Pintura oriental

A história da pintura oriental inclui uma vasta gama de influências de várias culturas e religiões. Os desenvolvimentos na pintura oriental historicamente são semelhantes aos da pintura ocidental, em geral alguns séculos antes. A arte africana, a arte judaica, a arte islâmica, a arte indiana, a arte chinesa, a arte coreana e a arte japonesa tiveram uma influência significativa na arte ocidental e vice-versa.

A pintura chinesa é uma das mais antigas tradições artísticas contínuas do mundo. As primeiras pinturas não eram representacionais, mas ornamentais; eles consistiam em padrões ou desenhos, em vez de imagens. A cerâmica primitiva era pintada com espirais, ziguezagues, pontos ou animais. Foi apenas durante o período dos Reinos Combatentes (403-221 aC) que os artistas começaram a representar o mundo ao seu redor. A pintura japonesa é uma das mais antigas e altamente refinadas das artes japonesas, abrangendo uma ampla variedade de gêneros e estilos. A história da pintura japonesa é uma longa história de síntese e competição entre a estética nativa japonesa e a adaptação de idéias importadas. A pintura coreana, como uma forma independente, começou por volta de 108 aC, em torno da queda de Gojoseon, tornando-a uma das mais antigas do mundo. A obra de arte desse período de tempo evoluiu para os vários estilos que caracterizaram o período dos Três Reinos da Coréia, principalmente as pinturas e afrescos que adornam os túmulos da realeza de Goguryeo. Durante o período dos Três Reinos e através da dinastia Goryeo, a pintura coreana foi caracterizada principalmente por uma combinação de paisagens em estilo coreano, características faciais, temas centrados no budismo e uma ênfase na observação celestial que foi facilitada pelo rápido desenvolvimento da astronomia coreana.

Pintura do leste asiático
China, Japão e Coréia têm uma forte tradição na pintura, que também é altamente ligada à arte da caligrafia e gravura (tanto que é comumente vista como pintura). A pintura tradicional do Extremo Oriente é caracterizada por técnicas baseadas em água, menos realismo, temas “elegantes” e estilizados, abordagem gráfica à representação, a importância do espaço em branco (ou espaço negativo) e uma preferência pela paisagem (em vez da figura humana) como sujeito. Além da tinta e da cor em pergaminhos de seda ou papel, o ouro em verniz também era um meio comum nas obras de arte pintadas do leste asiático. Embora a seda fosse um meio caro para se pintar no passado, a invenção do papel durante o século I dC pelo eunuco da corte Han Cai Lun forneceu não apenas um meio barato e difundido para a escrita, mas também um meio barato e difundido para a pintura. (tornando-o mais acessível ao público).

As ideologias do confucionismo, taoísmo e budismo desempenharam papéis importantes na arte do Leste Asiático. Os pintores medievais da dinastia Song, como Lin Tinggui e seu Luohan Laundering (abrigado na Smithsonian Freer Gallery of Art) do século XII, são excelentes exemplos de idéias budistas fundidas na arte clássica chinesa. Na última pintura sobre seda (imagem e descrição fornecidas no link), o budista careca Luohan é retratado em um ambiente prático de lavar roupas ao lado de um rio. No entanto, a pintura em si é visualmente impressionante, com o Luohan retratado em detalhes ricos e cores brilhantes e opacas, em contraste com um ambiente arborizado nebuloso, marrom e sem graça. Além disso, as copas das árvores estão envoltas em nevoeiro rodopiante, fornecendo o “espaço negativo” comum mencionado acima na arte do Leste Asiático.

Em Japonisme, pós-impressionistas do final do século 19, como Van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, e tonalistas como James McNeill Whistler, admiraram artistas japoneses do início do século XIX, como Hokusai (1760-1849) e Hiroshige (1797- 1858) e foram influenciados por eles.

pintura chinesa
Os primeiros exemplos sobreviventes de obras de arte chinesas datam do Período dos Reinos Combatentes (481 – 221 aC), com pinturas em seda ou murais de túmulo em pedra, tijolo ou pedra. Eles estavam frequentemente em formato estilizado simplista e em padrões geométricos mais ou menos rudimentares. Eles frequentemente descreviam criaturas mitológicas, cenas domésticas, cenas de trabalho ou cenas palacianas cheias de autoridades na corte. As obras de arte durante este período e a subsequente Dinastia Qin (221 – 207 aC) e a Dinastia Han (202 aC – 220 dC) foram feitas não como um meio em si ou para uma expressão pessoal mais elevada; em vez disso, obras de arte foram criadas para simbolizar e honrar ritos funerários, representações de divindades mitológicas ou espíritos de antepassados, etc. Pinturas em seda de funcionários judiciais e cenas domésticas podiam ser encontradas durante a Dinastia Han, junto com cenas de homens caçando a cavalo ou participando de desfile militar. Havia também pintura em obras de arte tridimensionais, como estatuetas e estátuas, como as cores originais pintadas cobrindo o soldado e as estátuas de cavalos do Exército de Terracota. Durante o clima social e cultural da antiga Dinastia Jin Oriental (316-420 dC), com sede em Nanjing, no sul, a pintura tornou-se um dos passatempos oficiais dos funcionários burocráticos e aristocratas ensinados por confucionistas (juntamente com a música tocada pela cítara guqin, escrevendo caligrafia fantasiosa, e escrevendo e recitando poesia). A pintura tornou-se uma forma comum de expressão artística e, durante esse período, pintores da corte ou de circuitos sociais de elite foram julgados e classificados por seus pares.

O estabelecimento da pintura de paisagem chinesa clássica é creditado em grande parte ao artista Gu Kaizhi da Dinastia Jin Oriental (344 – 406 dC), um dos artistas mais famosos da história chinesa. Como as longas cenas de rolagem de Kaizhi, a dinastia Tang (618 – 907 dC) artistas chineses como Wu Daozi pintaram trabalhos de arte vívidos e altamente detalhados em longos handscrolls horizontais (que eram muito populares durante o Tang), como o oitenta e sete pessoas celestes. A obra de arte pintada durante o período Tang pertencia aos efeitos de um ambiente de paisagem idealizado, com pouca quantidade de objetos, pessoas ou atividades, além de monocromática por natureza (exemplo: os murais do túmulo de Price Yide no Mausoléu de Qianling). Havia também figuras como o pintor Zhan Ziqian da era Tang, que pintou pinturas de paisagens soberbas que estavam bem à frente de seu tempo em retratos de realismo. No entanto, a arte da paisagem não alcançou maior nível de maturidade e realismo em geral até o período das Cinco Dinastias e Dez Reinos (907 – 960 dC). Durante esse período, houve pintores de paisagens excepcionais como Dong Yuan (refira-se a este artigo para um exemplo de sua obra de arte) e aqueles que pintaram representações mais vívidas e realistas de cenas domésticas, como Gu Hongzhong e sua Noite Revels de Han Xizai.

Durante a dinastia Song chinesa (960-1279 dC), não apenas a arte da paisagem foi melhorada, mas a pintura de retratos tornou-se mais padronizada e sofisticada do que antes (por exemplo, referir-se ao Imperador Huizong de Song) e atingiu sua maturidade clássica durante a Dinastia Ming (1368 – 1644 dC). Durante o final do século XIII e na primeira metade do século XIV, os chineses sob a dinastia Yuan controlada pelos mongóis não foram autorizados a entrar em cargos superiores de governo (reservados para mongóis ou outros grupos étnicos da Ásia Central) e o exame imperial foi interrompido. Enquanto. Muitos chineses de formação confucionista que agora careciam de profissão voltaram-se para as artes da pintura e do teatro, à medida que o período Yuan se tornou uma das épocas mais vibrantes e abundantes da arte chinesa. Um exemplo disso seria Qian Xuan (1235-1305 dC), que era funcionário da dinastia Song, mas por patriotismo, recusou-se a servir à corte Yuan e dedicou-se à pintura. Exemplos de arte soberba deste período incluem os ricos e detalhados murais pintados do Palácio Yongle, ou “Dachunyang Longevity Palace”, de 1262 dC, um Patrimônio Mundial da UNESCO. Dentro do palácio, as pinturas cobrem uma área de mais de 1000 metros quadrados e guardam principalmente temas taoístas. Foi durante a dinastia Song que os pintores também se reuniram em clubes sociais ou reuniões para discutir suas obras de arte ou de outros, o elogio do que muitas vezes levou à persuasão de comércio e vender obras de arte preciosas. No entanto, houve também muitos críticos severos de outras artes, mostrando a diferença de estilo e gosto entre os diferentes pintores. Em 1088 dC, o cientista e estadista de polímata Shen Kuo escreveu uma vez sobre a obra de arte de um Li Cheng, que ele criticou da seguinte forma:

… Então, havia Li Cheng, que quando ele representou pavilhões e pousadas em meio a montanhas, prédios com andares, pagodes e similares, sempre usados ​​para pintar os beirais vistos de baixo. Sua idéia era que “alguém deve olhar para cima de baixo, assim como um homem de pé no chão plano e olhando para os beirais de um pagode, pode ver suas vigas e suas vigas suspensas”. Tudo isso está errado. Em geral, a maneira correta de pintar uma paisagem é ver o pequeno do ponto de vista do grande … assim como se olha para as montanhas artificiais nos jardins (como se caminha). Se alguém aplica (o método de Li) à pintura de montanhas reais, olhando de cima para baixo, só se pode ver um perfil de cada vez, e não a riqueza de suas múltiplas encostas e perfis, para não falar de tudo o que está acontecendo. nos vales e desfiladeiros, e nas pistas e pátios com suas moradias e casas. Se ficarmos a leste de uma montanha, suas partes ocidentais estariam no limite de distância distante, e vice-versa. Certamente isso não poderia ser chamado de uma pintura de sucesso? O Sr. Li não entendeu o princípio de “ver o pequeno do ponto de vista do grande”. Ele era certamente maravilhoso em diminuir com exatidão alturas e distâncias, mas deve-se atribuir tal importância aos ângulos e cantos dos edifícios?

Embora o alto nível de estilização, o apelo místico e a elegância surrealista fossem frequentemente preferidos ao realismo (como no estilo shan shui), a partir da dinastia Song medieval, havia muitos pintores chineses que retratavam cenas da natureza que eram vividamente reais. Mais tarde, os artistas da Dinastia Ming tomaram conta desta ênfase da dinastia Song por detalhes intrincados e realismo em objetos da natureza, especialmente em representações de animais (como patos, cisnes, pardais, tigres etc.) entre manchas de flores coloridas e moitas de arbustos. e madeira (um bom exemplo seria a pintura anônima da Dinastia Ming Birds and Plum Blossoms, abrigada na Galeria Freer do Smithsonian Museum em Washington, DC). Havia muitos artistas renomados da dinastia Ming; Qiu Ying é um excelente exemplo de um pintor primordial da era Ming (famoso até mesmo em sua época), utilizando em sua obra cenas domésticas, cenas palacianas movimentadas e cenas da natureza de vales fluviais e montanhas mergulhadas em neblina e nuvens rodopiantes. Durante a Dinastia Ming, havia também diferentes e rivais escolas de arte associadas à pintura, como a Escola Wu e a Escola Zhe.

A pintura chinesa clássica continuou até o início da Dinastia Qing, com pinturas de retrato altamente realistas, como a dinastia Ming do início do século XVII. Os retratos do Imperador Kangxi, do Imperador Yongzheng e do Imperador Qianlong são excelentes exemplos de pintura realística de retratos chineses. Durante o período de reinado de Qianlong e o contínuo século XIX, os estilos barrocos europeus de pintura tiveram notável influência nas pinturas de retratos chineses, especialmente com efeitos visuais pintados de iluminação e sombreamento. Da mesma forma, as pinturas do Leste Asiático e outras obras de arte (como porcelana e laca) eram muito apreciadas na Europa desde o contato inicial no século XVI.

Pintura japonesa
A pintura japonesa (絵 画) é uma das mais antigas e altamente refinadas das artes japonesas, abrangendo uma ampla variedade de gêneros e estilos. Assim como as artes japonesas em geral, a pintura japonesa se desenvolveu através de uma longa história de síntese e competição entre a estética nativa japonesa e a adaptação de idéias importadas. Ukiyo-e, ou “fotos do mundo flutuante”, é um gênero de xilogravuras japonesas (ou “xilogravuras”) e pinturas produzidas entre os séculos 17 e 20, com motivos de paisagens, teatro e cortesãs. É o principal gênero artístico da impressão em xilogravura japonesa. Gravura japonesa, especialmente a partir do período Edo, exerceu enorme influência sobre a pintura francesa ao longo do século XIX.

Pintura coreana
A pintura coreana, como uma forma independente, começou por volta de 108 aC, em torno da queda de Gojoseon, tornando-a uma das mais antigas do mundo. A obra de arte desse período de tempo evoluiu para os vários estilos que caracterizaram o período dos Três Reinos da Coréia, principalmente as pinturas e afrescos que adornam os túmulos da realeza de Goguryeo. Durante o período dos Três Reinos e através da dinastia Goryeo, a pintura coreana foi caracterizada principalmente por uma combinação de paisagens em estilo coreano, características faciais, temas centrados no budismo e uma ênfase na observação celestial que foi facilitada pelo rápido desenvolvimento da astronomia coreana. Não foi até a dinastia Joseon que os temas confucianos começaram a se enraizar nas pinturas coreanas, usadas em harmonia com os aspectos indígenas.

A história da pintura coreana tem sido caracterizada pelo uso de trabalhos monocromáticos de pinceladas negras, muitas vezes em papel de amoreira ou seda. Esse estilo é evidente em “Min-Hwa”, ou arte folclórica colorida, pinturas de tumbas e artes de rituais e festivais, ambas incorporando um uso extensivo de cores.

Pintura do sul da Ásia

Pintura indiana
Pinturas indianas historicamente giravam em torno das divindades e reis religiosos. A arte indiana é um termo coletivo para várias escolas de arte diferentes que existiam no subcontinente indiano. As pinturas variavam de grandes afrescos de Ajanta às intrincadas pinturas em miniatura de Mughal e às obras de metal embelezadas da escola de Tanjore. As pinturas do Gandhar-Taxila são influenciadas pelas obras persas no oeste. O estilo oriental de pintura foi desenvolvido principalmente em torno da escola de arte de Nalanda. As obras são inspiradas principalmente por várias cenas da mitologia indiana.

História
As primeiras pinturas indianas foram as pinturas rupestres dos tempos pré-históricos, os petróglifos encontrados em lugares como os Abrigos de Rocha de Bhimbetka, e alguns deles são mais antigos que 5500 aC. Essas obras continuaram e, após vários milênios, no século VII, os pilares esculpidos de Ajanta, no estado de Maharashtra, apresentam um belo exemplo das pinturas indianas, e as cores, principalmente os vários tons de vermelho e laranja, derivam dos minerais.

As cavernas de Ajanta, em Maharashtra, na Índia, são monumentos de cavernas escavadas na rocha que datam do século II aC e contêm pinturas e esculturas consideradas obras-primas da arte religiosa budista e da arte pictórica universal.

Pintura Madhubani
A pintura Madhubani é um estilo de pintura indiana, praticado na região de Mithila, no estado de Bihar, na Índia. As origens da pintura de Madhubani estão envoltas na antiguidade.

Pintura Rajput
Rajput pintura, um estilo de pintura indiana, evoluiu e floresceu, durante o século 18, nas cortes reais de Rajputana, na Índia. Cada reino Rajput evoluiu um estilo distinto, mas com certas características comuns. As pinturas de Rajput retratam uma série de temas, eventos de épicos como o Ramayana e o Mahabharata, a vida de Krishna, belas paisagens e seres humanos. Miniaturas eram o meio preferido de pintura Rajput, mas vários manuscritos também contêm pinturas Rajput, e pinturas foram feitas até mesmo nas paredes de palácios, câmaras internas dos fortes, havelies, particularmente, os havelis de Shekhawait.

As cores extraídas de certos minerais, fontes vegetais, conchas e até mesmo derivadas do processamento de pedras preciosas, ouro e prata foram usadas. A preparação das cores desejadas foi um processo demorado, às vezes levando semanas. Os pincéis usados ​​eram muito bons.

Pintura Mughal
A pintura mogol é um estilo particular de pintura indiana, geralmente confinado a ilustrações no livro e feito em miniaturas, e que emergiu, se desenvolveu e tomou forma durante o período do Império Mogol entre os séculos XVI e XIX.

Pintura de Tanjore
A pintura de Tanjore é uma importante forma de pintura clássica do sul da Índia, originária da cidade de Tanjore, em Tamil Nadu. A forma de arte remonta ao início do século IX, período dominado pelos governantes de Chola, que incentivavam a arte e a literatura. Estas pinturas são conhecidas pela sua elegância, cores ricas e atenção aos detalhes. Os temas para a maioria dessas pinturas são deuses hindus e deusas e cenas da mitologia hindu. Nos tempos modernos, estas pinturas tornaram-se um souvenir muito procurado durante ocasiões festivas no sul da Índia.

O processo de fazer uma pintura de Tanjore envolve muitos estágios. A primeira etapa envolve a elaboração do esboço preliminar da imagem na base. A base consiste em um pano colado sobre uma base de madeira. Em seguida, pó de giz ou óxido de zinco é misturado com adesivo solúvel em água e aplicado na base. Para tornar a base mais lisa, um abrasivo suave é usado às vezes. Depois que o desenho é feito, a decoração das joias e dos fatos na imagem é feita com pedras semipreciosas. Rendas ou fios também são usados ​​para decorar as joias. Além disso, as folhas de ouro são coladas. Finalmente, corantes são usados ​​para adicionar cores às figuras nas pinturas.

A escola de Madras
Durante o domínio britânico na Índia, a coroa descobriu que Madras tinha algumas das mentes artísticas mais talentosas e intelectuais do mundo. Como os britânicos também estabeleceram um grande assentamento em Madras e arredores, Georgetown foi escolhida para estabelecer um instituto que atendesse às expectativas artísticas da família real em Londres. Isto veio a ser conhecido como a Escola de Madras. No início, artistas tradicionais foram contratados para produzir variedades requintadas de móveis, trabalhos em metal e curiosidades, e seu trabalho foi enviado aos palácios reais da rainha.

Ao contrário da Escola de Bengala, onde “copiar” é a norma do ensino, a Escola Madras floresce em “criar” novos estilos, argumentos e tendências.

A escola de Bengala
A escola de arte de Bengala foi um estilo influente de arte que floresceu na Índia durante o Raj britânico no início do século XX. Foi associado ao nacionalismo indiano, mas também foi promovido e apoiado por muitos administradores artísticos britânicos.

A Escola de Bengala surgiu como um movimento de vanguarda e nacionalista reagindo contra os estilos de arte acadêmica anteriormente promovidos na Índia, tanto por artistas indianos como Raja Ravi Varma e em escolas de arte britânicas. Seguindo a ampla influência das idéias espirituais indianas no Ocidente, o professor de arte britânico Ernest Binfield Havel tentou reformar os métodos de ensino na Escola de Arte de Calcutá, incentivando os alunos a imitar miniaturas de Mughal. Isso causou imensa controvérsia, levando a uma greve de estudantes e reclamações da imprensa local, inclusive de nacionalistas que consideraram ser um movimento retrógrado. Havel foi apoiado pelo artista Abanindranath Tagore, sobrinho do poeta Rabindranath Tagore. Tagore pintou uma série de obras influenciadas pela arte mogol, um estilo que ele e Havel acreditavam ser uma expressão das qualidades espirituais distintas da Índia, em oposição ao “materialismo” do Ocidente. A pintura mais conhecida de Tagore, Bharat Mata (Mãe Índia), retratou uma jovem mulher, retratada com quatro braços à maneira das divindades hindus, segurando objetos simbólicos das aspirações nacionais da Índia. Tagore mais tarde tentou desenvolver ligações com artistas japoneses como parte de uma aspiração de construir um modelo pan-asiático de arte.

A influência da Escola de Bengala na Índia declinou com a disseminação de idéias modernistas na década de 1920. No período pós-independência, os artistas indianos demonstraram mais adaptabilidade à medida que emprestavam livremente dos estilos europeus e os amalgamavam livremente com os motivos indianos para novas formas de arte. Enquanto artistas como Francis Newton Souza e Tyeb Mehta eram mais ocidentais em sua abordagem, havia outros como Ganesh Pyne e Maqbool Fida Husain, que desenvolveram estilos de trabalho totalmente indígenas. Hoje, após o processo de liberalização do mercado na Índia, os artistas estão experimentando mais exposição à cena internacional da arte que os ajuda a emergir com novas formas de arte que até então não eram vistas na Índia. Jitish Kallat tinha chegado à fama no final dos anos 90 com suas pinturas que eram modernas e além do alcance da definição genérica. No entanto, enquanto os artistas da Índia no novo século estão experimentando novos estilos, temas e metáforas, não teria sido possível obter um reconhecimento tão rápido sem a ajuda das casas comerciais que agora estão entrando no campo da arte como nunca antes .

Pintura indiana moderna
Amrita Sher-Gil era uma pintora indiana, às vezes conhecida como a indiana Frida Kahlo, e hoje considerada uma importante pintora feminina da Índia do século XX, cujo legado se equipara ao dos mestres do renascimento de Bengala; ela também é a pintora mais cara da Índia.

Hoje, ela está entre os Nove Mestres, cujo trabalho foi declarado como tesouro de arte pelo The Archaeological Survey of India, em 1976 e 1979, e mais de 100 de suas pinturas estão agora expostas na Galeria Nacional de Arte Moderna, em Nova Delhi.

Durante a era colonial, as influências ocidentais começaram a causar impacto na arte indiana. Alguns artistas desenvolveram um estilo que usava idéias ocidentais de composição, perspectiva e realismo para ilustrar os temas indianos. Outros, como Jamini Roy, conscientemente se inspiraram na arte popular.

Na época da Independência, em 1947, várias escolas de arte na Índia forneciam acesso a técnicas e idéias modernas. Galerias foram criadas para mostrar esses artistas. A arte indiana moderna normalmente mostra a influência dos estilos ocidentais, mas muitas vezes é inspirada em temas e imagens indianos. Grandes artistas estão começando a ganhar reconhecimento internacional, inicialmente entre a diáspora indiana, mas também entre o público não indígena.

O Grupo de Artistas Progressistas, criado pouco depois da independência da Índia em 1947, pretendia estabelecer novas formas de expressar a Índia na era pós-colonial. Os fundadores eram seis artistas eminentes – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza e FN Souza, embora o grupo tenha sido dissolvido em 1956, foi profundamente influente na mudança do idioma da arte indiana. Quase todos os principais artistas da Índia nos anos 1950 estavam associados ao grupo. Alguns dos que são bem conhecidos hoje são Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta e Akbar Padamsee. Outros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran e Bijon Choudhuri enriqueceram a cultura artística da Índia. Eles se tornaram os ícones da arte indiana moderna. Historiadores da arte como o Prof. Rai Anand Krishna também se referiram às obras de artistas modernos que refletem o ethos indiano. Geeta Vadhera foi aclamado por traduzir temas espirituais complexos e indianos para telas como o pensamento sufi, os Upanishads e o Bhagwad Geeta.

A arte indiana ganhou impulso com a liberalização econômica do país desde o início dos anos 90. Artistas de vários campos agora começaram a trazer variados estilos de trabalho. Na Índia pós-liberalização, muitos artistas estabeleceram-se no mercado internacional de arte, como o pintor abstrato Natvar Bhavsar, o artista figurativo Devajyoti Ray e o escultor Anish Kapoor, cujas gigantescas obras pós-minimalistas ganharam atenção por seu tamanho. Muitas casas de arte e galerias também abriram nos EUA e na Europa para mostrar obras de arte indianas.

Pintura filipina
A pintura filipina como um todo pode ser vista como um amálgama de muitas influências culturais, embora tenda a ser mais ocidental em sua forma atual com raízes orientais.

A pintura filipina antiga pode ser encontrada em desenhos de deslizamento vermelho (argila misturada com água) embelezados na cerâmica ritual das Filipinas, como o aclamado Manunggul Jar. Provas de cerâmica filipina datadas de 6000 aC foram encontradas em Sanga-sanga Cave, Sulu e Laurente Cave, Cagayan. Ficou provado que em 5000 aC, a fabricação de cerâmica era praticada em todo o país. Os primeiros filipinos começaram a fazer cerâmica antes de seus vizinhos cambojanos e quase ao mesmo tempo que os tailandeses, como parte do que parece ser um difundido desenvolvimento da tecnologia da cerâmica na Idade do Gelo. Outras evidências da pintura se manifestam na tradição da tatuagem dos primeiros filipinos, a quem o explorador português se referiu como Pintados ou o “Povo Pintado” dos Visayas. Vários projetos que fazem referência à flora e à fauna com corpos celestes decoram seus corpos em várias pigmentações coloridas. Talvez, algumas das pinturas mais elaboradas feitas pelos primeiros filipinos, que sobrevivem até os dias atuais, possam se manifestar entre as artes e a arquitetura de Maranao, que são bem conhecidas pelos dragões Nāga e os Sarimanok esculpidos e pintados no belo Panolong de seus Torogan. ou a Casa do Rei.

Os filipinos começaram a criar pinturas na tradição européia durante o período espanhol do século XVII. As primeiras dessas pinturas foram afrescos da Igreja, imagens religiosas de fontes bíblicas, bem como gravuras, esculturas e litografias com ícones cristãos e nobreza europeia. A maioria das pinturas e esculturas entre os séculos XIX e XX produziu uma mistura de obras de arte religiosa, política e paisagística, com qualidades de doçura, escuridão e luz. Os primeiros pintores modernistas, como Damián Domingo, estavam associados a pinturas religiosas e seculares. A arte de Juan Luna e Félix Hidalgo mostrou uma tendência para a declaração política. Artista como Fernando Amorsolo usou o pós-modernismo para produzir pinturas que ilustrassem a cultura, a natureza e a harmonia filipinas. Enquanto outros artistas como Fernando Zóbel usaram realidades e abstrações em seu trabalho.

Pintura islâmica
A representação de humanos, animais ou quaisquer outros assuntos figurativos é proibida no Islã de impedir os crentes de idolatria, de modo que não há tradição de pintura (ou escultura) motivada por religião dentro da cultura muçulmana. A atividade pictórica foi reduzida a arabesco, principalmente abstrato, com configuração geométrica ou padrões florais e vegetais. Fortemente ligado à arquitetura e caligrafia, pode ser amplamente visto como usado para a pintura de azulejos em mesquitas ou em iluminações em torno do texto do Alcorão e outros livros. De fato, a arte abstrata não é uma invenção da arte moderna, mas está presente em culturas pré-clássicas, bárbaras e não-ocidentais muitos séculos antes dela e é essencialmente uma arte decorativa ou aplicada. O notável ilustrador MC Escher foi influenciado por esta arte geométrica e baseada em padrões. Art Nouveau (Aubrey Beardsley e o arquiteto Antonio Gaudí) reintroduziram padrões florais abstratos na arte ocidental.

Note-se que, apesar do tabu da visualização figurativa, alguns países muçulmanos cultivaram uma rica tradição na pintura, embora não em seu próprio direito, mas como um companheiro para a palavra escrita. A arte iraniana ou persa, amplamente conhecida como miniatura persa, concentra-se na ilustração de obras de literatura épicas ou românticas. Os ilustradores persas deliberadamente evitaram o uso de sombreamento e perspectiva, embora familiarizados com ele em sua história pré-islâmica, a fim de seguir a regra de não criar nenhuma ilusão realista do mundo real. Seu objetivo não era descrever o mundo como ele é, mas criar imagens de um mundo ideal de beleza intemporal e ordem perfeita.

Nos dias atuais, a pintura de estudantes de arte ou artistas profissionais em países árabes e não árabes muçulmanos segue as mesmas tendências da arte da cultura ocidental.

Irã
O historiador oriental Basil Gray acredita que “o Irã ofereceu uma arte particularmente única ao mundo, que é excelente em sua espécie”. Cavernas na província de Lorestan, no Irã, exibem imagens pintadas de animais e cenas de caça. Alguns, como os da província de Fars e Sialk, têm pelo menos 5.000 anos de idade. Acredita-se que a pintura no Irã tenha alcançado um clímax durante a era Tamerlana, quando mestres notáveis ​​como Kamaleddin Behzad deram origem a um novo estilo de pintura.

As pinturas do período Qajar são uma combinação de influências européias e escolas de pintura em miniatura safavid, como aquelas introduzidas por Reza Abbasi e obras clássicas de Mihr ‘Ali. Mestres como Kamal-ol-molk impulsionaram ainda mais a influência européia no Irã. Foi durante a era Qajar quando surgiu a “pintura da Casa do Café”. Assuntos deste estilo eram muitas vezes religiosos, retratando cenas de épicos xiitas e similares.