A arte contemporânea é a arte de hoje, produzida na segunda metade do século XX ou no século XXI. Os artistas contemporâneos trabalham em um mundo com influência global, diversidade cultural e avanço tecnológico. Sua arte é uma combinação dinâmica de materiais, métodos, conceitos e assuntos que continuam o desafio de limites que já estavam em andamento no século XX. A arte contemporânea diversa e eclética como um todo se distingue pela própria falta de um princípio organizador uniforme, ideologia ou “ismo”. A arte contemporânea faz parte de um diálogo cultural que envolve estruturas contextuais mais amplas, como identidade pessoal e cultural, família, comunidade e nacionalidade.

No inglês vernacular, moderno e contemporâneo são sinônimos, resultando em alguma confusão e confusão dos termos arte moderna e arte contemporânea por não especialistas.

Em outras disciplinas, esse adjetivo é único: a literatura moderna e a literatura contemporânea denotam significados diferentes. Muito mais claramente, o conceito de música moderna é geralmente reservado à música popular moderna (da indústria da música de consumo em massa); enquanto a música contemporânea é feita para a música acadêmica do século XX – embora também seja comum encontrar publicações e instituições que assimilam ambas as denominações e que falam de “arte moderna e contemporânea”.

Além da prática artística em si, a arte contemporânea inclui áreas como crítica e teoria da arte, educação artística com suas instituições educacionais e escolas de arte, curadoria, publicações de arte contemporânea, mídia e mídia, coleções públicas e privadas, galerias e feiras que compõem o mercado de arte contemporânea, a indústria de produção de arte contemporânea e os locais onde as obras de arte contemporâneas são exibidas, preservadas e documentadas.

Prazo
Os termos arte contemporânea são usados ​​para evitar o termo arte moderna ou vanguarda. Na linguagem cotidiana, moderno significa “contemporâneo, de acordo com o gosto contemporâneo, moderno” e, portanto, pode ser considerado sinônimo de contemporâneo. Em termos técnicos, no contexto da arte e da história cultural, o conceito de modernidade está mais ou menos firmemente associado a uma época da história da arte que ainda não está fechada, mas já é histórica. Especialmente em relação ao surgimento do termo pós-modernismo, veja também arquitetura pós-moderna, moderna aqui não é mais considerada contemporânea ou contemporânea.

Os termos arte contemporânea não estão vinculados a nenhum conceito, estilo artístico, técnica, forma ou pertencimento a uma corrente, movimento ou grupo artístico. A arte contemporânea pode ser pintura, mas também pode ter uma forma que só se estabeleceu nos últimos anos e décadas, como videoarte, performance, arte conceitual ou escultura abstrata de metal.

Os termos arte contemporânea podem não apenas atingir a obra de arte individual, mas também um sistema cultural e econômico de produção de arte difícil de delimitar, que se sobrepõe parcialmente ao negócio da arte e se orienta parcialmente ao mercado da arte. Muitos museus e exposições regulares de arte se vêem hoje como locais de arte contemporânea relevante. A exposição mais importante para a arte contemporânea é a exposição da documenta em Kassel, que ocorre a cada cinco anos. Os organizadores da exposição da documenta em 2007, em conexão com os termos arte contemporânea e arte atual, enfatizaram que “atual” não significa que as obras foram criadas ontem. Eles devem ser significativos para nós hoje. ”

Escopo
Alguns definem a arte contemporânea como arte produzida dentro de “nossa vida”, reconhecendo que a vida e a duração da vida variam. No entanto, há um reconhecimento de que essa definição genérica está sujeita a limitações especializadas.

A classificação da “arte contemporânea” como um tipo especial de arte, em vez de uma frase adjetiva geral, remonta aos primórdios do modernismo no mundo de língua inglesa. Em Londres, a Contemporary Art Society foi fundada em 1910 pelo crítico Roger Fry e outros, como uma sociedade privada para a compra de obras de arte para museus públicos. Várias outras instituições que usavam o termo foram fundadas na década de 1930, como a Sociedade de Arte Contemporânea de Adelaide, na Austrália, e um número crescente após 1945. Muitas, como o Instituto de Arte Contemporânea, Boston mudaram seus nomes das que usavam “Arte moderna” nesse período, quando o modernismo foi definido como um movimento histórico da arte, e muita arte “moderna” deixou de ser “contemporânea”. A definição do que é contemporâneo está naturalmente sempre em movimento, ancorada no presente com uma data de início que avança, e os trabalhos que a Sociedade de Arte Contemporânea comprou em 1910 não podia mais ser descrita como contemporânea.

Pontos particulares que foram vistos como marcadores de uma mudança nos estilos de arte incluem o final da Segunda Guerra Mundial e da década de 1960. Talvez tenha havido uma falta de pontos de ruptura naturais desde a década de 1960, e as definições do que constitui “arte contemporânea” na década de 2010 variam e são imprecisas. É provável que a arte dos últimos 20 anos seja incluída, e as definições geralmente incluem arte que remonta a 1970; “a arte do final do século 20 e início do século 21”; “a arte do final do século XX e do início do século XXI, tanto uma conseqüência quanto uma rejeição da arte moderna”; “A rigor, o termo” arte contemporânea “refere-se à arte feita e produzida por artistas que vivem hoje”; “Arte das décadas de 1960 ou 70 até esse exato momento”; e algumas vezes mais, especialmente em contextos de museus, pois museus que formam uma coleção permanente de arte contemporânea inevitavelmente encontram esse envelhecimento. Muitos usam a formulação “Arte Moderna e Contemporânea”, que evita esse problema. Galerias comerciais menores, revistas e outras fontes podem usar definições mais rigorosas, talvez restringindo o “contemporâneo” a trabalhar a partir de 2000. Artistas que ainda são produtivos após uma longa carreira, e movimentos artísticos em andamento, podem apresentar um problema específico; galerias e críticos costumam relutar em dividir seu trabalho entre o contemporâneo e o não contemporâneo.

A socióloga Nathalie Heinich faz uma distinção entre arte moderna e contemporânea, descrevendo-as como dois paradigmas diferentes que se sobrepõem parcialmente historicamente. Ela descobriu que, embora a “arte moderna” desafie as convenções de representação, a “arte contemporânea” desafia a própria noção de obra de arte. Ela considera a Fonte de Duchamp (que foi feita na década de 1910 em meio ao triunfo da arte moderna) como o ponto de partida da arte contemporânea, que ganhou impulso após a Segunda Guerra Mundial com as performances de Gutai, os monocromos de Yves Klein e o Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg.

Definição
A noção de “contemporaneidade” é antes de tudo uma noção histórica. De acordo com essa abordagem, o período contemporâneo começaria a partir de 1945, com o fim da Segunda Guerra Mundial e, por conveniência, a maioria dos estudos trata do período que começa em 1945 e continua até hoje.

“Contemporaneidade” também significa “simultaneidade”. Contemporâneo é o que está no mesmo período. O “contemporâneo” seria, portanto, o que é feito hoje. Aplicada à arte, essa noção tem uma especificidade estética que pode se tornar controversa, uma vez que os atores não têm a distância necessária para apreciar efetivamente as obras. A designação “arte contemporânea” deve, portanto, não apenas ser tomada cronologicamente, uma vez que todas as produções contemporâneas não pertencem à abordagem contemporânea, nem afirmam que são.

Novas referências tornam possível definir qual é o método contemporâneo. Uma das primeiras é a transgressão contra a era anterior; assim, a noção de “arte contemporânea” gostaria de afirmar sua independência não apenas em relação à noção de artes “clássicas”, em relação às “artes plásticas” e às suas categorias (pintura, escultura etc.), mas também em relação ao conceito de uma maneira “moderna”. O caminho contemporâneo, portanto, tem em si exclusões. Faz parte da continuação da “arte moderna” e gostaria de acabar com ela.

Além disso, a expressão “maneira contemporânea” é usada hoje em dia para artistas ainda vivos, ativos ou ainda em condições de ser, o que, nesse caso, colocaria a origem do método contemporâneo na década de 1960, com arte pop, arte conceitual, Fluxus, acontecimentos. ou arte em vídeo. É com essas correntes artísticas que o período da arte moderna e a teoria de Clement Greenberg, que a definiu como a busca pela especificidade da técnica, terminariam.

Nesta busca constante por uma definição de contemporaneidade, a crítica de arte e as instituições desempenham um papel importante. Assim, são geralmente excluídos da abordagem contemporânea “rotulada” das formas de arte cujas questões não refletem as tendências promovidas pela crítica “contemporânea”.

Do ponto de vista geográfico, a partir dos principais meios de comunicação, principalmente do oeste (Paris, Londres, Nova York) e com a queda do Muro de Berlim em 1989, a ascensão da China a esse mesmo Naquela época, o planeta da arte contemporânea se tornou global, a África e a América Latina não escaparam a essa progressão.

Temas
Uma das dificuldades que muitas pessoas enfrentam na arte contemporânea é sua diversidade – diversidade de material, forma, assunto e até períodos de tempo. É “distinguido pela própria falta de um princípio de organização uniforme, ideologia ou ismo” que tantas vezes vemos em outros períodos e movimentos de arte, e muitas vezes mais familiares. Em termos gerais, vemos o modernismo olhando para os princípios modernistas – o foco do trabalho é auto-referencial, investigando seus próprios materiais (investigações de linha, forma, cor, forma). Da mesma forma, o impressionismo olha nossa percepção de um momento através da luz e da cor, em oposição às tentativas de um realismo severo (o realismo também é um movimento artístico).

A arte contemporânea, por outro lado, não tem um único objetivo ou ponto de vista. Sua visão não é clara, talvez refletindo o mundo hoje. Portanto, pode ser contraditório, confuso e aberto. Há, no entanto, vários temas comuns que apareceram em obras contemporâneas. Embora estes não sejam exaustivos, os temas notáveis ​​incluem: política de identidade, corpo, globalização e migração, tecnologia, sociedade e cultura contemporâneas, tempo e memória e crítica institucional e política. As teorias pós-modernas, pós-estruturalistas, feministas e marxistas desempenharam papéis importantes no desenvolvimento das teorias da arte contemporânea.

História

Origens
O surgimento da fotografia influenciou muitos artistas do século xix, como Degas, e ajudou a criar arte moderna. A arte não tem mais apenas a importante função de representar fielmente a realidade, a fotografia é mais capaz de fazê-lo, a arte agora pode tentar outras formas, quebrar os cânones da beleza e oferecer novos experimentos e idéias conceituais.

A arte contemporânea tem como base as experiências da arte moderna (início do século xx) e, em particular, o desejo de tirar a arte de lugares tradicionais e institucionais. Nesse sentido, a arte está gradualmente perdendo sua funcionalidade representativa. A criação contemporânea continua sendo um espelho para uma realidade banhada em conflitos e apreensões de poder que esses ataques à racionalidade causam. A arte reflete as crises da sociedade e continua sendo o local de expressão de valores. As relações entre arte e história não são avaliadas qualitativamente nem quantitativamente, mas levam a uma concepção mais institucional da arte: colecionadores, sedes, galerias, museus etc. para abrir a um público mais amplo. No entanto, os atores da arte moderna que desejam expressar sua opinião artística fora das estruturas institucionais para se dirigir ao público permanecem ligados às instituições; sua abordagem era opor-se a uma ideologia (Heartfield em relação ao nazismo) ou, pelo contrário, participar da propagação de um pensamento político.

Apesar do fim das ideologias impostas na arte moderna, os artistas atuais estão assumindo essa herança por conta própria, expressando seu profundo compromisso com as instituições. Em particular, quando sua sensibilidade é perturbada.

Hoje, a arte contemporânea está passando pelo declínio das ideologias modernas (na década de 1960, depois em 1990, com a queda do comunismo). Baseia-se em novos comportamentos: renovação estilística, mistura artística, origens diversas, artes tecnológicas (acesso ao poder matemático dos computadores e ergonomia do software), modo de abordagem da realidade. As tecnologias sempre trouxeram ferramentas para a arte. Hoje, o artista o utiliza como ferramenta de mídia e inventa novas. É baseado na cultura histórica, listada; lê, visita, entende, pesquisa, se especializa, enfoca o assunto e vai além do que foi feito. Ele às vezes se posiciona, quer ser demonstrativo ou chocante; em qualquer caso, ele procura cobertura da mídia.

Das “belas artes” às artes plásticas
A arte contemporânea baseia-se nos experimentos da arte moderna e afirma regularmente a brecha aberta por Marcel Duchamp e outros que haviam libertado a prática da arte das restrições clássicas da representação.

O pensamento pós-modernista formulou a maioria dos problemas inerentes à arte contemporânea, livres de correntes ideológicas (comunismo e capitalismo), sem, no entanto, impedir que artistas comprometidos critiquem abusos políticos ou ideológicos.

Na França, a criação das faculdades de artes plásticas constitui uma base para contestar o ensino acadêmico das artes plásticas; assuntos anteriormente estranhos ao campo da educação artística, sociologia, etnologia, estética e outros, orientam a pesquisa artística em sintonia com seus desenvolvimentos recentes.

A busca formal de Beleza é seguida por novos caminhos estéticos de pesquisa, dos quais os mais radicais, arte conceitual, minimalismo, performance, arte corporal, modificam permanentemente o significado e a percepção da arte, que às vezes se transforma em uma primeira visão hermética para os não iniciados.

Certas correntes, como os novos realistas, a figuração livre e a trans-avant-garde, bem como certos franco-atiradores, no entanto, não deixaram os meios tradicionais, enquanto modificavam radicalmente suas abordagens criativas.

A repartição dos tipos de mídia (a pintura é muitas vezes abandonada em favor de instalações, performances ou outras) e o conteúdo das obras modificam profundamente as redes de mediação artística; Além de novas galerias, há novos contextos de exibição e o surgimento de novos meios de divulgação.

Em Paris, o Salon Comparaisons, no Museu de Arte Moderna de Paris, foi, em 1954, o ponto de encontro de todos os expositores dessas tendências, confrontados, no mesmo espaço, com pintores figurativos e abstratos da pintura em cavalete.

Arte contemporânea na era da globalização
A partir da década de 1980, surgiram as artes com forte componente “tecnológico”, com videoarte, estética da comunicação, arte computacional e, posteriormente, arte digital, bio-arte etc. A lista não é exaustiva e acompanha de perto o progresso. de pesquisa industrial.

Nos anos 90, a arte contemporânea ocidental concedeu seu “rótulo” a muitos artistas dos chamados países “em desenvolvimento”, quase ausentes no passado. Os paradigmas da globalização e a perda de referências clássicas do espaço-tempo valorizaram abordagens pessoais, ou componentes biográficos, sociológicos e até religiosos são valorizados no processo de trabalho.

A comunicação vinculada à Internet desempenha um papel cada vez mais importante na recepção e mediação da arte contemporânea, a montante das próprias exposições, que integram cada vez mais as estruturas de mediação estatais. Dá lugar aos “Consultores de Arte Contemporânea”, que aconselham gratuitamente valores futuros. As mudanças que ocorreram nos países mais desenvolvidos (em particular a crescente participação do setor terciário) criaram uma necessidade cada vez mais generalizada de arte, o que não facilita a tarefa dos artistas, a crise obriga.

A arte contemporânea, muitas vezes obscura e provocadora aos olhos do público em geral, é frequentemente considerada como a emanação de uma arte oficial. É, no entanto, muito mais aceito e difundido hoje do que antes; uma onda de obras de qualidade desigual a torna confusa e geralmente requer um investimento pessoal por parte do público (consulte Teorias modernas da arte).

Listadas na internet, as obras de arte contemporânea também são um ganho financeiro potencial, que não exclui os efeitos da moda em detrimento de obras verdadeiramente originais.

Entre médio e mediação
Além das mídias clássicas (pintura a óleo, pastel, sanguínea, bronze, mármore, etc.), a arte contemporânea gosta particularmente de novas mídias, mesmo “não-médiuns”. Em particular, a vocação efêmera ou “em andamento” de muitas obras questiona a própria noção de médium, que muitas vezes se torna um vetor simples de mediação e não um suporte estável. Isso está de acordo com a transformação da mídia de informação iniciada na década de 1980, que se desmaterializa gradualmente em favor de uma lógica de “relacionamento”:

Meios “tangíveis”
Espelhos (Peça de espelho de arte e idioma)
Resíduos (um café da manhã de Daniel Spoerri), vários materiais (concreto, terra, areia, etc.)
Fezes (artista de porcaria de Piero Manzoni), urina, sangue
Poliestireno, poliuretano, silicone, plástico etc. (expansões de César)
Objetos diversos mais ou menos transformados ou degradados (acumulações de Arman e Gérard Deschamps)

Meios “intangíveis”
Ambiente (especialmente para Land art, James Turrell light)
Situações hic et nunc (coletivo de arte sociológica)
Projetos atuais (trabalho em andamento por Roman Opałka)
Experiência na imprensa (Space Media Fred Forest)

Meios “tecnológicos”
Microfilmes (Arte e idioma)
Fax (Hans Haacke)
Software de computador (Arte e linguagem A obra de arte cibernética que ninguém quebrou)
Net.art
Sistemas mecânicos (Stelarc)
Genes vivos (bio-arte)

Certos meios, como a fotografia – que se torna “artista visual” (Joel-Peter Witkin) – cinema – que se torna “experimental” (série Cremaster de Matthew Barney) – adquiriram o status de arte por si mesmos (da mesma maneira pintura, escultura ou música) e hoje constituem categorias autônomas.

A noção de arte multimídia, hoje amplamente questionada, questiona o status das obras de instalações, muitas vezes performances mistas, como apareceram na década de 1950.

Instituições
O funcionamento do mundo da arte depende de instituições de arte, variando de grandes museus a galerias particulares, espaços sem fins lucrativos, escolas e editores de arte, e as práticas de artistas, curadores, escritores, colecionadores e filantropos individuais. Uma grande divisão no mundo da arte é entre os setores com e sem fins lucrativos, embora nos últimos anos as fronteiras entre instituições públicas com e sem fins lucrativos tenham se tornado cada vez mais obscuras. A arte contemporânea mais conhecida é exibida por artistas profissionais em galerias comerciais de arte contemporânea, por colecionadores particulares, leilões de arte, corporações, organizações de artes públicas, museus de arte contemporânea ou pelos próprios artistas em espaços administrados por artistas. Os artistas contemporâneos são apoiados por doações, prêmios e prêmios, bem como pela venda direta de seus trabalhos. Os artistas de carreira treinam na escola de arte ou emergem de outros campos.

Existem relações estreitas entre organizações de arte contemporânea com financiamento público e o setor comercial. Por exemplo, em 2005, o livro Understanding International Art Markets and Management relatou que na Grã-Bretanha um punhado de negociantes representava os artistas presentes nos principais museus de arte contemporânea com financiamento público. As organizações comerciais incluem galerias e feiras de arte.

As empresas também se integraram ao mundo da arte contemporânea, exibindo arte contemporânea em suas instalações, organizando e patrocinando prêmios de arte contemporânea e construindo extensas coleções corporativas. Os anunciantes corporativos costumam usar o prestígio associado à arte contemporânea e à arte de chamar a atenção dos consumidores para artigos de luxo.

As instituições de arte foram criticadas por regulamentar o que é designado como arte contemporânea. A arte de fora, por exemplo, é literalmente arte contemporânea, na medida em que é produzida nos dias atuais. No entanto, um crítico argumentou que isso não é considerado porque os artistas são autodidatas e, portanto, presume-se que estejam trabalhando fora de um contexto histórico da arte. Atividades artesanais, como o design têxtil, também são excluídas do domínio da arte contemporânea, apesar do grande público de exposições. O crítico de arte Peter Timms disse que chama a atenção a maneira como os objetos artesanais devem se inscrever em valores particulares para serem admitidos no domínio da arte contemporânea. “Um objeto de cerâmica que se destina a ser um comentário subversivo sobre a natureza da beleza tem mais probabilidade de se encaixar na definição de arte contemporânea do que aquele que é simplesmente bonito”.

A qualquer momento, um determinado lugar ou grupo de artistas pode ter uma forte influência na arte contemporânea subsequente. Por exemplo, a Ferus Gallery era uma galeria comercial em Los Angeles e revigorou a cena da arte contemporânea californiana no final dos anos cinquenta e sessenta.

Atitudes públicas
A arte contemporânea às vezes pode parecer contrária a um público que não sente que a arte e suas instituições compartilham seus valores. Na Grã-Bretanha, na década de 1990, a arte contemporânea se tornou parte da cultura popular, com artistas se tornando estrelas, mas isso não levou a uma “utopia cultural” esperada. Alguns críticos como Julian Spalding e Donald Kuspit sugeriram que o ceticismo, mesmo a rejeição, é uma resposta legítima e razoável a muita arte contemporânea. Brian Ashbee em um ensaio chamado “Art Bollocks” critica “muita arte de instalação, fotografia, arte conceitual, vídeo e outras práticas geralmente chamadas pós-modernas” por serem muito dependentes de explicações verbais na forma de discurso teórico. No entanto, a aceitação da arte não tradicional nos museus aumentou devido às perspectivas de mudança do que constitui uma obra de arte.

Preocupações
Uma preocupação comum desde o início do século XX tem sido a questão do que constitui arte. No período contemporâneo (1950 até agora), o conceito de vanguarda pode entrar em jogo para determinar o que a arte é notada por galerias, museus e colecionadores.

As preocupações da arte contemporânea também são criticadas. Andrea Rosen disse que alguns pintores contemporâneos “não têm absolutamente nenhuma idéia do que significa ser um artista contemporâneo” e que “estão nele pelas razões erradas”.

Crítica ao conceito
O processo de globalização, no entanto, questiona o conceito de um contemporâneo uniforme. “‘Arte Contemporânea'” é uma imagem coletiva do pós-modernismo. De acordo com a lógica lingüística, essa combinação de palavras pretende abranger uma – mais ou menos – comunidade contemporânea global. Na realidade, atua como um conceito de valor com uma função de admissão: determina o que é arte e o que não é. Por causa dessa diferença, a qualidade artística da arte contemporânea que não se encaixa no conceito estabelecido de “arte contemporânea” é negada.

Os cinco extratos abaixo resumem a essência das críticas formuladas com relação à chamada arte “contemporânea”:

a visão panfletária de Jean Monneret, que vê nele essencialmente uma arte estatal apoiada por funcionários públicos irresponsáveis ​​desperdiçando o dinheiro dos contribuintes;
a análise de Philippe Lejeune, que chega ao fim da dialética dos defensores da arte contemporânea ao demonstrar sua negação da idéia de beleza;
Fred Forest, que tomou medidas para defender condenações próximas às de Jean Monneret, atacando o Estado perante os tribunais administrativos;
O artista plástico Daniel Buren observa a falência do pensamento na arte contemporânea de uma arte vazia;
Franck Lepage cita, durante uma de suas palestras gesticuladas, o livro Quem lidera a dança? A CIA e a Guerra Fria Cultural (Quem pagou o flautista?: CIA e a Guerra Fria Cultural) por Frances Stonor Saunders, que descreve como, no contexto da Guerra Fria, a CIA financiou organizações como o Congresso para a Liberdade Cultural para promover a arte contemporânea na Europa Ocidental, apresentá-lo como arte americana e privá-lo de significado social e político.

Jean Monneret
No catálogo raisonné do Salon des Indépendants de 1999, o presidente do Salon, Jean Monneret, lançou um panfleto violento contra a definição acordada de arte contemporânea, depois de ter criticado por muito tempo os funcionários que governam o ensino das artes visuais e a escolha. obras adquiridas pelo Estado e pelas autoridades locais:

“Arte contemporânea? Todos os artistas vivos fazem parte da arte contemporânea. São os artistas que fazem arte. Todos os artistas. Livremente!
No entanto, o Estado quer que o público acredite que existe apenas uma arte digna de interesse, a chamada arte “contemporânea”, ou seja, arte estatal. Como se a instalação, a performance ou a arte não cultivada – desde que a lenda que a acompanha seja logorréia – sejam, em si, a continuação histórica, linear e indiscutível da tradição artística. É verdade que, na chamada arte “contemporânea”, quanto menos há para ver, mais há para dizer! Em uma exposição de arte contemporânea, um duto de ventilação, equipamento de emergência ou o revestimento das instalações sanitárias geralmente se fundem com os trabalhos apresentados. A questão então é: onde está o trabalho? A harmonia entre o contêiner e o conteúdo é perfeita.
Na realidade, a arte dos salões históricos. A democracia exigiria que o Estado, preocupado com o dinheiro dos contribuintes, respondesse pela realidade contemporânea em toda a sua diversidade, sem exclusão … ”

Philippe Lejeune
No relatório moral de Taylor de julho de 2006, a revisão da fundação do Barão Taylor, o vice-presidente, o pintor e jornalista Philippe Lejeune, distingue a noção de artes plásticas da arte contemporânea.

“Nós praticamos uma arte chamada“ pintura ”, essa atividade já foi considerada parte das Belas Artes. Preocupada com a modernidade, acima de tudo querendo livrar-se de um imperativo tão pesado quanto a beleza, a briga entre o antigo e o moderno que vivemos consiste simplesmente em remover a referência à beleza. Não sendo mais capazes de alterar ainda mais os valores tradicionais da arte após as experiências da metade do século passado, eles decidiram, sempre com o mesmo rótulo aparente, fornecer uma mercadoria totalmente diferente. Eles foram honestos, vamos admitir, mudar de nome. Os salões de beleza contemporâneos não são mais salões de pintura, são salões de arte contemporânea.

A arte contemporânea exibe em locais onde a “pintura” foi exibida, o que naturalmente cria confusão. Mas, em vez de definir uma nova forma de arte, aplicamos as regras de outra disciplina, como um jogador, cansado de bridge, adaptando as regras de belote … A arte contemporânea recusa todas as regras, exceto a da ‘exclusão. Você sabe que um slogan famoso era proibir todas as proibições. A arte contemporânea vive apenas do ukase. Qualquer coisa, exceto a representação.

A arte contemporânea se chama conceitual, ou seja, a partir de um conceito, conseguimos proporcionar uma sensação.
As Belas Artes têm um objetivo completamente diferente, um programa muito diferente. Partindo do comprovado, eles o confrontam com a memória coletiva para chegar precisamente a uma idéia, ou seja, um elemento que pode ser comparado. ”

Fred Forest
Após seu julgamento contra o MNAM (centro Georges-Pompidou), Fred Forest escreve na contracapa de seu livro Functioning and disfunctions of contemporary art (L’Harmattan, Paris, 2000):

“Este livro tende a revelar os limites e contradições de um sistema que não pode mais continuar na atual forma de elite para o benefício de um punhado de pessoas privilegiadas, sempre as mesmas, que se beneficiam da complacência e da sorte pública. Luta de terra panela contra a panela de ferro, é a descrição no menu do meu processo até o Conselho de Estado contra o centro Georges-Pompidou, e através dele, contra as instituições públicas da arte contemporânea por sua recusa de transparência nas aquisições e seu fracasso para cumprir a lei de contabilidade pública do 78. Além da arte, a abordagem adotada aqui é, acima de tudo, uma abordagem cidadã que coloca a verdadeira questão do uso de fundos públicos e da cultura em uma democracia “.

Daniel Buren
Em setembro de 2011, Daniel Buren, na revista L’Œil, observou, durante uma longa entrevista, a incapacidade, confusão e falência da expressão “arte contemporânea”:

“Em geral, eu diria que a saúde avassaladora que lhe é atribuída – bienais ao redor do mundo, feiras em todos os pontos de virada e lotadas salas de leilão – são aspectos um tanto paradoxais de uma área que, em termos de pensamento, está à beira Não é mais um momento na história, mas sim a moda do dia a dia. “Contemporâneo” é um termo completamente sem sentido, mas é um dos achados mais poderosos já encontrados para aniquilar pela raiz tudo o que um artista poderia apresentar o mais novo e perturbador ”.