Chiaroscuro é uma técnica de pintura a óleo, desenvolvida durante o Renascimento, que usa fortes contrastes tonais entre as formas tridimensionais da luz e da obscuridade para o modelo, muitas vezes para efeitos dramáticos. O princípio subjacente é que a solidez da forma é melhor alcançada pela luz que cai contra ela. Artistas conhecidos pelo desenvolvimento da técnica incluem Leonardo da Vinci, Caravaggio e Rembrandt. É um elemento fundamental da fotografia em preto e branco e baixa.
O claroscuro, em uma imagem bidimensional, como uma parede, um painel, uma tela, uma impressão fotográfica em papel, dá a ilusão do alívio, volumes imitando os efeitos que a luz produz sobre esses volumes no espaço real. A modelagem, essa representação de volumes, pode ser feita por outros meios do que pelo claroscuro, como foi o caso na Idade Média.
Com o claroscuro, as partes mais ou menos esclarecidas são claras ou à sombra. Dependendo da superfície iluminada, lisa ou angular, e se esta luz é mais suave ou brilhante, se a sombra é mais profunda ou os contrastes mais intensos, o claro-escuro produz transições imperceptíveis, mais simples ou mais abruptas e tiros justapostos, o brilho geral pode seja claro ou obscuro. Isso consiste, em geral, em realizar gradations escuras em um meio mais ou menos claro, mas às vezes, inversamente, com cores claras em um suporte escuro. Esse processo é, portanto, diferente de uma imagem obtida pelo esboço ou a silhueta.
O processo de claro-escuro foi praticado na pintura da Grécia antiga, pelo menos no final do século IV aC, com a pintura helenística. O claroscuro é novamente usado com precisão desde o início do Renascimento. Mas é Caravaggio que desenvolverá a prática, bem como nas artes de desenho, gravura ou pintura. A partir da década de 1840, a fotografia ofereceu ao artista novas formas de usar o claroscuro em “preto e branco”, depois na cor. Por extensão, a natureza de um espaço mais ou menos iluminado, no cinema ou no teatro, pode dar oportunidade para um trabalho no claroscuro, como quando o pintor ou fotógrafo escolhe e compõe o espaço que deseja reproduzir ou criar .
O claroscuro originou-se durante o Renascimento como desenho em papel colorido, onde o artista trabalhou do tom de base do papel para a luz usando gouache branco e para a escuridão usando tinta, corante ou aguarela. Estes, por sua vez, recorreram a tradições em manuscritos iluminados voltando aos manuscritos tardios da Romano Imperial sobre velo tintado de púrpura. Tais trabalhos costumavam ser chamados de “desenhos de claro claro”, mas são mais frequentemente descritos na terminologia moderna do museu por fórmulas como “caneta em papel preparado, aumentado com cor de corpo branco”. As xilogravuras de claroscuros começaram como imitações desta técnica. Ao discutir a arte italiana, o termo às vezes é usado para significar imagens pintadas em monocromático ou duas cores, mais geralmente conhecidas em inglês pelo equivalente francês, grisaille. O termo ampliou-se em significado no início para cobrir todos os fortes contrastes na iluminação entre áreas claras e escuras na arte, que agora é o principal significado.
O uso mais técnico do termo claro-escuro é o efeito da modelagem da luz na pintura, desenho ou gravura, onde o volume tridimensional é sugerido pela gradação de valores da cor e pela divisão analítica das formas de luz e sombra – muitas vezes chamado de “sombreamento” . A invenção desses efeitos no Ocidente, “skiagraphia” ou “pintura de sombras” para os antigos Gregos, tradicionalmente foi atribuída ao famoso pintor ateniense do século V aC, Apollodoros. Embora poucas pinturas gregas antigas sobrevivam, sua compreensão do efeito da modelagem da luz ainda pode ser vista nos mosaicos do final do século IV aC de Pella, na Macedônia, em particular o Mosaic de Caça de Cego, na Casa do Abdução de Helen, inscrito gnosis epoesen, ou “conhecimento fez”.
A técnica também sobreviveu em uma forma bastante grossa e padronizada na arte bizantina e foi refinada novamente na Idade Média para tornar-se padrão no início do século XV na pintura e iluminação manuscrita na Itália e Flandres, e depois se espalhou para toda a arte ocidental.
A pintura de Raphael ilustrada, com luz que vem da esquerda, demonstra tanto o claroscuro de modelagem delicado para dar volume ao corpo do modelo quanto o forte claroscuro no sentido mais comum, no contraste entre o modelo bem iluminado e o fundo muito escuro de folhagem. Para complicar ainda mais as questões, no entanto, o claroscuro compositivo do contraste entre modelo e fundo provavelmente não seria descrito usando este termo, pois os dois elementos estão quase completamente separados. O termo é usado principalmente para descrever composições onde pelo menos alguns dos principais elementos da composição principal mostram a transição entre luz e escuridão, como nas pinturas Baglioni e Geertgen tot Sint Jans ilustradas acima e abaixo.
A modelagem do claro-escuro agora é tomada como certa, mas teve alguns adversários; o miniaturista inglês de retrato, Nicholas Hilliard, advertiu em seu tratado de pintura contra todos, exceto o uso mínimo que vemos em suas obras, refletindo os pontos de vista de sua patronal, a rainha Elizabeth I, da Inglaterra: “ver o melhor para mostrar-se não precisa de sombra de lugar, mas sim a luz aberta … Sua Majestade … escolheu seu lugar para se sentar para esse propósito no beco aberto de um bom jardim, onde nenhuma árvore estava perto, nem qualquer sombra … ”
Nos desenhos e impressões, o claroscuro de modelagem geralmente é conseguido através da utilização de manchas ou sombreamento por linhas paralelas. Os efeitos de lavagem, de ponta ou de ponta, e “tom de superfície” na gravura são outras técnicas.
As gravuras em madeira com claroscuro são impressões mestres antigas em madeira usando dois ou mais blocos impressos em cores diferentes; eles não apresentam necessariamente fortes contrastes de luz e sombrios. Eles foram produzidos pela primeira vez para obter efeitos semelhantes aos desenhos de claroscuro. Depois de alguns experimentos iniciais em impressão de livros, o verdadeiro woodcut de claro-escuro concebido para dois blocos provavelmente foi primeiro inventado por Lucas Cranach the Elder na Alemanha em 1508 ou 1509, embora ele retrocessou algumas de suas primeiras impressões e adicionou blocos de tom para algumas impressões produzidas pela primeira vez para impressão monocromática, seguido rapidamente por Hans Burgkmair the Elder. Apesar da reivindicação de Vasari sobre a precedência italiana em Ugo da Carpi, é claro que os primeiros, os primeiros exemplos italianos, datam de 1516, mas outras fontes sugerem que o primeiro corte em madeira do claro-escuro seja o Triunfo de Júlio César, criado por Andrea Mantegna, um pintor italiano, entre 1470 e 1500. Outra visão afirma que: “Lucas Cranach denunciou duas de suas obras na tentativa de conquistar a glória” e que a técnica foi inventada “com toda a probabilidade” por Burgkmair “, que foi comissionado pelo imperador Maximilian para encontrar uma maneira barata e eficaz de obter a imagem imperial amplamente disseminada, pois ele precisava ganhar dinheiro e apoiar uma cruzada “.
Outros gravadores para usar a técnica incluem Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien e Parmigianino. Na Alemanha, a técnica alcançou sua maior popularidade em 1520, mas foi usada na Itália ao longo do século XVI. Artistas posteriores, como Goltzius, às vezes faziam uso disso. Na maioria das impressões alemãs de dois blocos, o bloqueio de teclas (ou “bloco de linha”) foi impresso em preto e o bloco ou blocos de tom apresentaram áreas planas de cor. Na Itália, as xilogravuras de claro a escuridão foram produzidas sem bloqueios de chaves para conseguir um efeito muito diferente.
A iluminação do manuscrito foi, como em muitas áreas, especialmente experimental na tentativa de efeitos de iluminação ambiciosos, uma vez que os resultados não eram para exibição pública. O desenvolvimento do claroscuro compositivo recebeu um ímpeto considerável no norte da Europa a partir da visão da Natividade de Jesus de Santa Brígida da Suécia, uma mística muito popular. Ela descreveu o bebê Jesus como que emite luz; As representações reduziram cada vez mais outras fontes de luz na cena para enfatizar esse efeito, e a Natividade permaneceu muito comumente tratada com o claroscuro até o barroco. Hugo van der Goes e seus seguidores pintaram muitas cenas iluminadas apenas pela vela ou a luz divina do Cristo infantil. Como com alguns pintores posteriores, em suas mãos o efeito era de calma e calma, em vez do drama com o qual seria usado durante o barroco.
O forte claroscuro tornou-se um efeito popular durante o século XVI no manierismo e na arte barroca. A luz divina continuou a iluminar, muitas vezes, de forma inadequada, as composições de Tintoretto, Veronese e seus muitos seguidores. O uso de sujeitos escuros dramaticamente iluminados por um eixo de luz de uma única fonte restrita e muitas vezes não visada, foi um dispositivo de composição desenvolvido por Ugo da Carpi (c. 1455-c.1523), Giovanni Baglione (1566-1643) e Caravaggio (1571-1610), o último dos quais foi crucial no desenvolvimento do estilo do tenebrismo, onde o claroscuro dramático se tornou um dispositivo estilístico dominante.
O tenebrismo foi especialmente praticado na Espanha e no Reino de Nápoles, dominado pelos espanhóis, por Jusepe de Ribera e seus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), um artista alemão que morava em Roma, produziu várias cenas noturnas iluminadas principalmente pelo fogo e às vezes o luar. Ao contrário do Caravaggio, suas áreas escuras contêm detalhes e interesse muito sutis. As influências de Caravaggio e Elsheimer foram fortes em Peter Paul Rubens, que explorou suas respectivas abordagens de tenebrosidade para efeito dramático em pinturas como The Raising of the Cross (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), um artista barroco que era um seguidor de Caravaggio, também foi um excelente exponente do tenebrismo e do claroscuro.
Um gênero específico que se desenvolveu foi a cena noturna acesa à luz de velas, que olhou para artistas anteriores do norte, como Geertgen tot Sint Jans e mais imediatamente, para as inovações de Caravaggio e Elsheimer. Este tema decorreu com muitos artistas dos Países Baixos nas primeiras décadas do século XVII, onde se associou ao Utrecht Caravaggisti, como Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen, e com pintores barrocos flamengos como Jacob Jordaens. Os primeiros trabalhos de Rembrandt van Rijn (1606-1669) da década de 1620 também adotaram a fonte de luz de uma vela. A cena noturna à luz de velas voltou a surgir na República Holandesa em meados do século XVII em menor escala nas obras de fijnschilders, como Gerrit Dou e Gottfried Schalken.
O próprio interesse de Rembrandt em efeitos da escuridão mudou em suas obras maduras. Ele dependia menos dos contrastes acentuados de luz e escuridão que marcaram as influências italianas da geração anterior, um fator encontrado em suas aguafalhas do meio do século XVII. Nesse meio, ele compartilhou muitas semelhanças com o seu contemporâneo na Itália, Giovanni Benedetto Castiglione, cujo trabalho na gravura levou-o a inventar o monótipo.
Fora dos Países Baixos, artistas como Georges de La Tour e Trophime Bigot na França e Joseph Wright de Derby na Inglaterra, prosseguiram com um claro claro claro, mas graduado, choiroscuro. Watteau usou um claroscuro suave nos fundos frondosos de suas festas galantes, e isso continuou em pinturas de muitos artistas franceses, notadamente Fragonard. No final do século, Fuseli e outros usavam um claroscuro mais pesado para efeitos românticos, assim como Delacroix e outros no século XIX.
O uso francês do termo, clair-obscur, foi introduzido pelo crítico de arte do século dezessete Roger de Piles no decurso de um argumento famoso (Débat sur le coloris), sobre os méritos relativos do desenho e da cor na pintura (seu Dialogues sur le coloris, 1673, foi uma contribuição fundamental para o Débat).
Em inglês, o termo italiano tem sido usado desde pelo menos até o final do século XVII. O termo é menos utilizado na arte após o final do século XIX, embora o expressionista e outros movimentos modernos façam grande uso do efeito.
Especialmente desde o forte aumento do século XX na reputação de Caravaggio, em uso não especialista, o termo é usado principalmente para efeitos claros-escuros fortes, como o dele, ou Rembrandt. Como diz o Tate: “O claroscuro geralmente é observado apenas quando é uma característica particularmente proeminente do trabalho, geralmente quando o artista está usando extremos contrastes de luz e sombra”. Fotografia e cinema também adotaram o termo. Para a história do termo, veja René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).
Chiaroscuro também é usado na cinematografia para indicar iluminação de extrema baixa chave e alto contraste para criar áreas distintas de luz e escuridão em filmes, especialmente em filmes em preto e branco. Os exemplos clássicos são o gabinete do Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927) O corcunda de Notre Dame (1939), The Devil e Daniel Webster (1941) e as cenas em preto e branco no Stalker de Andrei Tarkovsky (1979).
Por exemplo, em Metropolis, a iluminação dos claros-escuros é usada para criar contraste entre a mise-en-scene e as figuras claras e escuras. O efeito disso é principalmente ressaltar as diferenças entre a elite capitalista e os trabalhadores.
Na fotografia, o claroscuro pode ser alcançado com o uso de “iluminação Rembrandt”. Em processos fotográficos mais desenvolvidos, esta técnica também pode ser denominada “iluminação ambiente / natural”, embora, quando feita para o efeito, a aparência é artificial e geralmente não documental. Em particular, Bill Henson, juntamente com outros, como W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi e Ralph Gibson podem ser considerados alguns dos mestres modernos do claro-escuro na documentação.
Talvez o uso direto mais direto do claroscuro na filmagem fosse o Barry Lyndon de Stanley Kubrick. Quando informou que nenhuma lente atualmente tinha uma abertura bastante ampla para disparar um drama de fantasia estabelecido em grandes palácios usando apenas luz de velas, Kubrick comprou e adaptou uma lente especial para esses propósitos: uma câmera Mitchell BNC modificada e uma lente Zeiss fabricada para os rigores do espaço fotografia, com uma abertura máxima de f / .7. As situações de iluminação naturalmente não autorizadas no filme exemplificaram a iluminação natural e discreta em filmes no seu extremo mais distante da tradição cinematográfica da Europa Oriental / Soviética (exemplificada pelo estilo de iluminação severo e discreto empregado pelo cineasta soviético Sergei Eisenstein).
Sven Nykvist, o colaborador de longa data de Ingmar Bergman, também informou muito de sua fotografia com realismo do claro-escuro, assim como Gregg Toland, que influenciou tais cinematógrafos como László Kovács, Vilmos Zsigmond e Vittorio Storaro com seu uso de foco profundo e seletivo aumentado com forte iluminação da chave do nível do horizonte que penetra através das janelas e portas. Grande parte da célebre tradição do cinema negro baseia-se em técnicas Toland aperfeiçoadas no início dos anos trinta que estão relacionadas ao claro-claro (embora a iluminação de alta iluminação, a iluminação do palco, a iluminação frontal e outros efeitos sejam intercalados de maneiras que diminuam a reivindicação do claro-escuro).