O Museu de Arte Moderna (Moderna Museet) é um museu estadual de arte moderna e contemporânea localizado na ilha de Skeppsholmen, um cenário de belezas naturais. Inaugurado em 1958, o prédio foi projetado pelo arquiteto espanhol Rafael Moneo. Em 2009, o museu abriu uma nova filial em Malmö, no sul da Suécia, Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet é um museu estadual com mandato nacional para arte moderna e contemporânea. A coleção está na vanguarda deste tipo na Europa. O museu é um ponto de encontro de pessoas e arte com uma base sólida na sociedade e no mundo em geral. Com seu programa de exposições de classe mundial, projetos baseados em coleções e atividades educacionais, Moderna Museet tem presença local substancial e alcance internacional. O intercâmbio com outras instituições de arte ao redor do mundo é extenso.

Moderna Museet tem uma longa história de hospedagem de artistas internacionais para exposições, performances e outras apresentações inovadoras, bem como por meio de sua coleção de renome mundial. Experimente uma das principais coleções de arte da Europa do século XX até hoje, com obras de artistas como Picasso, Dali, Derkert e Matisse.

Com uma coleção de arte que compreende mais de 130.000 obras, Moderna Museet (Museu de Arte Moderna) é o principal museu de arte moderna e contemporânea da Suécia. Moderna Museet possui uma das melhores coleções de arte moderna e contemporânea da Europa. As coleções contêm pinturas contemporâneas, esculturas, fotografias e filmes de arte de 1900 em diante e, no caso de fotografias, também de cerca de 1840.

Inclui obras-chave de Pablo Picasso, Ljubov Popova, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Robert Rauschenberg, Donald Judd e Irving Penn, juntamente com obras de artistas contemporâneos. Aqui você pode ler sobre as várias partes da coleção e sua história.

Ao combinar obras-primas internacionais de artistas como Warhol, Picasso e Dali com exposições temporárias de artistas proeminentes dos séculos 20 e 21, o Moderna Museet consegue atrair muitos visitantes que retornam para uma experiência artística em constante mudança. A coleção original era dominada pela arte sueca e nórdica, arte americana dos anos 1950 e 60 e modernismo de orientação francesa, no entanto, a coleção foi ampliada para incluir mais artistas mulheres e criar uma coleção mais versátil com obras de todo o mundo.

Gilbert & George – A Grande Exposição
Gilbert e George são dois homens que juntos são um artista. Por mais de cinco décadas, eles têm criado uma arte que desafia as convenções da arte e da sociedade com um desprezo flagrante por quaisquer noções de “bom gosto”. A Grande Exposição oferece uma visão artística única, com mais de cinquenta fotos selecionadas por Gilbert & George. Como a dupla mais icônica do mundo da arte, vestida com ternos quase iguais e impecavelmente bem passados, Gilbert & George moram no mesmo bairro do East End de Londres desde os anos 1960. Sem medo e direto ao ponto, sua arte tem o poder de perturbar o espectador.

Do chão ao teto, o espaço expositivo está repleto de imagens que são ao mesmo tempo emocionantes e assustadoras, grotescas e austeras, surreais e simbólicas. As fotos quase sempre retratam os próprios artistas, muitas vezes olhando diretamente para o espectador. Sexo, dinheiro, raça e religião estão entre os temas de sua arte, que consegue combinar felicidade e tristeza. Punk rockers e descolados, dança de Morris e bombas, folhas de outono e classificados de todos os tipos – Gilbert e George sondam o mundo ao nosso redor com olhos penetrantes. “A Grande Exposição” é tão democrática, generosa e extravagante quanto seus criadores. Gilbert & George proclamam “arte para todos”.

Desde que se conheceram na Saint Martin’s School of Art, Gilbert (nascido nas Dolomitas, Itália, em 1943) e George (nascido em Devon, Reino Unido, em 1942) seguiram seus próprios caminhos. Sujeitos e objetos de sua arte, são indiscutivelmente uma entidade artística indivisível e dedicaram sua vida à arte. Ao se comprometerem com uma disciplina tão rigorosa quanto criativa, mantendo a vida em sua casa e no estúdio do East End com rotinas simples sem aulas, eles abriram espaço para a loucura criativa total. No filme Gilbert & George nos contam sobre sua arte e nos levam em uma de suas lendárias caminhadas por um bairro que fornece material para sua arte há mais de 50 anos.

Andy Warhol 1968
“Warhol 1968” é uma exposição sobre sua primeira exposição individual em um museu na Europa, no Moderna Museet em Estocolmo em 1968. Também tenta explorar a complexidade da obra de Warhol da perspectiva do ano crucial de 1968. Até 1968, Andy A arte de Warhol era uma mistura de fascínio e repulsa pela mídia de massa e consumismo. Com sua formação em publicidade, Warhol entendeu os mecanismos comerciais de nossa sociedade, algo que ele monotonamente e com aparente indiferença veio a espelhar em sua arte.

“Warhol 1968” revisita a exposição em 1968, apresentando o agora famoso papel de parede de vaca, fotos de parede da exposição, citações e críticas, justapondo-as com obras da coleção do Museu, incluindo Marilyn Monroe em Preto e Branco (1962), Brillo Boxes ( 1964), Chelsea Girls (1966), Ten-Foot Flowers (1967), Electric Chair (1967), Mao (1973) e Cows (1982–1987).

1968 foi turbulento política e culturalmente, na Suécia e em todo o mundo. Também foi um ano dramático para Warhol em nível privado, e ele foi vítima de uma tentativa de assassinato alguns meses após o encerramento da exposição de Estocolmo. Sua prática tomaria uma direção parcialmente nova a partir daí. Warhol tornou-se mais comercialmente calculista em sua arte e transformou sua assinatura em uma marca registrada que poderia ser usada em uma variedade de mídias. Devido ao clima político de esquerda em 1968, esperava-se que a exposição de Andy Warhol fosse criticada como propaganda americana. No entanto, as opiniões dos críticos de arte da Suécia diferiram amplamente.

“Warhol 1968” apresenta diferentes versões de suas Brillo Boxes, como uma conexão distinta entre o tempo antes e depois de 1968. Eles também descrevem o desenvolvimento da prática artística de Warhol e podem levar a discussões sobre o que pode ser considerado original e cópia na arte.

Sharon Hayes – Echo
De protestos de rua a espaços de arte – Sharon Hayes destaca o ativismo na cena artística e atualmente é uma voz seminal na arte política contemporânea americana. Esta exposição é a primeira em Estocolmo e apresenta tanto obras antigas como completamente novas. Siga Sharon Hayes em um passeio pela exposição “Echo”. Ela fala sobre as obras “Junte-se a nós”, “No Meu Cantinho do Mundo, Alguém Te Amaria”, “Exército Simbionês de Libertação (SLA)” e “Ricerche”, entre outras.

“Echo” explora a ideia da exposição como uma câmara de eco, onde Hayes permite que vozes e materiais reverberem entre diferentes eventos históricos. Ele também faz referência a uma interpretação feminista do mito clássico de Echo, a ninfa que é amaldiçoada por suas habilidades de conversação. Ela está condenada a repetir apenas fragmentos ditos por outros, sons destituídos de sentido.

Sharon Hayes nasceu em 1970 em Baltimore e agora mora na Filadélfia. Com formação em jornalismo e antropologia, ela veio para a cena do teatro experimental de Nova York no início dos anos 1990. Esta foi uma época e um lugar marcados pelo clima político polarizado da era Reagan, com sua negação da crise da AIDS. Com sua “Lesbian Love Tour” em 1996, que visitou quarenta e cinco “salas de estar lésbicas” em quase o mesmo número de cidades, Sharon Hayes trouxe o ativismo para a cena artística. Hayes é atualmente um dos artistas mais influentes politicamente e socialmente comprometidos nos Estados Unidos.

Sharon Hayes explora o poder da palavra falada em obras que vão desde o endereço inteiramente pessoal à agitação sobre questões sociais urgentes. Ao usar vozes individuais, ela intencionalmente nos impede de nos relacionarmos com perspectivas pré-concebidas, sejam elas universais ou específicas. Em suas performances, fotografias e peças de som e vídeo, ela transfere o discurso privado para a esfera pública. Um aspecto central de seu trabalho é a relação entre linguagem, história e política.

Um trabalho completamente novo será apresentado como parte do projeto “Ricerche” de Hayes – feito em diálogo com “Comizi d’amore” (1965), o filme de entrevista de Pier Paolo Pasolini sobre sexo e relações. As entrevistas de Hayes com diferentes grupos mapeiam uma situação contemporânea, mas também constroem um arquivo vivo de vozes sobre os desafios de possuir a própria identidade – conversas com um potencial radical e transformador.

Arthur Jafa – uma série de interpretações totalmente improváveis, mas extraordinárias
Urgente, político e extremamente atual – depois de duas décadas no cinema, Arthur Jafa entra no cenário artístico. Com trabalhos em vídeo altamente carregados, ele desvenda a história da América e explora as condições para uma cultura visual afro-americana contemporânea. A exposição é sobre a estética negra e o impacto da cultura negra na cultura ocidental ao longo dos séculos XX e XXI. Para esta exposição, Jafa convidou o fotógrafo Ming Smith e a artista visual Frida Orupabo, e incluiu material do canal Missylanyus no Youtube, para construir uma experiência sonora e de imagem politicamente reflexiva e visionária.

Arthur Jafa nasceu em 1960 em Tupelo, Mississippi, e mora em Los Angeles. Depois dos estudos de arquitetura, Jafa embarcou na carreira de diretor de fotografia. Ele trabalhou com Spike Lee no filme “Crooklyn”, com Stanley Kubrick em “Eyes Wide Shut” e Julie Dash em “Daughters of the Dust”, o primeiro filme dirigido por uma mulher afro-americana que teve distribuição em todo o EUA. Jafa também fez videoclipes para Solange, Kanye West e Jay-Z. Na Bienal de Veneza 2019, Arthur Jafa recebeu o Leão de Ouro de melhor artista da exposição central.

A obra de Jafa é criada no presente tendo como pano de fundo a história dos Estados Unidos. Por meio de filme, fotografia e material encontrado, ele investiga eventos na história afro-americana. Com base em seu próprio conhecimento profundo e referências a outros artistas, escritores e acadêmicos, como John Akomfrah, Toni Morrison e Fred Moten, Jafa faz interpretações novas e desafiadoras da sociedade de hoje. As narrativas de Arthur Jafa remontam à história americana, às cicatrizes que o comércio transatlântico de escravos deixou em sua cultura e povo. “Como você faz um cinema negro com o poder, a beleza e a alienação da música negra?” é um mantra que, segundo Jafa, sempre fez parte do processo criativo.

Museu de Arte Moderna de Estocolmo
O Moderna Museet foi inaugurado na casa de exercícios em Skeppsholmen, em 9 de maio de 1958. O Superintendente do Museu Nacional, Otte Sköld, lembrou em seu discurso inaugural que já em 1908 o problema da arte local atual no Museu Nacional havia sido resolvido a sério e a ideia de um novo prédio para essas coleções. Pouco antes de sua morte, Otte Sköld viu por si mesmo o museu realizado e seu compromisso com a criação do novo museu foi decisivo. Juntamente com, entre outros, os Amigos do Museu Moderno, fundado em 1953, deu à coleção de arte do século XX do Museu Nacional uma casa própria. Os superintendentes de direção do museu, Pontus Hultén e Olle Granath, vieram com seus contatos e iniciativas para perseguir essas intenções nas décadas seguintes.

O museu foi inaugurado em 1958, quando foi transferido do Nationalmuseum para uma antiga sala de exercícios da marinha em Skeppsholmen, em Estocolmo. O edifício atual foi concluído em 1998, contíguo às antigas instalações do museu, e é projetado pelo arquiteto espanhol Rafael Moneo. Moderna Museet também foi inaugurado em Malmö em 2009.

A coleção Moderna Museet agora compreende cerca de 6.000 pinturas, esculturas e instalações, 25.000 aquarelas, desenhos e gravuras, 400 vídeos de arte e filmes e 100.000 fotografias. A coleção abrange pinturas, esculturas, instalações, filmes, vídeos, desenhos e gravuras de artistas suecos e internacionais dos séculos 20 e 21 e fotografia dos anos 1840 até hoje.

Apenas uma fração da coleção pode estar em exibição. Mas nos permite explorar e reformular a narrativa histórica da arte padrão por meio de novos insights e mudanças constantes na exposição. Isso inclui Moderna Museet Malmö, com seu ângulo inovador na seleção e exibição de obras da coleção desde a inauguração em 2009.

O cargo de curador responsável pela coleção de arte internacional a partir de 1989 faz parte do grupo Art, que é uma divisão do departamento de Exposições e Coleção do Moderna Museet em Estocolmo. Há seis curadores com responsabilidade de coleção no grupo.

Desde 2009, o museu também possui uma filial em Malmö. O museu é uma autoridade administrativa estatal tutelada pelo Ministério da Cultura e tem, segundo as suas instruções, a função de colecionar, preservar, expor e comunicar a arte dos séculos XX e XXI em todas as suas formas. Moderna Museet promoverá contatos internacionais através da colaboração com instituições fora da Suécia na forma de exposições itinerantes, e também será responsável pela participação sueca em bienais internacionais de arte. O Museu Moderno é também um museu central, com responsabilidade nacional na sua área.

Moderna Museet é uma plataforma estimulante para pessoas e arte, oferece ao público formas elevadas, envolventes e diretas de encontrar a arte em termos iguais. Moderna Museet inspira e cria espaço para novas ideias por ser uma plataforma estimulante que torna a arte de classe mundial acessível a um amplo público.

O Moderna Museet organiza várias grandes exposições em Estocolmo e Malmö a cada ano, uma série de exposições de médio e pequeno porte. Em 2012, o museu em Estocolmo teve cerca de 500.000 visitantes e o museu em Malmö mais de 100.000 visitantes.