, que experimentam a arte como eles entram e se deslocam pelo espaço. Os elementos de tempo e movimento, então, também estão envolvidos como partes importantes da experiência do espectador.

Uma razão para as definições borradas é que muito da arte específica do site e ambiental foi criada a partir de 1970 para espaços públicos em todo os Estados Unidos, patrocinada por concursos federais (GSA e NEA) ou estadual e por cidade de porcentagem para arte, e muitos dos artistas eram mulheres tentando ter sucesso fora do mundo estabelecido da arte-galeria. Os mais jovens historiadores da arte terão que resolver o desenvolvimento desse “movimento” marginalizado e a importância de artistas como Olga Kisseleva, Patricia Johanson, Athena Tacha, Mary Miss, Alice Adams, Elyn Zimmerman e outras que, desde o início da década de 1970, ganhou e executou grandes comissões de arte pública ao ar livre com novos fundamentos formais, cinestésicos e sociais. Muitos desses artistas também foram ecologicamente conscientes e criaram obras que poderiam oferecer uma nova definição de “escultura ambiental”: arte que é ambientalmente amigável e cuida do ambiente natural.

Escultura em energia renovável:
Uma escultura de energia renovável é uma escultura que produz energia a partir de fontes renováveis, como energia solar, eólica, geotérmica, hidrelétrica ou maré.

A escultura de energia renovável é outro desenvolvimento recente em arte ambiental. Em resposta à crescente preocupação com as mudanças climáticas globais, os artistas estão projetando intervenções explícitas a um nível funcional, combinando respostas estéticas com as propriedades funcionais da geração ou economia de energia. O Projeto de energia eólica Queensbridge de Andrea Polli é um exemplo de arquitetura experimental, incorporando turbinas eólicas na estrutura de uma ponte para recriar aspectos do design original, além de iluminar a ponte e as áreas vizinhas. A escultura pública de Ralf Sander, a World Saving Machine, usou energia solar para criar neve e gelo fora do Museu de Arte de Seul no verão coreano quente. Os praticantes desta área emergente trabalham frequentemente de acordo com códigos éticos e práticos ecologicamente informados que estão de acordo com os critérios de Ecodesign.

Essa escultura é funcionalmente um gerador de energia renovável e uma obra de arte, cumprindo funções utilitárias, estéticas e culturais. A idéia de esculturas de energia renovável foi pioneira por visionários ecofuturistas, como os artistas Patrice Stellest, Sarah Hall, Julian H. Scaff, Patrick Marold, Elena Paroucheva, os arquitetos Laurie Chetwood e Nicholas Grimshaw, o professor Bil Becket da Universidade do Illinois e colaborações como Iniciativa do Land Art Generator. Fazendo eco da filosofia do movimento de arte ambiental como um todo, os artistas que criam escultura em energia renovável acreditam que a estética das obras de arte está inextricavelmente ligada à sua função ecológica.

A escultura ambiental é uma obra de arte inspirada em formas e processos da natureza. Muitos artistas usam materiais, formas, cores e texturas do ambiente natural. Outros exploram significados de ciclos naturais, como as quatro estações; metamorfose; ciclos de nascimento, crescimento, envelhecimento, morte e decadência. Os processos naturais são usados ​​como metáforas para refletir sobre a passagem do tempo, capturar um momento fugaz, expressar uma sensação de perda ou uma esperança de regeneração. Alguns artistas ambientalistas utilizam questões ecológicas como assunto, e seu trabalho busca aumentar a conscientização de uma ecologia frágil, ou mesmo recuperar a terra, como usar materiais vegetais para aliviar problemas de poluição, devolvendo uma área a uma condição mais prístina.