Música barroca inicial

O significado histórico barroco da música européia foi um período entre 1600 e 1750. Desde cedo, a música barroca afastou-se da música renascentista. Ao substituir a polifonia (múltiplas melodias ao mesmo tempo) na canção de homofonia (um vocal principal) para deixar o texto dominar, criando óperas, oratórios, cantats e monopólios, a música vocal se desenvolveu acentuadamente. No início do barroco, as escalas modais eram principalmente associadas à música da igreja trocada por música tonal. Isso fez grandes diferenças tanto no som quanto na capacidade de compor peças mais avançadas.

Peças instrumentais não clericais foram uma inovação no barroco. Havia uma grande variação entre eles, de tocata, articulações, preludier, ricercars e capriccio a canzonaer, suites, sonatas e concertos. A orquestra desenvolveu-se significativamente no barroco e, à medida que os instrumentos se tornaram cada vez melhores, cada vez mais foram incluídos. Os instrumentos que atingem o barroco incluem violino, violoncelo, crosspie, clarinete, fagote, obo, trompa inglesa e primeiras versões de cornetas, trompetes e trombone. Novos barcos em música vocal e instrumental foram o desenvolvimento do baixo geral, um dos primeiros exemplos de transmissão do ritmo a um instrumento. Onde a música vocal era gay, a música instrumental permanecia polifônica, e o contraponto era frequentemente usado.

Inicialmente a música barroca era dominada por compositores italianos; Claudio Monteverdi foi um dos mais famosos deles. Eventualmente compositores holandeses, alemães, franceses e ingleses vieram com mais. A cultura musical em cada país variava de tempos em tempos entre usar a música italiana, inspirar ou criar ou cuidar da própria música. A ópera, por exemplo, foi tentada pela primeira vez na Alemanha, cantando jogos antes da ópera italiana. A ópera inglesa era uma mistura de óperas italianas e apresentações de máscaras, e a ópera francesa caracterizou-se por muito balé e técnicas próprias, durante muito tempo governadas totalmente por Jean-Baptiste Lully. No entanto, a ópera italiana tornou-se mais popular e favorável ao público através do desenvolvimento em Veneza e Nápoles.

Música instrumental também se desenvolveu de maneira diferente. Na Itália, o violino tornou-se muito popular, e a sonata foi inventada de perto para mostrar as características do instrumento. Arcangelo Corelli foi crucial para o sucesso da sonata. Na França, compositores como Marc-Antoine Charpentier criaram feiras e oratórios franceses, enquanto a maravilha infantil Élisabeth Jacquet de La Guerre escreveu um desafio para os cembalosticks. Na Alemanha, Heinrich Schütz e Johann Hermann Schein introduziram uma série de novos estilos musicais. Samuel Scheidt, e mais tarde Johann Pachelbel e Dietrich Buxtehude tiveram grande sucesso com a música de órgão, tanto em feiras geológicas como em tocatas e fantasias.

O último bar teve um enorme desenvolvimento de música instrumental especial. Sob Johann Sebastian Bach, tanto a tocata, a articulação e, em parte, a imaginação deram um desenvolvimento e popularidade significativos. Georg Friedrich Händel desenvolveu especialmente a ópera e os oratórios, Georg Philipp Telemann desenvolveu concertos, ópera cômica e uma série de outros temas, Antonio Vivaldi e Tomaso Albinoni foram cruciais para o desenvolvimento do sonate e concerto solo, Jean-Philippe Rameau desenvolveu o ópera na França e na Itália e Domenico Scarlatti e François Couperin, juntamente com Telemann, ajudaram a estabelecer as bases para o estilo galant que se seguiu ao barroco. O estilo galantista e o classicismo se rebelaram contra o estilo barroco e complicado, e queriam a música gay com simples caminhada no baixo e um foco mais mundano.

A música do início do barroco (1600-1630)
O barroco inicial experimentou uma série de mudanças musicais. A transição do Renascimento aconteceu rapidamente com o foco em um estilo de música homofônico, onde você poderia facilmente ouvir as letras. Foi também quando a ópera foi criada, assim, o canto e o teatro foram unidos pela primeira vez. Durante este período, a ópera foi principalmente para a nobreza, enquanto no período barroco seguinte, foi realizada com mais freqüência para a maioria das pessoas. Pouco depois da ópera veio o oratório. Parecia ópera, mas tinha muito menos características teatrais. Um terceiro estilo de canção era a cantata, também a maior parte de uma criatura barroca. Originalmente não continha peças, mas era um coral com solistas e alguma explicação entre as peças.

Outra diferença importante entre os primeiros quartéis e o renascimento foi também que o barroco iniciou o surgimento da música instrumental e o aumento do número de músicos em um conjunto musical. Isso novamente causou grandes mudanças na música, incluindo a criação do baixo geral, uma sala de baixo improvisada com certos acordes em lugares especiais e a transição da música modal para a tonal. A música de órgão na Holanda e na Alemanha também evoluiu claramente do Renascimento. A música barroca, portanto, exigia mais instrumentos, músicos e orquestras. Também foi mais avançado do que a música anterior no que diz respeito à cromática, harmonia, contraponto e uma variedade de outras técnicas além da música renascentista.

Os instrumentos foram essencialmente como durante o Renascimento, mas vários deles, como o violino, se tornaram mais importantes. O som distinto dos instrumentos também foi levado em conta, de modo que você gostaria de escrever melodias com base em como o instrumento soou e usou o som distinto do instrumento para retratar humores ou eventos. Além disso, a música também foi cada vez mais escrita em ritmos com táticas e linhas, de modo que se tornou mais previsível.

Instrumentos de Instrumento Antecipado
Enquanto o violino existia há muito tempo, foi no início dos anos 1600 que foi usado em música “séria”, como em óperas e balés. Foi assim que competiu com o jogo até então preferido. O jogo pertencia a uma família que também incluía violino baixo e violino de contrabaixo. Os dois últimos podem ter sido o antecessor do contrabaixo de hoje. Outros instrumentos na família estrita incluíam o pochette francês, uma espécie de “pocket fiction” sem formas e dreielire foram usados ​​no começo.

Havia vários instrumentos de corda, geralmente em variações, como harpa, alaúde, bandolim e cister. Nos instrumentos de sopro, Sackbut, um antecessor do trombone, era amplamente utilizado. O Lutte foi reservado principalmente para a música francesa, enquanto a teoria ocupou mais lugar na Itália.

Skalmeien, que foi desenvolvido desde que chegou à Europa nos anos 700, ganhou uma versão de tenor e baixo nos próximos novecentos anos. O Skalmeien era um instrumento de duas lâminas e, portanto, mais relacionado com o obo do que com o clarinete. Foi o ponto de partida para o bob barroco que surgiu em meados do século XVII. Além disso, tanto o chifre de migalhas, zinco, fluxo cruzado e flauta em bloco foram usados. Instrumentos de percussão como pauke e tabus também foram usados. Um dos insturments mais comumente usados, especialmente na voz do baixo, foi as pistas para salas pequenas e cembalo para salas de tamanho médio. Grandes salas eram principalmente igrejas, usando oleodutos.

Desenvolvimento musical
A transição do renascimento para a música barroca foi uma das principais violações da música ocidental. O estilo tradicional da canção, prima pratica, era a polifonia vocal do Renascimento (muitas melodias simultaneamente) com linhas de melodias entrelaçadas. O novo estilo, seconda pratica, enfatizou solismo, texto claro, distinção entre melodia e linha de baixo e interesse em harmonia expressiva. No entanto, a transição da polifonia para a homofonia foi significativamente na música, mas não na música instrumental, onde a polifonia foi importante em todo o barroco.

A distinção entre a primeira e segunda práticas foi definida por Claudio Monteverdi e seu irmão Giulio Cesare entre 1605 e 1607, em resposta às críticas de Giovanni Maria Artusi de 1600 sobre a quebra “desnecessária” de Monteverdi da regra de consonância e dissonância. A resposta de Monteverdi foi que no primeiro estilo foi a música que dominou o texto, enquanto no outro foi o contrário. Monteverdi sabia que a segunda prática não substituía a primeira, mas era uma alternativa.

Uma das apresentações mais importantes no início do barroco foi o baixo geral. O baixo geral era uma voz grave geralmente tocada por dois instrumentos, como o cembalo e o violoncelo. A listagem do baixo geral era limitada a acordes que podiam ser tocados de tempos em tempos, mas entre os acordes havia improvisação melódica livre. Por ter um baixo geral que permaneceu no lugar, isso também proporcionou maior improvisação para os instrumentos de melodia.

A tonalidade também foi importante. O Renascimento foi largamente usado pela escala modal, baseada na música da igreja medieval. No entanto, o desenvolvimento do barroco na música tornou-se tão exigente que a escala modal em si não era boa o suficiente. Pouco depois de 1600, a transição veio para a música tonal, que abriu para uma maior liberdade melódica, incluindo a dissonância.

Outro dos desenvolvimentos musicais que ocorreram no início do barroco foi a teoria afetiva, a ideia de que a música poderia recriar as emoções. Aqui, algumas das afeições eram estilizadas, de modo que o ousado, agudo e alto ritmo simbolizava alegria, enquanto a tristeza era profunda. O ritmo lento e o torpor, muitas vezes com dissonâncias e outras emoções, foram simbolizados por combinações de melodia, ritmo, instrumentação e tomografia. Foi especialmente Monteverdi quem desenvolveu isso em suas óperas e madrigues.

Já em meados do século XVI o romance foi bem utilizado em Veneza, mas foi especialmente no início do barroco, com Giovanni Gabrieli com vários que realmente começou a evoluir. Gabrieli escreveu sonatas especiais e foi a primeira a usar consistentemente o termo sobre peças de música sem música. As únicas sonatas estavam longe de tão desenvolvidas quanto se tornaram no classicismo, abriram para que o compositor determinasse o grau de força dos instrumentos. Gabrieli especialmente experimentou com instrumentos que jogam em diálogo um com o outro, ambos os grupos de instrumentos uns contra os outros, como cordas contra sopradores de latão e grupos de sopradores internos ou cordas uns contra os outros.

O desenvolvimento da ópera
A ópera foi descoberta no início do barroco, mas pode ter sido inspirada por pastoraldramas, madrigais e intermedios, todos os três uma mistura de drama e música. Além disso, humanistas como Girolamo Mei, que entendiam que as peças gregas eram cantadas na íntegra, importantes para a ideia por trás da ópera. As idéias de Meise foram discutidas no círculo de pessoas academicamente interessadas em torno do Conde Bardi, chamado Camerata Fiorentina.

A discussão foi sobre como fazer poemas, peças e tocar melodicamente. No Renascimento, Madrigals já havia sido mencionado anteriormente, mas essas músicas eram polifônicas, e isso dificultou para os ouvintes acompanharem a ação. Na Camerata Fiorentina, monopias, canções foram escritas para uma voz cantada com acompanhamento único, muitas vezes no palco, guitarra, cembalo ou órgão criado. Com apenas uma música, ficou mais fácil seguir a ação. Além disso, a frase deve seguir o conteúdo do texto para que as notas curtas e os tons altos caracterizem revelação e tons longos e voz baixa, um clima mais calmo. Primeiro, foi especialmente Vincenzo Galilei e Giulio Caccini que escreveram monografias, e os últimos os desenvolveram em grande medida. Os monods desapareceram no final do início do período barroco, mas depois de se espalhar para muitos outros países europeus e inspiraram canções semelhantes lá.

No entanto, os monos eram cantores solteiros, e florentinos interessados ​​em música discutiram a possibilidade de completar toda uma série de monotorias consecutivas. Mesmo depois que Bardi se mudou para Roma, a discussão continuou. Jacopo Peri escreveu as primeiras tentativas de ópera com Daphne (não preservada) em 1598 e L’Euridice em 1600. Peri também inventou resitativo, cantando palavras que contavam a história e unia as monodias (eventualmente os “arianos”). O pano de fundo para os resitativos estava em uma teoria amplamente aceita de que os antigos gregos executavam seus poemas cantando a meio caminho.

A ópera começou experimental, mas foi com Claudio Monteverdi que a ópera encontrou seu lugar. Em sua ópera L’Orfeo, a compreensão de Monteverdi do equilíbrio entre texto e música nas duas práticas apresentadas na ópera. Ele colocou os músicos atrás e na frente do palco, e também na página. Além de ter uma orquestra tão grande, com até 40 músicos, a música foi caracterizada em parte pela dissonância, acordes surpreendentes e uso consciente de cores sonoras. Monteverdi costumava usar trombones, o que era incomum na música do mundo na época, para criar a sensação do underground, enquanto as flautas criavam um tema mais pastoral. A orquestra também desempenhou um papel mais ativo durante os residentes, onde eles acompanharam toda a orquestra, muitas vezes dramaticamente, para melhorar as emoções.

Monteverdi escreveu várias óperas. Já no ano seguinte, L’Arianna chegou, que quase não é preservada. Então não há óperas conhecidas dele antes de Il ritorno d’Ulisse em 1640. Em Florença, também não havia óperas no início do barroco, embora algumas peças estivessem operando na performance. Francesca Caccinis A libertação do Roggiero dall’isola d’Alcina, a partir de 1625, teve uma série de características musicais da ópera para Monteverdi e seus contemporâneos, incluindo árias, resitativos, coro e abertura infonia, mas foi referido como um ballet. Algo mais tarde, Roma assumiu a capital da ópera, onde os recitais se tornaram menos melódicos, enquanto o Carneiro reteve seu estilo melódico. Foi também em Roma que os castradores cantaram as canções das mulheres. Em Roma, entre outros, Stefano Landi foi um ativo compositor de ópera. Ele escreveu as duas óperas com temas religiosos e cômicos, geralmente ao mesmo tempo que em Il Sant ‘Alessio ou tema mitológico pastoral e grego como em La Morte d’Orfeo.

No final do período, havia também uma forma de ópera para a Alemanha. Assim como na Itália, a primeira ópera chamada Dafne (1627), mas pode ter sido uma cantata mundana. Acredita-se que tenha sido escrito por Heinrich Schütz, mas apenas o libreto é cuidado.

Oratórios e cantats
Logo depois que a ópera começou a se espalhar, os orientadores também se espalharam. Os oratórios foram inspirados por madrigais religiosos e textos religiosos laudis na linguagem cotidiana. Um oratório (= casa de oração) era uma apresentação de um texto ou mensagem cristã, na maioria das vezes parecida com uma ópera em que tinha resitativos, cruzes e danças, mas também tinha um narrador que lia os textos bíblicos em que a ação se baseava. Os oratórios foram, no entanto, influenciados pela música mundana, e como as óperas também tinham temas religiosos, a diferença era que os oratorianos não tinham cenografia. Emilio de ‘Cavalieri, também ativo no surgimento da ópera, escreveu o que é considerado o primeiro oratório da “A Preparação da Alma e do Corpo”. Assim como na ópera, variantes dos oratórios surgiram na Alemanha. Novamente, Heinrich Schütz escreveu o primeiro caso alemão, Resurrection History, em 1623. Na Alemanha, a “história” foi usada sobre a forma musical, e o termo “oratório” não foi encontrado até 1640.

Os cantats também chegaram cedo. Eles eram principalmente crimes e baseados em textos seculares ou religiosos. Os cantats mundanos evoluíram para longe dos religiosos. Os religiosos continham uma introdução instrumental, árias separadas e seções de coral resitativo e partes onde a congregação participaria da música. Este cantat converteu-se no que depois atingiu entre compositores alemães como Johann Sebastian Bach.

Outras músicas da igreja
Além de cantats, madrigals e oratórios, havia também outros gêneros melódicos religiosos. Um deles era os franceses. Os motetos ficaram felizes em compartilhar prima pratica, e assim inspirados pelo Renascimento, principalmente Giovanni Pierluigi da Palestrina, Josquin des Prez e Orlando di Lasso. Eles, portanto, tinham a música como dominante do texto. Alessandro Grandi fez uso de opostos inspirados nas monopias, e assim os motetos se tornaram mais próximos do secondo prattico, pois a melodia se tornou menos dominante e a voz ficou mais na frente. Essa mistura mostrou Grandi especialmente quando ele foi inspirado por rebeliões solo, árias resitativas e líricas.

Girolamo Frescobaldi era dominante na música instrumental. Ele se tornou organista na igreja de São Pedro aos 25 anos de idade e criou vários trabalhos para instrumentos de piano, de preferência órgão. Ele escreveu tocataer, capricioer e ricercaros para cembalo e órgão, mais frequentemente no contexto da igreja. Frescobaldi era mais famoso por sua linguagem tonal, que se caracterizava pela tensão entre a modalidade e os tons principais / moles que tomavam conta. Isto significou, entre outras coisas, que ele jogou muito cromático, mas ele também estava preocupado com instrumentos harmoniosos.

Também na Alemanha houve desenvolvimento musical e, entre outras coisas, Michael Praetorius definiu uma transição musical com seus corais e especialmente com sua teoria musical Syntagma Musicum. Havia especialmente três de seus descendentes, Heinrich Schütze, Johann Hermann Schein e Samuel Scheidt, que em grande parte introduziram a música barroca na Alemanha. Os três, freqüentemente chamados de “os três S er”, conhecidos entre si e por Praetorius.

Destes, foi especialmente Samuel Scheidt quem escreveu a música de órgão. Scheidt estudou a tecnologia de órgãos com o campeão do órgão estabelecido, Jan Pieterszoon Sweelinck. Scheidts Tabulatura nova de 1624 é considerada a primeira importante coleção de órgãos alemães. Scheidt fez uso do baixo geral e desenvolvimento de som, e além disso, ele escreveu em contraste na melodia. Scheidt era especialmente ativo em peças de fantasia, e sua música de órgão era de grande importância para o desenvolvimento da música de órgão do norte da Alemanha naquela época.

Johann Hermann Schein conseguiu misturar a tradição de coral moderna e italiana com a alemã. Entre outras coisas, ele adicionou uma música decorativa para as vozes cantadas e frases divididas para as diferentes vozes, de modo que a música da igreja luterana se desenvolveu. Ele também acrescentou em trabalhos posteriores com instrumentos solo e contrastou entre partes de solo e partes com todos os i. Estas obras, ambas chamadas Opella Nova, estabeleceram o padrão para a música da igreja entre os compositores protestantes por um longo tempo.

Heinrich Schütz foi provavelmente o mais influente dos três. Como estudante de Giovanni Gabrieli e visitando Monteverdi, ele aprendeu muito sobre o uso do som e da voz para obter a melhor mensagem. Ele pediu emprestadas orquestrações importantes de Gabrieli, por exemplo, no sacramento do Salmo David e Cantion, ambas canções religiosas em alemão e latim, respectivamente. Schütz também escreveu óperas e oratórios, mas ficou longe da pura música instrumental. Schütz continuou a desenvolver a música da igreja muito além desse período. Schütz tornou-se particularmente famoso por sua habilidade em usar várias vacas, como Gabrielli fez, e por montar as vacas umas contra as outras ou solistas contra o coro. Isso significa que ele criou experiências dramáticas para destacar o texto. Assim, Schütz pode ser colocado com segurança na segunda prática.