Está localizado no trascoro, na frente da nave central. O retábulo foi feito pelo arquiteto espanhol Jerónimo de Balbás em 1735, sendo uma de suas obras mais importantes. É barroco, com acabamento em folha de ouro, representa o primeiro uso do estipe nas Américas, no qual as colunas representam o corpo humano. No início de 1967, houve um incêndio na catedral que danificou o altar. Graças à restauração praticada, hoje você pode admirar uma grande obra de arte vice-jurídica.

É chamado assim porque está atrás da porta com o mesmo nome. Embora existam duas outras lendas sobre a origem do nome, a primeira afirma que aqueles condenados pela Inquisição foram levados ao altar para pedir desculpas antes de serem executados. O segundo refere-se ao pintor Simon Pereyns, autor de muitas obras na catedral, que teria sido acusado de blasfêmia e sentenciado à prisão, enquanto na prisão pintou uma bela imagem da Virgem Maria, para que seu crime fosse perdoado.

Neste altar está a imagem de Jesus Cristo crucificado, feito de pasta de cana de milho, conhecido como o Senhor do Veneno. A imagem remonta ao século XVIII e estava originalmente na capela do Seminário Porta Coeli, na Cidade do México, mas depois de fechada ao culto público em 1935, foi transferida para a Catedral Metropolitana. Sua festa é comemorada em 19 de outubro.

Altar do Perdão
É chamado altar do perdão nas catedrais espanholas que ocupam o depósito e é por isso que fica em frente à porta principal da igreja que também recebe o nome da porta do perdão. Que seja assim que as penitenciárias do Santo Ofício entraram por aquela porta para se reconciliar com a igreja que magnanimemente concedeu seu perdão, após certas cerimônias rituais. Em todas as catedrais espanholas existe a porta chamada Perdão.

Este altar só pode ser datado a partir do momento após a conclusão da Catedral. Não sabemos qual era sua disposição no século XVII, mas apenas que foi lançada em 5 de agosto de 1650, como observa Guijo em seu Journal (p. 136): “Naquele dia (5 de agosto de 1650) eles comemoravam os irmãos da irmandade de Nossa Senhora do Perdão do altar da catedral, a festa das Neves, que era hoje e estreou uma garantia, e renovou o pincel da Virgem e as telas dos doze apóstolos, e acrescentou os quatro evangelistas: foi um partido muito solene, que teve início desde o ano passado de 1648, e a igreja e a capela cantaram a missa, e todas compareceram, e todas as despesas dos referidos e pagos pelo conselho são recolhidas o ambiente real que cada um dos irmãos dá a cada semana, e hoje elegem o reitor. A data atual do século XVIII e, segundo os cronistas da catedral, foi dedicada em 29 de junho de 1737. Segundo as notícias tradicionais, trabalho é devido ao mesmo arquiteto Jerónim o de Balbás, que fez o altar dos reis e do antigo cipreste.

Três obras de arte de primeira ordem adornam este retábulo. Na mesa do altar, cobrindo o tabernáculo, uma pintura a óleo com um rosto santo. É claramente assinado pelo ilustre pintor Alonso López de Herrera, que floresceu no início do século XVII e deixou uma série magnífica de obras que orgulham nossa pintura colonial. Isso não pode ser considerado uma das melhores criações de seu espírito, pois ele teve que seguir certas indicações anteriores que dão à sua pintura uma aparência um tanto convencional. No entanto, você pode garantir que seja melhor que outros que com o mesmo tema sejam preservados do mesmo arquiteto.

A grande pintura que decora o centro do altar representa a Virgem Maria com o Menino nos braços, alguns santos ao lado e anjos no topo. Essa imagem deu origem a uma lenda profundamente enraizada na era colonial. Dizia-se que essa pintura era obra de um prisioneiro que obtivera sua liberdade de maneira extraordinária, desde que conseguiu subornar seu carcereiro para fornecer cores e pincéis, ele pintou na mesma porta de sua cela uma imagem do Virgem.

Quando os juízes que o sentenciaram à prisão viram aquela imagem muito devota, decidiram que um homem que sabia pintar quadros com imagens de tanta pureza, de tanto fervor religioso, não podia ser culpado dos crimes que lhe eram imputados e que, consequentemente, ele deve ser libertado incontinentemente. Os historiadores que lidaram com esse assunto estão convencidos de que essa pintura não pode se referir a outro pintor senão a Simon Pereyns, que sofreu mais ou menos todas as vicissitudes mencionadas nessa lenda.

Um famoso pintor que havia chegado ao México em 1566 na comitiva do vice-rei Don Gastón de Peralta, dois anos depois, devido ao descuido em sua maneira de falar ou melhor, devido à falta de proteção, desde que o vice-rei tinha sido chamado para Espanha, foi processado por palavras mal feitas e condenado a pintar às suas custas uma imagem de Nossa Senhora das Mercês para a antiga catedral do México. Suponho que a invocação da pintura tenha mudado e que Pereyns realmente tenha pintado essa imagem como punição por seus pecados ingênuos.

O fato de a pintura estar sobre uma mesa com pregos nas portas, como qualquer espectador pode observar, indica apenas que não havia uma mesa grande o suficiente para o réu cumprir sua sentença e, então, nas folhas de uma porta cujas unhas foram achatadas pela força do martelo e no qual um pano foi colocado, ele teve que pintar seu quadro.

Na parte superior, há uma pintura que representa San Sebastián e que, como seu parceiro abaixo, foi objeto de uma tradição antiga. Segundo ela, essa pintura se deve a uma mulher extraordinária chamada Sumaya, que ensinou a arte da pintura ao famoso pintor Baltasar de Echave Orio.

Todas as tradições têm, além da beleza que as cerca, um pano de fundo da realidade. A realidade nesta lenda é o que damos a seguir. Baltasar de Echave, nascido perto de Zumaya em Guipúzcoa, em meados do século XVI, chegou ao México e, interagindo com seus compatriotas, entrou na oficina de Francisco Ibía, natural de Zumaya, seu proprietário de terras, conhecido por seu local de nascimento, que Ele era um pintor de prestígio na Nova Espanha. Echave, dotado de grandes faculdades, estudou pintura com seu compatriota e conseguiu desenvolver sua arte de maneira extraordinária.

O México, naquela época, era uma cidade para a qual artistas como obras de arte da Espanha, Flandres, Itália. Echave, pode-se dizer, descobriu-se e acabou ficando ofuscado até que seu mestre Francisco de Zumaya foi esquecido. Mas ele teve uma filha. O nome dela era Isabel: ela era muito bonita. A Echave, como os aprendizes de muitos outros pintores, assim como o aprendiz cujo nome era Diego Velásquez, confiscado com a filha de seu professor Francisco Pacheco, apaixonou-se e casou-se com ela em 1582, sem continuar sendo um professor de pintura distinto. para trabalhar, e quando Velasquez ofuscou completamente Pacheco, ele deixou Zumaya na sombra. É a tradição e a pesquisa dos críticos modernos que prestaram prestígio a esse artista ignorado. A tradição diz que foi Zumaya quem ensinou a Echave a pintar. Talvez fosse o amor de Zumaya que fez Echave aprender a pintar, mas não dela, mas de seu pai, Zumaya.

A pintura de San Sebastián, que dificilmente pode ser estudada pela altura em que é encontrada e pelo vidro odioso e inútil que a cobre, é, atualmente, a lenda da qual falamos, a única que pode ser documentada de Francisco de Zumaya.4 Deve-se notar que na antiga catedral do México foi fundada uma irmandade de San Sebastián antes de 1565. Para essa irmandade, o quadro que estudamos pode ter sido pintado.

O altar foi dedicado em 19 de junho de 1737 e os cronistas da Catedral supõem que foi obra do mesmo Jerónimo de Balbás que fez o altar dos reis e do chamado cipreste. Ocupe o trascoro. Consiste em um primeiro corpo formado por quatro estipes e um segundo na forma de um leilão semicircular com medalhões com santos em relevo. Eles representam San Cayetano, San Felipe de Neri, San Apolônio, San Dativo, San Saturnino, San Leandro, San Valentino, San Cándido, San Delfino e Ananías. Há também oito esculturas no mesmo retábulo que representam San Rodrigo, San Félix, San Pedro Arbués e San Zenón; além disso, San Lorenzo, San Esteban, San Juan Nepomuceno e San Cayetano.

Destruindo a harmonia deste retábulo, um relevo com a Santíssima Trindade, cercado por uma rajada de ouro, foi colocado na Virgem pintada por Pereyns. Também outro símbolo com uma explosão na parte superior. Ambos os agregados foram obra do devoto zelo eclesiástico de Don Francisco Ontiveros, de quem falamos.

Estilos artísticos da catedral
O fato de a Catedral do México ser uma autêntica escola das diversas correntes artísticas que ocorreram durante quatro séculos é impressionante, e isso se refletiu tanto dentro quanto fora, já que, enquanto foi construída, as várias tendências, movimentos e escolas de arte em o campo da arquitetura, pintura, escultura, etc., que de acordo com os vários construtores, influenciou seu edifício.

Assim, falamos de 400 anos de cultura artística usando todo tipo de material, como madeira, metal, tezontle, pedra, mármore, estuque e, principalmente, pedreira, que é o material mais difundido da Catedral. arte, no final do século XV até o neoclássico do século XIX, tanto em sua construção quanto em seus retábulos, esculturas, colunas, prateleiras, balaustradas, abóbadas, e podemos afirmar que nossa Catedral tem todos os estilos que nasceram, cresceu, amadureceu e finalmente desapareceu durante sua construção e que influenciou logicamente sua fábrica, os únicos estilos que não são encontrados são os últimos, genericamente chamados de “modernos” ou “modernistas” e principalmente os “pós-modernistas”, pensando que a Catedral termina sua construção. construção para o ano de 1813

Arte Gótica
O mais antigo dos estilos encontrados na catedral é o chamado “gótico”, um termo cunhado por humanistas renascentistas para desprezar a “arte dos godos”, hoje os franceses, e apesar dos esforços para mudar o termo, este era já na memória dos séculos.

A arte gótica é geralmente dividida em três estágios, que vão do século XI ao final do século XV. Desde o primeiro período chamado “gótico primitivo”, temos como exemplo a Catedral de Notre Dame em Paris (a. 1163); do segundo que é chamado de “gótico completo”, temos como exemplo a Catedral de Chartres (a. 1250), e do terceiro período, chamado de “gótico tardio”, temos como exemplo a Capela Real no Colégio de Cambridge (um 1515).

Como características características da arte gótica, temos o uso da forma ogival (na forma de uma folha); as costelas nas abóbadas e colunas e o uso das rosetas (vitrais circulares multicoloridos). O gótico, como toda arte, reflete os valores do espírito da época, portanto, na Idade Média, privou uma espiritualidade direcionada “para cima”, ou seja, em direção à altura em que Deus está, daí o homem “olhar para o alturas “mais do que as realidades da terra, daqui os navios muito altos, as ogivas de arcos, navios e vitrais que terminam em ponto, e que foram convidados a ir para o topo, onde estavam os verdadeiros valores.

O interior das catedrais góticas era bastante escuro, como se estivesse convidando meditação, oração e interioridade. O gótico está desaparecendo por volta do século XV, e ainda assim, a criatividade portentosa do homem gótico ainda hoje causa uma profunda admiração, que certamente influenciou não apenas na França, mas em toda a Europa, incluindo a Espanha, onde a arte nos chega gótica.

Quando a construção da Catedral do México começou, o gótico já estava em seus últimos estágios, dando lugar a novas e diferentes concepções arquitetônicas e artísticas em geral; no entanto, a catedral também possui pinceladas góticas, como as duas maravilhosas abóbadas da Sacristia. pelas costelas e sub-bancas góticas, o mesmo vale para as abóbadas que cobrem a Casa do Capítulo, gêmea da Sacristia e essa forma, juntamente com a abside do hoje Altar de los Reyes, os edifícios mais antigos da catedral, embora não haja rosetas .

The Herreriano Art
O próximo dos estilos arquitetônicos que encontramos na Catedral é o chamado Herreriano que, embora não seja o seguidor imediato do gótico, porque é seguido pelo maneirismo do qual a Catedral não tem nenhum exemplo, porque ele já havia terminado o tempo em que começou a construção do edifício da catedral.

O herreriano é um estilo nomeado para o arquiteto Juan de Herrera, que deve esse estilo cujo melhor exemplo é o Escorial (a. 1584) e cuja obra estava sob as ordens do rei Felipe II (1552-1584), estilo em que foi promovido em América espanhola.

O herreriano tem características próprias: monumentalidade, sobriedade, elegância clássica e estilo severo e amplo. Como o gótico, também o herreriano é causado pela espiritualidade de seu tempo, que carrega a idéia de uma Igreja solidamente fundamentada, de força e grandeza, mas ao mesmo tempo de grande sobriedade, para que os luxos e ornamentos sejam eliminados.

Sob esses conceitos, o herreriano utilizará espaços amplos, cujas paredes longas, sólidas e altas, são interrompidas apenas pelas grandes janelas quadradas, com uma treliça, que iluminam o interior, portanto, neste estilo, não são utilizados vitrais multicoloridos.

A idéia é perfeitamente expressa pelos elementos que compõem esse tipo de arquitetura. Sendo, portanto, o herreriano, o estilo que é próprio da Espanha e promovido pelo mesmo rei Felipe II, nada de estranho que tenha passado sua influência às colônias espanholas e, portanto, nossa Catedral possui o herreriano em grande parte.

De fato, os grandes espaços das paredes laterais, leste e oeste e também as paredes da abside, interrompidos pelas grandes janelas quadradas que iluminam o interior das capelas, dão uma imponente monumentalidade vista de fora. E no interior, tanto a Sacristia quanto o Salão do Capítulo, são um exemplo claro do rigor de Herrera com tanta severidade, que mais tarde suas paredes foram cobertas com grandes pinturas e retábulos

Arte barroca
Entre o último estádio gótico, no final do século XV e o início do barroco, no final do século XVI, houve um período que produziu o maneirismo na primeira parte do século XVI na Itália.

O maneirismo foi um movimento estético que refletiu a crise da arte que surgiu nesse período e se caracteriza por uma arte turbulenta, cheia de contradições, rara e exagerada com visões angustiantes de pesadelo e até diabólicas, por isso é difícil defini-la com precisão.

A arquitetura não recebeu tanta influência quanto a pintura e a escultura, por isso não temos exemplos apropriados desse estilo. Como reação ao maneirismo, emerge uma nova forma artística que recebe o nome de barroco, um termo de origem realmente incerto, pois alguns derivam do termo italiano “barroco”, que é o nome de um silogismo medieval e outros da língua portuguesa “Barroco” que em jóias significa uma pérola irregular, será até o século 19 quando for dada uma definição mais precisa.

Barroco dominado em termos gerais, desde o final do século XVI até meados do século XVIII, e três estágios bem definidos podem ser considerados: barroco primitivo, barroco completo e barroco tardio. O barroco é uma exuberância mística em todas as ordens artísticas.

O século XVI foi um dos tempos mais prolíficos por ser um século de passagem, transição. Existe uma extraordinária efervescência política, econômica, social, artística e, associada a isso, a descoberta do Novo Mundo, transforma as relações internacionais, de modo que a arte barroca é o reflexo desse clima generalizado.

No religioso, as grandes mudanças que vieram da Reforma Protestante e a reação da Igreja Católica resultaram em uma mudança em todas as artes em que o barroco se manifestou como exuberante da fé e no esplendor do culto católico na arquitetura, escultura, pintura, literatura e até música, reação barroca que aparece em todas as áreas católicas, em face do puritanismo e da sobriedade exagerada dos protestantes.

Assim, o misticismo do barroco destaca o otimismo, a vitalidade e o triunfo da fé católica em seus esplêndidos ornamentos, ornamentos e, na época, ousadas concepções artísticas. Por outro lado, o barroco unifica três das grandes artes: arquitetura, escultura e pintura, de modo que o mais importante no barroco não é o detalhe, mas a visão geral, que até hoje faz com que quem se maravilhe contemple o domínio desse estilo.

No México, como em toda a América Latina, a ousada inventividade dos arquitetos espanhóis, juntamente com a profunda visão artística dos nativos, deu novas e surpreendentes visões ao barroco, especialmente durante o século XVIII, justamente quando na Europa o barroco foi extinto pouco a pouco, degenerando no exagero do rococó, ou, como em outros casos, assumindo o estilo neoclássico.

Do esplendor do barroco em seus vários estágios, a Catedral Metropolitana do México é um de seus exemplos mais claros, porque, de fato, durante o desenvolvimento do barroco, eles estão sob sua influência do barroco incipiente das capas frontal, oriental e ocidental alcançar sua máxima expressão no interior das capelas, com seus extraordinários retábulos, principalmente o altar dos reis e a capela dos anjos, para citar alguns, que veremos em mais detalhes nos arquivos a seguir.

A arte neoclássica
O barroco, em sua última etapa, foi assumido em outros estilos, incluindo o neoclássico. É um movimento artístico que nasceu na Europa na segunda metade do século XVIII (1750) e dura até o final do século XIX. Na verdade, foi uma reação ao estilo exagerado de rococó, herdeiro do barroco, por um lado, e por outro lado, foi o resultado da descoberta na época de duas cidades greco-romanas: Pompéia e Herculano, em Itália, cuja arte influenciou o modo predominante na época.

Como característica fundamental, o neoclássico procurou imitar os modelos arquitetônicos greco-romanos, principalmente a arte dórica. Seu misticismo é baseado em um senso romântico de valores clássicos e em uma espiritualidade focada no desejo dos tempos heróicos gregos.

O romantismo foi a principal característica da literatura e da música no século XIX, e também influenciou artes como pintura, escultura e arquitetura. Esse estilo é uma arte mais simbólica do que criativa.

No campo da arquitetura, a arte neoclássica surgiu na Espanha de Carlos III (1760-1788) e seus melhores exemplos foram a Puerta de Alcalá e o extraordinário edifício que abriga o Museu do Prado, em Madri.

Nos países latino-americanos, o neoclássico voltou-se para os monumentos dóricos e durou até o século XX. A Catedral do México não escapou da influência do neoclassicismo e, embora não apareça de maneira significativa fora da Catedral, já que a maior parte do edifício foi concluída, se aparecer em algumas mudanças que foram feitas no interior do país. As capelas e, em algumas delas, onde havia retábulos barrocos, foram reconstruídas de acordo com os cânones vigentes na época e é precisamente o estilo neoclássico reinando, assim, os altares esculpidos em pedreira das capelas de Nossa Senhora das Dolores e a Capela do Sr. del Buen Despacho, no lado oeste e no lado leste, as capelas de Santa Maria la Antígua e Nossa Senhora de Guadalupe, são exemplos da influência neoclássica.

Concluindo, se alguém quisesse conhecer os vários estilos arquitetônicos mais importantes que ocorreram durante os séculos XVI, XVII, XVIII e XIX, nada melhor que tomar como guia e exemplo a Catedral do México, porque todos estavam incorporados em sua construção. quando cada um dos Mestres Maiores que o construiu, fiel aos seus tempos, unificou, de maneira maravilhosa, o que já existia, com as novidades da arte nos tempos que eles tinham que viver.

Não há nada na Catedral que não tenha sido assumido como um todo, embora os diferentes estilos que a forjaram possam ser distinguidos.

Catedral Metropolitana da Cidade do México
A Catedral Metropolitana da Assunção da Virgem Maria nos céus (em espanhol: Catedral Metropolitana da Assunção da Santíssima Virgem Maria aos Cielos) é a sede da Arquidiocese Católica do México. Está situado no antigo distrito sagrado asteca, perto do Templo Mayor, no lado norte da Plaza de la Constitución (Zócalo), no centro da Cidade do México. A catedral foi construída em seções de 1573 a 1813 em torno da igreja original que foi construída logo após a conquista espanhola de Tenochtitlan, eventualmente substituindo-a por completo. O arquiteto espanhol Claudio de Arciniega planejou a construção, inspirando-se nas catedrais góticas da Espanha.

Devido ao longo tempo necessário para construí-lo, pouco menos de 250 anos, praticamente todos os principais arquitetos, pintores, escultores, mestres de douramento e outros artistas plásticos do vice-reinado trabalharam em algum momento na construção do recinto. Essa mesma condição, a de seu extenso período de construção, permitiu a integração dos vários estilos arquitetônicos vigentes e em voga naqueles séculos: gótico, barroco, churrigueresco, neoclássico, entre outros. A mesma situação experimentou diferentes ornamentos, pinturas, esculturas e móveis no interior.

Sua realização significou um ponto de coesão social, porque envolveu as mesmas autoridades eclesiásticas, autoridades governamentais, diferentes irmandades religiosas que muitas gerações de grupos sociais de todas as classes.

É também, como conseqüência da influência da Igreja Católica na vida pública, que o edifício foi entrelaçado com eventos de importância histórica para as sociedades da Nova Espanha e do México independente. Para citar alguns, há a coroação de Agustín de Iturbide e Ana María Huarte como imperadores do México pelo Presidente do Congresso; a preservação dos restos funerários do monarca acima mencionado; enterro até 1925 de vários heróis da independência, como Miguel Hidalgo y Costilla e José María Morelos; as disputas entre liberais e conservadores causadas pela separação da igreja e do estado na reforma; o fechamento do edifício nos dias da Guerra de Cristero; as celebrações do bicentenário da independência, entre outras.

A catedral está voltada para o sul. As medidas aproximadas desta igreja têm 59 metros (194 pés) de largura por 128 metros (420 pés) de comprimento e uma altura de 67 metros (220 pés) até a ponta das torres. É composto por duas torres sineiras, uma cúpula central e três portais principais. Possui quatro fachadas que contêm portais ladeados por colunas e estátuas. Possui cinco naves compostas por 51 abóbadas, 74 arcos e 40 colunas. As duas torres sineiras contêm um total de 25 sinos.

O tabernáculo, adjacente à catedral, contém o batistério e serve para registrar os paroquianos. Existem cinco altares grandes e ornamentados, uma sacristia, um coro, uma área de coro, um corredor e uma sala de capitular. Quatorze das dezesseis capelas da catedral estão abertas ao público. Cada capela é dedicada a um santo ou santos diferentes, e cada um foi patrocinado por uma aliança religiosa. As capelas contêm altares ornamentados, retábulos, retábulos, pinturas, móveis e esculturas. A catedral é o lar de dois dos maiores órgãos do século 18 nas Américas. Há uma cripta embaixo da catedral que guarda os restos de muitos ex-arcebispos. A catedral tem aproximadamente 150 janelas.

Ao longo dos séculos, a catedral sofreu danos. Um incêndio em 1967 destruiu uma parte significativa do interior da catedral. O trabalho de restauração que se seguiu descobriu vários documentos e obras de arte importantes que haviam sido escondidos anteriormente. Embora uma base sólida tenha sido construída para a catedral, o solo argiloso e macio sobre o qual foi construída foi uma ameaça à sua integridade estrutural. A queda do lençol freático e o afundamento acelerado fizeram com que a estrutura fosse incluída na lista dos 100 locais mais ameaçados do Fundo Mundial de Monumentos. O trabalho de restauração, iniciado nos anos 90, estabilizou a catedral e foi removida da lista de espécies ameaçadas de extinção em 2000.