O budismo desempenhou um papel importante no desenvolvimento da arte japonesa entre os séculos VI e XVI. Arte budista e budista pensamento religioso veio para o Japão da China através da Coréia e arte budista foi encorajada pelo príncipe herdeiro Shōtoku no período Suiko no século VI e pelo imperador Shōmu no período Nara no século VIII. No início do período Heian, a arte e a arquitetura budista influenciaram muito as artes tradicionais xintoístas, e a pintura budista tornou-se moda entre os japoneses abastados. O período Kamakura viu um florescimento da escultura budista japonesa, cujas origens estão nas obras do escultor Hei do período Jōchō. A seita Amida do budismo forneceu a base para muitas obras de arte populares. Arte budista tornou-se popular entre as massas através de pinturas de rolagem, pinturas usadas no culto e pinturas de Budas, vidas de santos, infernos e outros temas religiosos. Sob a seita zen do budismo, o retrato de sacerdotes como Bodhidharma tornou-se popular, assim como a caligrafia de rolagem e a pintura pincelada sumi-e.
Períodos de Asuka e Nara
A arte budista foi introduzida no Japão juntamente com a religião budista em meados do século VI, quando, segundo a tradição, Seong de Baekje enviou uma estátua do Buda juntamente com alguns sutras para o Imperador Kinmei. O período Asuka (552-645) viu o crescimento gradual das influências artísticas e religiosas chinesas e coreanas na cultura japonesa. A influência chinesa cresceu no Período Nara (645-784) quando a corte japonesa começou a modelar-se em uma forma chinesa, e o budismo continuou a se espalhar por todo o Japão, enquanto integrava a religião japonesa do xintoísmo.
A escultura deste período mostra, como quase todas as esculturas subsequentes, a influência da arte continental. Tori Busshi, um descendente de um imigrante chinês, seguiu o estilo da escultura do norte de Wei e estabeleceu o que veio a ser conhecido como a escola de escultura Tori. Exemplos notáveis de obras Tori são a Tríade Sakyamuni (ou Shaka tríade), que são os principais ícones do Salão Dourado do templo Hōryū-ji e do kannon Boddhisatva do Yumedono Hall do mesmo templo, também conhecido como Guze Kannon. Primeiramente construído no início do século VII como o templo particular do Príncipe Herdeiro Shōtoku, o Hōryū-ji é composto por 41 edifícios independentes. Os mais importantes, o principal culto de adoração, ou Kondō (Golden Hall), e Gojū-no-tō (Pagode de cinco andares), ficam no centro de uma área aberta cercada por um claustro coberto. Dentro do Kondō, em uma grande plataforma retangular, estão algumas das mais importantes esculturas do período, incluindo a tríade Sakyamuni.
Na Tríade Sakyamuni, Sakyamuni, o centro de Buda, é assistido por duas outras figuras, Bhaisajyaguru à sua direita e Amitābha à sua esquerda. As estátuas são datadas de 623. O estilo da estátua é caracterizado pela bidimensionalidade da figura e pelas representações de padrão repetitivo do pano em que a tríade está sentada.
O período inicial de Nara viu um movimento em direção a estilos mais naturalistas emergentes da China. A Tríade de Yakushi mostra o Buda da cura que preside a Terra Pura Oriental, assistido por dois Bodhisattvas Nikko e Gakko. A tríade, abrigada no templo de Yakushiji (século VII em Nara), revela influências chinesas e da Ásia Central em sua definição anatômica, naturalismo e trama realista.
Esta escultura também demonstra as raízes da arte japonesa na arte Greco-budista de Gandhara do século I e III, caracterizada por padrões de vestimenta fluidos e renderização realista, sobre os quais os traços artísticos chineses e coreanos eram sobrepostos. Depois que a arte budista chinesa do norte de Wei se infiltrou em uma península coreana, os ícones budistas foram trazidos pelo Japão por imigrantes coreanos. Particularmente, a forma semi-assentada de Maitreya foi adaptada em um estilo de arte da Grécia Antiga altamente desenvolvido que foi transmitido ao Japão como evidenciado pelas estátuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu e Chūgū-ji Siddhartha. Os Três Reinos da Coréia, e particularmente Baekje, foram instrumentais como agentes ativos na introdução e formação de uma tradição budista no Japão em 538 ou 552. Eles ilustram o ponto terminal da transmissão da arte da Rota da Seda durante os primeiros séculos de nossa era. Outros exemplos podem ser encontrados no desenvolvimento da iconografia do Deus Vento Japonês de Fūjin, os guardiões do Niō, e os padrões florais quase-clássicos nas decorações do templo.
O edifício do templo no século VIII foi focado em torno do Tōdai-ji em Nara. Construído como a sede de uma rede de templos em cada uma das províncias, o Tōdaiji é o complexo religioso mais ambicioso erguido nos primeiros séculos de culto budista no Japão. Apropriadamente, o Buda de 16,2 m (concluído 752) consagrado no salão principal do Buda, ou Daibutsuden, é um Buda Rushana, a figura que representa a essência do estado búdico, assim como o Tōdaiji representou o centro para o budismo patrocinado imperiosamente e sua disseminação em todo o Japão. Apenas alguns fragmentos da estátua original sobrevivem, e o atual salão e o Buda central são reconstruções do período Edo.
Sob o sistema de governo Ritsuryō no período Nara, o budismo foi fortemente regulado pelo estado através do Sōgō (綱 綱, Escritório de Assuntos Sacerdotais). Durante este tempo, Tōdai-ji serviu como o templo administrativo central para os templos provinciais para as seis escolas budistas no Japão na época.
Exemplo:
O Bronze Shakyamuni Daibutsu (4,8 metros) é a mais antiga escultura conhecida de Buda no Japão, lançada por Tori Busshi em 609.
Kannon (Avalokitesvara) ou Guze Kannon, madeira banhada a ouro, coroa: bronze dourado a céu aberto. Início do século VII, Horyu-ji, Nara.
Bodhisattva, período Asuka, século VII. Museu Nacional de Tóquio.
Telha com Buda sentado
Telha do templo do século 7 Nara mostrando influência greco-budista.
Tríade de Yakushi em Yakushi-ji, Nara. Originalmente construído em Fujiwara-kyō em 680, transportado para Nara em 718.
Salão Dourado de Hryu-ji
Pagode de cinco andares de Hōryū-ji
Salão Dourado de Tōshōdai-ji em Nara
Sala de aula de Tōshōdai-ji em Nara
Pagode Oriental de Yakushi-ji, Nara.
Grande salão budista de Tōdai-ji em Nara
Grande Buda de Tōdai-ji em Nara
Período Heian (794–1185)
Em 784, o imperador Kanmu ameaçado pelo crescente poder secular das instituições budistas em Nara mudou a capital para Heian-kyō (Kyōto), que permaneceu a capital imperial pelos próximos 1.000 anos. O termo período Heian refere-se aos anos entre 794 e 1185, quando o shogunato de Kamakura foi estabelecido no final da Guerra de Genpei. O período é dividido ainda no início do período Heian e do final Heian, ou Era Fujiwara, a data crucial é 894, o ano em que as embaixadas imperiais na China foram oficialmente descontinuadas.
O budismo começou a se espalhar por todo o Japão durante o período Heian, principalmente através de duas grandes seitas esotéricas, Tendai e Shingon. Tendai teve origem na China e é baseado no Sutra de Lótus, um dos sutras mais importantes do Budismo Mahayana; Saichō foi fundamental para a sua transmissão para o Japão. Shingon (verdadeira escola de palavras) é uma seita indígena com afiliações estreitas ao pensamento budista chinês influenciado fundado por Kūkai (mais conhecido por seu título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) que viajou para a China e estudou o budismo indiano e chinês, assim como o chinês. caligrafia e poesia. O próprio imperador Kanmu foi um notável patrono da seita Tendai, que alcançou grande poder nos séculos seguintes. Kūkai impressionou muito os imperadores que sucederam o imperador Kanmu, e também gerações de japoneses, não apenas com sua santidade, mas também com sua poesia, caligrafia, pintura e escultura. A prática budista Shingon é baseada em vários rituais, incluindo o canto de mantras, puja, gestos de mão (mudras) e meditação através da visualização de mandalas. O papel central do ritual no budismo esotérico japonês levou a um florescimento das artes religiosas no período Heian. Essas pinturas religiosas, mandalas e estátuas proporcionavam aos praticantes uma maneira de contemplar deidades e conceitos budistas. Um exemplo famoso da Mandala Shingon é a mandala de Taizokai (Mundo do Útero). Parte da Mandala dos Dois Reinos, o mundo do útero é composto de 12 zonas representando diferentes dimensões da natureza de Buda. No centro está o Buda Vairocana, no lótus da compaixão, cercado pelos Budas e Bodhisattvas. A seita Shingon acreditava que todos os seres têm uma natureza inata de Buda.
Os templos erguidos para a seita Shingon, como a do Monte. Koya foram construídos nas montanhas Kii, longe da corte e dos leigos na capital. A topografia irregular desses locais forçou os arquitetos japoneses a repensar os problemas da construção do templo e, ao fazê-lo, a escolher mais elementos indígenas do design. Telhados de casca de cipreste substituíam os de ladrilhos de cerâmica, tábuas de madeira eram usadas em vez de pisos de terra, e uma área de culto separada para os leigos era acrescentada em frente ao santuário principal. O templo que melhor reflete o espírito dos primeiros templos de Heian Shingon é o Murō-ji (início do século IX), situado no fundo de uma plantação de ciprestes em uma montanha a sudeste de Nara.
No período Fujiwara, o Budismo da Terra Pura, que oferecia uma salvação fácil através da crença em Amida (o Buda do Paraíso Ocidental), tornou-se popular. Este período é nomeado após o clã Fujiwara, então o mais poderoso do país, que governou como regentes para o imperador, tornando-se, na verdade, ditadores civis. Concomitantemente, a nobreza de Kyoto desenvolveu uma sociedade dedicada a atividades estéticas elegantes. O Hō-ō-dō (Phoenix Hall, concluído em 1053) do Byōdō-in, um templo em Uji ao sudeste de Kyoto, é o exemplar dos salões da Fujiwara Amida. Consiste em uma estrutura retangular principal ladeada por dois corredores de asa em forma de L e um corredor de cauda, situado na borda de uma grande lagoa artificial. No interior, uma única imagem dourada de Amida (c. 1053) é instalada em uma plataforma alta. A escultura Amida foi executada por Jōchō, que popularizou a técnica chinesa de criar uma obra a partir de várias peças menores de madeira esculpida (yosegi). Apesar de limitar a quantidade de detalhes de superfície que o artista poderia esculpir em cada peça, o método forçou o escultor a transmitir sua mensagem dentro desses limites. Isso resultou em peças mais refinadas e efêmeras. Mais importante, permitiu que vários assistentes trabalhassem na escultura de uma só vez, acelerando muito o processo. Jōchō, como o mestre, fez o trabalho de acabamento. A técnica também levou a proporções sistematizadas de partes do corpo e detalhes superficiais simples, pois aceleraram a criação das partes constituintes e a formação da peça acabada.
Os historiadores da arte freqüentemente citam este novo cânone de proporções como evidência do gênio de Jōchō. Ele baseou as medidas em uma unidade igual à distância entre o queixo e a linha do cabelo da figura esculpida. A distância entre cada joelho é igual à distância entre a parte inferior das pernas e o cabelo. Os joelhos amplamente espaçados e nivelados formam assim a base de um desenho triangular, transmitindo uma sensação de estabilidade e paz. O efeito é ainda mais acentuado pelo contraste de outros elementos no design, particularmente os halos das figuras. Estes são intrincadamente detalhados, com tennin dançando, nuvens e chamas. As expressões das esculturas de Jōchō transmitem compaixão e elegância, e a escultura detalhada e precisa dos traços faciais projeta uma certa gentileza.
O método da oficina de dividir o trabalho entre vários artesãos pegou, como fez o estilo de Jōchō. Sua escola foi imitada por escultores em todo o Japão pelos próximos 150 anos, quando a escultura japonesa se transformou em uma ortodoxia conformista antes de ser reinventada no período Kamakura.
Com a crescente importância das seitas da Terra Pura do budismo japonês no século X, novos tipos de imagem foram desenvolvidos para satisfazer as necessidades devocionais dessas seitas. Estes incluem Raigozu (来 迎 図), que retratam o Buda Amida junto com os Bodhisattvas Kannon e Seishi que chegam para receber as almas dos fiéis que partiram para o Paraíso Ocidental de Amida. Um exemplo notável, datado de 1053, é pintado no interior do Phoenix Hall do Byōdō-in, um templo em Uji, Kyoto. Isso também é considerado um dos primeiros exemplos do chamado Yamato-e (大 和 絵), ou “pintura em estilo japonês”, na medida em que inclui elementos da paisagem, como colinas suaves que parecem refletir algo da aparência real da paisagem. do oeste do Japão. Estilisticamente, no entanto, este tipo de pintura continua a ser informado pelas tradições chinesas de pintura de paisagem “dinastia Tang e estilo chinês”. “Yamato-e” é um termo impreciso que continua a ser debatido entre os historiadores da arte japonesa.
Exemplo:
Oagida de Daigo-ji em Kyoto. Foi construído em 951.
Mandala de Kongokai (vajra) – Shingon escola budista tântrica
Fugen enmei, o Bodhisattva da Virtude Universal que Prolonga a Vida, século XII. Tinta, cor, ouro e prata em seda.
Mandarado de Taima-dera em Katsuragi. Foi construído em 1161.
Pagode de Ichijō-ji. Foi construído em 1171.
Nirvana de Buda. Rolo de suspensão, 267,6 cm x 271,2 cm. Cor em seda. Localizado em Kongōbu-ji, Mt. Koya.
Cinco andares de pagode em Murō-ji. Foi construído em 800.
Shaka subindo do caixão de ouro. Late Heian, pergaminho pendurado.
Pintura de parede na porta do leste de Byōdō-in, detalhe
Pintura de parede na porta sul do Byōdō-in
Achala Vidyaraja (Rei da Sabedoria), 1100–1185.
Bodhisattva Samantabhadra.
Amitabha Buddha. Tarde Heian, cor na seda Yushihachimanko Juhachika-no templo. Central de três pergaminhos pendurados.
Período Kamakura (1185 a 1333)
O Japão sofreu uma série de guerras civis no final do século XII entre várias famílias rivais, o que levou à ascensão do xogunato feudalista Kamakura, assim chamado porque a família vitoriosa, o clã Minamoto, estabeleceu sua base política em Kamakura. O imperador permaneceu em Kyoto como uma figura de proa, mas o poder político real descansou com o shōgun. O período Kamakura viu o restabelecimento dos laços culturais com a China, bem como o crescimento do Zen Budismo e do Budismo da Terra Pura como os dois principais ramos do budismo japonês.
Esses novos patronos de Kamakura também favoreciam uma arte mais realista e naturalística, que é exemplificada pela escultura da escola Kei. A escola Kei se desenvolveu a partir do que foi conduzido pelo busshi (escultor budista) Jōchō, seu sucessor Kakujō e o filho de Kakujō, Raijō, os principais escultores das gerações anteriores. Dizem que esses artistas fundaram a escola Kei; no entanto, a escola não se estabeleceria e seria associada ao nome “Kei” até que Raijō fosse sucedido por Kōkei e Unkei por volta do ano 1200.
Entre os escultores da escola Kei, Unkei é o mais famoso e considerado o escultor mais talentoso do período. Entre suas obras, um par de grandes Nio (ou Kongō Rikishi) em Tōdai-ji retratam os guardiões musculares em uma posição de contraposto dramática. As esculturas de Unkei dos sacerdotes indianos Mujaku e Seshin em Kofuku-ji demonstram um novo realismo de retrato. Ambas as estátuas ostentam vestes sacerdotais que enquadram seus corpos realisticamente. Eles estão em tamanho natural e sozinhos e são totalmente esculpidos na rodada como se fossem vistos de qualquer ângulo. O mujaku é descrito como um homem magro que manipula algum tipo de objeto sagrado envolto em tecido. Ele parece reservado e reflexivo. Seshin, em contraste, é representado em meio a conversas, gesticulando e falando, um contrapeso extrovertido para o solene Mujaku. Os homens são mostrados como pessoas específicas, não simplesmente membros de um tipo de ações.
Unkei teve seis filhos de escultores e seu trabalho também está imbuído do novo humanismo. Tankei, o filho mais velho e um brilhante escultor, tornou-se o chefe do estúdio. Kōshō, o quarto filho, produziu uma notável escultura do professor budista japonês do século X, Kuya (903–972). Kaikei foi colaborador do Unkei e trabalhou com ele nas estátuas Nio em 1203. Ele trabalhou com o padre Chogen (1121-1206): o diretor do projeto de reconstrução Tōdai-ji. Muitas de suas figuras são mais idealizadas que Unkei e seus filhos, e são caracterizadas por uma superfície lindamente acabada, ricamente decorada com pigmentos e ouro. Suas obras sobreviveram a mais de 40, muitas das quais assinadas por ele mesmo.
Grande parte das cidades de Nara e Kyoto foi destruída na Guerra de Genpei de 1180 a 1185. A escola Kei teve a oportunidade de restaurar os maiores templos de Nara, o Tōdai-ji e Kofuku-ji, substituindo suas esculturas budistas. A figura principal nesse esforço foi Shunjobo Chogen (1121-1206), que era conhecido por ter feito três viagens à China para estudar escultura. O projeto de restauração Tōdai-ji durou várias gerações, de aproximadamente 1180 a 1212, e desenhou extensivamente nos estilos Tang e Song Chinese, introduzindo novos elementos estilísticos, mantendo-se fiel à tradição.
Algumas das pinturas mais populares do período Kamakura descrevem um Buda Amida ascendente. O principal dogma do Budismo da Terra Pura é que cantar o nome de Amida poderia levar a uma reencarnação na terra pura. Assim, pergaminhos de Amida seriam pendurados na sala dos moribundos que seriam salvos cantando o mantra Amida.
No período Kamakura, novas seitas budistas, como Kegon e Nichiren, emergiram e cresceram em popularidade. Essas seitas produziram vários gêneros distintos de pintura, incluindo as pinturas de Suijako, que tentaram conciliar as duas principais religiões japonesas, descrevendo divindades xintoístas como manifestações precoces de Buda. Obras como o Kegon Engi Emaki, um livro ilustrado para ajudar as pessoas a entender o complicado caráter chinês, tornaram-se mais populares entre as pessoas comuns. Emakimono, ou longos pergaminhos ilustrados, também serviram para ilustrar a vida do Buda e a história dos principais líderes budistas.
Exemplo:
Jodo-dō de Jōdo-ji em Ono. Foi construído em 1194.
Danjogaran Fudodo no Monte. Koya. Foi construído em 1197.
Nio guardião em Tōdai-ji, por Unkei
Mujaku (Asanga) em Kōfuku-ji, por Unkei
Retrato do monge Kūya (CE 930-972), total sobre cm de altura, madeira, colorido, século CE13, por Kosho
Estátua com policromia, ouro e cristal. Esta estátua representa Zocho-ten, Guardião (shitenno) do sul.
Estátua de Raijin em Sanjūsangen-dō, Kyoto, Japão. Cerca de 1m de altura, datada do século XIII
Amida que vem sobre a montanha do museu nacional de Kyoto datado ao 13o século. Rolo de suspensão, 120,6 cm x 80,3 cm. Cor em seda.
Kamakura Daibutsu (Amida Buddha) em Kōtoku-in.
Monju cruzando o mar. Rolo de suspensão, 143,0 cm × 106,4 cm. Cor em seda. Localizado em Daigo-ji, Kyoto.
A biografia ilustrada do padre Hōnen. Parte do handscroll (Emakimono) ilustrou biografias de sacerdotes famosos.
Biografia Ilustrada do Padre Ippen, Volume 7, detalhe do manuscrito. Cor em seda. Tamanho da rolagem completa: 37,8 cm x 802,0 cm.
Período Muromachi (1333-1573)
Durante o período Muromachi, também chamado de período Ashikaga, uma mudança profunda ocorreu na cultura japonesa. O clã Ashikaga tomou o controle do xogunato e mudou sua sede de volta para Kyoto, para o distrito de Muromachi da cidade. Com o retorno do governo à capital, as tendências popularizadoras do período Kamakura chegaram ao fim e a expressão cultural assumiu um caráter mais aristocrático e elitista. Durante o Período Muromachi, o Zen-budismo alcançou destaque especialmente entre a elite da classe Samurai, que abraçou os valores zen da disciplina pessoal, concentração e autodesenvolvimento.
O desenvolvimento dos grandes mosteiros zen em Kamakura e Kyoto teve um grande impacto nas artes visuais. Por causa de empreendimentos seculares e missões comerciais para a China organizadas pelos templos Zen, muitas pinturas chinesas e objetos de arte foram importados para o Japão e influenciaram profundamente os artistas japoneses que trabalham para os templos Zen e para o xogunato. Essas importações não apenas mudaram o tema da pintura, mas também modificaram o uso da cor; as cores vivas do Yamato-e cederam aos monocromos da pintura à maneira chinesa de Sui-boku-ga (水墨画) ou sumi-e (墨 絵), este estilo usava principalmente apenas tinta preta – o mesmo usado na caligrafia do leste asiático .
O pintor mais importante do novo estilo Sumi-e foi Sesshū Tōyō (1420-1506), um sacerdote Rinzai que viajou para a China em 1468-69 e estudou a pintura contemporânea Ming. Algumas de suas obras mais dramáticas estão no estilo chinês de tinta espirrada (Haboku). Ao retornar ao Japão, Sesshū construiu para si um estúdio e estabeleceu um grande número de seguidores, pintores que agora são chamados de escola Unkoku-rin ou “Escola de Sesshū”. Para fazer uma das pinturas de Haboku caligráficas e altamente estilizadas, o pintor visualizava a imagem e, em seguida, introduzia pinceladas rápidas no papel, resultando em uma composição abstrata e salpicada, tudo feito com concentração meditativa. Este estilo impressionista de pintura deveria capturar a verdadeira natureza do assunto. O estilo Sumi-e foi altamente influenciado pela caligrafia, usando as mesmas ferramentas e estilo, bem como sua filosofia zen. Para pintar neste estilo, o praticante teve que limpar a mente e aplicar as pinceladas sem pensar muito, chamado mushin (無心 “nenhum estado da mente”) pelo filósofo japonês Nishida Kitaro. O conceito de mushin é fundamental para muitas artes japonesas, incluindo a arte da espada, arco e flecha e a cerimônia do chá.
No final do século XIV, pinturas de paisagens monocromáticas (sansuiga) tinham sido patrocinadas pela família Ashikaga e era o gênero preferido entre os pintores Zen, evoluindo gradualmente de suas raízes chinesas para um estilo mais japonês. Outro pintor importante neste período é Tenshō Shūbun, um monge no templo de Kyoto de Shōkoku-ji que viajou para a Coréia e estudou com pintores chineses. Ele retornou ao Japão em 1404 e se estabeleceu em Kyoto, então a capital. Ele tornou-se diretor do bureau de pintura da corte, estabelecido pelos shoguns de Ashikaga, que eram patronos de arte influentes. A mais conhecida pintura de paisagem de Shūbun, designada como Tesouro Nacional no Japão, é Reading em um Bosque de Bambu, agora mantido no Museu Nacional de Tóquio.
Outro estilo que se desenvolveu no período de Muromachi é Shigajiku (詩 画軸). Esta é geralmente uma pintura acompanhada de poesia e tem suas raízes na China, onde a pintura e a poesia eram vistas como inerentemente conectadas. Este estilo surgiu a partir de círculos literários, um artista normalmente seria dado um assunto para pintar e os poetas iria escrever versos de acompanhamento para ser escrito acima do trabalho. Um exemplo famoso é o pergaminho “Catching a Catfish with a Gourd” (Hyōnen-zu 瓢 鮎 図) localizado em Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto. Criada pelo pintor-sacerdote Josetsu (c. 1386 – c. 1428), inclui 31 versos de muitos sacerdotes Zen inscritos acima da pintura. No primeiro plano da pintura, um homem é representado na margem de um riacho, segurando uma pequena cabaça e olhando para um grande bagre escorregadio. Névoa preenche o meio-termo, e o fundo, as montanhas parecem estar longe na distância. A pintura foi encomendada pelo 4º Shogun do Período Muromachi, Ashikaga Yoshimochi (1386-1428) e foi baseada no enigma absurdo “Como você pega um bagre com uma cabaça?”. Um exemplo de um dos koans ilustra o estilo da poesia inscrita acima da pintura.
Poised! Com a cabaça
Ele tenta prender esse peixe escorregadio.
Um pouco de óleo na cabaça
Acrescentaria entusiasmo à perseguição.
(Shusu [1423] Trans. Matsushita, 1974)
A pintura e os poemas que acompanham capturam tanto a natureza lúdica quanto a intrigante dos kōans budistas zen que supostamente ajudaram o praticante Zen em sua meditação e foi uma prática central da escola Rinzai.
No final do período Muromachi, pinturas a tinta haviam migrado dos mosteiros zen para o mundo da arte em geral, já que artistas da escola Kano e da escola Ami adotaram o estilo e os temas, mas introduzindo um efeito mais plástico e decorativo que continuaria tempos modernos.
Exemplo:
Pagode de Myo-in em Fukuyama. Foi construído em 1348.
Salão Principal de Kakurin-ji em Kakogawa. Foi construído em 1397.
O pavilhão de prata de Ginkaku-ji em Kyoto. Foi construído em 1489 (Arte de Wabi-sabi, Higashiyama Bunka).
Jardim de Kinkaku-ji em Kyoto (Arte de Miyabi, Kitayama Bunka).
Ryōan-ji jardim seco em Kyoto.
Jardim de Saihō-ji em Kyoto.
Jardim de Tenryū-ji em Kyoto.
Pagode de Negoro-ji em Iwade, Wakayama. Foi construído em 1547.
Paisagens de outono e inverno por Sesshū.
Huike oferecendo seu braço para Bodhidharma (1496) por Sesshū
Paisagem de Shubun, Rolo de suspensão, 108 cm x 32,7 cm. Tinta e cor clara no papel, 1445. Localizado no Museu Nacional de Nara.
Getting Hold of the Ox, uma das dez imagens de Oxherding por Shubun, cópia do século 15 do original perdido do século XII.
Kano Motonobu, Kannon de manto branco, c. primeira metade do século XVI. Rolo de suspensão. Tinta, cor e ouro em seda. 157,2 x 76,4 cm.
Período de Azuchi-Momoyama (1573 a 1603)
Este período viu a ascensão da escola Kanō (派 野 派 Kanō-ha?), Que é uma das escolas mais famosas da pintura japonesa. A escola Kanō de pintura foi o estilo dominante de pintura até o período Meiji. Foi fundado por Kanō Masanobu (1434-1530), um contemporâneo de Sesshū e estudante de Shūbun que se tornou um pintor oficial na corte do Shogun. Os artistas que o seguiram, incluindo seu filho, aperfeiçoaram seu estilo e métodos. Seu filho, Kanō Motonobu (1476–1559) estabeleceu o estilo Kano como a principal escola de pintura japonesa durante o período Muromachi.
Em nítido contraste com o anterior período Muromachi, o período de Azuchi Momoyama foi caracterizado por um grandioso estilo policromo, com uso extensivo de folha de ouro e prata, e por trabalhos em grande escala. Os pintores da escola Kanō eram patrocinados por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu e seus seguidores. Kanō Eitoku desenvolveu uma fórmula para a criação de paisagens monumentais nas portas de correr que envolvem uma sala. Essas telas enormes e pinturas de parede foram encomendadas para decorar os castelos e palácios da nobreza militar. Este status continuou no período Edo subsequente, pois o bakufu Tokugawa continuou a promover as obras da escola Kanō como a arte oficialmente sancionada para o shōgun, daimyōs e corte imperial. A ascensão da escola Kanō viu um começo de um afastamento de temas budistas, como os patronos da escola de Kano encomendaram pinturas de natureza mais secular para decorar seus palácios.
No entanto, alguns pintores nesse período continuaram a olhar para os pintores budistas que inicialmente influenciaram a escola de Kano. Um desses pintores foi Hasegawa Tōhaku, que foi influenciado pelas pinturas a tinta monocromáticas do pintor Muromachi Sesshū e desenvolveu seu próprio estilo de Sumi-e que remetia ao minimalismo de seus predecessores. Tōhaku estava de fato muito enamorado com as técnicas do Sesshū Tōyō que ele tentou reivindicar os direitos como seu quinto sucessor, embora ele tenha perdido em uma batalha judicial com Unkoku Togan. Ainda assim, a influência de Sesshū é evidente em muitos trabalhos de Tōhaku de meados para o final, como sua famosa tela de pinheiros Shōrin-zu byōbu (松林 図 屏風), que foram declarados um tesouro nacional do Japão. sua escala para descrever apenas pinheiros como assunto.
A escola fundada por Hasegawa Tōhaku é hoje conhecida como a escola de Hasegawa. Esta escola era pequena, consistindo principalmente de Tōhaku e seus filhos. Apesar de pequenos, seus membros conservaram a estética quieta e reservada de Tōhaku, que muitos atribuem à influência de Sesshū, assim como seu contemporâneo e amigo, Sen no Rikyū. Suspeita-se que estas estéticas simples protestem contra o uso de intimidação e a riqueza desenfreada na escola Kanō.
Exemplo:
Pagoda de Shoman-em Osaka. Foi reconstruído em 1597.
Salão dourado de Daigo-ji em Kyoto. Foi reconstruído em 1600.
Kaizando e Nyoirindo de Daigo-ji em Kyoto. Eles foram reconstruídos em 1606.
Pagode de Kirihata-ji em Awa. Foi construído em 1607.
Arte zen
Sob a seita zen do budismo, que se tornou muito popular no Japão nos séculos XIV e XV, os retratos dos sacerdotes zen eram frequentemente produzidos. O zen era uma seita do budismo que promovia a simplicidade e menos envolvida na adoração, de modo que pinturas religiosas não eram necessárias por esse motivo. Em vez disso, os sacerdotes zen muitas vezes pintavam imagens de professores e mestres zen. Ao contrário do período Heian anterior, em que foi considerado “rude nos tempos de Heian copiar a aparência de uma pessoa” [atribuição necessária] (Stanley-Baker 2000, 115), os retratos Zen eram retratos em close-up que mostravam características faciais e detalhes. Um retrato do mestre zen Muso Kokushi pintado por seu aluno Muto Shui, mostra um retrato detalhado do rosto, com toda a imagem sendo apenas um retrato de cabeça e ombros. Isso é diferente da pintura japonesa anterior, que retratava pessoas como figuras muito menores. Os sacerdotes zen também pintavam paisagens, como a pintura suiboku-ga, ou água e tinta preta, inspirada na doutrina zen.
Arquitetura
O budismo exerceu enorme influência na arte japonesa de várias maneiras e por muitos períodos da história japonesa. Templos budistas com seus salões e torres de cinco andares foram construídos em todo o Japão, e enormes esculturas de Buda foram feitas para esses templos.