O Museu de Arte Moderna (Moderna Museet) é um museu estadual de arte moderna e contemporânea localizado na ilha de Skeppsholmen, no centro de Estocolmo, inaugurado em 1958. Em 2009, o museu abriu uma nova filial em Malmö, no sul da Suécia, o Moderna Museet Malmö. Moderna Museet tem uma longa história de hospedagem de artistas internacionais para exposições, performances e outras apresentações inovadoras, bem como por meio de sua coleção de renome mundial.

Com uma coleção de arte que compreende mais de 130.000 obras, Moderna Museet (Museu de Arte Moderna) é o principal museu de arte moderna e contemporânea da Suécia. Moderna Museet possui uma das melhores coleções de arte moderna e contemporânea da Europa. As coleções contêm pinturas, esculturas, fotografias e filmes de arte contemporâneos de 1900 em diante e, no caso de fotografias, também de cerca de 1840.

Inclui obras-chave de Pablo Picasso, Ljubov Popova, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Robert Rauschenberg, Donald Judd e Irving Penn, juntamente com obras de artistas contemporâneos. Aqui você pode ler sobre as várias partes da coleção e sua história.

Ao combinar obras-primas internacionais de artistas como Warhol, Picasso e Dali com exposições temporárias de artistas proeminentes dos séculos 20 e 21, o Moderna Museet consegue atrair muitos visitantes que retornam para uma experiência artística em constante mudança. A coleção original foi dominada pela arte sueca e nórdica, arte americana dos anos 1950 e 60 e modernismo de orientação francesa, no entanto, a coleção foi ampliada para incluir mais artistas mulheres e criar uma coleção mais versátil com obras de todo o mundo.

Apenas uma fração da coleção pode estar em exibição. Mas nos permite explorar e reformular a narrativa histórica da arte padrão por meio de novos insights e mudanças constantes na exposição. Isso inclui Moderna Museet Malmö, com seu ângulo inovador na seleção e exibição de obras da coleção desde a inauguração em 2009.

Moderna Museet é uma plataforma estimulante para pessoas e arte, oferece ao público formas elevadas, envolventes e diretas de encontrar a arte em termos iguais. Moderna Museet inspira e cria espaço para novas ideias por ser uma plataforma estimulante que torna a arte de classe mundial acessível a um amplo público.

Mud Muses – Um Rant About Technology
Como entendemos a relação entre vida e tecnologia em uma época em que elas parecem estar completamente fundidas? A mostra coletiva “Mud Muses – A Rant About Technology” leva o título de uma instalação de Robert Rauschenberg e de um ensaio da escritora de ficção científica Ursula K. Le Guin. Conheça 19 artistas e grupos de artistas que manipulam e brincam com códigos (de gênero), invertem subjetividades, se conectam com outras inteligências e prejudicam as promessas da tecnologia.

Na década de 1960, o objetivo era integrar a tecnologia à vida cotidiana: em 2019 essa unificação parece realizada e completa. Talvez tenha sido viajando pela história e pela imaginação que possamos traçar as diferenças entre a vida, a arte e a tecnologia? Na obra de arte de cinquenta anos de Robert Rauschenberg, “Mud Muse” (1968-1971), as vibrações sônicas criam bolhas aleatórias em um grande tanque aberto cheio de lama sintética. Aqui, nosso encontro com a tecnologia se torna pegajoso e confuso. O que uma musa da lama realmente é permanece incerto, mas a instalação deixa uma coisa clara: a tecnologia é uma noção que cria tempo e espaço e, portanto, influencia nosso senso de realidade.

O tema arte e tecnologia é a pedra angular do Moderna Museet. Várias exposições importantes sobre o humano e a máquina foram realizadas nos anos de fundação do museu – como “Movimento na Arte” (1961), a exposição Tatlin (1968), “Ararat” (1976) – e o próprio museu foi concebido como um centro de informações e uma espécie de estação de transmissão, um dos primeiros exemplos de como a sociedade é refeita à imagem da tecnologia. “Mud Muses” revisita, mas também se afasta dessa história em uma jornada por importantes transformações pelas quais o tema passou desde a década de 1960, e oferece novas interpretações de seus antecedentes históricos e culturais.

Em seu texto “A Rant About Technology” (2004), Ursula K. Le Guin separa a tecnologia do bom senso e do progresso. Ela escreve: “A tecnologia é a interface humana ativa com o mundo material”. Esta definição simples expande a ideia de tecnologia e garante que ela não pertença apenas a culturas ‘avançadas’ ou ao nosso fim da história. Mas como ‘o mundo material’ age nessa equação? E como a ‘interface ativa’ da tecnologia afeta os humanos e sua sociedade?

Vision Exchange Workshop com Nalini Malani e Akbar Padamsee, Robert Rauschenberg, Anna Sjödahl, Charlotte Johannesson e o Teatro Digital, Suzanne Treister, Soda Jerk e VNS Matrix, Ian Cheng, Sidsel Meineche Hansen e Cooperativa Capital Cultural, Armando Mariano Marubo, Paulino Joaquim Marubo e Antônio Brasil Marubo, The Otolith Group, Lucy Siyao Liu, Branko Petrović och Nikola Bojić, CUSS group, Jenna Sutela, Nomeda e Gediminas Urbonas, Anna Lundh e Primer com Emil Rønn Andersen, Eva Löfdahl, Amitai Romm, Aquaporin e Novoord .

Walid Raad – Vamos ser honestos, o tempo ajudou
Esta retrospectiva de Walid Raad apresenta documentos e cenários que ele deseja que existam ou teme que já existam. Também conhecemos o próprio artista em um trabalho de performance abrangente. “Sejamos honestos, o tempo ajudou” é uma totalidade complexa, mas também divertida e muito elegante. Sem dúvida a exposição mais imperdível desta primavera (Dagens Nyheter). A exposição é retrospectiva, mas não cronológica. Obras dos principais projetos de Raad são apresentadas lado a lado de uma forma inédita, abrindo-se para novas abordagens de sua obra e dos temas por ele explorados.

Walid Raad começou sua carreira de artista no final dos anos 1980 e trabalhou principalmente em três grandes projetos: The Atlas Group, Sweet Talk: Commissions e Scratching on things eu poderia rejeitar. Esses projetos estão intimamente ligados às suas experiências de crescer em Beirute durante a guerra civil no Líbano, mudar-se para Nova York e ter uma carreira emergente em um mundo da arte em expansão global. Raad fala sobre como a violência afeta corpos, mentes, cultura e tradição. Em suas fotografias, fitas de vídeo, esculturas, textos e instalações de mídia mista, Raad parte de eventos históricos para imaginar situações e documentos aparentemente ridículos, bizarros e maravilhosos.

Walid Raad é um dos mais célebres artistas contemporâneos. Suas obras foram exibidas na documenta e na Bienal de Veneza, e ele teve importantes exposições individuais em museus de todo o mundo. A prática artística inovadora de Raad tem sido amplamente reconhecida e premiada, não apenas por suas performances altamente exclusivas, ou “Walkthroughs”, como ele os chama. Walid Raad nasceu em 1967 no Líbano. Ele atualmente mora em Medusa, no interior do estado de Nova York.

Conheça o artista Walid Raad em uma performance única. O trabalho entrelaça fios históricos, políticos, econômicos, culturais e filosóficos em uma narrativa que é vertiginosa, imaginativa e iluminadora. Recomendamos que você experimente a arte de Walid Raad em um de seus percursos. A apresentação é realizada em 23 ocasiões. “Kicking the Dead e / ou Les Louvres” é uma performance de 75 minutos, que Raad se refere como um “passo a passo”. Acompanha a exposição e compreende apresentações em estilo palestra, exibição de vídeos e passeios pelos espaços expositivos. Tematicamente, Walid Raad concentra-se na inauguração do Louvre Abu Dhabi. Sua investigação o leva a se envolver na Primeira Guerra Mundial, na educação artística, nos seguros, no suor e na história de edifícios altos.

Além da performance, Walid Raad realiza cinco visitas guiadas à mostra. O curador da exposição, Fredrik Liew, também oferece visitas guiadas especiais regularmente. Todas as visitas guiadas e apresentações estão listadas no calendário.

John Baldessari
O artista americano John Baldessari criou uma arte conceitual que questiona o que é arte, como é feita e como é. Combinando imagens da cultura pop com explorações linguísticas, seu trabalho desafiou as normas e limites artísticos ao longo de toda a sua carreira. Esta exposição de cerca de trinta peças, é a primeira apresentação extensa da sua obra na Suécia.

Por mais de cinco décadas, John Baldessari (1931–2020) explorou a relação entre texto e imagem e o que surge quando os dois são reunidos. Suas obras de arte conceituais costumam ter um toque subjacente de humor e ironia. A exposição abrange toda a carreira de Baldessari e mostra a amplitude de sua prática artística: você encontra pinturas, fotografias, as imagens em movimento e os traços de atos performativos. Em muitas das obras de arte de John Baldessari, o processo de seleção real é um tema central. Entre as obras apresentadas na mostra, há exemplos de como Baldessari confia a outra pessoa ou ao acaso a escolha ou decisão, ou como estabelece regras lúdicas que limitam as escolhas que configuram as obras.

Baldessari percebeu desde cedo que uma imagem fotográfica ou diferentes tipos de texto poderiam expressar suas intenções artísticas melhor do que uma pintura. Em sua prática, ele costumava reunir elementos da história da arte e da cultura popular para criar justaposições inesperadas. Hollywood e as fotos em preto e branco descartadas das produções cinematográficas eram uma fonte constante de material. Mais tarde, ele começou a obscurecer rostos individuais em fotografias atrás de pontos coloridos, tornando as figuras anônimas e permitindo que o olhar fosse atraído para outras partes da imagem.

Ao longo de sua carreira artística, Baldessari se interessou pela natureza da arte, como é feita e como é. A linguagem e o texto tornaram-se ferramentas fundamentais para ele, assim como para muitos outros artistas, que nos anos 1960 enfatizaram a ideia por trás de uma obra de arte em vez de suas qualidades estéticas. Na peça de vídeo “I Am Making Art” (1971), também incluída nesta exposição, Baldessari se move rigidamente na frente da câmera, repetindo constantemente a afirmação “Estou fazendo arte” com ênfase diferente nas palavras a cada vez. – um aceno de cabeça para a arte conceitual e a noção de que todas as ações podem ser arte.

A crítica dirigida à arte conceitual apenas por “apontar as coisas” inspirou Baldessari a criar a série “Pinturas comissionadas” (1969). Ele pediu a um amigo que apontasse objetos interessantes, mandou fotografar o processo de apontamento e contratou um pintor amador para copiar as fotos. Sob as pinturas, um pintor de letreiros foi convidado a escrever “Uma pintura de” seguido do nome do pintor. Essas “pinturas encomendadas” não trazem vestígios do próprio Baldessari e podem ser lidas como um comentário sobre a concepção do expressionismo abstrato da obra de arte como uma expressão direta da vida emocional e do gênio do artista.

Aris Fioretos – Atlas
O laboratório de um livro, “Atlas” dá vida a um mundo paralelo que é enganosamente semelhante ao nosso. Pairando entre a ficção e a história cultural, encontramos um universo de textos em uma exposição homônima. Aris Fioretos é o autor do livro da exposição na Galeria de Estudos Pontus Hultén. O que acontece quando a literatura se torna tridimensional? A exposição “Atlas” é baseada no novo livro homônimo, no qual Fioretos traça o surgimento de uma visão moderna sobre o homem nas décadas por volta de 1900. Junto com a gewerkdesign Berlin e o artista sonoro Peter Imig, Aris Fioretos conquistou “o toda a história do sofrimento humano “em 24 cenas. Parte livro e parte exposição, “Atlas” oferece insights sobre o que significa a literatura.Os médicos mais famosos (Frankenstein) chamavam sua “oficina de criação suja”.

O novo livro de Aris Fioretos, “Atlas”, funde ensaio e ficção. Seus três romances anteriores, “Irma”, “The Truth about Sascha Knisch” e “Nelly B: s Hjärta” (Nelly B’s Heart), são baseados em fatos históricos até 1933. Os três protagonistas são conectados, mas também independentes – como órgãos do corpo. Estocolmo é importante como cenário da história, que é principalmente sobre medicina e grandes mudanças sociais. A exposição é como um gabinete, onde cerca de 20 estados afetivos são apresentados em uma maquete arquitetônica com figuras recortadas. O modelo / mesa está dividido em três partes, cada uma delas coordenada com as três protagonistas femininas.

Tudo começou com um obituário. Um dia, Aris Fioretos descobriu que um arquivista do Conselho Nacional de Saúde morrera muito velho, sem deixar parentes. Ele não teria pensado em Iris Frost se o nome dela não fosse semelhante ao de um personagem secundário em seu primeiro romance. Por curiosidade, ele entrou em contato com o jornal e obteve o número do remetente do obituário. Quando eles se conheceram, a vida se revelou mais estranha do que a ficção. O falecido não apenas leu seus romances sobre como o cérebro, os órgãos genitais e o coração informaram a visão da humanidade que surgiu no início do século 20, mas também comentou sobre eles.

Museu de Arte Moderna de Estocolmo
O Moderna Museet foi inaugurado na casa de exercícios em Skeppsholmen, em 9 de maio de 1958. O Superintendente do Museu Nacional, Otte Sköld, lembrou em seu discurso inaugural que já em 1908 o problema da arte local atual no Museu Nacional havia sido resolvido a sério e a ideia de um novo prédio para essas coleções. Pouco antes de sua morte, Otte Sköld viu por si mesmo o museu realizado e seu compromisso com a criação do novo museu foi decisivo. Juntamente com, entre outros, os Amigos do Museu Moderno, fundado em 1953, deu à coleção de arte do século XX do Museu Nacional uma casa própria. Os superintendentes de direção do museu, Pontus Hultén e Olle Granath, vieram com seus contatos e iniciativas para perseguir essas intenções nas décadas seguintes.

O museu foi inaugurado em 1958, quando foi transferido do Nationalmuseum para uma antiga sala de exercícios da marinha em Skeppsholmen, em Estocolmo. O edifício atual foi concluído em 1998, contíguo às antigas instalações do museu, e é projetado pelo arquiteto espanhol Rafael Moneo. O Moderna Museet também foi inaugurado em Malmö em 2009.

A coleção Moderna Museet agora compreende cerca de 6.000 pinturas, esculturas e instalações, 25.000 aquarelas, desenhos e gravuras, 400 vídeos de arte e filmes e 100.000 fotografias. A coleção abrange pinturas, esculturas, instalações, filmes, vídeos, desenhos e gravuras de artistas suecos e internacionais dos séculos 20 e 21 e fotografia dos anos 1840 até hoje.

Desde 2009, o museu também possui uma filial em Malmö. O museu é uma autoridade administrativa estatal tutelada pelo Ministério da Cultura e tem, segundo as suas instruções, a função de colecionar, preservar, expor e comunicar a arte dos séculos XX e XXI em todas as suas formas. Moderna Museet promoverá contatos internacionais através da colaboração com instituições fora da Suécia na forma de exposições itinerantes, e também será responsável pela participação sueca em bienais internacionais de arte. O Museu Moderno é também um museu central, com responsabilidade nacional na sua área.

O Moderna Museet organiza várias grandes exposições em Estocolmo e Malmö a cada ano, uma série de exposições de médio e pequeno porte. Em 2012, o museu em Estocolmo teve cerca de 500.000 visitantes e o museu em Malmö mais de 100.000 visitantes.