O Museu de Arte Moderna (Moderna Museet) é um museu estadual de arte moderna e contemporânea localizado na ilha de Skeppsholmen, um cenário de belezas naturais. Inaugurado em 1958, o prédio foi projetado pelo arquiteto espanhol Rafael Moneo. Em 2009, o museu abriu uma nova filial em Malmö, no sul da Suécia, Moderna Museet Malmö.
A paixão da Moderna Museet é mediar arte para as pessoas. Para abraçar, desafiar e inspirar as pessoas e somos movidos pela ambição de falar com muitos. Moderna Museet inclusivo e para celebrar a diversidade, reconhecendo que as pessoas chegam de diferentes pontos de partida. O Moderna Museet envolve um público mais amplo por meio do compartilhamento das maravilhas da arte.
O extraordinário poder da arte é nossa força vital. A arte surge e reflete seu próprio tempo. Permite perguntas que geram novas perspectivas; os artistas são uma força enorme e estimulam uma criatividade mais ampla. O Moderna Museet defende a arte porque abre novos caminhos e permite uma visão reflexiva da história e do presente.
Moderna Museet será uma plataforma estimulante para pessoas e arte, para ser um museu vibrante, aberto e dinâmico que existe como um espírito, que oferece ao público formas elevadas, envolventes e diretas de encontrar a arte em termos iguais. Moderna Museet inspira e cria espaço para novas ideias por ser uma plataforma estimulante que torna a arte de classe mundial acessível a um amplo público. Vamos definir novos padrões para museus de arte em todo o mundo.
Moderna Museet coleta, preserva, exibe e medeia arte moderna e contemporânea. Moderna Museet gerencia nosso patrimônio cultural com base nos mais altos padrões de excelência e gera pesquisas que levam a colaborações e reconhecimento internacional de alta qualidade. Moderna Museet é uma instituição líder em nossa área e acreditamos em compartilhar nosso conhecimento.
A coleção, pesquisa, exposições, mediação e comunicação do Moderna Museet devem se complementar e fertilizar; essas atividades não podem ficar sozinhas. Moderna Museet nos define com base nos contextos em que estamos envolvidos. Nosso objetivo de disponibilizar a maior arte ao maior número de pessoas possível deve se basear em práticas sustentáveis que levem em consideração os impactos ambientais e sociais. O Moderna Museet deve ser movido pela coragem de experimentar, ousar ultrapassar limites e seguir novos caminhos na forma como gerimos as nossas tarefas.
Yayoi Kusama – In Infinity
Yayoi Kusama – In Infinity é a primeira grande apresentação retrospectiva da obra de Kusama na Escandinávia, abrangendo toda a sua carreira artística desde o início dos anos 1950 até hoje. A exposição apresenta uma rica seleção de pinturas, desenhos e esculturas, incluindo instalações espaciais e materiais relacionados à performance, com atenção especial às obras do final dos anos 1980, após o retorno de Kusama ao Japão. É também a primeira exposição abrangente que mostra o interesse de Kusama por moda e design. Em exposição estão obras inéditas, além de uma série de pinturas feitas especialmente para Yayoi Kusama – In Infinity.
A exposição In Infinity exibe obras de Yayoi Kusama de 1948 até o presente. A obra de arte Suit (1962) da coleção Moderna Museet foi conservada e viajou por empréstimo com toda a turnê da exposição pela Dinamarca, Noruega, Suécia e viajará para a Finlândia. Exibidos junto com o material de arquivo privado de Kusama também estão descobertas empolgantes do próprio arquivo do Moderna Museet.
A notável prática artística de Yayoi Kusama (nascido em 1929) tem fascinado o público por mais de seis décadas. Como poucos outros artistas, ela se move decididamente entre a pintura e a escultura, entre a arte e o design e entre o Oriente e o Ocidente. Moderna Museet e ArkDes apresentam agora Kusama em uma exposição retrospectiva que cobre sua obra desde os primeiros estudos da natureza até instalações que suspendem o tempo e o espaço.
As imagens únicas de Kusama surgem das alucinações recorrentes que a perseguem desde a infância. Em suas alucinações, o mundo parecia coberto por pontos e formas repetitivas, como um céu estrelado infinito. A arte, para Kusama, tornou-se um método de dar forma a essas paisagens interiores. Em um esforço para colocar em palavras suas experiências, Kusama fala sobre o conceito de auto-obliteração – a ideia de se tornar um com o ambiente, dissolvendo as fronteiras do Eu e desaparecendo em um vazio que tudo abrange. Para compartilhar suas experiências, Kusama cria obras de arte que convidam os visitantes a se perderem nas infinitas redes, salas de espelhos e milhares de bolinhas com as quais cobre o mundo.
Em 1957, Yayoi Kusama trocou o Japão por Nova York. Aqui, no coração da vibrante cena artística dos anos 1960, ela criou muitas de suas obras mais importantes. Mais tarde, ela encenou protestos contra a guerra do Vietnã, marchas cercadas por seguidores hippie, performances políticas e orgias onde pintou os corpos nus dos participantes com pontos. Como uma mulher não ocidental no excludente mundo da arte dominado pelos homens, Kusama era uma ave rara, mas logo ganhou fama e reconhecimento. No final dos anos 1970, Kusama deixou Nova York. Alguns anos depois, ela retomou sua prática artística em Tóquio, fazendo pinturas e esculturas monumentais. Yayoi Kusama ainda trabalha em seu estúdio todos os dias e agora, ela é uma das artistas mais queridas do mundo.
A própria vida – Sobre a questão do que é essencialmente; suas materialidades, suas características …
A exposição Life Itself estende-se desde o início do século 20, quando artistas dentro e ao lado da vanguarda abstrata se esforçavam para categorizar a existência, e até o mundo atual de objetos existentes em um estado em algum lugar entre o que chamamos de vivos e não vivo. Entre os artistas apresentados na exposição estão Giovanni Anselmo, Olga Balema, Hicham Berrada, Joseph Beuys, Karl Blossfeldt, Victor Brauner, Trisha Donnelly, Pierre Huyghe, Tehching Hsieh, Josh Kline, Hilma af Klint, Helen Marten, Katja Novitskova, Philippe Parreno , Rachel Rose, Paul Thek e Rosemarie Trockel.
Life Itself, considerando que as tentativas de responder a essa questão pelas ciências e filosofias ocidentais têm se mostrado insatisfatórias. Desde os dias de Aristóteles, a própria vida permaneceu um mistério, apesar das incontáveis tentativas de cientistas e filósofos para chegar a uma definição. Apesar das teorias contemporâneas avançadas sobre sistemas complexos e o potencial vertiginoso da biologia sintética, ainda somos incapazes de determinar o que constitui a vida. Uma tentativa de abordar a questão por meio de uma exposição de arte, portanto, parece justificada, nem que seja para demonstrar maneiras de lidar com nossa incapacidade de encontrar uma resposta satisfatória.
Klee / Aguéli
As obras apresentadas nesta exposição – ao todo 86 pinturas e desenhos – podem ser resumidas com as palavras-chave criação, forma, anjo, signo e jardim. O surpreendente fenômeno de algo brotando do solo fascinou os dois artistas. Tão completamente comum e mundano, e ainda assim místico e divino. Os pintores Paul Klee (1879–1940, Suíça) e Ivan Aguéli (1869–1917, Suécia) viveram e trabalharam em uma época em que a sociedade ocidental moderna estava começando a tomar forma. Enquanto trens e máquinas de todo tipo aceleravam a vida e as viagens, esses dois artistas preferiam ficar com o olhar, em busca da “quarta dimensão” (Aguéli), ou de “outro mundo possível” (Klee), em contato com natureza e os objetos em seu entorno imediato.
Em 1914, Paul Klee foi para a Tunísia e descobriu que era pintor. No mesmo ano, Ivan Aguéli embarcou em sua terceira estada no Egito, país que deu forma a suas ideias sobre a vida e a arte. Pintor, anarquista, sufi e viajante, a história de vida de Aguéli já é um romance. Klee e Aguéli nunca se conheceram, mas são aqui apresentados juntos, numa exposição sobre os dois artistas e a sua relação com os fundamentos das artes visuais: a escolha do tema, o ato criativo e as qualidades da imagem.
Klee e Aguéli podem ser confundidos com reacionários, excêntricos ou contemplativos. Mas isso está errado. Eles mantiveram um diálogo estreito com a sociedade moderna: ambos eram intelectuais e críticos cultos, Aguéli publicou revistas e Klee ensinou na escola de arquitetura e artes da Bauhaus. Suas viagens, suas observações da natureza, a intimidade de suas pequenas pinturas e sua lenta contrariedade não foram motivadas por escapismo ou nostalgia, mas por suas visões sobre como e com quais valores a humanidade deveria abordar o presente e encontrar o futuro.
Em um mundo que seria marcado por duas guerras mundiais, Paul Klee buscou “alcançar uma associação feliz entre visão da vida e pura habilidade artística” e alcançar a maior liberdade possível através da contemplação, imaginação e brincadeira. Ivan Aguéli procurou fundir arte, religião e realidade, para encontrar uma alternativa à “era sórdida” ocidental. Sua fascinação inicial pelo anarquismo antitotalitário e pelo misticismo de Swedenborg inspirou longas estadas no Cairo, sua subsequente conversão ao Islã em 1898 e estudos intensos do Sufismo – o caminho mais espiritual do Islã, que enfatiza o amor e a proximidade com Deus.
Não faz diferença se chamamos isso de espiritualidade, imaginação ou brincadeira. Quando os dois artistas entram em contato com a realidade por meio do movimento rítmico do pincel contra o fundo, o que ocorre não é a representação, mas uma metamorfose do objeto à imaterialidade. A exposição Klee / Aguéli fala sobre como a pintura de um jardim ou de um bosque de palmeiras pode constituir um ato de resistência. Em nossa própria era turbulenta, é uma lembrança do grande potencial poético e político que pode ser embutido em um pequeno quadro pintado.
Momento – Lina Selander
Lina Selander é uma das mais inovadoras artistas de imagens em movimento da Suécia. Lina Selander nasceu em 1973 em Estocolmo, onde ainda vive e trabalha. Seus trabalhos giram em torno das imagens como memórias, impressões e representações. Seus filmes e instalações freqüentemente focam em conjunturas na história onde um sistema ou lugar físico entra em colapso e algo novo começa a emergir; a narrativa do cinema mecânico dando lugar à do vídeo digital, ou um sistema político ou econômico mergulhando em um novo.
Os filmes e instalações de Lina Selander podem ser lidos como composições ou modelos de pensamento, onde ideias e condições são pesadas e testadas. Ela examina as relações entre memória e percepção, fotografia e filme, linguagem e imagem. A edição precisa e rítmica e o uso do som criam sua própria temporalidade e uma forte pressão interna. A obra de Selander explora recorrentemente o fascínio pelos fenômenos e tecnologias que tornam as imagens possíveis, permitindo assim que a história seja documentada. A montagem é usada nos filmes para justapor imagens, embora acarrete uma perda potencial de conteúdo. A imagem encontra o texto em um fluxo onde o significado surge do aparentemente não relacionado, como ecos através e entre as obras.
As obras de Selander constituem um arquivo denso de observações, ocasionalmente em diálogo com outros filmes, arte ou literatura. Seus assuntos geralmente se originam de junções históricas ou ideológicas, onde um sistema ou lugar físico entra em colapso e algo novo começa a emergir. Enquanto sua exposição na Bienal de Veneza descreve um movimento entre a utopia e o colapso, a apresentação no Moderna Museet mostra três obras que exploram ainda mais as fronteiras reais ou figurativas.
Museu de Arte Moderna de Estocolmo
O Museu de Arte Moderna de Estocolmo é uma autoridade administrativa estatal do Ministério da Cultura e tem, de acordo com suas instruções, a tarefa de colecionar, preservar, exibir e comunicar a arte dos séculos 20 e 21 em todas as suas formas. Moderna Museet promoverá contatos internacionais através da colaboração com instituições fora da Suécia na forma de exposições itinerantes, e também será responsável pela participação sueca em bienais internacionais de arte. O Museu Moderno é também um museu central, com responsabilidade nacional na sua área.
Moderna Museet é um museu estadual com mandato nacional para arte moderna e contemporânea. A coleção está na vanguarda do gênero na Europa. O museu é um ponto de encontro de pessoas e arte com uma base sólida na sociedade e no mundo em geral. Com seu programa de exposições de classe mundial, projetos baseados em coleções e atividades educacionais, Moderna Museet tem presença local substancial e alcance internacional. O intercâmbio com outras instituições de arte ao redor do mundo é extenso.
Moderna Museet tem uma longa história de hospedagem de artistas internacionais para exposições, performances e outras apresentações inovadoras, bem como por meio de sua coleção de renome mundial. Experimente uma das principais coleções de arte da Europa do século XX até hoje, com obras de artistas como Picasso, Dali, Derkert e Matisse.
Com uma coleção de arte que compreende mais de 130.000 obras, Moderna Museet (Museu de Arte Moderna) é o principal museu de arte moderna e contemporânea da Suécia. Moderna Museet possui uma das melhores coleções de arte moderna e contemporânea da Europa. As coleções contêm pinturas contemporâneas, esculturas, fotografias e filmes de arte de 1900 em diante e, no caso de fotografias, também de cerca de 1840.
Ao combinar obras-primas internacionais de artistas como Warhol, Picasso e Dali com exposições temporárias de artistas proeminentes dos séculos 20 e 21, o Moderna Museet consegue atrair muitos visitantes que retornam para uma experiência artística em constante mudança. A coleção original era dominada pela arte sueca e nórdica, arte americana dos anos 1950 e 60 e modernismo de orientação francesa, no entanto, a coleção foi ampliada para incluir mais artistas mulheres e criar uma coleção mais versátil com obras de todo o mundo.
O Moderna Museet foi inaugurado na casa de exercícios em Skeppsholmen, em 9 de maio de 1958. O Superintendente do Museu Nacional, Otte Sköld, lembrou em seu discurso inaugural que já em 1908 o problema da arte local atual no Museu Nacional havia sido resolvido a sério e a ideia de um novo prédio para essas coleções. Pouco antes de sua morte, Otte Sköld viu por si mesmo o museu realizado e seu compromisso com a criação do novo museu foi decisivo. Juntamente com, entre outros, os Amigos do Museu Moderno, fundado em 1953, deu à coleção de arte do século XX do Museu Nacional uma casa própria. Os superintendentes de direção do museu, Pontus Hultén e Olle Granath, vieram com seus contatos e iniciativas para perseguir essas intenções nas décadas seguintes.
Em 14 de fevereiro de 2004, o prédio do museu foi reaberto com festividades. Além das reparações, aproveitou-se a oportunidade para melhorar alguns dos espaços, em parte para facilitar a deslocação dos visitantes pelo museu e em parte para utilizar o espaço da entrada superior de forma mais adequada. Paralelamente, o perfil gráfico do museu foi atualizado. Outra grande novidade na reabertura foi a introdução dos anfitriões do museu – pessoas que possuem uma variedade de habilidades, desde salvar vidas até serem capazes de contar aos visitantes sobre as obras de arte em exposições permanentes e temporárias. A razão para a introdução de novos anfitriões foi para atender ao grande aumento no número de visitantes desde que a taxa de admissão foi abolida.
Em 1901, o arquiteto John Smedberg estabeleceu um belo prédio de usina de eletricidade em Gasverksgatan 22. Nowaday, a missão de transformar o prédio em um museu mais apropriado foi para a premiada firma de arquitetos Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Eles optaram por estabelecer um novo anexo – uma adição contemporânea ao edifício histórico. E dar ao interior uma ordem espacial inteiramente nova.
O Moderna Museet organiza várias grandes exposições em Estocolmo e Malmö a cada ano, uma série de exposições de médio e pequeno porte. Em 2012, o museu em Estocolmo teve cerca de 500.000 visitantes e o museu em Malmö mais de 100.000 visitantes.
A coleção
Desde o início em 1958, o Museu é conhecido por sua estreita relação com os artistas – Marcel Duchamp, por exemplo, assinou várias de suas obras em Estocolmo no final de sua vida, e Andy Warhol teve sua primeira exposição individual em um museu na Europa em Moderna Museet em 1968.
A coleção Moderna Museet agora compreende cerca de 6.000 pinturas, esculturas e instalações, 25.000 aquarelas, desenhos e gravuras, 400 vídeos de arte e filmes e 100.000 fotografias. A coleção abrange pinturas, esculturas, instalações, filmes, vídeos, desenhos e gravuras de artistas suecos e internacionais dos séculos 20 e 21 e fotografia dos anos 1840 até hoje.
Graças a iniciativas de coleta direcionadas, o Museu conseguiu aumentar a amplitude e a profundidade de sua coleção. Em 1963, o Museu dos Nossos Desejos foi lançado, transformando o Museu instantaneamente em uma instituição de arte europeia líder; o governo contribuiu com SEK 5 milhões para a aquisição de obras icônicas de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico e muitos outros. Algumas décadas atrás, o exercício foi repetido, mas desta vez destacando apenas mulheres artistas – obras de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller e outras foram adicionadas à coleção.
Apenas uma fração da coleção pode estar em exibição. Mas nos permite explorar e reformular a narrativa histórica da arte padrão por meio de novos insights e mudanças constantes na exposição. Isso inclui Moderna Museet Malmö, com seu ângulo inovador na seleção e exibição de obras da coleção desde a inauguração em 2009.
Uma grande coleção de arte é o melhor ponto de partida possível para experimentos visuais e intelectuais. Moderna Museet, como um museu aberto e vivo, está constantemente reescrevendo a história padrão do modernismo, frequentemente reformulando sua coleção de maneiras novas e radicais. Desde 2009, o Museu tem dois locais, Estocolmo e Malmö, onde seleções inovadoras de obras da coleção têm sido apresentadas regularmente desde a inauguração. Algumas das obras icônicas, como a paisagem marroquina de Henri Mattisse (Acanthus), o monograma de Robert Rauchenberg e a escultura de Eva Hesse, sem título, estão quase sempre disponíveis para verificação.