Paragone das artes

A comparação (Paragone) das artes é um tema que anima o debate sobre o tema artístico no Renascimento. Paragone (comparação) é um termo italiano que chamou uma controvérsia sobre qual das artes seria a superior, que se tornou particularmente viva entre os artistas do Renascimento e do Maneirismo, deixando longos descendentes.

A rivalidade entre as artes era antiga e, durante a Idade Média, muita literatura foi produzida sobre o assunto. Originalmente, a disputa que confrontava as artes visuais, consideradas técnicas mecânicas simples e artes intelectuais, como poesia e música, associadas ao mundo da razão e à prestigiosa tradição grega, eram cobertas de protetores, enquanto nenhuma das artes visuais estava sob o domínio da arte. tutela de uma divindade.

Desenvolvimento
A partir de anedotas relatadas no Naturalis historia de Plínio, o Velho, a partir da segunda metade do século XV, na Itália, desenvolveu-se um debate sobre qual forma artística era a principal, do ponto de vista estético e habilidade do artesão. Esse debate, que se desenvolveu ao longo do século XVI, contou com a participação de humanistas, literatos, poetas, músicos e todos os maiores artistas figurativos da época. Leonardo da Vinci, como “gênio em todas as artes derramadas”, por exemplo, apoiou a primazia da pintura, proclamando sua supremacia sobre a música e a poesia, já que era “ciência” que representa “com mais verdade e certeza as obras da natureza”. e como imitar era equivalente a recriar, o pintor se aproximava mais do que qualquer outro do ato criador divino.

Michelangelo e outros apoiaram a primazia da escultura, em particular a de “levare” materia (como a escultura em mármore, ao contrário da “colocação” como terracota), já que a obra escultórica foi a única que permitiu apreciar um assunto em múltiplas visões, andando por aí.

A essa objeção, os pintores responderam que até as coisas pintadas permitiam “todo o destino das visões” e “sem dar uma volta”: exemplos típicos eram as figuras representadas perto de espelhos, nas quais múltiplas visões do sujeito podiam ser vistas simultaneamente. Lorenzo Lotto, por exemplo, pintou o retrato triplo de ourives (frente, perfil e três quartos) e Gian Girolamo Savoldo, inspirado em um trabalho perdido de Giorgione, retratou um homem de armadura ao lado de dois espelhos, que multiplicam a visão lateral e tergal .

A questão da “comparação” tomou especial importância nos tribunais e nos centros artísticos como Veneza e Florença. Neste último, em 1547, a contribuição de Benedetto Varchi foi particularmente importante, que pediu a opinião por carta a todos os principais artistas ativos na corte de Cosimo I e não só: nestas cartas, em grande parte preservados, e em outros escritos ligados para a questão pode ser lido a partir das posições tomadas por Pontormo, Vasari, Cellini, Bronzino e outros. Bronzino, por exemplo, pintou um retrato duplo do Dwarf Morganton nos dois lados de uma tela. Além das visões dupla, frontal e tergal, a pintura também mostrava a passagem do tempo: de fato, se no reto o homem está prestes a sair para caçar, no verso ele mostra orgulhosamente a presa capturada.

Tratados e debates
Leonardo da Vinci expôs o assunto com um grande número de argumentos em seu Tratado de Pintura, onde definiu as principais linhas constitutivas do paradigma com foco na comparação entre pintura e escultura. Ele estabeleceu a arte em geral como uma irmã da ciência, e especificou sua análise, declarou que não encontrou diferenças essenciais entre pintura e escultura, mas mais tarde ele passou a dizer que o trabalho do pintor era mais limpo, mais complexo, completo e intelectual, o do escultor era mais sujo, simples, limitado e manual. Ele também considerou a imitação da natureza de uma forma mais formidável e excitante do que a produzida pela escultura, que naturalmente imitava os volumes que a natureza apresenta e, portanto, não exigia muita preparação mental:] como a ilusão pictórica ou um profundo conhecimento de natureza. matemática e perspectiva, associando-a à pintura das artes liberais. Ele também defendeu a pintura contra poesia e música, indicando que a arte só pode excitar o espectador através dos sentidos, alma. Embora seus escritos não foram impressos, suas idéias foram divulgadas por Castiglione, que comentou em seu El Cortesà.

O debate atingiu o seu primeiro ponto mais alto em meados do século XVI, tornou-se um tema dominante para a crítica de arte maneirista, quando o poeta Benedetto Varchi em 1547 deu duas palestras na Academia de Artes de Design de Florença, que mais tarde imprimiu e publicou com grande publicidade. Na primeira conferência de Varchi, ele propôs que a ideia ou conceito fosse superior à realização material, destacando o papel central que a retórica assumia nas artes visuais. Em segundo lugar, ele convidou artistas notáveis ​​para dar suas opiniões, três pintores – Pontormo, Bronzino e Vasari – e três escultores – Cellini, Tribolo e Michelangelo – serviram como árbitros, embora sua preferência pela escultura fosse claramente influenciada pelo enorme prestígio que Michelangelo tinha. considerado como um gênio incomparável para seus contemporâneos.

A questão sobre qual das artes poderia representar melhor a natureza, por outro lado, tem sido de grande importância para os críticos na definição das características de cada arte, mas cada um deles, ao mesmo tempo, passou a buscar uma expansão de seu potencial. , imitando os efeitos de outras categorias. Como exemplo, ele desenvolveu a técnica da pintura Trompe l’Oeil, uma grande ilusão tridimensional, a escultura buscou os efeitos de luz e sombra característicos da pintura e a poesia foi impregnada de imagens pictóricas e cenográficas, em busca de dar forma visual às descrições verbais. Também de um ponto de vista moral, já que para eles a imitação artística da natureza tinha que ser fiel e capaz de transmitir o verdadeiro conhecimento. Isso gerou uma outra disputa sobre qual seria a melhor fonte de conhecimento, desta vez entre a arte e a própria natureza, pois, como resultado da inteligência humana, e acreditando que o homem criado à imagem de Deus, a arte estaria mais próxima da idealização divina. do que é manifestado na natureza, que tinha óbvios defeitos, irregularidades e limitações. Além disso, o artista poderia transcender a natureza e criar novas coisas, o que a natureza, a concepção estática do universo neste momento, não é capaz de fazer.

Posições famosas
Numerosos teóricos e artistas de arte se misturaram com escritos e obras de arte. Algumas intervenções marcantes:

Leon Battista Alberti escreveu tratados sobre todas as formas de arte, mas escolheu a pintura.
Nas pinturas de Jan van Eyck, o mesmo corpo é freqüentemente refletido, o que seria uma das maneiras pelas quais ele se media com a escultura.
Benedetto Varchi deu uma palestra para a Academia Florentina (1546) em que examinou os argumentos dos escultores versus pintores e citou uma pesquisa de Michelangelo, Bronzino, Cellini e Vasari, entre outros.
Vincenzo Borghini colocou pintores acima de escultores em seu manuscrito Selva di Notizie (1564).
Lucas d’Heere defendeu a pintura para a câmara retórica de Antuérpia De vintieren (1565).
Giorgio Vasari observou em Le vite que o desenho era o pai de todos os outros, mas já na introdução ele sugeriu sua verdadeira preferência: ele descreveu a lenda do pintor de Apelles e Campaspe como uma coisa maravilhosa e o mito do escultor de Pigmalião como uma desgraça. Os afrescos que ele fez na Sala delle Arti de sua casa florentina também podem ser lidos como um elogio da pintura acima do outro.
Gotthold Ephraim Lessing (1766) fez um apelo à escultura do grupo Laocoöng.

Atual
O tema do parangone, com seus vários ramos, ao longo dos séculos, produziu uma grande quantidade de literatura e inspirou muitos artistas e correntes estéticas sem que nenhuma das partes pudesse garantir sua supremacia. Embora o termo original raramente seja aplicado às artes contemporâneas e continue a pertencer mais a um tópico da história da arte, o problema permanece sem solução até hoje. Muitos artistas continuam a mostrar grande interesse em transcender os limites de cada modalidade de arte, enquanto outros defendem estabelecendo limites que não devem ser superados, senão os gêneros estão desestabilizando, falsificando e privando-os de dar seu foco e sua força característica, e outros preocupam-se com a maneira como a arte deveria imitar a natureza, com a repetição ou variação de argumentos feitos por um longo tempo e incorporando na discussão as novas artes e disciplinas de conhecimento que aparecem.