En plein air (literalmente ao ar livre) é uma frase em francês que indica um método pictórico que consiste em pintar ao ar livre para capturar as nuances sutis que a luz gera em todos os detalhes. Outro objetivo dessa técnica é apreender a verdadeira essência das coisas, uma vez que é uma expressão derivada da observação direta da realidade. Em voga, especialmente no século XIX europeu, a pintura ao ar livre foi amplamente utilizada pela corrente pictórica dos impressionistas. Esse método contrasta com a pintura de estúdio ou com as regras acadêmicas que podem criar uma aparência predeterminada.
Embora no passado histórico os artistas já usassem o recurso de pintar a natureza que contemplavam (gênero ou arte da paisagem), não foi até meados do século XIX que eles explicitamente optaram por usar a luz natural para estudar e alcançar certos efeitos e aplicar eles para Sua pintura. Mesmo assim, paisagistas tão proeminentes quanto Carlos de Haes continuaram a tradição de reservar a maior parte do trabalho pictórico para o estúdio (como na chamada pintura de armário) e fazer apenas esboços ou anotações do exterior natural.
Essa novidade foi uma “escolha de estilo”, atribuída à escola de Barbizon e aos primeiros impressionistas na França, embora na Itália outros círculos de pintores como os Macchiaioli também tenham desenvolvido propostas semelhantes ao mesmo tempo, enquanto na Inglaterra o que os membros de a escola Newlyn na Rússia fez muitos de seus melhores paisagistas e em outros países europeus e americanos várias colônias e círculos especializados em pintura de paisagem.
Talvez a chave para o sucesso e a popularização do plenário da década de 1870 tenha sido a comercialização de recipientes de tubos para pintura a óleo. Antes deles, cada pintor tinha que fazer suas próprias cores misturando pigmentos em pó seco com óleo de linhaça. Outra invenção do mesmo estágio foi o tipo de cavalete denominado em inglês “French box cavalel”, embora não tenha sido estabelecido com certeza quem o utilizou primeiro. Consistia em uma estrutura facilmente transportável, com pernas telescópicas, que podiam incorporar a paleta e a caixa de tinta; que permitia aos pintores ao ar livre autênticas excursões pelos campos, além de também ser adequado para uso em estúdio.
Conceito
É claro que pintar ao ar livre e pintar ao ar livre significam a mesma coisa e são usados para descrever uma técnica pictórica: trabalhar a partir do natural, isto é, em um espaço de preferência natural. O termo plenoirismo, no entanto, parece relatar que foi acrescentado à prática desta técnica ideológica, cromática emocional. Percorrendo a história da arte, está comprovado que os assírios, chineses, astecas e, muito antes, os artistas das cavernas pintaram ao ar livre, mas não há documentação das razões sociais e artísticas que os levaram a fazê-lo, ou se eram simplesmente religiosos, geográficos ou óbvios. No entanto, desde seu surgimento no viveiro parisiense, em meados do século XIX, o plenaryism resultou em um termo conflitante, germe de controvérsia entre críticos, acadêmicos e estudiosos de arte, e um curinga de uso abstrato para a grande maioria. Enquanto isso, os pintores iam ao campo para pintar com seus cavaletes e guarda-chuvas, levando muitas vezes a ousadia necessária e seus modelos para os cantos mais inesperados da natureza mais ou menos selvagem.
Revolucionários
É surpreendente que diferentes autores em contextos diferentes, apresentados como “paisagem pura” ao Greco de Vista de Toledo, ao Velázquez de duas pequenas paisagens da Villa Médici ou ao Van Gogh do Café Terrace à noite, pintem a paisagem. natural no meio da noite e é acesa colocando velas em volta do chapéu.
Precursores
Antes do uso ideológico da técnica de pintar (e outras, portanto, nas terminologias do século XIX, críticos, burgueses e “Fanes” exibem uma lista interminável de artistas, muitos deles de primeira linha pintados “in. Situ” voluntariamente e sistema. Aqui, plenairistas foram: Dürer, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa e, no trecho, Camille Corot, Joseph Mallord William Turner e Constable.
Parece aceito, exceto pelos chauvinistas mais recalcitrantes que, ainda sem nome, o plenaryismo foram forjados na Inglaterra no último terço do século 18, como exercício, como recurso técnico, como receita acadêmica para a correta pintura de paisagem e como sinônimo de «absorver ar e luz». Assim, o grande professor precursor proposto por especialistas e críticos foi John Constable.
O fato de Diderot, depois de passear pelo salão parisiense de 1767, preferir muitos esboços às pinturas acabadas, não diminui a batalha oficial e frontal, pela qual os pintores de Barbizón lutaram, seguindo a tradição anglo-holandesa. Justifica-se pelas colônias populares de plenaryists (agora rotuladas) que na década de 1820 pintou corporativamente na floresta de Fontainebleau, em Saint-Cloud, em Sèvres e ao longo de toda a costa do canal La Mancha.
Aquarelas e viajantes
A criação em 1804, na Inglaterra, da Sociedade de Aquarela (Society of Watercolors) e a popularização da pintura em aquarela na Europa e na América, fizeram dessa técnica o principal recurso dos pintores viajantes e “pioneiros do plenário”.
Em sua viagem ao Marrocos em 1831, Eugenio Delacroix, “pintor de armários” alheio à pintura de paisagem, ao uso profissional de aquarela por artistas viajantes e subsequentes modas, desenhos, anotações e pinturas em sete cadernos, milhares de aquarelas. Algumas dessas notas naturais se tornariam telas anos depois; por exemplo, casamentos judeus, apresentados no Salão de Paris de 1841 e preservados no Museu do Louvre. Desde 1820 data a aceitação da técnica de aquarela nos esquemas ultra-acadêmicos do referido Hall, um catalisador comercial e pictórico de negócios e árbitro de arte nos tribunais europeus da época. Em 1824, quatro artistas ingleses haviam triunfado neste salão (talvez porque já haviam sido rejeitados antes em seu próprio país): Thomas Lawrence, John Constable, Copley Fielding e Richard Parkes Bonington.
No caso específico de Delacroix, suas descobertas e reflexões sobre o comportamento da luz nos objetos serviriam como premissas para os teóricos do pontilhismo, como Seurat e Paul Signac.
Esboço e trabalho finalizado
As reflexões do poeta e crítico de arte Charles Baudelaire depois de deixar o Salão de Paris de 1845, estimuladas pelas paisagens de Corot, expuseram a contradição oficial de considerar como obras de arte meticulosamente trabalhadas no estudo e rejeitar, como tal, esboços espontâneos retirados de o natural. Uma contradição sobre a qual, do outro lado dos Alpes, os membros do círculo de pintores chamados macchiaioli também especulavam.
O escândalo ocorreu quando, estimulados pelos óbvios, pintores de todo o mundo, centralizados pelo exemplo francês, os mais conhecidos e divulgados, decidiram considerar e, portanto, apresentar e comercializar os supostos esboços como obras de arte finalizadas. A técnica do plenaryism havia acabado de dar o salto qualitativo do qual nada e ninguém no futuro poderia arrebatar.
Piquenique ao ar livre e plenitude na praia
Os idílios campestres de um Watteau, as cenas pastorais da paisagem de Cláudio de Lorena e as cenas mais ou menos mitológicas ou religiosas emolduradas e às vezes envoltas na natureza que a Giorgione pintou não são – evidentemente – pinturas de pleno direito, mas é difícil imagine o café da manhã de Manet ou versões de Claude Monet sem lembrar delas. A observação dessa evolução metafísica na concepção da pintura ajuda a entender as chaves do plenaryismo como escola e revolução sem espaço ou tempo.
Mas a área da paisagem em que a definição de plenaryism venceu a categoria escola de pintura (e continua a se manifestar como tal a ponto de imitar o fato), eram as costas do mar (já presentes na intuição de Constable ou Courbet) em geral e as praias em particular. Como conclui Linda Nochlin, o último capítulo do realismo foi pintado ao ar livre, à beira-mar.
Expansão do plenário nas escolas de paisagismo.
Aparência
O ar plein apareceu no início do século 19 na Inglaterra, graças a John Constable e Richard Parks Bonington. O plenerismo se torna a base da estética dos artistas para os quais a luz e o ar adquirem significado independente e interesse puramente pictórico. O objeto em si não é desenhado conscientemente, dificilmente expresso em silhuetas concretas ou desaparece completamente. Essa técnica era muito popular entre os impressionistas franceses (era então que o termo ao ar livre era amplamente utilizado). Artistas como Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir e, não menos importante, Claude Monet contribuíram para o desenvolvimento da pintura ao ar livre.
A pintura à luz natural era conhecida há muito tempo e era usada principalmente para criar esboços. No entanto, entre os artistas da escola de Barbizon e os impressionistas, essa técnica de pintura recebeu uma nova vida.
Características da pintura a ar plein
O impressionismo, em geral, é um excelente exemplo do trabalho do artista ao ar livre. Famoso crítico de arte J.-L. Castagnari escreveu:
“Eles [impressionistas] percebem a natureza de tal maneira que acaba sendo algo chato e banal. Sua pintura é cheia de vida, rápida, fácil … Eles não lutam pela reprodução exata, mas são limitados pela percepção geral … Eles são impressionistas no sentido de que não reproduzem a paisagem em si, mas a impressão causada por esta paisagem … Assim, eles se afastam da realidade e se mudam completamente para a posição de idealismo. ”
Foram os impressionistas que elevaram o estudo, realizado ao ar livre, ao nível de pinturas independentes de pleno direito. Os impressionistas tentaram transmitir suas próprias impressões do mundo com a maior precisão possível – em prol desse objetivo, abandonaram as regras acadêmicas existentes da pintura e criaram seu próprio método excelente. Sua essência era transmitir, com a ajuda de traços separados de tintas puras, a impressão externa da luz, sombra, seu reflexo na superfície dos objetos. Este método criou a impressão de uma dissolução da forma no espaço luz – ar circundante. Claude Monet escreveu sobre seu trabalho:
“Meu mérito é que escrevi diretamente da natureza, tentando transmitir minhas impressões sobre os fenômenos mais instáveis e mutáveis”.
Nos tempos modernos, o treinamento ao ar livre muitas vezes se torna um dos elementos fundamentais no ensino de pintura em várias instituições artísticas e educacionais e faz parte da pintura da natureza.
História
Os artistas pintam há muito tempo ao ar livre, mas em meados do século XIX, trabalhar com luz natural tornou-se particularmente importante para as escolas de Barbizon, Hudson River School e impressionistas.
Muitos artistas da Europa se reúnem em Roma e vão pintar ao ar livre. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) realiza esboços de paisagens, a óleo, em Roma e arredores (obras expostas no Museu do Louvre). Também teórico e pedagogo, ele escreveu em 1799 seu “Conselho a um estudante sobre pintura e, em particular, sobre o gênero da paisagem 1”. Essa prática de “pintura ao ar livre” se espalhou na França por volta do meio do século XIX, com alguns membros da Escola de Barbizon, como pintores independentes de Charles-François Daubignyor, como Eugène Boudin, que influenciaram de maneira considerável os futuros impressionistas que encontram seu mestre na pessoa de Edouard Manet 2.
Entre as obras mais antigas de pintura sobre o motivo, citemos as de Alexandre-François Desportes (1661-1743), esboços pintados a óleo sobre papel. Os temas são paisagens com representação da flora e fauna, em preparação para pinturas, cenas de caça em particular, feitas para Luís XIV e Luís XV. Algumas dessas obras aparecem com destaque no Museu do Louvre ou no Museu de Caça e Natureza de Paris. Em 1817, Achille Etna Michallon (1796-1822) foi o primeiro vencedor do “Prix de Rome pour le paysage historique”. Entre outros alunos, ele teve Corot, que produziu de 1825 a 1828, uma série de paisagens na Itália em particular! Corot continuará ao longo de sua carreira pintando ao ar livre, com o motivo; ele foi um dos precursores da Escola Barbizon, indo pintar em Fontainebleau.
Em 1830, a Escola Barbizon, na França, permitiu que artistas como Charles-François Daubigny e Théodore Rousseau retratassem com mais precisão a aparência de ambientes externos em várias condições de luz e clima. No final de 1800, a abordagem aérea completa foi incorporada ao estilo dos impressionistas, e artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille começaram a criar seus trabalhos ao ar livre. Da França, o movimento se expandiu para a América, começando na Califórnia e depois se mudando para outros locais americanos notáveis por suas qualidades de luz natural, incluindo o Hudson River Valley em Nova York.
É o fim do século XIX e início do século XX que a pintura ao ar livre está crescendo com a aparência de cores em tubos (1841). Isso permite que os artistas se movam com facilidade, mesmo que na maioria das vezes, eles concluam sua pintura no estúdio. A preocupação deles passa a pintar a natureza como lhes parece, à luz do momento presente. Os impressionistas pintam paisagens não pelo seu lado pitoresco, mas pelos efeitos atmosféricos, respondendo pelos diferentes aspectos que um motivo pode assumir, dependendo das condições de luz e, portanto, das horas do dia, daí o aparecimento da série (Catedrais e Pedras de Monet) ) Em uma obra intitulada “História dos pintores impressionistas” (Paris, publicada em 1939), Théodore Duret escreverá em particular “a grande inovação dos impressionistas: a pintura ao ar livre”.
No entanto, as atitudes dentro do movimento impressionista foram confusas: Degas se recusou a “pintar ao ar livre” por falta de tempo, ao contrário de Renoir, que, segundo ele, “pode fazer o que quiser”.
Depois dos impressionistas, no século XX, muitos artistas ao redor do mundo pintaram ao ar livre; entre eles estão franceses, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin ou o italiano Francesco Filippini. Em termos relativos, os pintores ao ar livre do final do século XX e do início do século XXI com os impressionistas compartilham a mesma abordagem pictórica: “Ou seja, a representação do exterior e o efeito produzido pelas constantes e imperceptíveis variações de luz sobre os elementos. Esses artistas estão trabalhando em uma nova maneira de pintar, ligada a uma nova maneira de ver. Para eles, é uma questão de transcrever uma sensação imediata, de renderizar os efeitos luminosos do céu e da água, a vibração colorida de seus efeitos variáveis. “(Théodore Duret, citado trabalho.)
Os Macchiaioli eram um grupo de pintores italianos ativos na Toscana na segunda metade do século XIX, que, rompendo com as convenções antiquadas ensinadas pelas academias de arte italianas, faziam grande parte de sua pintura ao ar livre para capturar luz natural, sombra, e cor. Essa prática relaciona os Macchiaioli aos impressionistas franceses, que se destacaram alguns anos depois, embora os Macchiaioli perseguissem propósitos um tanto diferentes. Seu movimento começou em Florença no final da década de 1850.
A Newlyn School, na Inglaterra, é considerada outro grande defensor da técnica no final do século XIX. A popularidade da pintura em ar comprimido aumentou na década de 1840 com a introdução de tintas em tubos (como os de pasta de dente). Anteriormente, os pintores faziam suas próprias pinturas moendo e misturando pós de pigmento seco com óleo de linhaça.
O ato de pintar ao ar livre a partir da observação tem sido continuamente popular até o século XXI. Hoje, a pintura de paisagem está presente na arte contemporânea. Esse movimento, que às vezes chamamos indiferentemente de “pintura de paisagem, pintura sobre o motivo, pintura ao ar livre, arte nômade” é representado por artistas como David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio Lopez Garcia, Klauss Fussman, Vincent Bioulès, Alexandre Hollan… É particularmente dinâmico na costa oeste dos Estados Unidos com o renascimento da Califórnia Plein-Air.
Equipamento e desafios
Foi em meados do século XIX que o ‘cavalete de caixa’, normalmente conhecido como ‘cavalete de caixa francês’ ou ‘cavalete de campo’, foi inventado. Não se sabe quem o desenvolveu, mas esses cavaletes altamente portáteis, com pernas telescópicas e caixa e paleta de tinta integradas, facilitaram a entrada na floresta e nas encostas. Ainda hoje fabricadas, elas continuam sendo uma escolha popular (mesmo para uso doméstico), pois dobram do tamanho de uma maleta e, portanto, são fáceis de guardar.
A Pochade Box é uma caixa compacta que permite que o artista mantenha todos os seus suprimentos e paletas dentro da caixa e tenha o trabalho no interior da tampa. Alguns modelos permitem uma tela maior que pode ser mantida por grampos embutidos na tampa. Existem desenhos que também podem conter algumas telas ou painéis de pintura úmida dentro da tampa. Essas caixas têm uma popularidade crescente, pois, embora sejam usadas principalmente para pintura a ar, também podem ser usadas em estúdio, em casa ou em sala de aula. Como as caixas de pochade são usadas principalmente para pintar no local, a tela ou a superfície de trabalho podem ser pequenas, geralmente não superiores a 20 polegadas (50 cm).
Os desafios incluem o tipo de tinta usada para pintar ao ar livre, animais, insetos, observadores e condições ambientais, como o clima. A tinta acrílica pode endurecer e secar rapidamente em clima quente e ensolarado e não pode ser reutilizada. No lado oposto do espectro está o desafio de pintar em condições úmidas ou úmidas com precipitação. O advento da pintura a ar plein antecedeu a invenção dos acrílicos. O método tradicional e bem estabelecido de pintar no ar incorpora o uso de tinta a óleo.
Advogados
Pintores impressionistas franceses, como Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley e Pierre-Auguste Renoir, defendiam a pintura ao ar livre, e grande parte de seu trabalho era realizado ao ar livre sob a luz difusa de um grande guarda-chuva branco. Claude Monet era um ávido artista do ar que deduziu que, para aproveitar a proximidade e a semelhança de um cenário externo em um momento específico, era preciso estar do lado de fora para fazê-lo, em vez de pintar um cenário externo em seu estúdio. Na segunda metade do século XIX e início do século XX na Rússia, pintores como Vasily Polenov, Isaac Levitan, Valentin Serov, Konstantin Korovin e IE Grabar eram conhecidos por pintar ao ar livre.
Mas os entusiastas da pintura ao ar livre não estavam limitados ao Velho Mundo. Os impressionistas americanos também, como os da escola Old Lyme, eram pintores ávidos no ar. Os pintores impressionistas americanos que se destacaram nesse estilo durante essa época incluem Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble e Arthur Hill Gilbert. No Canadá, o Group of Seven e Tom Thomson são exemplos de defensores da aviação civil.
Locais
Barbizon (Seine-et-Marne) tornou-se assim um dos lugares míticos do período pré-impressionista na França (escola de Barbizon). A partir de 1830, o que ainda é um povoado de lenhadores será de fato bem-vindo à pousada Ganne, todos os pintores que vêm buscar inspiração na natureza intocada. Mais tarde, eles compartilham suas estadias entre Barbizon e Chailly-en-Bière, encontrando seus súditos no campo ou na floresta próxima de Fontainebleau.
A costa da Normandia (Le Havre, Honfleur) atrai os impressionistas
As margens do Sena em Argenteuil (Val-d’Oise): Monet, Sisley e depois Signac
Chatou (Yvelines), encontro dos impressionistas e fauves, frequentadores do restaurante la Fournaise
Auvers-sur-Oise (Val-d’Oise), última parada para Van Gogh, e Pontoise, onde Cézanne e Pissarro se estabeleceram
Moret-sur-Loing (Seine et Marne) e sua igreja da qual Sisley nunca se cansou
Grez-sur-Loing, “descoberto” por Jean-Baptiste Corot e onde uma comunidade de artistas escandinavos se estabeleceu na década de 1880 (Carl Larsson e sua esposa Karin, Peder Severin Krøyer, Michael e Anna Ancher, Christian Krohg)
A montanha Sainte-Victoire comemorada por Cézanne