O barroco é um estilo de arquitetura, música, dança, pintura, escultura e outras artes que floresceu na Europa desde o início do século XVII até a década de 1740. Nos territórios dos impérios espanhol e português, incluindo a Península Ibérica, continuou, juntamente com novos estilos, até a primeira década do século XIX. Seguiu a arte renascentista e o maneirismo e precedeu os estilos rococó (no passado, freqüentemente chamado de “barroco tardio”) e neoclássico. Foi incentivado pela Igreja Católica como um meio de combater a simplicidade e austeridade da arquitetura protestante, arte e música, embora a arte barroca luterana também se desenvolvesse em partes da Europa.

O estilo barroco usava contraste, movimento, detalhes exuberantes, cores profundas, grandeza e surpresa para obter uma sensação de reverência. O estilo começou no início do século XVII em Roma, depois se espalhou rapidamente para a França, norte da Itália, Espanha e Portugal, depois para a Áustria, sul da Alemanha e Rússia. Na década de 1730, evoluiu para um estilo ainda mais chamativo, chamado rocaille ou rococó, que apareceu na França e na Europa Central até meados do século XVIII.

Visão geral

Barroco: um conceito polissêmico
O termo “barroco” deriva de uma palavra de origem portuguesa (barrôco), cujo feminino chamava pérolas de formas irregulares (como em espanhol a palavra “barruecas”). Era originalmente uma palavra depreciativa que designava um tipo de arte extravagante e bombástica, excessivamente sobrecarregada. Foi assim que apareceu pela primeira vez no Dictionnaire de Trévoux (1771), que define “na pintura, uma pintura ou uma figura de gosto barroco, onde as regras e proporções não são respeitadas e tudo é representado ao capricho do pintor. artista”.

Outra teoria deriva do substantivo barroco, um silogismo de origem aristotélica da filosofia escolástica medieval, que aponta para uma ambiguidade que, baseada em um conteúdo lógico fraco, confunde o verdadeiro com o falso. Assim, esta figura indica um tipo de raciocínio pedante e artificial, geralmente em tom sarcástico e não sem controvérsia. Nesse sentido, Francesco Milizia o aplicou em seu Dizionario delle belle arti del disegno (1797), onde expressa que “o barroco é o superlativo do bizarro, o excesso de ridículo”.

O termo “barroco” foi usado a partir do século XVIII, em um sentido depreciativo, para sublinhar o excesso de ênfase e abundância de ornamentos, ao contrário da racionalidade mais clara e sóbria do Iluminismo. Na época, barroco era sinônimo de outros adjetivos como “absurdo” ou “grotesco”. Os pensadores iluminados viam nas realizações artísticas do século anterior uma manipulação dos preceitos classicistas, tão próximos de seu conceito racionalista da realidade, de modo que suas críticas à arte do século XVI transformaram o termo “barroco” em um conceito pejorativo: em sua Dictionnaire d’Architecture (1792), Antoine Crisóstomo Quatremère de Quincyhe define o barroco como «uma nuance do extravagante. É, se você gosta, seu refinamento ou, se pode dizer, seu abuso. Quão severa é a sabedoria do paladar, o barroco é o estranho, isto é, é seu superlativo. A ideia do barroco envolve a do ridículo que levou ao excesso ».

No entanto, a historiografia da arte mais tarde tendeu a revalorizar o conceito do barroco e valorizá-lo por suas qualidades intrínsecas, ao mesmo tempo em que começou a tratar o barroco como um período específico na história da cultura ocidental. O primeiro a rejeitar o significado negativo do barroco foi Jacob Burckhardt (Cicerone, 1855), afirmando que “a arquitetura barroca fala a mesma língua do Renascimento, mas em um dialeto degenerado”.

Embora não seja uma afirmação elogiosa, preparou o caminho para estudos mais objetivos, como os de Cornelius Gurlitt (Geschichte des Barockstils na Itália, 1887), August Schmarsow (Barock und Rokoko, 1897), Alois Riegl (Die Entstehung der Barockkunst em Rom 1908) e Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912), culminando no trabalho de Heinrich Wölfflin (Renaissance und Barock, 1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), o primeiro que deu ao barroco uma autonomia estilística própria e diferenciada, apontando suas propriedades e características estilísticas de forma reavaliada. Mais tarde, Benedetto Croce (Saggi sulla letteratura italiana del Seicento, 1911) realizou um estudo historicista do barroco, enquadrando-o em seu contexto sócio-histórico e cultural e tentando não fazer nenhum tipo de julgamento de valor. No entanto, em Storia dell’età barocca, na Itália (1929), mais uma vez deu um caráter negativo ao barroco, que ele chamou de “decadente”, exatamente no momento em que surgiram vários tratados que reivindicavam o valor artístico do período, como Der Barock al Kunst der Gegenreformation (1921), de Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930), de Hans Sedlmayr ou Art religieux après le Concile de Trente (1932), de Émile Mâle.

Estudos subsequentes estabeleceram definitivamente o conceito atual de barroco, com pequenas ressalvas, como a distinção feita por alguns historiadores entre “barroco” e “barroco”, sendo o primeiro a fase clássica, pura e primitiva da arte do século XVII, e o segundo, uma fase educada, recarregada e exagerada, que convergiria com o Rococó – da mesma maneira que o maneirismo seria a fase educada do Renascimento -. Nesse sentido, Wilhelm Pinder (Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte, 1926) argumenta que esses estilos “geracionais” se sucedem com base na formulação e subsequente deformação de certos ideais culturais: assim como o maneirismo brincava com as formas clássicas de Renascimento de estilo humanista e classicista, o barroco representou a reformulação na chave formalista do substrato ideológico barroco, baseado principalmente no absolutismo e na contra-reforma.

Por outro lado, contra o barroco como um certo período da história da cultura, no início do século XX, surgiu um segundo significado, o do barroco como uma fase presente na evolução de todos os estilos artísticos. Nietzsche já afirmou que “o estilo barroco surge toda vez que uma grande arte morre”. O primeiro a dar ao barroco um senso estético trans-histórico foi Heinrich Wölfflin (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), que estabeleceu um princípio geral de alternância entre classicismo e barroco, que governa a evolução dos estilos artísticos.

A testemunha foi coletada por Eugenio d’Ors (O Barroco, 1936), que o definiu como um “éon”, uma forma de arte trans-histórica (“o barroco” versus “o barroco” como período), uma modalidade recorrente para todo a história da arte em oposição à clássica. Se o classicismo é uma arte apolloniana racional, masculina, o barroco é irracional, feminino, dionisíaco. Para d’Ors, “as duas aspirações [classicismo e estilo barroco] se complementam. Um estilo de economia e razão ocorre, e outro musical e abundante. Um é atraído por formas estáveis ​​e pesadas, o outro por formas arredondadas e crescentes. De um para o outro não há decadência nem degeneração. Estas são duas formas eternas de sensibilidade ».

Contexto histórico e cultural
O século XVII foi geralmente um período de depressão econômica, uma conseqüência da expansão prolongada do século anterior causada principalmente pela descoberta da América. As más colheitas levaram a um aumento no preço do trigo e de outros produtos básicos, com fome subsequente. O comércio estagnou, especialmente na região do Mediterrâneo, e apenas floresceu na Inglaterra e na Holanda através do comércio com o Oriente e da criação de grandes empresas comerciais, que lançaram os alicerces do capitalismo e a ascensão da burguesia. A má situação econômica foi agravada pelas pragas que assolaram a Europa em meados do século XVII, o que afetou especialmente a região do Mediterrâneo. Outro fator que gerou miséria e pobreza foram as guerras, causadas principalmente pelo confronto entre católicos e protestantes, como é o caso da Guerra dos Trinta Anos (1618-1648). Todos esses fatores causaram um empobrecimento grave da população; em muitos países, o número de pobres e mendigos atingiu um quarto da população.

Por outro lado, o poder hegemônico na Europa passou da Espanha imperial para a França absolutista, que depois da Paz da Vestfália (1648) e da Paz dos Pirinéus (1659) se consolidou como o estado mais poderoso do continente, praticamente indiscutível até o ascensão da Inglaterra no século XVIII. Assim, a França dos Luis e a Roma papal foram os principais núcleos da cultura barroca, como centros de poder político e religioso – respectivamente – e centros de difusão do absolutismo e contra-reforma. A Espanha, embora em declínio político e econômico, teve um período cultural esplêndido – a chamada Era Dourada – que, embora marcada por seu aspecto religioso de proselitismo contra-reformista incontestável, possuía um forte componente popular e trouxe tanto a literatura quanto o plástico. artes a altos níveis de qualidade. Nos demais países onde a cultura barroca chegou (Inglaterra, Alemanha, Holanda), sua implantação foi irregular e com selos diferentes, peculiares às suas características nacionais distintas.

O barroco foi forjado na Itália, principalmente na Sé Pontifícia, em Roma, onde a arte era usada como meio de propaganda para a disseminação da doutrina contra-reformista. A Reforma Protestante mergulhou a Igreja Católica em uma profunda crise durante a primeira metade do século XVI, que evidenciou a corrupção em numerosos estratos eclesiásticos e a necessidade de uma renovação da mensagem e do trabalho católicos, bem como uma maior aproximação aos fiéis. . O Concílio de Trento (1545-1563) foi realizado para combater o avanço do protestantismo e consolidar o culto católico nos países onde ainda prevalecia, lançando as bases para o dogma católico (sacerdócio sacramental, celibato, culto à Virgem e aos santos, uso litúrgico do latim) e criar novos instrumentos de comunicação e expansão da fé católica, dando ênfase especial à educação, pregando e divulgando a mensagem católica, que adquiriu um forte selo de propaganda – para o qual foi criada a Congregação para a Propagação da Fé . Essa idéia foi incorporada na recém-fundada Sociedade de Jesus, que através da pregação e do ensino teve uma difusão notável e rápida em todo o mundo, retardando o avanço do protestantismo e recuperando numerosos territórios para a fé católica (Áustria, Baviera, Suíça, Flandres, Polônia).

Outro efeito da Contra-Reforma foi a consolidação da figura do papa, cujo poder foi reforçado e resultou em um ambicioso programa de expansão e renovação urbana de Roma, especialmente de suas igrejas, com ênfase especial na Basílica de São Pedro .e seus arredores. A Igreja era o maior comissário artístico da época e usava a arte como força de trabalho da propaganda religiosa, sendo um meio popular facilmente acessível e inteligível. A arte foi usada como veículo de expressão ad maiorem Dei et Ecclesiae gloriam, e papas como Sisto V, Clemente VIII, Paulo V, Paulo V, Gregório XV, Urbano VIII, Inocêncio X e Alexandre VII tornaram-se grandes patrocinadores e levaram a grandes melhorias e construções . na cidade eterna, já então classificada como cigana triunfante, caput mundi (“Roma triunfante, cabeça do mundo”).

Culturalmente, o barroco foi um período de grandes avanços científicos: William Harvey verificou a circulação do sangue; Galileu Galilei aperfeiçoou o telescópio e consolidou a teoria heliocêntrica estabelecida no século anterior por Copérnico e Kepler; Isaac Newton formulou a teoria da gravitação universal; Evangelista Torricelli inventou o barômetro. Francis Bacon estabeleceu o método experimental com seus Novum Organumas como base da pesquisa científica, lançando as bases do empirismo. Por sua parte, René Descartes levou a filosofia ao racionalismo, com seu famoso “eu penso, logo existo”.

Devido às novas teorias heliocêntricas e à consequente perda do sentimento antropocêntrico típico do homem renascentista, o barroco perdeu a fé na ordem e na razão, na harmonia e na proporção; a natureza, desregulada e ordenada, mas livre e volúvel, misteriosa e incompreensível, tornou-se uma fonte direta de inspiração conveniente à mentalidade barroca. Perdendo a fé na verdade, tudo se torna aparente e ilusório (Calderón: A vida é um sonho); Não há mais nada revelado, então tudo deve ser investigado e experimentado. Descartes voltou a duvidar do ponto de partida de seu sistema filosófico: “considerando que todos os pensamentos que chegam a nós enquanto acordados também podem ocorrer durante o sono, sem que isso seja verdade, resolvi fingir que todas as coisas que até então haviam entrado em minha mente. espírito, eles não eram mais verdadeiros do que as ilusões dos meus sonhos. ”(Discurso sobre o Método, 1637) Assim, enquanto a ciência estava confinada à busca da verdade, a arte era dirigida à expressão do imaginário, do anseio pelo infinito daquele barroco. Daí o gosto por efeitos ópticos e jogos ilusórios, por construções efêmeras e pelo valor do transitório; ou o gosto pelo sugestivo e sedutor da poesia, pelo maravilhoso, sensual e evocativo, pelos efeitos lingüísticos e sintáticos, por a força da imagem e o poder da retórica, revitalizada pela reivindicação de autores como Aristóteles ou Cícero.

A cultura barroca era, na definição de José Antonio Maravall, “Dirigida” – focada na comunicação – “maciça” – de caráter popular – e “conservadora” – para manter a ordem estabelecida. Qualquer meio de expressão artística deve ser principalmente didático e sedutor, deve chegar facilmente ao público e estimulá-lo, concordar com a mensagem transmitida, uma mensagem colocada a serviço das instâncias de poder – políticas ou religiosas – que foi quem pagou por isso. os custos de produção das obras artísticas, uma vez que a Igreja e a aristocracia – também incipientemente a burguesia – eram os principais clientes de artistas e escritores. Se a Igreja quis transmitir sua mensagem contra-reformista, as monarquias absolutas viam na arte uma maneira de ampliar sua imagem e mostrar seu poder,

Por esse motivo, e apesar da crise econômica, a arte floresceu graças, sobretudo, ao patrocínio eclesiástico e aristocrático. As cortes dos estados monárquicos – especialmente os absolutistas – favoreciam a arte como uma maneira de capturar a magnificência de seus reinos, um instrumento propagandístico que atestava a grandeza do monarca (um exemplo paradigmático é a construção de Versalhes por Luís XIV). A ascensão da coleção, que levou à circulação de artistas e obras de arte em todo o continente europeu, levou à ascensão do mercado de arte. Alguns dos principais colecionadores de arte da época eram monarcas, como o imperador Rudolph II, Carlos I da Inglaterra, Felipe IV da Espanha ou a rainha Cristina da Suécia. O mercado artístico floresceu notavelmente, concentrando-se principalmente nos holandeses (Antuérpia e Amsterdã) e alemão (Nuremberg e Augsburgo). As academias de arte também proliferaram – seguindo as que surgiram na Itália no século XVI – como instituições encarregadas de preservar a arte como um fenômeno cultural, regulando seu estudo e conservação e promovendo-a através de exposições e competições; as principais academias que surgiram no século XVII foram a Académie Royale d’Art, fundada em Paris em 1648, e a Akademie der Künste em Berlim (1696).

O estilo barroco
O barroco era um estilo herdado de ceticismo maneirista, que se refletia em um sentimento de fatalidade e drama entre os autores da época. A arte se tornou mais artificial, mais ornamentada, decorativa, ornamentada. Ele destacou o uso ilusionista de efeitos ópticos; a beleza buscava novas formas de expressão e os efeitos surpreendentes e surpreendentes se tornaram relevantes. Novos conceitos estéticos como “inteligência”, “insight” ou “nitidez” surgiram. Na conduta pessoal, o aspecto externo foi especialmente enfatizado, de modo a refletir uma atitude altiva, elegante, refinada e exagerada, que tomou o nome de préciosité.

Segundo Wölfflin, o barroco é definido principalmente pela oposição ao Renascimento: comparado à visão linear do Renascimento, a visão barroca é pictórica; comparado com a composição em planos, aquela baseada em profundidade; em frente ao formulário fechado, o aberto; em frente à unidade composicional baseada na harmonia, subordinação a um motivo principal; comparado com a clareza absoluta do objeto, a clareza relativa do efeito. Assim, o barroco «é o estilo do ponto de vista pictórico com perspectiva e profundidade, que submete a multiplicidade de seus elementos a uma idéia central, com uma visão ilimitada e uma relativa escuridão que evita ao mesmo tempo detalhes e perfis nítidos. sendo um estilo que, em vez de revelar sua arte, a oculta ».

A arte barroca se expressava estilisticamente de duas maneiras: por um lado, há uma ênfase na realidade, o aspecto mundano da vida, a vida cotidiana e a natureza efêmera da vida, que se materializou em uma certa “vulgarização” do fenômeno religioso na Igreja Católica. países, bem como um gosto maior pelas qualidades sensíveis do mundo circundante nos protestantes; por outro lado, uma visão grandiosa e exaltada dos conceitos nacionais e religiosos se manifesta como uma expressão de poder, que se traduz em um gosto pelo monumental, pródigo e ornamentado, o caráter magnífico dado à realeza e à Igreja, muitas vezes com um forte selo de propaganda.

O barroco era uma cultura da imagem, onde todas as artes se uniam para criar uma obra de arte total, com uma estética teatral e cenográfica, uma mise en scène que revela o esplendor do poder dominante (Igreja ou Estado), com certo toques naturalistas, mas em um conjunto que expressa dinamismo e vitalidade. A interação de todas as artes expressa o uso da linguagem visual como meio de comunicação de massa, incorporada em uma concepção dinâmica da natureza e do espaço circundante.

Uma das principais características da arte barroca é sua natureza ilusória e artificial: “engenhosidade e design são a arte mágica pela qual se pode enganar o olhar de espanto” (Gian Lorenzo Bernini). O visual e o efêmero foram especialmente valorizados, pelos quais o teatro e os vários gêneros de artes cênicas e espetáculos ganharam popularidade: dança, pantomima, drama musical (oratório e melodrama), espetáculos de marionetes, acrobatas, circos etc. Havia um sentimento de que o mundo é um teatro (theatrum mundi) e a vida uma função teatral: “todo mundo é um palco e todos os homens e mulheres são meros atores” (como você gosta, William Shakespeare, 1599).

Da mesma forma, havia uma tendência de teatralizar as outras artes, principalmente a arquitetura. É uma arte que se baseia na inversão da realidade: na «simulação», em transformar o falso em verdadeiro e em «disfarce», passando o verdadeiro para falso. As coisas não são mostradas como são, mas como elas gostariam que fossem, especialmente no mundo católico, onde a Contra-Reforma teve pouco sucesso, já que metade da Europa se voltou para o protestantismo. Na literatura, ele se manifestou dando rédea livre ao artifício retórico, como um meio de expressão de propaganda em que a sumptuosidade da linguagem buscava refletir a realidade de maneira adocicada, recorrendo a figuras retóricas como metáfora, paradoxo, hipérbole, antítese, hiperbaton elipses, etc. Essa transposição da realidade, distorcida e ampliada, alterada em suas proporções e sujeita ao critério subjetivo da ficção, também passou para o campo da pintura, onde a perspectiva ilusionista e a escorço são abusadas em prol de maior, efeitos marcantes. e surpreendente.

A arte barroca procurava criar uma realidade alternativa através da ficção e da ilusão. Essa tendência teve sua expressão máxima na festa e na celebração lúdica; edifícios como igrejas ou palácios, ou um bairro ou uma cidade inteira, tornaram-se teatros da vida, cenários onde a realidade e a ilusão se misturavam, onde os sentidos eram submetidos ao engano e artifício. Nesse aspecto, a Igreja contra-reformista teve um papel especial, que buscou, através da pompa e da pompa, demonstrar sua superioridade sobre as igrejas protestantes, com atos como massas solenes, canonizações, jubileus, procissões ou doações papais. Porém, da mesma maneira que as celebrações da monarquia e da aristocracia eram pródigas, com eventos como coroações, casamentos e nascimentos reais, funerais, visitas de embaixadores ou qualquer evento que permitisse ao monarca mostrar seu poder de admirar o povo. Os festivais barrocos eram uma conjugação de todas as artes, da arquitetura e das artes plásticas à poesia, música, dança, teatro, fogos de artifício, arranjos de flores, jogos na água, etc. Arquitetos como Bernini ou Pietro da Cortona, ou Alonso Cano e Sebastián Herrera Barnuevo, na Espanha, contribuiu com seu talento para esses eventos, projetando estruturas, coreografias, iluminações e outros elementos, que muitas vezes serviram como campo de teste para futuras realizações mais sérias: assim, o dossel para a canonização de Santa Isabel de Portugal serviu Bernini por sua O desenho futuro do dossel de São Pedro e o quarentore (Teatro Sagrado dos Jesuítas) de Carlo Rainaldi era um modelo da igreja de Santa Maria em Campitelli.

Durante o barroco, o caráter ornamentado, artificial e ornamentado da arte da época revelou um sentido vital transitório, relacionado à lembrança mori, o valor efêmero das riquezas diante da inevitabilidade da morte, paralelo ao gênero pictórico da vanitas. Esse sentimento levou a uma apreciação vitalista da fugazidade do momento, a desfrutar dos leves momentos de recreação que a vida proporciona, ou a celebrações e atos solenes. Assim, os nascimentos, casamentos, mortes, atos religiosos ou as coroações reais e outros atos lúdicos ou cerimoniais foram cobertos com pompa e artifício de natureza cenográfica, onde foram produzidas grandes assembléias que reuniam arquitetura e decorações para proporcionar magnificência eloquente em qualquer celebração, que se tornou um espetáculo quase catártico, em que o elemento ilusório, a atenuação da fronteira entre realidade e fantasia, assumiu especial relevância.

Note-se que o barroco é um conceito heterogêneo que não apresentou uma unidade estilística nem geográfica nem cronologicamente, mas dentro dela existem várias tendências estilísticas, principalmente no campo da pintura. Os principais seriam: naturalismo, estilo baseado na observação da natureza, mas sujeito a certas diretrizes estabelecidas pelo artista, baseadas em critérios estéticos e morais ou, simplesmente, derivados da livre interpretação do artista ao conceber sua obra; realismo, uma tendência decorrente da estrita imitação da natureza, nem interpretada nem adocicada, mas representada em mínimos detalhes, até os mínimos detalhes; o classicismo, atual, focado na idealização e perfeição da natureza, evocando sentimentos elevados e reflexões profundas, com a aspiração de refletir a beleza em toda a sua plenitude.

Finalmente, deve-se notar que no barroco novos gêneros pictóricos surgiram ou se desenvolveram. Se até então a representação de temas históricos, mitológicos ou religiosos predominava na arte, as profundas mudanças sociais experimentadas no século XVII fomentaram o interesse em novos temas, especialmente nos países protestantes, cuja severa moral impedia a representação de imagens religiosas por considerá-las idolatria. .

Por outro lado, a ascensão da burguesia, que para enfatizar seu status investido decisivamente na arte, trouxe consigo a representação de novos temas distantes das cenas grandiloquentes preferidas pela aristocracia. Entre os gêneros profusamente desenvolvidos no barroco, destacam-se: a pintura de gênero, que tira seus modelos da realidade circundante, da vida cotidiana, de temas rurais ou urbanos, dos pobres e mendigos, comerciantes e artesãos, ou de festivais e folclóricos definições; a paisagem, que eleva a representação da natureza a uma categoria independente, que até então servia apenas de cenário para cenas com figuras históricas ou religiosas; o retrato, que centraliza sua representação na figura humana, geralmente com um componente realista, embora às vezes não isento de idealização; a natureza-morta ou a natureza-morta, que consiste na representação de objetos inanimados, sejam pedaços de enxoval doméstico, flores, frutas ou outros alimentos, móveis, instrumentos musicais, etc .; e as vanitas, um tipo de natureza morta que alude à natureza efêmera da existência humana, geralmente simbolizada pela presença de caveiras ou esqueletos, velas ou ampulhetas.

Arquitetura: origens e características
O estilo barroco da arquitetura foi resultado de doutrinas adotadas pela Igreja Católica no Concílio de Trento em 1545-1563, em resposta à Reforma Protestante. A primeira fase da Contra-Reforma impôs um estilo acadêmico severo à arquitetura religiosa, que atraiu intelectuais, mas não a massa de fiéis. Em vez disso, o Conselho de Trento decidiu apelar para um público mais popular e declarou que as artes deveriam comunicar temas religiosos com envolvimento direto e emocional. A arte barroca luterana se desenvolveu como um marcador confessional de identidade, em resposta ao grande iconoclasmo dos calvinistas.

As igrejas barrocas foram projetadas com um grande espaço central, onde os fiéis podiam estar perto do altar, com uma cúpula ou cúpula no alto, permitindo que a luz iluminasse a igreja abaixo. A cúpula era uma das características simbólicas centrais da arquitetura barroca, ilustrando a união entre os céus e a terra. O interior da cúpula era ricamente decorado com pinturas de anjos e santos e estatuetas de estuques de anjos, dando a impressão aos que estavam abaixo. de olhar para o céu. Outra característica das igrejas barrocas é a quadratura; pinturas de trompe-l’œil no teto, em molduras de estuque, reais ou pintadas, repletas de pinturas de santos e anjos e ligadas por detalhes arquitetônicos às balaustradas e consoles. As pinturas em quadratura de Atlantes abaixo das cornijas parecem apoiar o teto da igreja. Ao contrário dos tetos pintados de Michelangelo na Capela Sistina, que combinavam cenas diferentes, cada uma com sua própria perspectiva, para serem vistas uma de cada vez, as pinturas barrocas no teto foram cuidadosamente criadas para que o espectador no chão da igreja visse o teto inteiro na perspectiva correta, como se os números fossem reais.

O interior das igrejas barrocas tornou-se cada vez mais ornamentado no Alto Barroco, concentrando-se em torno do altar, geralmente colocado sob a cúpula. As obras decorativas barrocas mais célebres do Alto Barroco são a Cadeira de São Pedro (1647 a 1653) e o Baldachino de São Pedro (1623 a 1634), ambos de Gian Lorenzo Bernini, na Basílica de São Pedro em Roma. O Baldequin de São Pedro é um exemplo do equilíbrio de opostos na arte barroca; as proporções gigantescas da peça, com a aparente leveza do dossel; e o contraste entre as sólidas colunas torcidas, bronze, ouro e mármore da peça, com as cortinas fluidas dos anjos no dossel. A Frauenkirche de Dresden serve como um exemplo proeminente da arte barroca luterana, que foi concluída em 1743 após ser encomendada pelo conselho da cidade luterana de Dresden e foi “comparada por observadores do século XVIII com São Pedro em Roma”.

A coluna torcida no interior das igrejas é uma das características marcantes do barroco. Dá uma sensação de movimento e também uma nova maneira dramática de refletir a luz. A cartela era outra característica da decoração barroca. Tratavam-se de grandes placas esculpidas em mármore ou pedra, geralmente ovais e com uma superfície arredondada, que carregavam imagens ou texto em letras douradas, e foram colocadas como decoração de interiores ou acima das portas dos edifícios, entregando mensagens aos que estavam abaixo. Eles mostraram uma grande variedade de invenções e foram encontrados em todos os tipos de edifícios, de catedrais e palácios a pequenas capelas.

Os arquitetos barrocos às vezes usavam perspectivas forçadas para criar ilusões. Para o Palazzo Spada, em Roma, Borromini usou colunas de tamanho decrescente, um piso estreito e uma estátua em miniatura no jardim para criar a ilusão de que uma passagem tinha trinta metros de comprimento, quando na verdade tinha apenas sete metros. Uma estátua no final da passagem parece ser em tamanho real, embora tenha apenas sessenta centímetros de altura. Borromini projetou a ilusão com a ajuda de um matemático.

Arquitetura barroca italiana
O primeiro edifício em Roma a ter uma fachada barroca foi a Igreja do Gesù em 1584; ficou claro pelos padrões barrocos posteriores, mas marcou uma ruptura com as fachadas renascentistas tradicionais que a precederam. O interior desta igreja permaneceu muito austero até o alto barroco, quando foi ricamente ornamentado.

Em Roma, em 1605, Paulo V se tornou o primeiro de uma série de papas que encomendaram basílicas e igrejas projetadas para inspirar emoção e reverência por meio da proliferação de formas, riqueza de cores e efeitos dramáticos. Entre os monumentos mais influentes do início do barroco, estavam a fachada da Basílica de São Pedro (1606-1619) e a nova nave e loggia que ligavam a fachada à cúpula de Michelangelo na igreja anterior. O novo design criou um contraste dramático entre a cúpula alta e a fachada desproporcionalmente larga, e o contraste na própria fachada entre as colunas dóricas e a grande massa do pórtico.

Em meados do século XVII, o estilo atingiu seu auge, mais tarde denominado Alto Barroco. Muitas obras monumentais foram encomendadas por Papas Urban VIII e Alexander VII. O escultor e arquiteto Gian Lorenzo Bernini projetou uma nova colunata quádrupla em torno da Praça de São Pedro (1656 a 1667). As três galerias de colunas em uma elipse gigante equilibram a cúpula de tamanho grande e dão à Igreja e à praça uma unidade e a sensação de um teatro gigante.

Outro grande inovador do alto barroco italiano foi Francesco Borromini, cuja principal obra foi a Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane ou São Carlos das Quatro Fontes (1634-1646). A sensação de movimento é dada não pela decoração, mas pelas próprias paredes, que ondulam e por elementos côncavos e convexos, incluindo uma torre oval e varanda inseridas em uma travessia côncava. O interior foi igualmente revolucionário; o espaço principal da igreja era oval, sob uma cúpula oval.

Tetos pintados, apinhados de anjos e santos e efeitos arquitetônicos de trompe-l’œil, eram uma característica importante do alto barroco italiano. As principais obras incluem A entrada de Santo Inácio no paraíso, por Andrea Pozzo (1685-1695) na Igreja de Santo Inácio em Roma, e O triunfo do nome de Jesus por Giovanni Battista Gaulli na Igreja dos Jesus em Roma (1669- 1683), que apresentava figuras saindo do porta-retrato e iluminação oblíqua dramática e contrastes claro-escuro. O estilo se espalhou rapidamente de Roma para outras regiões da Itália: apareceu em Veneza na igreja de Santa Maria della Salute (1631-1687) por Baldassare Longhena, uma forma octogonal altamente original coroada por uma enorme cúpula. Apareceu também em Turim, notadamente na Capela do Santo Sudário (1668-1694), de Guarino Guarini. O estilo também começou a ser usado em palácios; Guarini projetou o Palazzo Carignano em Turim, enquanto Longhena projetou o Ca ‘Rezzonico no Grande Canal (1657), finalizado por Giorgio Massari, decorado com pinturas de Giovanni Battista Tiepolo. Uma série de terremotos maciços na Sicília exigiu a reconstrução da maioria deles e vários foram construídos no exuberante estilo barroco ou rococó tardio.

Arquitetura barroca espanhola
A Igreja Católica na Espanha, e particularmente os jesuítas, foram a força motriz da arquitetura barroca espanhola. A primeira grande obra do estilo foi a Capela de San Isidro, em Madri, iniciada em 1643 por Pedro de la Torre. Contrastava uma extrema riqueza de ornamentos no exterior com simplicidade no interior, dividida em múltiplos espaços e usando efeitos da luz para criar uma sensação de mistério. A Catedral de Santiago de Compostela foi modernizada com uma série de adições barrocas, começando no final do século XVII, começando com uma torre sineira altamente ornamentada (1680), depois ladeada por duas torres ainda mais altas e ornamentadas, chamadas Obradorio. entre 1738 e 1750 por Fernando de Casas Novoa. Outro marco do barroco espanhol é a torre da capela do Palácio de San Telmo, em Sevilha, por Leonardo de Figueroa.

Granada só havia sido libertada dos mouros no século XV e possuía sua própria variedade distinta de barroco. O pintor, escultor e arquiteto Alonso Cano projetou o interior barroco da Catedral de Granada entre 1652 e sua morte em 1657. Apresenta contrastes dramáticos das enormes colunas brancas e decoração dourada.

A arquitetura mais ornamental e ricamente decorada do barroco espanhol é chamada de estilo churrigueresco, em homenagem aos irmãos Churriguera, que trabalharam principalmente em Salamanca e Madri. Suas obras incluem os edifícios na praça principal da cidade, a Plaza Mayor de Salamanca (1729). Esse estilo barroco altamente ornamental foi muito influente em muitas igrejas e catedrais construídas pelos espanhóis nas Américas.

Outros notáveis ​​arquitetos barrocos espanhóis do falecido barroco incluem Pedro de Ribera, aluno de Churriguera, que projetou o Hospício Real de San Fernando em Madri, e Narciso Tomé, que projetou o célebre retábulo de El Transparente na Catedral de Toledo (1729-1732). dá a ilusão, sob certa luz, de flutuar para cima.

Os arquitetos do barroco espanhol tiveram um efeito muito além da Espanha; seu trabalho foi altamente influente nas igrejas construídas nas colônias espanholas na América Latina e nas Filipinas. A Igreja construída pelos jesuítas para um colégio em Tepotzotlán, com sua fachada e torre barroca ornamentada, é um bom exemplo.

Europa Central e Rococó (décadas de 1740 a 1770)
De 1680 a 1750, muitas catedrais, abadias e igrejas de peregrinação altamente ornamentadas foram construídas na Europa Central, na Baviera, Áustria, Boêmia e sudoeste da Polônia. Alguns eram do estilo rococó, um estilo distinto, mais extravagante e assimétrico que emergiu do barroco e o substituiu na Europa Central na primeira metade do século 18, até que foi substituído por classicismo.

Os príncipes da multidão de estados daquela região também escolheram o barroco ou o rococó por seus palácios e residências, e usavam frequentemente arquitetos treinados na Itália para construí-los. Entre os arquitetos notáveis ​​estavam Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt e Dominikus Zimmermann na Baviera, Balthasar Neumann em Bruhl e Matthäus Daniel Pöppelmann em Dresden. Na Prússia, Frederico II da Prússia inspirou o Grand Trianon do Palácio de Versalhes e o usou como modelo para sua residência de verão, Sanssouci, em Potsdam, projetada para ele por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Outra obra da arquitetura barroca do palácio é o Zwinger em Dresden, o antigo laranjal do palácio dos Duques da Saxônia no século XVIII.

Um dos melhores exemplos de uma igreja rococó é a Basilika Vierzehnheiligen, ou Basílica dos Quatorze Santos Auxiliares, uma igreja de peregrinação localizada perto da cidade de Bad Staffelstein, perto de Bamberg, na Baviera, sul da Alemanha. A Basílica foi projetada por Balthasar Neumann e foi construída entre 1743 e 1772. Seu plano era uma série de círculos entrelaçados em torno de uma oval central com o altar colocado no centro exato da igreja. O interior desta igreja ilustra o cume da decoração rococó.

Outro exemplo notável do estilo é a Igreja de Peregrinação de Wies (alemão: Wieskirche). Foi desenhado pelos irmãos J. B. e Dominikus Zimmermann. Está localizado no sopé dos Alpes, no município de Steingaden, no distrito de Weilheim-Schongau, na Baviera, Alemanha. A construção ocorreu entre 1745 e 1754, e o interior foi decorado com afrescos e trabalhos de estuque na tradição da Escola Wessobrunner. Agora é um Patrimônio Mundial da UNESCO.

Outro exemplo notável é a Igreja de São Nicolau (Malá Strana) em Praga (1704-55), construída por Christoph Dientzenhofer e seu filho Kilian Ignaz Dientzenhofer. A decoração cobre todas as paredes do interior da igreja. O altar é colocado na nave embaixo da cúpula central, e cercado por capelas, a luz desce da cúpula acima e das capelas ao redor. O altar é inteiramente cercado por arcos, colunas, balaustradas curvas e pilastras de pedra colorida, ricamente decoradas com estátuas, criando uma confusão deliberada entre a arquitetura real e a decoração. A arquitetura é transformada em um teatro de luz, cor e movimento.

Na Polônia, o barroco polonês de inspiração italiana durou do início do século XVII a meados do século XVIII e enfatizou a riqueza de detalhes e cores. O primeiro edifício barroco da atual Polônia e provavelmente um dos mais reconhecidos é a Igreja de São Pedro e Paulo, em Cracóvia, projetada por Giovanni Battista Trevano. A Coluna de Sigismund em Varsóvia, erguida em 1644, foi o primeiro monumento barroco secular do mundo construído na forma de uma coluna. O estilo de residência palaciana foi exemplificado pelo Palácio Wilanów, construído entre 1677 e 1696. O mais renomado arquiteto barroco ativo na Polônia foi o holandês Tylman van Gameren e suas obras notáveis ​​incluem a Igreja St. Kazimierz de Varsóvia e o Palácio Krasiński, o St. Krasiński, St. Anne’s em Cracóvia e Palácio Branicki em Bialystok. No entanto, a obra mais célebre do barroco polonês é a Igreja de Fara, em Poznań, com detalhes de Pompeo Ferrari.

Barroco francês ou classicismo
A França resistiu amplamente ao estilo barroco ornamentado da Itália, Espanha, Viena e o resto da Europa. O estilo barroco francês (geralmente chamado de Grande Classicismo ou simplesmente Classicismo na França) está intimamente associado às obras construídas para Luís XIV e Luís XV; apresenta ordem e medida mais geométricas do que o barroco e decoração menos elaborada nas fachadas e nos interiores. Luís XIV convidou o mestre do barroco, Bernini, a submeter um projeto para a nova ala do Louvre, mas o rejeitou em favor de um projeto mais clássico de Claude Perrault e Louis Le Vau.

Os principais arquitetos do estilo incluíram François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626-1636), Pierre Le Muet (Igreja de Val-de-Grace, 1645-1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657-1661) e especialmente Jules Hardouin Mansart e Robert de Cotte, cujo trabalho incluiu a Galerie des Glaces e o Grand Trianon em Versalhes (1687-1688). Mansart também foi responsável pelo classicismo barroco da Place Vendôme (1686-1699).

O principal projeto real do período foi a expansão do Palácio de Versalhes, iniciada em 1661 por Le Vau, com decoração do pintor Charles Le Brun. Os jardins foram projetados por André Le Nôtre especificamente para complementar e ampliar a arquitetura. A Galerie des Glaces (Salão dos Espelhos), a peça central do castelo, com pinturas de Le Brun, foi construída entre 1678 e 1686. Mansart completou o Grand Trianon em 1687. A capela, projetada por de Cotte, foi concluída em 1710. Após a morte de Luís XIV, Luís XV acrescentou o mais íntimo Petit Trianon e o teatro altamente ornamentado. As fontes nos jardins foram projetadas para serem vistas do interior e para aumentar o efeito dramático. O palácio foi admirado e copiado por outros monarcas da Europa, particularmente Pedro, o Grande da Rússia, que visitou Versalhes no início do reinado de Luís XV, e construiu sua própria versão no Palácio Peterhof, perto de São Petersburgo, entre 1705 e 1725.

Barroco português
A arquitetura barroca em Portugal durou cerca de dois séculos (finais do século XVII e XVIII). Os reinados de João V e José I aumentaram as importações de ouro e diamantes, em um período chamado Absolutismo Real, que permitiu o florescimento do barroco português.

A arquitetura barroca em Portugal desfruta de uma situação especial e cronograma diferente do resto da Europa.

É condicionada por vários fatores políticos, artísticos e econômicos, que originam várias fases e diferentes tipos de influências externas, resultando em uma mistura única, muitas vezes incompreendida por quem procura arte italiana, e encontra formas e caráter específicos que lhe conferem um caráter único. Variedade portuguesa. Outro fator chave é a existência da arquitetura jesuítica, também chamada de “estilo simples” (Estilo Chão ou Estilo Plano) que, como o nome evoca, é mais clara e parece um pouco austera.

Os edifícios são basílicas de um quarto, capela-mor profunda, capelas laterais (com pequenas portas para comunicação), sem decoração interior e exterior, portal e janelas muito simples. É um edifício muito prático, permitindo que seja construído em todo o império com pequenos ajustes e preparado para ser decorado mais tarde ou quando houver recursos econômicos disponíveis.

De fato, o primeiro barroco português não carece de construção, porque o “estilo simples” é fácil de ser transformado, por meio de decoração (pintura, ladrilhos, etc.), transformando áreas vazias em cenários barrocos pomposos e elaborados. O mesmo poderia ser aplicado ao exterior. Posteriormente, é fácil adaptar o edifício ao gosto da hora e do local e adicionar novos recursos e detalhes. Prático e econômico.

Com mais habitantes e melhores recursos econômicos, o norte, principalmente as áreas do Porto e Braga, testemunhou uma renovação arquitetônica, visível na grande lista de igrejas, conventos e palácios construídos pela aristocracia.

Porto é a cidade do barroco em Portugal. Seu centro histórico faz parte da Lista do Patrimônio Mundial da UNESCO.

Muitas das obras barrocas na área histórica da cidade e além dela pertencem a Nicolau Nasoni, arquiteto italiano que vive em Portugal, desenhando edifícios originais com colocação cenográfica, como a igreja e a torre de Clérigos, a logia da Catedral do Porto, a igreja da Misericórdia, o Palácio de São João Novo, o Palácio do Freixo, o Palácio Episcopal (português: Paço Episcopal do Porto), juntamente com muitos outros.

Barroco russo
A estréia do barroco russo, ou barroco petrino, seguiu uma longa visita de Pedro, o Grande, à Europa ocidental em 1697–98, onde ele visitou os castelos de Fontainebleu e Versalhes, além de outros monumentos arquitetônicos. Ele decidiu, em seu retorno à Rússia, construir monumentos semelhantes em São Petersburgo, que se tornou a nova capital da Rússia em 1712. Os primeiros monumentos importantes no barroco petrino incluem a Catedral de Pedro e Paulo e o Palácio Menshikov.

Durante o reinado da imperatriz Anna e Elizaveta Petrovna, a arquitetura russa foi dominada pelo luxuoso estilo barroco de Bartolomeo Rastrelli, nascido na Itália, que se tornou o barroco elisabetano. Os edifícios de assinatura de Rastrelli incluem o Palácio de Inverno, o Palácio de Catarina e a Catedral Smolny. Outros monumentos distintos do barroco elisabetano são a torre sineira de Troitse-Sergiyeva Lavra e o Portão Vermelho.

Em Moscou, o barroco de Naryshkin se espalhou, especialmente na arquitetura das igrejas ortodoxas orientais no final do século XVII. Era uma combinação do barroco da Europa Ocidental com os estilos folclóricos russos tradicionais.

Barroco nas Américas Colonial Espanhola e Portuguesa
Devido à colonização das Américas pelos países europeus, o barroco naturalmente se mudou para o Novo Mundo, encontrando um terreno especialmente favorável nas regiões dominadas por Espanha e Portugal, sendo ambos países monarquias centralizadas e irredutivelmente católicas, por extensão sujeita a Roma e adeptos de Roma. o contra-reformista barroco mais típico. Artistas europeus migraram para a América e formaram escola, e junto com a penetração generalizada de missionários católicos, muitos dos quais eram artistas especializados, criaram um barroco multiforme, muitas vezes influenciado pelo gosto popular. Os artesãos de Crioulo e Indidenous fizeram muito para dar a este barroco características únicas. Os principais centros de cultivo barroco americano, que ainda estão de pé, são (nessa ordem) México, Brasil, Peru, Equador, Cuba, Colômbia, Bolívia, Guatemala e Porto Rico.

Destaca-se o chamado “Barroco Missionário”, desenvolvido no âmbito das reduções espanholas em áreas que se estendem do México e partes do sudoeste dos Estados Unidos atuais até o sul da Argentina e Chile, assentamentos indígenas organizados pela Igreja Católica Espanhola. missionários a fim de convertê-los à fé cristã e aculturá-los na vida ocidental, formando um barroco híbrido influenciado pela cultura nativa, onde floresceu Crioulos e muitos artesãos e músicos indianos, mesmo alfabetizados, alguns de grande capacidade e talento próprios. Os relatos dos missionários costumam repetir que a arte ocidental, especialmente a música, teve um impacto hipnótico nos silvicultores, e as imagens dos santos eram vistas como tendo grandes poderes. Muitos indianos foram convertidos e uma nova forma de devoção foi criada, de intensidade apaixonada, carregada de misticismo, superstição e teatralidade, que se deliciavam com as massas festivas, concertos sagrados e mistérios.

A arquitetura colonial barroca na América espanhola é caracterizada por uma decoração profusa (portal da Igreja La Profesa, Cidade do México; fachadas cobertas com azulejos no estilo Puebla, como na Igreja de São Francisco Acatepec em San Andrés Cholula e Igreja do Convento de São Francisco de Puebla), que será exacerbada no chamado estilo churrigueresco (Fachada do Tabernáculo da Catedral da Cidade do México, de Lorenzo Rodríguez; Igreja de São Francisco Javier, Tepotzotlán; Igreja de Santa Prisca de Taxco). No Peru, as construções desenvolvidas principalmente nas cidades de Lima, Cusco, Arequipa e Trujillo desde 1650 mostram características originais avançadas até o barroco europeu, como no uso de paredes almofadadas e colunas salomônicas (Igreja da Compañía de Jesús, Cusco; Basílica e Convento de São Francisco, Lima). Outros países incluem: a Catedral Metropolitana de Sucre, na Bolívia; Catedral Basílica de Esquipulas na Guatemala; Catedral de Tegucigalpa em Honduras; Catedral de Leão na Nicarágua; a Igreja da Companhia de Jesus em Quito, Equador; a Igreja de San Ignacio em Bogotá, Colômbia; a Catedral de Caracas na Venezuela; o Cabildo de Buenos Aires na Argentina; a Igreja de Santo Domingo em Santiago, Chile; e a Catedral de Havana em Cuba. Também vale lembrar a qualidade das igrejas das missões jesuítas espanholas na Bolívia, das missões jesuítas espanholas no Paraguai, das missões espanholas no México e das missões franciscanas espanholas na Califórnia.

No Brasil, como na metrópole, Portugal, a arquitetura tem certa influência italiana, geralmente do tipo borrominesco, como pode ser visto na Co-Catedral de Recife (1784) e na Igreja de Nossa Senhora da Glória do Outeiro, no Rio de Janeiro. Janeiro (1739). Na região de Minas Gerais, destacou o trabalho de Aleijadinho, autor de um grupo de igrejas que se destacam por sua planimetria curva, fachadas com efeitos dinâmicos côncavo-convexos e tratamento plástico de todos os elementos arquitetônicos (Igreja de São Francisco de Assis, em Ouro Preto, 1765-1788).

Barroco na Ásia colonial espanhola e portuguesa
Nas colônias portuguesas da Índia (Goa, Daman e Diu) floresceu um estilo arquitetônico de formas barrocas, misturado com elementos hindus, como a Catedral de Goa e a Basílica de Bom Jesus de Goa, que abriga o túmulo de São Francisco Xavier. O conjunto de igrejas e conventos de Goa foi declarado Patrimônio da Humanidade em 1986.

Nas Filipinas, que fazia parte do Império Espanhol por um longo tempo, um grande número de construções barrocas é preservado, incluindo as Igrejas Barrocas das Filipinas, que quatro delas, e a cidade barroca e neoclássica de Vigan, são ambas UNESCO World. Patrimônios. Também foi muito notável a cidade murada de Manila (Intramuros). Outra cidade com notável barroco da era espanhola preservada é Tayabas.

Pintura
Os pintores barrocos trabalharam deliberadamente para se diferenciar dos pintores do período renascentista e do maneirismo depois dele. Em sua paleta, eles usavam cores intensas e quentes, e usavam particularmente as cores primárias vermelho, azul e amarelo, frequentemente colocando os três próximos. Eles evitaram a iluminação uniforme da pintura renascentista e usaram fortes contrastes de luz e escuridão em certas partes da imagem para direcionar a atenção para as ações ou figuras centrais.

Em sua composição, eles evitaram as cenas tranquilas das pinturas renascentistas e escolheram os momentos de maior movimento e drama. Ao contrário dos rostos tranquilos das pinturas renascentistas, os rostos das pinturas barrocas expressavam claramente suas emoções. Eles costumavam usar assimetria, com a ação ocorrendo para longe do centro da imagem, e criavam eixos que não eram verticais nem horizontais, mas inclinados para a esquerda ou direita, dando uma sensação de instabilidade e movimento. Eles acentuavam essa impressão de movimento, com os trajes das personagens soprados pelo vento ou movidos por seus próprios gestos. As impressões gerais foram movimento, emoção e drama. Outro elemento essencial da pintura barroca era a alegoria; toda pintura contava uma história e tinha uma mensagem, geralmente criptografada em símbolos e caracteres alegóricos, que um espectador instruído deveria conhecer e ler.

As primeiras evidências das idéias barrocas italianas na pintura ocorreram em Bolonha, onde Annibale Carracci, Agostino Carracci e Ludovico Carracci procuraram devolver as artes visuais ao classicismo ordenado do Renascimento. Sua arte, no entanto, também incorporou idéias centrais da Contra-Reforma; isso incluía emoções intensas e imagens religiosas que atraíam mais o coração do que o intelecto.

Outro pintor influente da era barroca foi Michelangelo Merisi da Caravaggio. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e dramaticamente iluminada contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Outros grandes pintores associados ao estilo barroco incluem Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo e Paolo de Matteis na Itália; Francisco de Zurbarán e Diego Velázquez na Espanha; Adam Elsheimer na Alemanha; e Nicolas Poussin e Georges de La Tour na França (embora Poussin tenha passado a maior parte de sua vida profissional na Itália). Poussin e La Tour adotaram um estilo barroco “clássico”, com menos foco na emoção e maior atenção à linha das figuras na pintura do que à cor.

Peter Paul Rubens foi o pintor mais importante do estilo barroco flamengo. As composições altamente carregadas de Rubens referenciam aspectos eruditos da história clássica e cristã. Seu estilo barroco único e imensamente popular enfatizou o movimento, a cor e a sensualidade, que seguiram o estilo artístico imediato e dramático promovido na Contra-Reforma. Rubens se especializou em fazer retábulos, retratos, paisagens e pinturas históricas de assuntos mitológicos e alegóricos.

Um domínio importante da pintura barroca era a Quadratura, ou pinturas em trompe-l’oeil, que literalmente “enganavam os olhos”. Estes eram geralmente pintados no estuque de tetos ou paredes superiores e balaustradas, e davam a impressão aos que estavam no chão olhando para cima porque estavam vendo o céu povoado de multidões de anjos, santos e outras figuras celestiais, contra céus pintados e arquitetura imaginária.

Na Itália, artistas frequentemente colaboravam com arquitetos na decoração de interiores; Pietro da Cortona foi um dos pintores do século XVII que empregou essa maneira ilusionista de pintar. Entre suas comissões mais importantes estavam os afrescos que ele pintou para o Palácio da família Barberini (1633-1639), para glorificar o reinado do Papa Urbano VIII. As composições de Pietro da Cortona foram os maiores afrescos decorativos executados em Roma desde o trabalho de Michelangelo na Capela Sistina.

François Boucher era uma figura importante no estilo rococó francês mais delicado, que apareceu durante o final do período barroco. Ele projetou tapeçarias, tapetes e decoração de teatro, além de pintura. Seu trabalho foi extremamente popular com Madame Pompadour, a amante do rei Luís XV. Suas pinturas apresentavam temas mitológicos românticos e levemente eróticos.

Américas coloniais
Nas Américas espanholas, as primeiras influências foram do tenebrismo sevilhano, principalmente de Zurbarán – algumas das quais ainda estão preservadas no México e no Peru – como pode ser visto nas obras dos mexicanos José Juárez e Sebastián López de Arteaga e do boliviano Melchor Pérez de Holguín. A Escola de Pintura de Cusco surgiu após a chegada do pintor italiano Bernardo Bitti em 1583, que introduziu o maneirismo nas Américas. Destacou o trabalho de Luis de Riaño, discípulo do italiano Angelino Medoro, autor dos murais da Igreja de San Pedro de Andahuaylillas. Destacou também os pintores indianos (quíchuas) Diego Quispe Tito e Basilio Santa Cruz Pumacallao, bem como Marcos Zapata, autor das cinquenta telas grandes que cobrem os arcos altos da Catedral de Cusco. No Equador, foi formada a Escola Quito, representada principalmente pelo mestiço Miguel de Santiago e pelo criollo Nicolás Javier de Goríbar.

No século XVIII, os retábulos esculturais começaram a ser substituídos por pinturas, desenvolvendo notavelmente a pintura barroca nas Américas. Da mesma forma, a demanda por obras civis, principalmente retratos das classes aristocráticas e da hierarquia eclesiástica, cresceu. A principal influência foi o murillesco e, em alguns casos – como o criollo Cristóbal de Villalpando – o de Valdés Leal. A pintura desta época tem um tom mais sentimental, com formas doces e suaves. Destaca Gregorio Vásquez de Arce na Colômbia, e Juan Rodríguez Juárez e Miguel Cabrera no México.

Escultura
A figura dominante na escultura barroca foi Gian Lorenzo Bernini. Sob o patrocínio do Papa Urbano VIII, ele fez uma notável série de estátuas monumentais de santos e figuras cujos rostos e gestos expressavam vividamente suas emoções, bem como bustos de retratos de realismo excepcional e obras altamente decorativas para o Vaticano, incluindo a imponente Cadeira de São Pedro sob a cúpula na Basílica de São Pedro. Além disso, ele projetou fontes com grupos monumentais de escultura para decorar as principais praças de Roma.

A escultura barroca foi inspirada na antiga estatuária romana, particularmente pela famosa estátua de Laocoon do século I d.C., que estava em exibição na galeria do Vaticano. Quando ele visitou Paris em 1665, Bernini dirigiu-se aos estudantes da Academia de pintura e escultura. Ele aconselhou os alunos a trabalhar com modelos clássicos, e não com a natureza. Ele disse aos alunos: “Quando tive problemas com minha primeira estátua, consultei o Antínous como um oráculo”.

Notáveis ​​escultores barrocos franceses tardios incluem Étienne Maurice Falconet e Jean Baptiste Pigalle. Pigalle foi contratado por Frederico, o Grande, para fazer estátuas para a própria versão de Versalhes de Frederico em Sanssouci, em Potsdam, Alemanha. Falconet também recebeu uma importante comissão estrangeira, criando a famosa estátua de Pedro, o Grande, a cavalo, encontrada em São Petersburgo.

Na Espanha, o escultor Francisco Salzillo trabalhou exclusivamente em temas religiosos, usando madeira policromada. Algumas das melhores artes esculturais barrocas foram encontradas nos altares de estuque dourado das igrejas das colônias espanholas do Novo Mundo, feitas por artesãos locais; exemplos incluem a Capela do Rosário da Igreja de Santo Domingo em Oaxaca, México (1724-1731).

Música e balé
O termo barroco também é usado para designar o estilo de música composto durante um período que se sobrepõe ao da arte barroca. Os primeiros usos do termo “barroco” para a música foram críticas. Numa crítica anônima e satírica da estréia, em outubro de 1733, de Hippolyte et Aricie, de Rameau, impressa no Mercure de France em maio de 1734, o crítico sugeriu que a novidade nessa ópera era “du barocque”, reclamando que a música carecia de melodia coerente. , estava cheio de dissonâncias incessantes, mudava constantemente de chave e medidor e percorreu rapidamente todos os dispositivos de composição. Jean-Jacques Rousseau, músico, compositor e filósofo, fez uma observação muito semelhante em 1768 no famoso Encylopedié de Denis Diderot: “Música barroca é aquela em que a harmonia é confusa e carregada de modulações e dissonâncias. O canto é duro e antinatural, a entonação difícil e o movimento limitado. Parece que esse termo vem da palavra ‘baroco’ usada pelos lógicos “.

O uso comum do termo para a música do período começou apenas em 1919, por Curt Sachs, e não foi até 1940 que foi usado pela primeira vez em inglês em um artigo publicado por Manfred Bukofzer.

O barroco foi um período de experimentação e inovação musical. Novas formas foram inventadas, incluindo o concerto e a sinfonia. A ópera nasceu na Itália no final do século XVI (com Dafne perdido por Jacopo Peri, produzido em Florença em 1598) e logo se espalhou pelo resto da Europa: Luís XIV criou a primeira Academia Real de Música, em 1669, o poeta Pierre Perrin abriu uma academia de ópera em Paris, o primeiro teatro de ópera da França aberto ao público, e estreou o Pomone, a primeira grande ópera em francês, com música de Robert Cambert, com cinco atos, maquinaria de palco elaborada e balé. Heinrich Schütz na Alemanha, Jean-Baptiste Lully na França e Henry Purcell na Inglaterra ajudaram a estabelecer suas tradições nacionais no século XVII.

O balé clássico também se originou na era barroca. Marie de Medici trouxe o estilo de dança da corte para a França e, no início, os membros da corte eram os dançarinos. O próprio Luís XIV se apresentou em público em vários balés. Em março de 1662, a Académie Royale de Danse foi fundada pelo rei. Foi a primeira escola e companhia de dança profissional e estabeleceu os padrões e o vocabulário para o ballet em toda a Europa durante o período.

Vários novos instrumentos, incluindo o piano, foram introduzidos durante esse período. A invenção do piano é creditada a Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Pádua, Itália, que foi contratado por Ferdinando de ‘Medici, Grande Príncipe da Toscana, como o Guardião dos Instrumentos. Cristofori nomeou o instrumento como um cimbalo di cipresso di piano e forte (“um teclado de cipreste com suave e alto”), abreviado ao longo do tempo como pianoforte, fortepiano e, mais tarde, simplesmente, piano.

Teatro
O período barroco foi uma época de ouro para o teatro na França e na Espanha; dramaturgos incluíam Corneille, Racine e Moliere na França; e Lope de Vega e Pedro Calderón de la Barca, Espanha.

Durante o período barroco, a arte e o estilo do teatro evoluíram rapidamente, juntamente com o desenvolvimento da ópera e do balé. O design de salas novas e maiores, a invenção, o uso de máquinas mais elaboradas, o uso mais amplo do arco de proscênio, que emoldurava o palco e ocultava as máquinas da platéia, incentivavam mais efeitos cênicos e espetáculos.

O barroco tinha um caráter católico e conservador na Espanha, seguindo um modelo literário italiano durante o Renascimento. O teatro barroco hispânico buscava um conteúdo público com uma realidade ideal que manifestasse três sentimentos fundamentais: religião católica, orgulho monarquista e nacional e honra originários do mundo cavalheiresco e cavalheiresco.

Dois períodos são conhecidos no teatro barroco espanhol, com a divisão ocorrendo em 1630. O primeiro período é representado principalmente por Lope de Vega, mas também por Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente ou Juan Pérez de Montalbán. O segundo período é representado por Pedro Calderón da Barca e colegas dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragão, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto e Francisco Bances Candamo . Essas classificações são frouxas porque cada autor tinha seu próprio caminho e, ocasionalmente, poderia aderir à fórmula estabelecida por Lope. Pode até ser que a “maneira” de Lope fosse mais liberal e estruturada que a de Calderón.

Lope de Vega introduziu, através de sua Arte nuevo de hacer comedias en este tempo (1609), a nova comédia. Ele estabeleceu uma nova fórmula dramática que quebrou as três unidades de Aristóteles da escola italiana de poesia (ação, hora e local) e uma quarta unidade de Aristóteles, que trata de estilo, mistura de elementos trágicos e cômicos, mostrando diferentes tipos de versos e estrofes. o que é representado. Embora Lope tenha um grande conhecimento das artes plásticas, ele não a utilizou durante a maior parte de sua carreira, nem no teatro ou na cenografia. A comédia de Lope concedeu um segundo papel aos aspectos visuais da representação teatral.

Tirso de Molina, Lope de Vega e Calderón foram os roteiristas mais importantes da Era de Ouro na Espanha. Suas obras, conhecidas por sua inteligência sutil e profunda compreensão da humanidade de uma pessoa, poderiam ser consideradas uma ponte entre a comédia primitiva de Lope e a comédia mais elaborada de Calderón. Tirso de Molina é mais conhecido por duas obras, As suspeitas condenadas e O Malandro de Sevilha, uma das primeiras versões do mito de Don Juan.

Ao chegar a Madri, Cosimo Lotti levou à corte espanhola as técnicas teatrais mais avançadas da Europa. Suas técnicas e conhecimentos mecânicos foram aplicados em exposições de palácio chamadas “Fiestas” e em exposições luxuosas de rios ou fontes artificiais chamadas “Naumaquias”. Ele foi encarregado de modelar os Jardins de Buen Retiro, de Zarzuela e de Aranjuez e a construção do edifício teatral do Coliseo del Buen Retiro.

As fórmulas de Lope começam com um verso que não serve para a fundação do teatro do palácio e o nascimento de novos conceitos que começaram as carreiras de alguns roteiristas como Calderón de la Barca. Marcando as principais inovações da Nova Comédia Lopesiana, o estilo de Calderón marcou muitas diferenças, com muito cuidado construtivo e atenção à sua estrutura interna. O trabalho de Calderón está na perfeição formal e numa linguagem muito lírica e simbólica. Liberdade, vitalidade e abertura de Lope deram um passo à reflexão intelectual e à precisão formal de Calderón. Em sua comédia, refletia suas intenções ideológicas e doutrinárias, acima da paixão e da ação, o trabalho de Autos sacramentales alcançou altos escalões. O gênero da Comedia é político, multi-artístico e, em certo sentido, híbrido. O texto poético entrelaçado com as mídias e os recursos oriundos da arquitetura, da música e da pintura, libertando o engano contido na comédia l Lopesiana, foi constituído pela falta de cenário e pelo diálogo de ação.

O dramaturgo alemão mais conhecido foi Andreas Gryphius, que usou o modelo jesuíta do holandês Joost van den Vondel e Pierre Corneille. Também houve Johannes Velten que combinou as tradições dos comediantes ingleses e da commedia del’arte com o teatro clássico de Corneille e Molière. Sua empresa de turismo foi talvez a mais significativa e importante do século XVII.

Américas coloniais espanholas
Após a evolução marcada pela Espanha, no final do século XVI, as companhias de comediantes, essencialmente transumanos, começaram a se profissionalizar. Com a profissionalização veio a regulamentação e a censura: como na Europa, o teatro oscilou entre tolerância e até proteção e rejeição do governo (com exceções) ou perseguição pela Igreja. O teatro foi útil às autoridades como um instrumento para disseminar o comportamento e os modelos desejados, o respeito à ordem social e à monarquia, escola de dogma religioso.

Os corrales foram administrados em benefício de hospitais que compartilhavam os benefícios das representações. As empresas itinerantes (ou “da liga”), que conduziam o teatro em palcos improvisados ​​ao ar livre pelas regiões que não tinham locais fixos, exigiam uma licença vice-legal para trabalhar, cujo preço ou pinción era destinado a esmolas e obras piedosas. . Para as empresas que trabalhavam de forma estável nas capitais e grandes cidades, uma de suas principais fontes de renda era a participação nas festividades do Corpus Christi, que lhes proporcionava não apenas benefícios econômicos, mas também reconhecimento e prestígio social. As representações no palácio vice-jurídico e as mansões da aristocracia, onde representavam as comédias de seu repertório e produções especiais com grandes efeitos de iluminação, cenário e palco, também eram uma fonte importante de obras bem pagas e prestigiadas.

Nascido no vice-reinado da Nova Espanha, mas mais tarde estabelecido na Espanha, Juan Ruiz de Alarcón é a figura mais proeminente no teatro barroco da Nova Espanha. Apesar de ter se adaptado à nova comédia de Lope de Vega, seu “marcado secularismo”, sua discrição e restrição e uma forte capacidade de “penetração psicológica” são características distintivas de Alarcón contra seus contemporâneos espanhóis. Digno de nota entre suas obras La verdad sospechosa, uma comédia de personagens que refletia seu constante objetivo moralizador. A dramática produção de Sor Juana Inés de la Cruz a coloca como a segunda figura do teatro barroco hispano-americano. Vale mencionar entre suas obras o auto sacramental El divino Narciso e a comédia Los empórios de uma casa.

Jardins
O jardim barroco, também conhecido como o jardin à la française ou jardim formal francês, apareceu pela primeira vez em Roma no século XVI e depois mais famoso na França no século XVII nos jardins de Vaux le Vicomte e no Palácio de Versalhes. Jardins barrocos foram construídos por reis e príncipes na Alemanha, Holanda, Áustria, Espanha, Polônia, Itália e Rússia até meados do século XVIII, quando começaram a ser reformados pelo jardim paisagístico inglês mais natural.

O objetivo do jardim barroco era ilustrar o poder do homem sobre a natureza, e a glória de seu construtor, os jardins barrocos eram dispostos em padrões geométricos, como os cômodos de uma casa. Geralmente eram vistos de fora e olhando para baixo, de um castelo ou terraço. Os elementos de um jardim barroco incluíam parterres de canteiros de flores ou sebes baixas enfeitadas com desenhos barrocos ornamentados, e pistas retas e becos de cascalho que dividiam e cruzavam o jardim. Terraços, rampas, escadas e cascatas foram colocados onde havia diferenças de altitude e forneciam pontos de observação. Lagoas ou bacias de água circulares ou retangulares eram o cenário para fontes e estátuas. Bosques ou bosques cuidadosamente cortados ou fileiras de árvores idênticas, davam a aparência de paredes de vegetação e eram cenários de estátuas. Nas margens, os jardins costumavam ter pavilhões, laranjas e outras estruturas onde os visitantes podiam se abrigar do sol ou da chuva.

Os jardins barrocos exigiam um número enorme de jardineiros, cortes contínuos e água abundante. Na parte posterior do período barroco, os elementos formais começaram a ser substituídos por características mais naturais, incluindo caminhos sinuosos, bosques de árvores variadas que ainda não foram aparadas; arquitetura rústica e estruturas pitorescas, como templos romanos ou pagodes chineses, além de “jardins secretos” nas bordas do jardim principal, cheios de vegetação, onde os visitantes podem ler ou ter conversas tranquilas. Em meados do século XVIII, a maioria dos jardins barrocos foi parcial ou totalmente transformada em variações do jardim paisagístico inglês.

Além de Versalhes e Vaux-le-Vicomte, os famosos jardins barrocos que ainda mantêm grande parte de sua aparência original incluem o Palácio Real de Caserta, perto de Nápoles; Palácio de Nymphenburg e Augustusburg e Falkenlust, Brühl na Alemanha; Palácio Het Loo, na Holanda; o Palácio Belvedere em Viena; o Palácio Real da Granja de San Ildefonso, na Espanha; e Peterhof Palace em São Petersburgo, Rússia.

Diferenças entre rococó e barroco
A seguir, são características que o rococó tem e o barroco não: [esclarecimentos necessários]

O abandono parcial da simetria, tudo composto por linhas e curvas graciosas, semelhantes às do Art Nouveau
A enorme quantidade de curvas assimétricas e volutas em forma de C
O uso muito amplo de flores na ornamentação, como um exemplo de festões feitos de flores
Motivos chineses e japoneses
Cores pastel quentes (amarelo esbranquiçado, cor creme, cinza pérola, azuis muito claros)

Fim do estilo, condenação e redescoberta acadêmica
Madame de Pompadour, a amante de Luís XV, contribuiu para o declínio do estilo barroco e rococó. Em 1750, ela enviou seu sobrinho, Abel-François Poisson de Vandières, em uma missão de dois anos para estudar desenvolvimentos artísticos e arqueológicos na Itália. Ele foi acompanhado por vários artistas, incluindo o gravador Nicolas Cochin e o arquiteto Soufflot. Eles voltaram para Paris com uma paixão pela arte clássica. Vandiéres tornou-se o marquês de Marigny e foi nomeado diretor real de edifícios em 1754. Ele virou a arquitetura francesa oficial para o neoclássico. Cochin se tornou um importante crítico de arte; ele denunciou o estilo petit de Boucher e apelou a um estilo grandioso com uma nova ênfase na antiguidade e nobreza nas academias de pintura de arquitetura.

O historiador de arte e arqueólogo alemão pioneiro Johann Joachim Winckelmann também condenou o estilo barroco e elogiou os valores superiores da arte e arquitetura clássicas. No século XIX, o barroco era alvo de ridículo e crítica. O crítico neoclássico Francesco Milizia escreveu: “Borrominini na arquitetura, Bernini na escultura, Pietro da Cortona na pintura … são uma praga do bom gosto, que infectou um grande número de artistas”. No século 19, as críticas foram ainda mais longe; o crítico britânico John Ruskin declarou que a escultura barroca não era apenas ruim, mas também moralmente corrupta.

O historiador de arte nascido na Suíça Heinrich Wölfflin (1864–1945) iniciou a reabilitação da palavra barroco em seu Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificou o barroco como “movimento importado para a massa”, uma arte antitética à arte renascentista. Ele não fez as distinções entre maneirismo e barroco que os escritores modernos fazem, e ignorou a fase posterior, o barroco acadêmico que durou até o século XVIII. A arte e a arquitetura barrocas tornaram-se moda entre as duas guerras mundiais e permaneceram amplamente favoráveis. O termo “barroco” ainda pode ser usado, geralmente de maneira pejorativa, descrevendo obras de arte, artesanato ou design que se acredita terem ornamentação excessiva ou complexidade de linha.