O Museu Nacional de Capodimonte é um museu em Nápoles, Itália, localizado dentro do palácio de mesmo nome na área de Capodimonte, que abriga várias galerias de arte antigas, uma de arte contemporânea e um apartamento histórico.
Foi oficialmente inaugurado como museu em 1957, embora as salas do palácio tenham obras de arte desde 1758. Preserva predominantemente pinturas, distribuídas principalmente nas duas principais coleções, os Farnese, que incluem alguns dos maiores nomes da pintura italiana e internacional. . como Rafael, Tiziano, Parmigianino, Brueghel, o Velho, El Greco, Ludovico Carracci ou Guido Reni; e a Galeria Napolitana, que é composta de obras de igrejas na cidade e ao redor da cidade, transportada para Capodimonte por razões de segurança após a supressão de ordens religiosas, e apresenta obras de artistas como Simone Martini, Colantonio, Caravaggio, Ribera, Luca Giordano ou Francesco Solimena. Também é importante a coleção de arte contemporânea, na qual se destaca o Vesúvio de Andy Warhol.
O Museu Capodimonte possui 47.000 obras de arte que formam uma das maiores e mais complexas coleções de arte medieval, moderna, moderna e contemporânea do mundo. Em 126 galerias distribuídas em 151.000 pés quadrados, são exibidas obras de grandes artistas como: Michelangelo, Caravaggio, Rafael, Ticiano, Botticelli, Simone Martini, Giovanni Bellini, Colantonio, Artemisia Gentileschi, Jusepe de Ribera, Battistello, Luca Giordano, Mattia Preti, Francesco Solimena, Carracci, Guido Reni, Lanfranco, Bruegel, o Velho, e Van Dyck, para citar alguns.
Tudo começou com a coleção Farnese que Carlos I de Bourbon, filho do rei da Espanha, herdou de sua mãe Elisabetta e levou com ele para Nápoles em 1735, com o desejo de exibi-lo neste palácio no topo da colina. A construção do palácio começou em 1738, para funcionar como galeria de imagens e pavilhão de caça. Capodimonte é o único museu italiano que, além de representar quase todas as escolas de arte italiana moderna, também pode se orgulhar de obras de artistas contemporâneos como Burri, Paolini, Burguês, Warhol e Kiefer.
O Parque Real de Capodimonte, com seus 300 acres e mais de 400 espécies de plantas, é um espaço verde intocado com vista para a cidade e o Golfo de Nápoles. Espécies exóticas foram plantadas aqui, incluindo as primeiras tangerinas na Itália. É o maior parque urbano da Itália, com cerca de 1.500.000 visitantes por ano. Dentro do Royal Park, você pode admirar o último jardim barroco de design sino-inglês repleto de raras fragrâncias orientais.
Majestosamente aninhado dentro do seu Royal Park, com vista para a Baía de Nápoles – Capodimonte oferece uma combinação verdadeiramente singular de beleza artística e natural que é totalmente única em todo o mundo.
Visão geral
O Museu Nacional de Capodimonte se estende pelos três níveis do palácio de Capodimonte e o arranjo das obras remonta às últimas obras de restauração realizadas desde o início dos anos 80 até 1999: no térreo, mas também aproveitando o áreas do porão, existem serviços para visitantes e algumas salas de ensino, no mezanino fica o Gabinete de Desenhos e Gravuras, e as exposições dos pôsteres do século 19 Privado e da Apple, no primeiro andar, a Galleria Farnese, a coleção Borgia , o Royal Apartment, a coleção de porcelana, a coleção De Ciccio e o Farnese e Bourbon Armory, no segundo andar é a Galeria Napolitana, a coleção Avalos, a sala das tapeçarias de Avalos e a seção de arte contemporânea: a última também continua no terceiro andar, onde também há a galeria do século XIX e a galeria de fotos.
Térreo, porão e mezanino
No térreo, existem serviços para visitantes, como bilheteria, livraria, cafeteria e bengaleiro: também existe um auditório capaz de receber conferências, exibições, traduções simultâneas e concertos ao vivo, embelezados nas paredes com duas tapeçarias da coleção d ‘ Avolos. No átrio, diante da escadaria de honra Júpiter, que eletrocuta os Titãs, a escultura em Biscuit de Filippo Tagliolini e a instalação de 1989 de Luciano Fabro intitulada Norte, Sul, Oeste e Leste tocam em Xangai, em alumínio e ferro, enquanto estão no jardim , pouco antes da entrada, uma obra de arte contemporânea, Southern Cross Southern Sign, de Eliseo Mattiacci.
No porão, existem duas salas de ensino: a primeira, chamada de Sol LeWitt, em homenagem ao seu criador, é usada para reuniões, conferências, exposições, seminários e concertos reservados para um público jovem com uma instalação do próprio LeWitt chamada White bands in uma sala preta, enquanto a segunda, a sala Causa, se estende por mais de 700 m² e é usada principalmente para exposições temporárias.
No mezanino, há a coleção Mele: são pôsteres publicitários das lojas de departamento Mele, inauguradas em Nápoles em 1889 pelos irmãos Emiddio e Alfonso Mele e doadas ao museu Capodimonte em 1988. Representam um importante testemunho da figura napolitana língua entre o final do século XIX e o início do século XX: os pôsteres foram encomendados na Ricordi Graphic Workshop e os desenhos de artistas como Franz Laskoff, Leopoldo Metlicovitz, Leonetto Cappiello, Aleardo Villa, Gian Emilio Malerba , Achille Beltrame e Marcello Dudovich. Também no mezanino, na ala sul do edifício, está o Gabinete de Desenhos e Impressões, cuja exposição começou em 1994: são coletadas cerca de duas mil e quinhentas folhas e vinte e cinco mil impressões, variando de desenhos animados a desenhos de autores como Annibale Carracci, Guido Reni e Giovanni Lanfranco, dos quais cerca de quatrocentas folhas preparatórias para afrescos feitos em igrejas napolitanas são coletadas, mas também Pontormo, Tintoretto, Andrea del Sarto, Jusepe de Ribera e Aniello Falcone. As mesmas salas também exibem as coleções do conde Carlo Firmian, compradas em 1782 e que colecionam mais de vinte mil impressões de Albrecht Dürer, Stefano della Bella, Giovanni Benedetto Castiglione e Rembrandt, e a coleção Borgia, comprada em 1817, compreendendo 86 aquarelas e desenhos indianos. Também existem outras coleções, doadas após a abertura do museu, como a de Mario e Angelo Astarita, oferecida em 1970, composta por quatrocentos e dezenove desenhos, aquarelas e óleos de artistas da escola Posillipo, entre os quais Giacinto Gigante fora, ou compras estatais, como a coleção de sessenta e quatro estudos e relevos do arquiteto Federico Travaglini. O mezanino é completado pela coleção particular do século XIX: montada em 2012 na ala sul do edifício, coleciona pinturas dos séculos XIX e XX em sete quartos; originalmente esses quartos, de 1816, abrigavam o apartamento privado de Ferdinando I, para ser usado pela princesa Carolina em meados do século XIX e, portanto, destinado ao ramo cadete da família dos duques de Aosta na primeira metade do século XX. século: com a criação do museu em 1957, as salas acolheram os escritórios da Superintendência, enquanto, durante as obras de restauração nos anos 90, foram trazidas de volta ao seu aspecto arquitetônico original, destinado ao uso em museus com a adição de móveis napolitanos, tecidos e cortinas.
A sala 1 é dedicada à corrente neoclássica com obras de Vincenzo Camuccini, as salas 2 e 3 colecionam paisagens napolitanas de autores da escola Posillipo, como Anton Sminck van Pitloo, Gigante e os irmãos Palizzi, na sala 4, pinturas do realismo do segundo semestre do século XIX, com artistas como Vincenzo Gemito, Domenico Morelli, Michele Cammarano e Giuseppe De Nittis, na sala 5 obras inspiradas na arte oriental e nas salas 6 e 7 doações diferentes de particulares ou artistas como Gioacchino Toma, Achille D ‘ Orsi, Giovanni Boldini eGiacomo Balla.
Primeiro andar
O primeiro andar é dividido nas áreas da Galleria Farnese e do Royal Apartment: em particular, a Galeria Farnese inclui os quartos que vão da sala 2 à sala 30, onde está a coleção Farnese, exceto a sala 7, dedicada à coleção Borgia e os 23, enquanto os quartos da sala 31 à sala 60, aos quais a sala 23 é adicionada, hospedam a seção do Apartamento Real, caracterizada pelas salas 35 e 36 dedicadas à Galleria delle Porcellane, das salas 38 a 41 dedicadas a a coleção De Ciccio e os quartos que variam de 46 a 50 reservados ao Arsenal Farnesiano e Bourbon.
Galeria Farnese
A coleção Farnese dá nome à galeria de mesmo nome e todas as obras são classificadas por área de origem em seqüência temporal: a coleção foi iniciada em meados do século XVI pelo papa Paulo III, que a colecionou em seu palácio em Campo de ‘Fiori são obras antigas, especialmente estátuas de achados arqueológicos na área de Roma e dos banhos de Caracalla, e obras modernas, principalmente pictóricas de artistas como Rafael, Sebastiano del Piombo, El Greco e Tiziano. Com Ottavio Farnes e seu filho Alessandro, durante o século XVII, a coleção foi enriquecida com numerosas peças, graças também à doação, em 1600, de Fulvio Orsini ao cardeal Odoardo e ao confisco, em 1612, dos pertences pertencentes a alguns membros do a aristocracia de Parma e Piacenza, responsável por uma conspiração eclodida no ano anterior contra Ranuccio I Farnese. Portanto, obras de artistas como Correggio e Parmigianino passam a fazer parte da coleção, além de compras de palácios romanos. Além disso, quando Alexandre se tornou soberano da Holanda, ao lado da escola pictórica italiana também foi adicionada a flamenga: no entanto, de acordo com algumas fontes da época, o monarca não teria sido um colecionador cuidadoso ao contrário de seu pai e mãe Margherita da Áustria . Em 1693, a coleção de Margherita Farnese, irmã de Ranuccio, foi adicionada. Mais tarde, a coleção passou para as mãos de Elizabeth e depois para seu filho Charles de Bourbon, que quando se tornou rei de Nápoles transferiu todas as obras para a capital de seu reino: expandiu-se ainda mais com novas aquisições também com objetos de âmbar, bronze, rocha cristal, majólica e prata, a coleção estava alojada no palácio de Capodimonte, construído para esse fim. Ao longo dos anos, no entanto, a coleção foi transferida para vários prédios da cidade até o final da Segunda Guerra Mundial, quando foi decidida uma reorganização dos museus napolitanos: a estatuária permaneceu no Museu Arqueológico Nacional, enquanto as pinturas foram novamente transferidas para o palácio de Capodimonte no museu recém-nascido, restaurando a antiga Galeria Farnesiana.
A sala 2 marca a entrada da Galeria Farnese e permite ver, com suas pinturas, as personalidades de destaque da família Farnese: muitos dos trabalhos presentes, como o Retrato de Paulo III e o Retrato de Paulo III com os sobrinhos Alessandro e Ottavio Farnese, são obras de Ticiano, cuja coleção de Capodimonte representa para o artista o mais importante e numeroso na Itália e no mundo; há também pinturas de Rafael, como o retrato do cardeal Alessandro Farnese, Giorgio Vasari e Andrea del Sarto, além de esculturas de Guglielmo Della Porta e uma tapeçaria representando o sacrifício de Alexandre.
A pequena sala 3 é inteiramente dedicada à crucificação de Masaccio; isso não faz parte da coleção Farnese, mas foi comprado em 1901 por um indivíduo como obra de um florentino desconhecido do século XV e só mais tarde se acreditava ser o compartimento central do políptico de Pisa que Masaccio havia feito para o Carmine igreja na capital de Pisan, depois dividida em várias peças preservadas em outros museus europeus e americanos.
Na sala 4, quatro desenhos a carvão são coletados: dois de Michelangelo, um de Rafael e um de Giovan Francesco Penni pertenceram a Fulvio Orsini e herdados, segundo a vontade do membro da família Farnese, de Ranuccio; as obras chegaram ao palácio de Capodimonte em 1759, sob Giuseppe Bonaparte, depois transferidas para o Palácio Real de Estudos, constituindo o núcleo principal do Gabinete de Desenhos e Gravuras e finalmente trazidas de volta ao palácio de Capodimonte. Na mesma sala, há uma pintura atribuída a Hendrick van den Broeck, Vênus e Cupido, uma cópia do carvão homônimo de Michelangelo, exibida ao seu lado e objeto de inúmeras réplicas também de outros artistas.
Da sala 5, as obras são organizadas em ordem cronológica e divididas por áreas culturais: dentre as principais, destacam-se dois painéis de Masolino da Panicale, a Fundação Santa Maria Maggiore e a Assunção da Virgem, elementos centrais de um tríptico originalmente colocado no altar da basílica de Santa Maria Maggiore em Roma.
A sala 6 contém pinturas das coleções Farnese e Bourbon de artistas renascentistas da Úmbria – Toscana, que mostram as novidades pictóricas da época, como o uso da perspectiva: artistas como Filippino Lippi, Lorenzo di Credi e Sandro Botticelli fazem parte dela. Raffaellino del Garbo e Raffaello, com sua eterna juventude entre os querubins e a cabeça de Madonna, a principal obra da sala; a tela de Francesco Zaganelli, com o Cristo carregando a cruz, parte do tema predominante, mais próximo da pintura de Dürer.
A partir da sala 8, começa a série de salas, de frente para o lado oeste do edifício, que já no século XVIII abrigava as primeiras pinturas da coleção Farnese: o teto da sala, juntamente com o das salas 9 e 10, ainda tem afrescos decorativos do século XIX, depois restaurados nos anos cinquenta do século XX; na sala há obras pictóricas da arte veneziana datadas entre o século XV e o início do século XVI, com artistas como Bartolomeo Vivarini, Andrea Mantegna e Lorenzo Lotto, todos pertencentes à coleção Farnese, enquanto obras de outros autores, como Giovanni Bellini e Jacopo de ‘Barbarithey estão ligadas às compras de Bourbon. As telas mostram todas as inovações do período histórico em que foram pintadas, como o refinamento cromático, o uso da perspectiva aérea e o papel fundamental da luz.
A sala 9 exibe obras de Sebastiano del Piombo, Giulio Romano e Daniele da Volterra, testemunhando a fervorosa estação artística romana do século XVI; na sala também há três pinturas, Madonna del Velo e Retrato de Clemente VII, com barba de Sebastiano del Piombo e Retrato de um jovem de Daniele da Volterra, feito em ardósia, uma técnica experimental usada como alternativa à tela e os painéis. Também é interessante a cópia de Michelangelo do Juízo Final, pintada por Marcello Venusti, testemunho de como o trabalho da capela Sistina era apresentado antes das intervenções de Daniele da Volterra para cobrir as partes consideradas indecentes.
A sala 10 contém as pinturas de artistas da Toscana feitas no primeiro quartel do século XVI: são Pontormo, Rosso, Fra Bartolomeo, Franciabigio, Andrea del Sarto, Domenico Puligo e Pieter de Witte, artistas que abrirão as portas para o maneirismo.
A sala 11 reúne obras venezianas: em particular as atividades de um Ticiano já maduro, como Danae, Retrato de uma jovem e Madalena, de um jovem Dominikos Theotokópoulos, mais conhecido como El Greco, aluno de Ticiano e pintor de corte dos Farnese. , e por Jacopo Palma, o Velho. Do primeiro, digno de nota, Boy soprando uma brasa ardente, ele trabalha em uma forte tecla de claro-escuro, com evidentes sotaques caravaggescos.
A sala 12 contém uma das coleções mais importantes da pintura emiliana do século XVI no mundo, resultado da coleção e confiscos de Farnese contra algumas famílias de Piacenza e Parma que haviam tramado uma conspiração contra Ranuccio Farnese; entre os artistas: Correggio, com seus temas sagrados e mitológicos e figuras humanas com formas e cores suaves, Parmigianino, um dos protagonistas do maneirismo italiano e de uma pintura feita de experimentações, Girolamo Mazzola Bedoli, Benvenuto Tisi de Garofalo, Dosso Dossi , Lelio Orsi e Ippolito Scarsella, os dois últimos com um conto de fadas característico e um traço narrativo. Alguns bustos de mármore da época romana completam o ambiente.
A sala 13 reúne as obras de artistas que trabalharam na corte farnese de Parma, um lugar com fervor intelectual total durante esse período: em particular, Jacopo Zanguidi, mais conhecido como Bertoja, com Madonna and Child, e Girolamo Mirola, que é também acompanhado por artistas estrangeiros como Jan Soens.
A Sala 14 é a Galeria das Coisas Raras, comumente chamada de Wunderkammer, ou melhor, uma espécie de sala de maravilhas que teve a tarefa de cativar e surpreender os visitantes: além das pinturas normais, ela coleciona aquelas obras preciosas e raras do que resta da obra. artes decorativas da coleção Farnese, outrora alojada na Galeria Ducal de Parma. Entre as obras na sala: a caixa Farnese, feita por Manno Sbarri com cristais gravados por Giovanni Bernardi, bronzes de várias escolas italianas e européias, como as de Giambolognaothers com estilo renascentista típico, como o David de Francesco di Giorgio Martini e o Cupido de Guglielmo Della Porta, e maneirismos, moedas, objetos de marfim, como uma bandeja e um jarro de Johann Michael Maucher, medalhas renascentistas de Pisanello, Matteo de ‘Pasti e Francesco da Sangallo, esmaltes, incluindo um representando Diana, a caçadora Diana de Jacob Miller, o Velho, majólica de Urbino, incluindo um conjunto de majólica azul de Alessandro Farnese, cristais de rocha, micro-esculturas em madeira e artefatos exóticos e achados como Ranocchia de pedra dura do México e a estatueta de Huitzilopochtli, deus da guerra asteca .
A sala 15 contém apenas as pinturas do pintor flamengo Jacob de Backer; São sete obras que retratam os sete pecados capitais, uma tendência muito popular na cultura flamenga do século XVI: o vício é retratado no centro da pintura e nas cenas por trás do Novo e Antigo Testamento. As obras foram compradas por Cosimo Masi na Flandres e confiscadas em 1611 por Ranuccio Farnese: quando chegaram a Nápoles não tiveram muita sorte, tanto que foram mantidas nos depósitos do Palazzo degli Studi antes de serem vendidas à Câmara. dos deputados em Roma, para embelezar os muros; eles retornaram a Nápoles em 1952, beneficiando de uma nova reavaliação.
A sala 16 é dedicada à pintura lombarda dos séculos XV e XVI, com uma coleção não muito significativa, que teve seu apogeu em centros como Cremona, Brescia, Bergamo e, sobretudo, Milão: entre os artistas expostos Bernardino Luini e Cesare da Sesto, inspirado por Leonardo da Vinci e Giulio Cesare Procaccini, que com Madonna, Child e Angel mostra os sinais da rígida moralidade da Contra-Reforma na pintura sagrada, onde, no entanto, são encontrados os primeiros sinais do barroco; alguns bustos de imperadores romanos completam a sala, originalmente exibida no Palazzo Farnese, em Roma.
A sala 17 contém pinturas das áreas flamenga e alemã; em particular, são exibidas as duas obras de Pieter Bruegel, o Velho, a Parábola dos Cegos e o Misantropo, representando dois momentos da fase madura do artista: comprada por Cosimo Masi, secretário do príncipe Alexander, e confiscada por uma família Farnese Giovanni Battista Masi, em seu herdeiro, em 1611. Também existem trípticos, como a Crucificação e a Adoração dos Magos, de Joos van Cleve, com portas móveis e ricas em elementos decorativos, tanto que parecem propõem elementos típicos da arte italiana, e um grupo de pequenas pinturas de Civetta retratando paisagens, já mencionadas nos inventários do marquês Girolamo Sanvitale: outros artistas em exibição são Jacob Cornelisz van Oostsanen e Bernard van Orley, este último com o retrato de Charles V; a maioria dessas pinturas faz parte da coleção Farnese, graças às aquisições do cardeal Odoardo a partir de 1641.
A sala 18 é quase inteiramente dedicada a Joachim Beuckelaer: não se sabe quando ou quem comprou as obras, mas elas certamente pertenciam à coleção Farnese de Parma já em 1587, como mencionado em alguns inventários da família, juntamente com cerca de quarenta pinturas que pertenciam. a Duke Ottavio e Ranuccio, naquele período em que naturezas-mortas e cenas populares como as de mercados e campos propostos pelas telas alcançaram grande sucesso na Itália. O único trabalho que não pertence a Beuckelaer é Jesus entre as crianças, de Maarten de Vos.
Na sala 19, estão expostas as obras dos expoentes da família Carracci, os irmãos Agostino e Annibale, os principais executores da família Farnese e o primo Ludovico: suas telas são condicionadas pelas privações impostas pelo Conselho de Trento, mesmo que consigam encontrar uma nova solução artística segundo a qual o artista precise ter uma visão da realidade para tirar a pintura italiana desse estado de crise.
A sala 20 continua colecionando obras da escola emiliana com Annibale Carracci, desta vez com uma pintura madura inspirada em mitos gregos como Rinaldo e Amida e o rio Allegory, Giovanni Lanfranco e Sisto Badalocchio.
O quarto 21 é inteiramente dedicado às pinturas de Bartolomeo Schedoni, um artista que vinculou sua existência profissional à família Farnese, trabalhando para a família entre Modena e Parma e assegurando-lhes a maioria de suas obras, mesmo aquelas que, após sua morte, eles foram depositados na loja: um estudioso de Correggio, Federico Barocci e Carracci, ele iluminou a novidade predominante de suas pinturas, que combina figuras excêntricas.
A sala 22 ainda é dedicada à pintura emiliana: o trabalho principal é o de Atalanta e Ippomene, de Guido Reni, com quem Giovanni Lanfranco e Michele Desubleo se aproximam; todas as pinturas apresentam esses temas e o estilo da nascente corrente barroca.
O quarto 24 contém pinturas flamengas do século XVII com artistas como Antoon van Dyck e seu Cristo Crucificado, comprados por Diego Sartorio por 1.500 ducados, Pieter Paul Rubens e Daniel Seghers: são obras da coleção Farnese ou compras subsequentes e que oferecem uma comparação entre as pinturas italianas e holandesas do período.
Também na sala 25 continua a exposição de pintores flamengos, em particular de obras que tratam de visões, um gênero que, a partir do final do século XVI, teve enorme sucesso graças também ao pedido de burgueses ricos que gostam de adornar as paredes dos seus edifícios com telas retratando cenas da vida cotidiana: entre os artistas expostos no ambiente Sebastian Vrancx, Gillis Mostaert e Pieter Brueghel, o Jovem com Paisagem de Inverno.
Artistas flamengos ainda são encontrados na sala 26: desta vez, porém, o tema muda para naturezas mortas, que se espalharão enormemente por todo o século XVII; são representações íntimas de cenas familiares com retratos de frutas, caça, flores, pratos e cristais, como demonstrado pela tela de David de Coninck Game and Animals ou por David Teniers, o jovem com interior de cozinha.
A sala 27 continua com os artistas emilianos, em particular os influenciados pela experiência da Accademia degli Incamminati: estão em exibição obras de Ludovico Carracci, como a queda de Simon Mago, o que abre a visão para uma nova concepção de espaço e com sinais de um barroco primitivo, Domenichino com o Anjo da Guarda, que permanece ancorado ao classicismo, e Alessandro Tiarini, que continua a seguir o estilo da escola caravaggesca.
O estilo maneirista tardio do final do século XVI é expresso nas obras mantidas na sala 28 com artistas da Toscana e da Ligúria; importante nessas pinturas é o uso da cor, quase dando um tom sobrenatural, mas ainda dando um brilho suave e difuso: as Pietà de Cigoli, Vênus e Adonis, de Luca Cambiaso e San Sebastiano, levaram ao túmulo de Domenico Cresti.
A sala 29 abriga obras de diferentes origens e pertencentes a diferentes classes culturais, demonstrando que a família Farnese, devido a divergências internas, não podia mais encomendar artistas para pinturas de sua coleção; os mais representativos da sala são os artistas de Gênova, uma cidade que viveu entre os séculos XVI e XVII uma boa temporada artística: óleos característicos de cobre por Carlo Saraceni sobre temas mitológicos e obras de Orazio de Ferrari e Giovanni Battista Gaulli, enquanto Landscape com a ninfa Egeria, de Claude Lorrain, é da coleção Bourbon.
A sala 30 conclui a coleção Farnese: abriga as obras de Sebastiano Ricci, um veneziano do século XVII, um dos pintores da casa Farnese em Parma que desfrutava da proteção de Ranuccio; na sala também a Sagrada Família e os Santos, de Giuseppe Maria Crespi.
Coleção Borgia
A sala 7 abriga a coleção Borgia: é uma coleção comprada em 1817 por Ferdinando I, de propriedade do cardeal Borgia que, durante o século XVIII, coletou, graças às várias missões católicas ao redor do mundo, numerosos testemunhos artísticos dos mais variados povos díspares, como os orientais e os exóticos. As obras foram preservadas pelo cardeal tanto em um palácio romano quanto em sua casa em Velletri, onde ele deu origem a um museu real, aberto a estudiosos e dividido em dez seções: antiguidades egípcias, etruscas e volscas, greco-romanas, romanas, Arte do Extremo Oriente, antiguidades árabes, artefatos etno-antropológicos do norte da Europa, América Central e Museu Sagrado, compostos por obras relacionadas à iconografia e liturgia sagrada. Quando o cardeal morreu, as obras foram herdadas por seu sobrinho Camillo Borgia e posteriormente compradas pelo governante Bourbon: a coleção foi exibida pela primeira vez no Museu Real Bourbon e depois, em 1957, transferida para o palácio real de Capodimonte, onde, depois de muito tempo No inventário, são exibidas três seções, a saber, o Museu Sagrado, o Arab Tuff e o Index.
A coleção inclui pinturas como Sant’Eufemia de Andrea Mantegna, Madonna e Criança com Santos Pedro, Paulo e Antonio Abate por Taddeo Gaddi, Madonna e Criança por Bartolomeo Caporali, Madonna por Jacopo del Casentino, San Sebastiano di Taddeo di Bartolo, as virtudes e cenas da vida de Jason, de Giovanni Bernardi; e ainda existem objetos de fabricantes sírios, espanhóis, birmaneses e franceses compostos de vários materiais, como o Políptico da Paixão, em alabastro, da escola de inglês, vidro, ourives, esmaltes como Pace di Nicolò Lionello e marfim, como a crucificação bizantina do século X.
Apartamento Real
A sala 31 até a sala 60, à qual a sala 23 é adicionada, mas as salas 35 e 36 são excluídas, as de 38 a 41 e as de 46 a 50 abrigam o Royal Apartment.
Modificado em parte em sua aparência original, tanto na arquitetura quanto no mobiliário, eles constituem o apartamento que hospedava Bourbon, reis franceses e a família dos duques de Aosta: a sala principal é a sala 23, que abrigava a sala de jantar. cama de Francesco I e Maria Isabella de Bourbon-Espanha, feita entre 1829 e 1830, com base em um projeto de Antonio Niccolini com decorações de parede particulares que lembram os afrescos encontrados nas escavações de Pompéia e Herculano e estofos da fabricação de San Leucio. A sala 31 é chamada de Salone della Culla porque abrigava um berço doado pelos súditos napolitanos à realeza pelo nascimento de Vittorio Emanuele III, da Sabóia: a particularidade do ambiente é o piso de mármore de uma vila romana em Capri, a Villa Jovis. O quarto 42 é o Salone delle Feste, originalmente projetado para abrigar as obras da coleção Farnese e depois transformado para cumprir as funções representativas da família real: é um dos poucos quartos que mantém sua aparência original, com decorações de Salvatore Giusti, em estilo neoclássico, piso de mármore e lustres de cristal. A sala 52 abriga a sala de estar em porcelana: é uma sala de estar composta por mais de três mil peças de porcelana construídas para a rainha Maria Amalia entre 1757 e 1759 por Giovanni Battisti Natali, originalmente localizado no palácio de Portici e somente em 1866 transferido para Capodimonte em uma sala adequadamente adaptada. A sala 56, criada a pedido de Annibale Sacco e com um claro gosto neoclássico, leva o nome de Salone Camuccini e é chamada pela presença de obras pictóricas criadas precisamente por Vincenzo Camuccini, ladeado por outros artistas como Pietro Benvenuti e Francesco Hayez: também abriga um bom número de estátuas. Todos os quartos mantêm um grande número de pinturas de autores mais distintos, como Alexandre-Hyacinthe Dunouy, Claude Joseph Vernet, Antonio Joli, Francisco Goya, Angelika Kauffmann e Giacinto Gigante, além de inúmeros objetos de decoração, como porcelana, vasos, berços, instrumentos musicais, sofás, lustres e lareiras, este último previsto apenas nas salas representativas.
Galeria de porcelana
Nas salas 35 e 36, elas constituem a chamada Galeria de Porcelana: composta por mais de três mil peças, das quais, por motivos de espaço, apenas uma pequena parte mais representativa dos serviços de porcelana fabricada na Itália e na Europa é exibida, em especial a porcelana de Capodimonte, o Meissein de Sevres, com algumas peças decoradas com Nápoles, para Viena e Berlim. Todos os trabalhos, exceto a Imaculada Conceição, adquiridos em 1972, são da coleção Bourbon; até 1860, essas peças eram usadas normalmente; depois, a partir de 1873, a pedido de Vittorio Emanuele III, começou a construção de um museu sobre as porcelanas, editado por Annibale Sacco.
A sala 35 exibe as criações da Real Fabbrica di Napoli, enquanto a sala 36 exibe as mais importantes manufaturas européias: entre as principais obras, está o Serviço do Ganso, cujos pratos são pintados com vistas de Nápoles e seus arredores, enquanto aqueles que não têm decoração são em armazenamento, um conjunto de altar composto por seis candelabros e um crucifixo, uma obra de Giuseppe Gricci para a capela real de Portici, um serviço de mesa, um serviço de chocolate com uma guirlanda de flores e numerosos vasos, estátuas, risers e pratos.
Coleção De Ciccio
A coleção De Ciccio está alojada nas salas 38, 39, 40 e 41: é uma coleção, ordenada de acordo com o layout original, de cerca de mil e trezentas peças, principalmente artes aplicadas, incluindo pinturas e esculturas, mas também bronzes, marfim, majólica, porcelana e, por vezes, achados arqueológicos, doada ao Museu Nacional de Capodimonte em 1958 pelo colecionador Mario De Ciccio, que os colecionou ao longo de cerca de cinquenta anos de aquisições entre Nápoles, Palermo e vários mercados internacionais.
Entre as várias obras, a cerâmica é de estilo hispânico-mourisco, majólica renascentista, incluindo um azulejo estrelado da fabricação persa em Rey, as porcelanas de Meissen, Viena e Ginori; entre as estátuas de Madonna e Filho da escola de Lorenzo Ghiberti, San Matteo, em bronze, atribuída a Alessandro Vittoria, enquanto entre as pinturas um painel de Marco del Buono e Apollonio de Giovanni, já decorado com um baú. E ainda vasos, pratos, xícaras, entre os quais alguns chineses dos períodos K’ang Hsi e Chien Lung, bronzes renascentistas de Andrea Briosco, Alessandro Vittoria e Tiziano Aspetti, vidro de Murano e achados arqueológicos, como vasos do sótão dos séculos VI e V aC , rima do século IV aC e esculturas em itálico e etrusco.
Arsenal fernesiana e Bourbon
Nas salas 46, 47, 48, 49 e 50 são exibidas as coleções do Arsenal Farnesiano e Bourbon: são cerca de quatro mil peças cuja primeira montagem remonta a 1958 e das quais ainda mantêm sua aparência original. A coleção farnesiana inclui principalmente armas milanesas e brescianas, mas também exemplos espanhóis e alemães de armas de fogo, corte e defesa, armaduras de torneio e guerra, pistolas, espadas, punhais e arcabuzes, entre os quais a armadura de Alessandro Farnese conhecida como del Giglio, de Pompeo della Cesa e um rifle italiano que pertencia a Ranuccio Farnese. A série Bourbon inclui armas de fogo, algumas de Madri com Carlos de Bourbon, outras de fabricação napolitana provenientes da Royal Arms Factory de Torre Annunziata para atender às necessidades do exército Bourbon e armas de caça feitas para fins recreativos puros, como um rifle de pederneira pertencente a para Maria Amalia. A estas são adicionadas armas doadas a Carlo e Ferdinando como carabinas e espingardas de fabricação saxônica, vienense e espanhola, armas brancas produzidas tanto pela Royal Factory quanto pela Steel Factory, esta última localizada no parque de Capodimonte desde 1782: Carlo la Bruna, Biagio Ignesti, Michele Battista, Natale del Moro e Emanuel Estevan foram os criadores das obras. Também existem armas e modelos de guerra de fabricação oriental usados para a escola de artilharia, armaduras de carrossel italiano e guerras do século XVII, espadas dos séculos XVI e XVIII, uma das quais provavelmente pertencia a Ettore Fieramosca, armas de fogo italianas e séculos europeus 18 e 19 . Em particular, um modelo de gesso representando Carlo V de Vincenzo Gemito.
Segundo andar
O segundo andar é dividido nas áreas da Galeria Napolitana e da coleção de arte contemporânea: em particular das salas 61 a 97, exceto 62, a galeria de artes de Nápoles, do século XIII ao XVIII, está abrigada, a sala 62 é dedicada a as tapeçarias de ‘Avalos e os quartos de 98 a 101 na coleção d’Avalos, enquanto a área de arte contemporânea ocupa dois quartos e outros no terceiro andar.
Galeria Napolitana
A Galeria Napolitana é composta por quarenta e quatro salas e pinturas de casas, mas também esculturas e tapeçarias, feitas por artistas ou personalidades napolitanas que não são locais, mas que trabalharam ou enviaram obras para a cidade e influenciaram a escola local em um período entre o séculos XIII e XVIII. A coleção começou no início do século XIX, tanto após as supressões dos mosteiros durante o período de dominação napoleônica quanto pelos emissários de Bourbon em busca de obras a serem incluídas na coleção real, para continuar novamente em 2008 graças a numerosos estados. aquisições, doações ou, como aconteceu entre 1970 e 1999, para fins de precaução, especialmente para aquelas obras mantidas em igrejas fechadas ou, de qualquer forma, pouco supervisionadas. Os tópicos abordados são, portanto, assuntos religiosos, que embelezam as igrejas, mas também batalhas, cenas mitológicas e naturezas-mortas, temas mais seculares, frequentemente encomendados por particulares para suas casas burguesas. O layout do museu das salas tende a reproduzir, conseqüentemente, a estreita relação entre a história e a história da arte na área napolitana e no sul da Itália em geral, com obras encomendadas pela casa do governo e pelos aristocratas que fizeram da capital napolitana uma cultura cultural internacional. Centro.
Com a sala 61, começa a Galeria Napolitana: obras de diferentes tipos são, portanto, hospedadas, demonstrando a variedade e complexidade das criações artísticas de Nápoles, mas também as obras que foram restauradas; a exposição inclui o políptico com histórias da paixão, em alabastro e madeira fabricada em Nottingham, uma tapeçaria retratando a Deposição da Cruz e estátuas de madeira de Giovanni da Nola.
A sala 63 e as duas obras seguintes da cultura da Campânia, que vão do final do século XII ao início do século XV: dignas de nota são um San Domenico, um políptico de uma igreja napolitana, um objeto de mármore pertencente a um candelabro, e uma têmpera no painel com o tema Santa Maria de Flumine, proveniente de uma igreja perto de Amalfi, que mostra as influências bizantinas e árabes presentes na península de Sorrento.
A sala 64 mostra as influências que a chegada da dinastia Angevin e a de seu mundo cortês tem na arte napolitana; de fato, os novos soberanos trazem importantes obras de reconstrução para a cidade, com a construção de palácios e igrejas, que devem, portanto, ser posteriormente decoradas. E os artistas convocados para este trabalho são inspirados por Giotto, pessoalmente presente na cidade, e sua oficina: é o caso dos expostos nesta sala como Roberto d’Oderisio, com sua crucificação e a Madonna of Humility e a Andrea Sienese Vanni com San Giacomo Apostolo.
A sala 65 mostra as influências do ramo húngaro da dinastia Anjou, em particular Carlos III de Nápoles e Ladislao I de Nápoles, este último trabalho de comissionamento de um pintor anônimo conhecido como Mestre das Histórias de San Ladislao: i dois soberanos, constantemente engajados em campanhas militares, favorecem a presença em Nápoles de vários artistas, principalmente da Toscana, como Niccolò di Tommaso.
A sala 66 é dedicada exclusivamente à obra-prima de Simone Martini, San Ludovico di Tolosa, que coroa seu irmão Roberto d’Angiò: a mesa, que ainda cai no período Angevin de Nápoles, foi encomendada por Roberto d’Angiò, para lembrar e celebrar seu irmão Ludovico, que renunciou ao trono do reino depois de ingressar na corrente franciscana.
A sala 67 abriga obras que marcam o fim do reinado de Angevin em Nápoles e o início do aragonês, com suas inovações pictóricas: artistas, pintores e escultores flamengos muito queridos por Alfonso V de Aragão estão expostos no ambiente, mas também italianos como como Colantonio, com a entrega do domínio franciscano, San Girolamo no estúdio e o políptico de San Vincenzo Ferrer, primeiros exemplos da pintura napolitana da Renascença, a meio caminho entre o estilo italiano e o internacional, com influências flamengas-catalãs.
A sala 68 mostra os artistas que trabalharam em Nápoles durante o reinado de Fernando I de Nápoles e Alfonso II de Nápoles, favorecidos por estes para a construção do arco triunfal do Maschio Angioino: são lombardos como Cristoforo Scacco di Verona e Protasio Crivelli Venezianos, sicilianos, dálmatas e espanhóis como Juan de Borgoña, mas também Francesco Pagano e Pietro Befulco.
A sala 69, com suas obras, mostra a estreita relação que foi estabelecida no final do século XV entre Alfonso II e Toscana, mas também como os artistas da Úmbria são muito apreciados na cidade: são exibidas obras de Pinturicchio e Matteo di Giovanni, artistas também para a formação de pintores locais, como Francesco Cicino, criador assíduo de polípticos, entre os quais se destacam Madonna, Child Entronizado e Santos.
A sala 70 marca o início do domínio espanhol em Nápoles, no início do século XVI: as obras apresentadas demonstram um amadurecimento importante da arte local, representada aqui por artistas como Giovanni Filippo Criscuolo e Andrea Sabatini, que ainda retornam à Úmbria-Toscana a pintura misturada com o classicismo típico de Rafael, ou, de qualquer forma, artistas que treinaram em outras áreas da Itália, como Cesare da Sesto, presente na sala com a Adoração dos Reis Magos, atuará como intermediário das inovações na pintura napolitana ; a influência espanhola também é afetada pela pintura de Pedro Fernández.
A sala 71 contém uma importante coleção de esculturas de mármore do século XVI, uma produção artística em que Nápoles se destaca particularmente de artistas como Girolamo Santacroce e Giovanni da Nola: estes são elementos decorativos de obras anteriormente alojadas na igreja de Santa Maria Assunta dei Pignatelli e quatro altos-relevos das igrejas de Sant’Agnello Maggiore e Santa Maria delle Grazie Maggiore em Caponapoli.
A sala 72 exibe as pinturas de Polidoro da Caravaggio, aluno e ajudante de Rafael, que treinou em Roma na primeira metade do século XVI e que também trabalhará brevemente em Nápoles: entre as exposições, Andata al Calvario, Deposição, San Pietro e Sant’Andrea, que destacam o caráter original e perturbador do artista.
Artistas como Marco Cardisco e Pedro Machuca são encontrados na sala 73: o primeiro é influenciado pela influência maneirista de Polidoro e classificado por Andrea da Salerno, claramente visível na Disputa de Santo Agostinho, enquanto o segundo, autor da Morte e Assunção da Virgem, é caracterizada por uma pintura com figuras suaves sobre composições um tanto articuladas, que lembram, em alguns aspectos, a de Rosso Fiorentino.
A relação entre Pedro Álvarez de Toledo e Toscana cria um intenso intercâmbio cultural entre Nápoles e Florença ou Siena, claramente visível na sala 74, onde estão expostos artistas como Marco Pino, um estudante de Beccafumi, há muito tempo ativo na cidade, Sodoma, e principalmente Giorgio Vasari, com a ceia na casa do fariseu e a apresentação no templo.
A principal obra da sala 75 é a Anunciação de Ticiano, um raro exemplo de pintura veneziana em Nápoles e originalmente localizada na capela Pinelli na igreja de San Domenico Maggiore. Também é característica a pequena sala chamada 75 bis, com duas pinturas devocionais, Andata al Calvario, de Giovanni Bernardo Lama e Pietà, e santos de Silvestro Buono, este último claramente inspirado pelos pintores flamengos em voga em Nápoles, no final do século XVI.
Na sala 76 são apresentadas grandes mesas destinadas a serem retábulos altos em Nápoles, que viveu com Filipe II da Espanha um período fervoroso tanto de construções religiosas quanto de decorações de igrejas existentes, mas que tiveram que seguir os ditames da contra-reforma; Entre os artistas que trabalham na realização dessas obras estão Aert Mytens e Dirk Hendricksz, autores flamengos, Francesco Curia con Annunciazione, considerada uma das obras-primas da pintura do sul do século XVI, e Girolamo Imparato.
A sala 77, com suas obras, marca o auge da arte napolitana do século XVI, com artistas oferecendo representações sagradas que falavam claramente aos fiéis; são exibidas: Scipione Pulzone, com sua pintura fria e purista, Ippolito Borghese e sua pincelada com nuances na Pietà, Fabrizio Santafede, mais próximo da cultura popular, e Luigi Rodriguez; característica são as pinturas de Cavalier d’Arpino, um dos últimos miniaturistas ativos em Nápoles, especialmente na Cartuxa de San Martino.
O quarto 78 é uma reserva exclusiva da Flagelação de Cristo de Caravaggio, uma obra que inaugura a grande estação do século XVII napolitano: o artista esteve ativo em Nápoles entre 1606 e 1607 e entre 1609 e 1610, contribuindo para transformar radicalmente a pintura sagrada da época. capital que até aquele momento é composta de santos, anjos, coroas, em uma mais simples, mais essencial e sombria, que também se reflete nos becos da cidade, uma realidade até então ignorada, lançando, principalmente a partir da segunda década do século XVII, os fundamentos do naturalismo napolitano.
A sala 79 abriga as obras dos chamados caravaggistas, ou seja, os artistas que em suas obras se referem a Caravaggio, como Filippo Vitale, Carlo Sellitto, que nasceu como um pintor elegante e estilizado para então abraçar completamente o novo estilo, e Battistello Caracciolo, o maior caravaggista napolitano, que ainda consegue encontrar sua própria identidade com uma pintura abstrata e animada nos fundos, bem demonstrada nas pinturas em exibição como o Ecce homo, o Cristo na coluna, a lamentação no corpo de Abel e Vênus e Adônis.
As salas 81, 83 e 84 são destinadas à exibição cíclica de gravuras e desenhos mantidos no museu de Capodimonte: a escolha das obras a serem exibidas ocorre tanto com base em critérios conservadores quanto para iluminar a atividade de desenho dos artistas que Nápoles orbitada; gravuras feitas entre os séculos XVII e XIX também são apresentadas. O ambiente é caracterizado por um gabinete de fabricação inglesa e dois óleos em cobre de Francesco Guarini.
A sala 87 exibe obras de artistas que trabalharam em Nápoles no início do século XVII, período em que as igrejas da cidade foram afetadas por importantes obras de embelezamento que atraem artistas não apenas da região, mas também do exterior, dando vida ao seu ouro. Idade na pintura napolitana: a principal obra da sala é Giuditta e Oloferne, de Artemisia Gentileschi.
Os quartos 88, 89 e 90 dispõem de arranjos de pinturas que os fazem parecer capelas de uma igreja adornada por grandes homens: os artistas presentes são os do primeiro naturalismo napolitano, que seguem o caminho aberto por Caravaggio e sua peça de teatro. luz no fundo escuro, embora não haja falta de influências da pintura emiliana e veneziana que se tornaram famosas em Nápoles a partir da década de 1840; entre os artistas mantidos Artemisia Gentileschi, Battistello Caracciolo, Simon Vouet, Massimo Stanzione com o sacrifício de Moisés e o martírio de Santa Agatha, Pietro Novelli, Cesare Fracanzano e Jusepe de Ribera com Madalena em meditação, Pai Eterno, Trinitas terrestris e San Girolamo e o anjo do julgamento.
O quarto 91 exibe uma das obras-primas de Ribera, a saber, o Silenus bêbado, mas não faltam pinturas de Pietro Novelli e Francesco Fracanzano que abrem a arte napolitana à cultura européia: as obras do chamado Mestre da Anunciação também são características. pastores que lidam com temas sagrados retratados em um mundo pastoral típico, também são apreciados no resto da Europa graças ao trabalho de exportação de negociantes de arte como Gaspar Roomer e Jan e Ferdinand van den Eynden.
Na sala 92, além do interior da cozinha de Francesco Fracanzano, são características as obras de Matthias Stomer, pintor holandês ativo em Roma, Nápoles e Sicília, que apesar de seguir a escola de Caravaggio se abrem para experimentos: em suas obras, de fato, como a Adoração dos Pastores, a Ceia em Emaus e a Morte de Sêneca, luz, natural ou artificial como a de uma vela, que ilumina os ambientes escuros nos quais a cena está centralizada, desempenha um papel fundamental.
A sala 93 abriga a segunda geração de artistas napolitanos treinados na primeira década do século XVII, protagonistas de uma pintura resultante dos experimentos caravaggescos, com influências dos emilianos e europeus: Giovan Battista Spinelli, próximo à arte francesa com seu David com a cabeça de Golias, Francesco Guarini, com o uso de sombras naturais claramente visíveis em Sant’Agata e Santa Cecília, em cravo e anjos, e Andrea Vaccaro, um dos maiores expoentes deste período, com suas pinturas que misturam o sagrado e o sagrado. o profano, claramente evidenciado no triunfo de Davi e na adoração do bezerro de ouro.
Na sala 94, existem numerosas obras de Bernardo Cavallino, um artista que conseguiu compreender completamente o gosto da época, abordando colecionadores que preferiam uma pintura elegante e narrativa, feita de pequenas telas criadas para adornar os palácios napolitanos, com temas que se referem a as composições poéticas de Torquato Tasso e Giovan Battista Marino, e que descrevem a vida simples e cotidiana; Johann Heinrich Schönfeld, um estudioso cuidadoso de Cavallino, também é exibido na mesma sala.
A sala 95 concentra-se nos artistas que operam principalmente entre os anos trinta e quarenta do século XVII, nomeadamente os vários Micco Spadaro, Salvator Rosa, Aniello Falcone e Andrea De Lione, que se abrem para um novo tipo de pintura feita de batalhas históricas e mitológicas , portanto, também adequado para representar mártires dos santos, em um pequeno local sagrado.
Na pequena sala, 96 naturezas-mortas não napolitanas são exibidas: são representações de Bartolomeo Bimbi, Carlo Maratta e Christian Berentz, com tons levemente opacos, mas que gozaram de fama particular entre os séculos XVII e XVIII.
Na sala 97, continuamos com naturezas mortas, desta vez por artistas napolitanos: é um gênero muito popular em Nápoles na época, graças às influências cada vez mais difundidas do barroco que começaram em meados do século XVII; peixes, flores em vasos de cristal e prata, frutas e citros são, portanto, retratados e os principais artistas responsáveis pela natureza morta exibidos na sala são Luca Forte, Giovan Battista Ruoppolo, Giuseppe Recco, inspirados na pintura naturalista, com cores mediterrâneas, Andrea Belvedere e Paolo Porpora, influenciados pela veia artística rococó nascente, feitos de uma pintura mais delicada.
A sala 102 é inteiramente dedicada a Mattia Preti, uma artista que, juntamente com Luca Giordano, representa por cerca de uma década uma das mais destacadas em atividade em Nápoles: na sala há dois esboços preparatórios para os afrescos a serem feitos nos portões da cidade. um ex-voto para o fim da praga de 1656, e ainda telas como O Retorno do Filho Pródigo, Convito di Assalonne e San Sebastiano, que mostram o ponto de vista particular do autor.
A sala 103 é uma prerrogativa de Luca Giordano, em cujas obras ele mostra todas as novidades da nascente corrente barroca e que se destaca como um antecipador da cultura rococó: e, portanto, grandes espaços, figuras com uma linha suave com pele rosada e cabelos loiros são claramente visível nas telas como o êxtase de São Nicolau de Tolentino, a esmola de São Tomás de Villanova, a Madonna del Baldacchino, a Madonna del Rosario e a Sagrada Família tem a visão dos símbolos da paixão.
A sala 104 exibe obras do século XVIII napolitano com pintores como Francesco Solimena, herdeiro de Luca Giordano, com seus personagens característicos retratados quase numa pose teatral, como pode ser visto em Aeneas e Dido, e também Paolo De Matteis, também da escola. de Giordano, Domenico Antonio Vaccaro e Francesco De Mura, autor de uma pintura mais elegante que seu mestre Solimena.
A sala 105 é dedicada aos esboços dos principais fabricantes de afrescos do século XVIII: estes são testemunhos de obras que às vezes não são concluídas, como o esboço de San Domenico revive o sobrinho do cardeal Orsini, que Domenico Antonio Vaccaro cria para a igreja de San Domenico Maggiore, ou perdido no tempo, como Massacro dei Giustiniani a Scio, de Francesco Solimena; Giacomo del Pò e Francesco De Mura também estão em exibição no quarto.
A sala 106 conclui a jornada da pintura napolitana do século XIII ao XVIII, colecionando obras da última metade do século XVIII que marcam o advento dos Bourbons no trono do reino de Nápoles; os novos soberanos, como é possível notar nos artistas expostos ao meio ambiente, abandonando os napolitanos, com exceção de Giuseppe Bonito, e se abrem para artistas com um ar mais europeu: é o caso de Gaspare Traversi, autor de uma pintura irônica, Corrado Giaquinto e Pietro Bardellino, com pinturas rococó e temas mitológicos.
Tapeçaria
A sala 62, também conhecida como Sala degli Arazzi, abriga as Tapeçarias da batalha de Pavia, feitas entre 1528 e 1531, inspirando-se nos desenhos e tecidos de Bernard van Orley em Bruxelas, como evidenciado pelas iniciais do fabricante de tapeçarias William Dermoyen: em 1531 foram doados pelos Estados Gerais de Bruxelas ao imperador Carlos V de Habsburgo e em 1571 tornaram-se parte da coleção de Francesco Ferdinando d’Avalos, até 1862, quando foram presenteados ao Estado italiano por Alfonso d’Avalos. e de lá transferido para o museu Capodimonte. Os sete trabalhos levam o título de:
Avanço do exército imperial e ataque da Gendarmaria francesa liderada por Francisco I;
Derrota da cavalaria francesa; a infantaria imperial assume a artilharia inimiga;
Captura do rei francês Francisco I;
Invasão do campo francês e fuga das senhoras e civis após Francisco I;
Invasão do campo francês: os suíços se recusam a avançar apesar das intervenções de seus líderes;
Fuga do exército francês e retirada do duque de Alençon além de Ticino;
Cerco aos sitiados e rota dos suíços que se afogam em grande número em Ticino.
Coleção D’Avalos
As salas 98, 99, 100 e 101 abrigam a coleção d’Avalos, uma coleção particular iniciada no século XVII pelo príncipe de Montesarchio Andrea d’Avalos, que coletou e encomendou um dos mais importantes números de obras de artistas napolitanos do século XVII. século, e doado primeiro ao estado italiano e depois ao museu de Capodimonte em 1862: parte da coleção é, portanto, distribuída nas quatro salas do museu, de acordo com o layout original. A maioria das obras trata de naturezas-mortas, mas também de temas históricos, mitológicos e literários: artistas como Pacecco De Rosa, Luca Giordano, com um grande grupo de telas, Andrea Vaccaro, Giuseppe Recco e Jusepe de Ribera com uma de suas obras-primas, símbolo de maturidade artística, Apollo e Marsyas, nos quais o próprio Giordano baseia seu treinamento.
Arte contemporânea
A coleção de arte contemporânea foi inaugurada em 1996. No entanto, exposições desse gênero já haviam sido realizadas no museu: em 1978, a exposição de Alberto Burri foi apresentada, enquanto em 1985 era a vez de Andy Warhol, montado naquilo que o tempo foi chamado Salone Camuccini, que mais tarde se tornaria a sala 2, e escolhido para sediar eventos de arte contemporânea, um papel que ele desempenhou de 1986 a 1991 com as exposições de Gino De Dominicis em 1986, Mario Merz em 1987, Carlo Alfano e Sol LeWitt em 1988, Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro e Juan Kounellis, em 1989; Eliseo Mattiacci, em 1991, ano em que o ciclo de exposições terminou com o de Sigmar Polke, para permitir a restauração do museu; na sua reabertura, optou-se por uma exposição permanente de obras contemporâneas.
A galeria começa com três obras feitas in situ, alojadas em três salas: a primeira, chamada Untitled, de Jannis Kounellis, é criada com jarros, ferros, sacolas e carvão; a segunda leva o título de Clues, de Daniel Buren, que é instalações. de papel adesivo colorido sobre gesso cartonado e piso de mármore, e o terceiro é intitulado Grande Cretto Nero, painel de Alberto Burri em majólica e esmalte. Outras obras contemporâneas são exibidas na sala 82 e confeccionadas com os materiais mais diversos, como óleo sobre tela, bronze, ferro, vidro, madeira pintada e têmpera, de artistas como Guido Tatafiore, Renato Barisani, Domenico Spinosa, Augusto Perez, Gianni Pisani, Raffaele Lippi, Lucio Del Pezzo, Carmine Di Ruggiero e Mario Persico.
Terceiro andar
O terceiro andar abriga a continuação da coleção de arte contemporânea, a galeria do século XIX e a seção fotográfica.
A seção de arte contemporânea continua a partir do segundo andar: a instalação criada por Mario Merz, Shock Wave, feita com ferro, néon, jornais, pedras e vidro, a de Joseph Kosuth, fica alojada na sala no sótão do palácio de Capodimonte., Uma observação gramatical, uma escrita na parede iluminada por néon e espelhos e a de Carlo Alfano, Camera, com bússolas em alumínio, grafite e néon. Entre os outros trabalhos, o mais prestigiado é o Vesúvio de Andy Warhol, ao qual se somam os trabalhos de Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Hermann Nitsch, Sigmar Polke, Gino De Dominicis, Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto, Luigi Mainolfi e Ettore Spalletti.
A galeria do século XIX exibe obras de artistas comprados ou doados ao museu no período imediatamente após a unificação da Itália: são autores napolitanos e outros de diferentes áreas da Itália, de modo a formar um figurativo nacional de uma única língua capaz de compreender os aspectos históricos, sociais, naturalistas e culturais do período. A coleção começa com as duas personalidades mais importantes do momento, a saber Domenico Morelli e Filippo Palizzi, mais dedicadas às representações naturalistas. Destaca-se a tendência de artistas pertencentes à Scuola di Resìna, como Marco De Gregorio, Federico Rossano, Michele Cammarano e Giuseppe De Nittis. Característica também Gioacchino Toma concentrada na compreensão do humor, retratado com calma e tranquilidade, Vincenzo Migliaro, Francesco Paolo Michetti, voltou-se para cenas da vida popular, Antonio Mancini, cujas obras têm como protagonistas os filhos do povo, e também Giovanni Boldini, Francesco Saverio Altamura, Giacomo Balla e Giuseppe Pellizza da Volpedo.
A seção fotográfica foi inaugurada em 1996 e é composta por cinquenta e duas fotografias de Mimmo Jodice, que retratam os protagonistas da fase da cultura napolitana de 1968 a 1988, com temas como Emilio Notte, Nino Longobardi, Andy Warhol e Joseph Beuys.