As vanguardas são pessoas ou trabalhos que são experimentais, radicais ou pouco ortodoxos em relação à arte, cultura ou sociedade. Pode ser caracterizada por inovação estética não tradicional e inaceitabilidade inicial, e pode oferecer uma crítica da relação entre produtor e consumidor.

A vanguarda empurra as fronteiras do que é aceito como norma ou status quo, principalmente no âmbito cultural. A vanguarda é considerada por alguns como uma marca do modernismo, distinta do pós-modernismo. Muitos artistas alinharam-se com o movimento de vanguarda e ainda continuam a fazê-lo, traçando uma história do Dada através dos Situacionistas para artistas pós-modernos, como os poetas da Linguagem por volta de 1981.

A vanguarda também promove reformas sociais radicais. Foi esse sentido que foi evocado pela saint Simonian Olinde Rodrigues em seu ensaio “L’artiste, le savant et l’industriel” (“O artista, o cientista e o industrial”, 1825), que contém o primeiro uso registrado de “avant-garde” em seu sentido costumeiro: lá, Rodrigues pede aos artistas que “sirvam como [o povo] da vanguarda”, insistindo que “o poder das artes é de fato o caminho mais imediato e mais rápido” para o social, reforma política e econômica.

Teorias
Vários escritores tentaram mapear os parâmetros da atividade de vanguarda. O ensaísta italiano Renato Poggioli fornece uma das primeiras análises do vanguardismo como um fenômeno cultural em seu livro de 1962 Teoria dell’arte d’avanguardia (A Teoria da Vanguarda). Examinando os aspectos históricos, sociais, psicológicos e filosóficos do vanguardismo, Poggioli ultrapassa as instâncias individuais da arte, poesia e música para mostrar que os vanguardistas podem compartilhar certos ideais ou valores que se manifestam nos estilos de vida não conformistas que adotam: Ele vê a vanguarda cultura como uma variedade ou subcategoria do boêmio. Outros autores tentaram tanto esclarecer quanto estender o estudo de Poggioli. A Teoria da Vanguarda do crítico literário alemão Peter Bürger (1974) examina a adoção de obras de arte socialmente críticas pelo establishment e sugere que, em cumplicidade com o capitalismo, “a arte como instituição neutraliza o conteúdo político do trabalho individual”.

O ensaio de Bürger também influenciou grandemente o trabalho dos historiadores de arte americanos contemporâneos, como o alemão Benjamin HD Buchloh (nascido em 1941). Buchloh, na coletânea de ensaios Neo-avantgarde e Culture Industry (2000), defende criticamente uma abordagem dialética dessas posições. Críticas subseqüentes teorizaram as limitações dessas abordagens, observando suas áreas circunscritas de análise, incluindo definições eurocêntricas, chauvinistas e específicas de gênero.

Relação com a sociedade dominante
O conceito de vanguarda refere-se principalmente a artistas, escritores, compositores e pensadores, cujo trabalho se opõe aos valores culturais tradicionais e, muitas vezes, tem uma forte influência social ou política. Muitos escritores, críticos e teóricos fizeram afirmações sobre a cultura de vanguarda durante os anos de formação do modernismo, embora a declaração definitiva inicial sobre a vanguarda tenha sido o ensaio Avant-Garde and Kitsch do crítico de arte de Nova York Clement Greenberg, publicado na Partisan Review em 1939. Greenberg argumentou que a cultura de vanguarda tem se oposto historicamente à cultura “alta” ou “dominante”, e que também rejeitou a cultura de massa artificialmente sintetizada que foi produzida pela industrialização. Cada uma dessas mídias é um produto direto do capitalismo – todas elas são agora indústrias substanciais – e, como tal, são movidas pelos mesmos motivos fixados pelo lucro de outros setores da indústria, e não pelos ideais da verdadeira arte. Para Greenberg, essas formas eram, portanto, kitsch: cultura falsa, fingida ou mecânica, que muitas vezes fingiam ser mais do que eram usando dispositivos formais roubados da cultura de vanguarda. Por exemplo, durante a década de 1930, a indústria da publicidade rapidamente adotou os maneirismos visuais do surrealismo, mas isso não significa que as fotografias de propaganda da década de 1930 sejam verdadeiramente surrealistas.

Vários membros da Escola de Frankfurt defenderam pontos de vista semelhantes: assim, Theodor Adorno e Max Horkheimer em seu ensaio A Indústria da Cultura: Enlightenment as Mass-Deception (1944) e também Walter Benjamin em sua altamente influente “A Obra de Arte na Era da Mecânica”. Reprodução “(1935, rev. 1939). Onde Greenberg usou a palavra alemã kitsch para descrever a antítese da cultura de vanguarda, os membros da Escola de Frankfurt cunharam o termo “cultura de massa” para indicar que essa cultura falsa é constantemente fabricada por uma indústria cultural recém-surgida (incluindo editoras comerciais). , a indústria do cinema, a indústria fonográfica e a mídia eletrônica). Eles também apontaram que a ascensão desta indústria significou que a excelência artística foi substituída por números de vendas como uma medida de valor: um romance, por exemplo, foi julgado meritório apenas se ele se tornou um best-seller, música sucumbiu a tabelas de classificação e para a lógica comercial contundente do disco de ouro. Deste modo, o mérito artístico autônomo tão caro ao vanguardista foi abandonado e as vendas tornaram-se cada vez mais a medida e a justificação de tudo. Cultura de consumo agora governada.

A cooptação da vanguarda pelo mercado capitalista global, pelas economias neoliberais e pelo que Guy Debord chamou de A Sociedade do Espetáculo, fez com que os críticos contemporâneos especulassem sobre a possibilidade de uma vanguarda significativa hoje. A Teoria-Morte da Vanguarda, de Paul Mann, demonstra quão completamente a vanguarda está embutida nas estruturas institucionais de hoje, um pensamento também perseguido por Richard Schechner em suas análises de desempenho de vanguarda.

Apesar dos argumentos centrais de Greenberg, Adorno e outros, vários setores da indústria cultural tradicional cooptaram e aplicaram mal o termo “vanguarda” desde a década de 1960, principalmente como uma ferramenta de marketing para divulgar a música popular e o cinema comercial. Tornou-se comum descrever músicos de rock de sucesso e celebrar cineastas como “avant-garde”, tendo a própria palavra sido despojada de seu significado próprio. Observando essa importante mudança conceitual, os principais teóricos contemporâneos como Matei Calinescu em Cinco Faces da Modernidade: Modernismo, Vanguarda, Decadência, Kitsch, Pós-modernismo (1987), [página necessária] e Hans Bertens em A Idéia do Pós-moderno: Uma História (1995), [página necessária] sugeriu que este é um sinal de que nossa cultura entrou em uma nova era pós-moderna, quando os antigos modos modernistas de pensar e agir se tornaram redundantes.

No entanto, uma crítica incisiva do vanguardismo contra as visões da sociedade dominante foi oferecida pelo crítico de Nova York Harold Rosenberg no final dos anos 1960. Tentando encontrar um equilíbrio entre os insights de Renato Poggioli e as afirmações de Clement Greenberg, Rosenberg sugeriu que, a partir de meados da década de 1960, a cultura progressista deixou de cumprir seu antigo papel antagônico. Desde então, ele foi flanqueado pelo que chamou de “fantasmas de vanguarda de um lado, e uma cultura de massa mutável do outro”, com os quais ele interage em vários graus. Isso fez com que a cultura se tornasse, em suas palavras, “uma profissão em cujos aspectos a pretensão de derrubá-la”.

Exemplos

Avant-garde na política
O conceito de vanguarda encontrou seu caminho na linguagem política, especialmente dos partidos e movimentos revolucionários. Assim, Lenin, e com ele o posterior Marxismo-Leninismo, entendeu o Partido Comunista como a “vanguarda da classe trabalhadora”. Já Marx escreveu no manifesto do Partido Comunista que os comunistas são “a parte mais decidida e em constante expansão dos partidos dos trabalhadores em todos os países; teoricamente, eles têm diante do resto da massa do proletariado a percepção das condições, os claro, e os resultados gerais do movimento proletário. “(MEW 4, p. 474.) Ao mesmo tempo, porém, Marx enfatizou que os comunistas eram, acima de tudo, também parte do proletariado. O próprio proletariado é:” O o movimento proletário é o movimento independente da imensa maioria no interesse da imensa maioria “(p. 472).

Lênin, por outro lado, organizou um partido de massas com os bolcheviques, mas ao mesmo tempo formulou uma reivindicação importante da vanguarda para o resto do proletariado. Essa vanguarda, que trazia as idéias revolucionárias de fora para os trabalhadores, era necessária, segundo Lenin, porque os proletários, por seu próprio poder, só são capazes de uma consciência sindicalista, isto é, sindical: “A história da todos os países mostram que a classe trabalhadora só pode produzir uma consciência sindicalista unicamente por seu próprio poder “(Lênin, O que fazer ?, em: Werke, Vol. 5, p. 386). Esta doutrina foi instrumental para justificar a ditadura do Partido sobre os trabalhadores.

A vanguarda política do movimento revolucionário também foi considerada como sendo os marinheiros comunistas, que haviam desempenhado um papel condutor na Revolução Russa de Outubro de 1917, mas também na Revolução Alemã de Novembro de 1918.

Avant-garde em belas artes
Na história das artes plásticas, o termo avant-garde representa os movimentos artísticos do início do século XX e está ligado ao conceito de modernismo ou arte moderna. Estranhamente, muitos dos movimentos artísticos de vanguarda da modernidade aspiram à “abolição da arte na prática da vida”.

Um papel importante na história da vanguarda artística jogou a vanguarda russa, bem como o futurismo italiano, que em seus manifestos da “arte da guerra” deu sua própria estética, percebida como revolucionária. Também Cubismo, Cubofuturismo, Vorticismo, Construtivismo, Suprematismo, Dadaismo, Surrealismo, Expressionismo, Tachismo, Pintura de Ação, Arte Mínima, Op Art, Pop Art, Lettrismo, Situacionismo, Fluxus, Acontecendo, o Actionismo Vienense e a assim chamada arte conceitual. considerados movimentos artísticos da vanguarda.

Para a arte na Rússia Soviética, o termo tinha um duplo sentido, porque na teoria marxista-leninista sob vanguarda e acima de tudo uma vanguarda política era entendida, por meio da qual a transformação subseqüente da vanguarda russa na sociedade chamado, artisticamente dificilmente avant-garde, “Realismo socialista” foi criado.

No Reich alemão, a arte de vanguarda foi travada em 1933 pelos nacional-socialistas como “arte degenerada”. Os artistas que não se adaptaram à “arte alemã” alinhada e permaneceram ligados às vanguardas foram perseguidos (se não fugiram em 1933 ou se exilaram nos anos que se seguiram). Modernas obras de arte foram confiscadas como “Jewified”, parcialmente destruídas ou, em muitos casos, leiloadas na Suíça. Artistas judeus que não puderam deixar a Alemanha a tempo foram assassinados no Holocausto.

Depois que o nacional-socialismo foi derrotado em 1945, a paisagem da arte alemã se recuperou lentamente dessa catástrofe política e intelectual no início dos anos 50. Na República Federal havia atividades de alguns artistas que haviam encontrado com sua pintura informal a conexão com os movimentos de vanguarda do taqueísmo francês e o expressionismo abstrato dos EUA ou a action painting. Na década de 1960 e no decorrer do movimento de 1968, o desenvolvimento da arte alemã tornou-se cada vez mais importante para a Europa e os Estados Unidos.

Ao mesmo tempo, a nova vanguarda do pós-guerra já marcava o fim rastejante do conceito de vanguarda. Se na era moderna cada uma das vanguardas, muitas vezes em sucessão no tempo, reivindicou representar o mais recente e “válido” estado de desenvolvimento artístico, uma existência paralela das várias vanguardas foi observada na arte do pós-modernismo. , muitas vezes eclética uns com os outros misturados. Os desenvolvimentos parecem possíveis em muitas direções, não há consenso sobre aonde ir. A palavra “vanguarda” perde assim seu significado original e dificilmente parece apropriada para descrever a arte contemporânea.

Em vez de “avant-garde” e “arte moderna”, fala-se pela arte contemporânea da arte contemporânea. Ao fazê-lo, pode igualmente buscar estratégias de vanguarda, reinventar a busca às vezes limitada pela inovação ou reviver tradições mais antigas.

Vanguarda na literatura
O início das vanguardas literárias e, portanto, da literatura moderna em geral pode ser determinado no final do século XIX com o simbolismo francês, com poetas como Stéphane Mallarmé, Charles Baudelaire e Arthur Rimbaud, na Alemanha, com Stefan George e os poetas. do expressionismo, Com a Primeira Guerra Mundial, os movimentos de vanguarda radicalizaram e conceberam seu trabalho cada vez mais como arte de protesto socialmente crítica e provocativa. Característica da vanguarda é que ela se diferencia das tendências literárias predominantes em termos de conteúdo, estilo, técnica e / ou forma (por exemplo, desenvolvendo novas formas, como poemas fonéticos, colagens, poemas aleatórios). No entanto, movimentos de vanguarda, como o círculo de artistas em torno de Stefan George, muitas vezes se entendiam como elite, porque o conceito de vanguarda inclui figuras fortes de artistas. Além disso, as elites de vanguarda eram frequentemente estruturadas hierarquicamente (assim como o círculo em torno de George).

Às vanguardas literárias surgem o surrealismo, o dadaísmo, o expressionismo, assim como o scapigliatura e o futurísmo.

Avant-garde nas artes do espectáculo
No teatro, o termo vanguarda está associado a uma ruptura com as ilusões, uma limpeza do palco e uma explosão de convenções representacionais. O naturalismo é – talvez radicalmente, com exceção das variantes da crítica social – não contado na vanguarda, mas ele as preparou. O envolvimento político radical e o afastamento radical da realidade estão igualmente entre as características da vanguarda teatral.

Um afastamento da psicologia e da interioridade é comum à maioria das correntes. Movimentos literários como o dadaísmo e o surrealismo forneceram um novo tipo de texto teatral que se afastou da convenção dos “papéis distribuídos”. O diretor Edward Gordon Craig projetou o “excesso de marionetes” como o ideal do novo ator, Wsewolod Meyerhold foi do taylorismo para criar uma base física e multicultural para a peça. Erwin Piscator promoveu o uso de tecnologia de ponta no palco com gravações de filmes e de som. Até mesmo Bertolt Brecht foi influenciado pela vanguarda anti-naturalista.

As correntes de vanguarda nas artes visuais, assim como o cubismo, influenciaram o design de cenários e figurinos. Adolphe Appia contrastou “espaços rítmicos” vazios com iluminação diferenciada do estágio de ilusão naturalista com sua infinidade de adereços. Imagem, movimento e música foram combinados de uma maneira nova como no Ballet Triadico de Oskar Schlemmer. A técnica do movimento foi revolucionada pela dança expressiva (como Isadora Duncan), da qual emergiu o teatro da dança moderna.

Os importantes vanguardistas após 1945 incluíram Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Tadeusz Kantor e Robert Wilson.

Avant-garde na música
Como os estilos musicais de vanguarda estão na música clássica desde a virada dos séculos XIX e XX, aqui eles estavam frequentemente sob o título de novas músicas juntos. Pioneiros importantes do final do século 19 foram Wagner, Liszt, Scriabin e, em particular, Debussy; Schoenberg, Berg, Webern, Hindemith ou Stravinsky, enquanto que na segunda metade de Stockhausen, Xenakis ou Ligeti eram considerados impulsos importantes. Comum a todos é a ruptura com os hábitos de escuta tradicionais, como o uso impressionante de dissonâncias, ritmos irregulares e, sobretudo, a atonalidade e a politonalidade. Exemplos de vanguardas musicais são a música do expressionismo, do impressionismo, da música de doze tons, da música serial, da música aleatória, da composição sonora, da música minimalista e da música concreta composta de sons gravados. Desde o período do pós-guerra, surgiram formas de vanguarda fora do reino da música eletrônica, aqui estão gêneros como o free jazz, a música gratuita improvisada e industrial e o ruído resultante. Até mesmo algumas partituras podem mostrar influências significativas de vanguarda, como a trilha sonora de Don Davis para o longa metragem de 1999 “Matrix”.

Filme de vanguarda
O filme de vanguarda já aparecia nos primórdios da cinematografia e estava, mais tarde, intimamente ligado às artes visuais. Por exemplo, na França, Itália e Alemanha, houve trabalhos cinematográficos que surgiram do Futurismo, Dadaísmo, Construtivismo e Surrealismo. Com o desenvolvimento deste filme econômico de 16 mm, o filme de vanguarda ganhou um novo impulso após a Segunda Guerra Mundial na América, Europa, Austrália e Japão. Desta vez, os termos gerais foram chamados Estruturalismo, Pop Art, Acontecendo, Fluxus, Arte Conceitual.

As possibilidades formais do filme, que não tem outra forma de arte, tornaram o apego tradicional às artes visuais sempre mais fraco. Por exemplo, no filme abstrato da década de 1920 (“Cinéma pur”) ou no filme underground da década de 1960. Além disso, o filme de vanguarda começou a se referir ao seu próprio meio (filme material, cinema expandido, filmagens encontradas).

O filme é a única forma de arte moderna que não pode dispensar o termo avant-garde para se distinguir de suas outras manifestações comerciais e artísticas. Confuso é o uso quase sinônimo do termo filme experimental. O curta experimental foi entendido como um precursor do longa-metragem, especialmente na década de 1950. Isto está relacionado ao fato de que na Alemanha (com um impacto na Áustria) no discurso intelectual o experimento foi desvalorizado – especialmente por Hans Magnus Enzensberger em 1962 em seu “Aporienthe avant-garde” – porque os pregos também deveriam ser pensados ​​em arte durante o período. de reconstrução.

Ainda assim, muitos cineastas não se esquivaram de entender seus filmes como experimentos, mas nem todos eles são de seu conceito ou de sua produção. Portanto, o filme de vanguarda pode ser entendido como o termo mais amplo. Outra ambiguidade decorre do fato de que diretores de filmes artísticos como Sergei Mikhailovich Eisenstein, Alain Resnais, Jean-Luc Godard ou David Lynch são frequentemente falados como vanguardistas. Embora sejam influenciados pela vanguarda e ocupem uma posição especial no longa-metragem, eles permanecem amplamente convencionais em seu quadro geral, conforme medido pelo filme de vanguarda.

Característica da vanguarda artística
Apesar de todas as diferenças, a diversidade de movimentos e estilos artísticos, literários e musicais revela algumas tendências comuns que permitem delimitar o conceito de vanguarda artística de outras épocas e estilos. A arte de vanguarda freqüentemente aparece como deliberadamente provocativa, enfatiza a arte inovadora e altamente auto-reflexiva.

Provocação
É um impulso essencial na vanguarda, o inusitado, buscar novas coisas. Em particular, o final da décima nona e primeira metade do século XX, o objetivo foi tomado freqüentemente perto, a classe média educada para chocar. Coleção de Poesia de Baudelaire As Flores do Mal é um dos primeiros testemunhos disso. A novidade desses poemas era permitir que a feia vida metropolitana fosse material para a poesia. Ele chega a um certo clímax no dadaísmo, que esnobando o público com literatura absurda e, mais tarde, no Actionismo vienense, que escolhe o “bom gosto” como o verdadeiro ponto de ataque e provoca por performances extremas.

Inovação
O problema estrutural geral da vanguarda já está marcado. A vanguarda forma um tipo de excelência autodinâmico: o que era inusitado ontem, estabelecido gradualmente e é frequentemente assimilado no mainstream e logo parece familiar. Tais situações encontram abordagens de vanguarda, dentro e entre as vanguardas, portanto, um padrão de desenvolvimento emergiu que compreende cada vez mais a inovação formal como essencial.

Auto-reflexão
Outra característica de muitas vanguardas é seu embasamento teórico, e muitas vezes um comentário teórico extra-estético emerge. As formas de arte de vanguarda, portanto, provocam uma reflexão permanente sobre si mesmas, o que muitas vezes também levanta questões sobre por que, por qualquer motivo, a arte ainda pode ser percebida e o que é arte.

Crítica do termo vanguardista
No final do século XX, o conceito de vanguarda e as idéias associadas a ele foram sendo cada vez mais criticadas. A suposição de que pessoas ou grupos “progridem” no processo de progresso e o resto, o “mainstream”, cujo exemplo segue ou deve seguir, foi crescentemente posta em dúvida. O pano de fundo desse desenvolvimento é, por um lado, a ser buscado pelo menos temporário secamento dos movimentos artísticos de vanguarda e pelo fracasso de muitos movimentos políticos revolucionários. Por outro lado, as idéias do pós-modernismo são acompanhadas por um afastamento deliberado do conceito de vanguarda, que é criticado como autoritário por sua reivindicação de liderança. Em vez disso, isso justapõe a pluralística de desenvolvimentos e movimentos com valores mais elevados.

O escritor e diretor francês Romain Gary († 1980) levou suas críticas ao bon mot. “Os vanguardistas são pessoas que não sabem exatamente aonde querem ir, mas são os primeiros a chegar lá”.

A vanguarda e suas expressões
Dentro das correntes de vanguarda, os ismos surgiram como uma proposta contrária às supostas tendências do envelhecimento e propunham inovações radicais de conteúdo, linguagem e atitude vital. Entre eles estão os seguintes:

Impressionismo
O impressionismo não era realmente uma vanguarda, mas sim um antecedente contra o qual os vanguardistas reagiram. Sua principal contribuição para a vanguarda foi a liberação do poder expressivo da cor liderada por Claude Monet. Os impressionistas aprenderam a manusear a pintura mais livre, sem tentar esconder suas pinceladas fragmentadas, e a luz estava se tornando o grande fator unificador da figura e da paisagem. Mas os pintores impressionistas eram artistas que não pretendiam mais exercer com sua arte uma mudança radical nos costumes de seu tempo, nem estavam comprometidos com a vontade de uma grande mudança social. São a conseqüência do fracasso das pretensões da revolução de 1830, a de 1848 e a de Paris. As discussões dos impressionistas eram basicamente técnicas e sua pintura pode ser considerada uma exacerbação do naturalismo a tal ponto que acabaria se opondo às origens. O realismo de Courbet afirmou que, na realidade, ele encontrou esperança para uma mudança, o poder dos homens reais, o movimento das forças revolucionárias. Os impressionistas substituem as discussões de conteúdo com as de técnica, luz e objetivo da transcrição pictórica.

No final de 1870, os principais pintores impressionistas já se conheciam bem. Naquela época, o café Guerbois, na rua de Batignolles, perto do ateliê de Édouard Manet (que parece que, no momento, era a personalidade dominante) tornou-se a sede desse círculo artístico. A atitude de solidariedade dos impressionistas no início da década de 1870 foi expressa de maneira muito reveladora em alguns retratos de grupos, como Fantin-Latour (Oficina no bairro de Batignolles, 1870) ou Bazille (A oficina do artista na rua de la Condamine, 1870).

Pela primeira vez, durante a Guerra Franco-Prussiana, os impressionistas tiveram que se separar: Pierre-Auguste Renoir e Manet permaneceram em Paris, Bazille morreu na frente e Monet e Camille Pissarro se encontraram em Londres, onde encontraram Paul Durand-Ruel, desde então o revendedor do grupo. De fato, em 1873, Durand-Ruel já estava confiante o suficiente para preparar um catálogo completo com o estoque de sua galeria que nunca foi publicado.

Expressionismo
Expressionismo foi uma corrente pictórica que nasceu como um movimento no início do século XX, entre 1905 e 1925, na Alemanha e outros países centrais na Europa do germânico e austro-húngaro, ligado ao fauvismo francês como arte expressiva e emocional que diametralmente oposto ao impressionismo. Foi reunido na década de 1910 em torno de dois grupos: Die Brücke (A Ponte) e Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul). Ao mesmo tempo, o grupo da Secessão desenvolveu sua atividade em Viena, incluindo Gustav Klimt, Oskar Kokoschka e Egon Schiele, entre outros. Na Alemanha, o maior expoente do expressionismo foi Edvard Munch, com sua obra The Scream (1893).

Nos anos 1920, o expressionismo influenciou outras artes. O gabinete do doutor Caligari (Robert Wiene, 1919) e Nosferatu, o vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) iniciou o expressionismo cinematográfico, e os poetas Georg Trakl e Rainer Maria Rilke levaram o movimento ao campo do lirismo. Freqüentemente também foi incluído nesse movimento, além da enigmática obra literária de Franz Kafka.

Entre os princípios desta corrente artística indicam-se: a reconstrução da realidade, a relação da expressão literária com as artes plásticas e a música e a expressão da angústia do mundo e da vida através de novelas e dramas onde se fala das limitações sociais impostas à liberdade do homem. Destina-se a expressar filias e fobias do ser humano. Portanto, não requer uma boa técnica ou um resultado esteticamente belo.

Enfrentaria basicamente a teoria estética às idéias realistas, às velhas idéias impressionistas que surgiram na Europa nos últimos vinte anos do século XIX e colocaria que o real não é fundamentalmente o que vemos no exterior, mas o que surge em nossa interioridade quando vemos, percebemos, intuímos ou produzimos algo novo.

Fauvismo
O fauvismo foi um movimento de origem francesa que se desenvolveu entre 1904 e 1908, aproximadamente.

O importante Salão de Outono de 1905 foi a primeira exposição para o grupo cujo objetivo era linguisticamente a síntese da forma-cor. Não se buscou a representação de objetos imersos na luz do sol, mas sim as imagens mais livres que resultaram da superposição de cores equivalentes a essa luz. Com efeito, os fauves consideravam que os sentimentos podiam ser expressos através da cor. Henri Matisse foi um dos maiores representantes desta vanguarda.

Cubismo
O cubismo nasceu na França em 1906. Suas principais características são a associação de elementos impossíveis de concretizar, desdobramento do autor, disposição gráfica das palavras, substituição do sentimental pelo humor e a alegria e o retrato da realidade através de figuras geométricas . Os inspiradores do movimento foram Pablo Picasso e Georges Braque. Alguns dos principais mestres foram Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger e Albert Gleizes, mas anteriormente Paul Cézanne teria marcado o caminho.

Entre as técnicas utilizadas está a colagem, e principalmente a decomposição das imagens em figuras geométricas para representar o objeto em sua totalidade, incluindo todos os seus planos, no trabalho.

Tinha dois estágios: um cubismo analítico, que buscava a decomposição total do objeto, e um cubismo sintético, no qual a perspectiva é descartada para representar todos os planos do objeto no mesmo trabalho. Na poesia, seu estilo mais popular era a caligrafia, cujo principal expoente era Guillaume Apollinaire.

Futurismo
O futurismo é um movimento inicial de correntes artísticas de vanguarda, surgido em Milão (Itália) impulsionado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, que compilou e publicou os princípios do futurismo no manifesto de 20 de fevereiro de 1909, no jornal Le Figaro de Paris. No ano seguinte, os artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Mario Jordano assinaram o chamado Manifesto do Futurismo.

Embora tenha tido uma existência curta, aproximadamente até 1944, terminando com a morte de Marinetti, sua influência pode ser vista nas obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger e Robert Delaunay em Paris, bem como no construtivismo e futurismo russo. Textos futuristas trouxeram um novo mito: a máquina.

Este movimento rompeu com a tradição, o passado e os sinais convencionais da história da arte. Considerava a coragem, a audácia e a revolução como os principais elementos da poesia, pois proclamava o movimento agressivo, a insônia febril, o passo ginástico, o salto perigoso e o tapa.

Segundo seu manifesto, seus postulados eram a exaltação do sensual, do nacional e do guerreiro, a adoração da máquina, o retrato da realidade em movimento, o objetivo da literatura e a disposição especial da escrita, a fim de dar uma expressão plástica Ele rejeitou a estética tradicional e tentou exaltar a vida contemporânea, baseada em seus dois temas dominantes: máquina e movimento.

Dadaismo
Surgiu em Zurique, na Suíça, entre 1916 e 1922. Hugo Ball e Tristan Tzara foram apontados como fundadores e principais expoentes. O movimento cresceu e rapidamente se espalhou para Berlim e Paris. Uma das razões que levaram ao surgimento do DADA foi a extrema violência e perda de significado trazida pela Primeira Guerra Mundial. Revelando-se contra o status quo, as convenções literárias e artísticas e rejeitando as convenções da sociedade gentrificada – que eles consideravam egoístas e apáticas -, os dadaístas fizeram de sua arte um modus vivendi.

O poema dadaísta costumava ser uma sucessão de palavras e sons, o que torna difícil encontrar lógica. Distingue-se por uma inclinação para o incerto e o absurdo. Por outro lado, o procedimento dadaísta buscava renovar a expressão através do uso de materiais incomuns, ou por meio de planos de pensamentos antes imutáveis, com um tom geral de rebelião ou destruição.

Ultraismo
Ultraism apareceu na Espanha entre 1918 e 1922, promovido por Rafael Cansinos Assens, como uma reação ao modernismo.

Foi um dos movimentos que mais se projetou no mundo de língua espanhola, contribuindo para o uso do verso livre, a proibição da anedota e o desenvolvimento da metáfora, que se tornaria o principal centro expressivo.

Surrealismo
Excisão do dadaismo, cujo principal representante era André Breton. O movimento surrealista foi organizado na França na década de 1920 em torno de André Bretón, que, inspirado por Sigmund Freud, estava interessado em descobrir os mecanismos do inconsciente e ultrapassar o real por meio do imaginário e do irracional. Dele e das vezes em que o conheceu, falou em “Os vasos comunicantes”, um título emblemático que se tornaria uma metáfora de parte de sua estética criativa, bem como automatismo ou escrita automática, através da qual experimentariam o sonho e espiritualismo, buscando encontrar arte pura, não contaminada pela consciência.

Estridentismo
O estridentismo nasceu da mistura de vários movimentos. Realizou-se entre 1922 e 1927 no México e caracterizou-se pela modernidade, cosmopolitismo e urbanismo, bem como pela inconformidade, humor negro, esnobismo, irreverência e rejeição de tudo o que era antigo. Seu antecedente imediato era o futurismo russo. Entre seus representantes mais importantes está Germán List Arzubide e Manuel Maple.

Arieldentismo
O arieldentismo é um movimento filosófico que postulou fundamentalmente que são os seres humanos, em forma individual, aqueles que criam o sentido e a essência de suas vidas. Surgiu como um movimento na literatura e na filosofia do século XX, herdeiro dos argumentos de filósofos como Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche e Miguel de Unamuno.

Esse movimento geralmente descreve a ausência de uma força transcendental; Isso significa que o indivíduo é livre e, portanto, totalmente responsável por suas ações, sem a presença de uma força superior que possa determinar suas ações. Isto atribui aos humanos a criação de uma ética de responsabilidade individual, além de qualquer sistema de crenças externo a ela. Essa articulação pessoal do ser é a única forma existente de superar, geralmente, as religiões, que lidam com o sofrimento, a morte e o fim do indivíduo.