수채화 물감

수채화는 페인트가 수성 용액에 부유 된 안료로 만들어진 도장 방법입니다. 수채화 물감은 매체와 결과물을 모두 말합니다. 현대의 수채화 물 대신에 수용성 유색 잉크로 페인트 한 Aquarelles는 “aquarellum atramento”(라틴어로 “잉크로 만든 수제”라 함)라고합니다. 그러나이 용어는 점점 더 사용되지 않고 있습니다.

페인트가 적용되는 전통적이고 가장 보편적 인 지원 – 수채화 물감의 경우 종이입니다. 다른 지원에는 파피루스, 나무 껍질, 플라스틱, 피지, 가죽, 직물, 목재 및 캔버스가 포함됩니다. 수채화 물감은 종종 전체적으로 또는 부분적으로면으로 만들어 지므로 젖은 상태에서 좋은 질감과 왜곡을 최소화합니다. 수채화 물감은 일반적으로 반투명하고 안료 색상이 불분명 한 채우기가 거의없는 순수한 형태로 안료가 내려지기 때문에 빛나는 것처럼 보입니다. 수채화 물감은 중국어를 추가하여 불투명하게 만들 수도 있습니다.

동아시아에서는 잉크가 칠해진 수채화 그림을 붓 그림 또는 스크롤 그림이라고합니다. 중국어, 한국어, 일본어 회화에서는 주로 검정색이나 갈색의 흑백이 지배적 인 매체였습니다. [clarification needed] 인도, 에티오피아 및 다른 국가에서도 수채화 그림 전통이 오래되었습니다. 수채화 물감으로 된 핑거 페인트는 중국 본토에서 시작되었습니다.

역사
수채화 물감은 구석기 시대 유럽의 동굴 벽화에 아마도 오래도록 남아 있으며, 적어도 이집트 시대부터 원고 일러스트레이션에 사용되었지만, 특히 유럽 중세 시대에 사용되었습니다. 그러나 예술 매체로서의 지속적인 역사는 르네상스로 시작됩니다. 식물상, 야생 생물, 수채화 물감을 여러 개 페인트 한 독일 북부 르네상스 예술가 Albrecht Dürer (1471-1528)는 일반적으로 수채화의 가장 빠른 지수 중 하나로 간주됩니다. 독일의 수채화 그림 학교 중 중요한 학교는 뒤 스 르 르네상스 (Dürer Renaissance)의 일환으로 한스 볼 (Hans Bol, 1534-1593)이 주도했습니다.

이 초기 시작에도 불구하고 수채화 물감은 일반적으로 스케치, 카피 또는 만화 (본격적인 디자인 도면)에 대해서만 바로크 이젤 화가에 의해 사용되었습니다. 수채화 그림의 주목할만한 초기 실무자는 Van Dyck (영국 체류 중), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione 및 네덜란드와 플랑드르의 많은 예술가들이었습니다. 그러나 식물 그림과 야생 동물 그림은 아마도 수채화 그림에서 가장 오래되고 중요한 전통을 형성 할 것입니다. 식물 일러스트레이션은 르네상스 시대에 인기를 얻었는데, 책이나 브로드 쉬트에서 수작업으로 색칠 된 삽화 일러스트와 모조 피지 또는 종이에 색칠 된 잉크 드로잉 모두로 나타났습니다. 식물 예술가는 전통적으로 가장 정확하고 완성 된 수채화 물감이었습니다. 오늘날에도 수채화 물은 풀 컬러로 요약, 명확화 및 이상화 할 수있는 고유 한 기능을 사용하여 과학 및 박물관 간행물을 설명하는 데 사용됩니다. 야생 동물 일러스트레이션은 존 제임스 오 듀본 (John James Audubon)과 같은 예술가들과 함께 19 세기에 정점을 이루었으며, 오늘날 많은 자연주의 현장 가이드는 여전히 수채화로 그려져 있습니다.

영어 학교
특히 영국에서 수채화 물감의 확산에 기여한 요인은 여러 가지가 있습니다. 엘리트와 귀족 계급 중 수채화 그림은 훌륭한 교육의 부수적 인 꾸밈 중 하나였습니다. 지도 제작자, 군 장교 및 엔지니어들은 속성, 지형, 요새화, 지질학을 묘사하고 공공 작업이나 위임 된 프로젝트를 보여주는 데 유용하게 사용했습니다. 수채화 작가들은 일반적으로 지중해, 아시아 및 신세계의 발견을 문서화하기 위해 Dilettanti 학회 (1733 년 설립)의 지원을 받아 지질 조사 또는 고고학 탐사에 참여했습니다. 이 원정 여행은 세련된 젊은이들이 착수 한 이탈리아 그랜드 투어를 따라 유적지 (유적지)의 유품 그림을 쏟아내는 지형 화가에 대한 수요를 자극했습니다.

18 세기 후반, 영국 성직자 인 윌리엄 길핀 (William Gilpin)은 잉글랜드 농촌 전역의 그림 같은 여행을 묘사하는 엄청나게 인기있는 서적을 저술했으며, 강 계곡, 고대 성 및 버려진 교회의 자기 수필 감상적인 단색 수채화로 설명했습니다. 이 예는 개인 여행지의 한 형태로서 수채화 물을 대중화했습니다. 이러한 문화적, 공학적, 과학적, 관광 적, 아마추어 적 관심의 합류는 분명하게 영어 “국가 예술”로서 수채화의 축하와 홍보에 절정에 달했다. William Blake는 단테의 지옥에 삽화를 제공 한 수작업으로 채색 된시를 여러 권 발간했으며, 수채화로 대형 모노 타입 작품을 실험했습니다. 이시기의 다른 중요한 수채화 작가 중에는 Thomas Gainsborough, John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo Rooker, William Pars, Thomas Hearne 및 John Warwick Smith가 있습니다.

18 세기 말부터 19 세기까지 인쇄 된 서적과 국내 예술 시장은 매체의 성장에 크게 기여했습니다. 수채화 물감은 수집 가능한 경관이나 여행자 조각이 개발 된 기본 문서로 사용되었으며, 수채화로 만든 수채화 원본 또는 유명한 그림의 사본은 많은 상류층 예술 포트폴리오에 기여했습니다. 루돌프 애 커먼 (Rudolph Ackermann)에 의해 출판 된 토마스 로랜드 슨 (Thomas Rowlandson)의 풍자적 인 폭풍은 또한 매우 인기가있었습니다.

독립적 인 성숙한 그림 매체로 수채화를 설립 한 것으로 인정 된 세 명의 영국 작가는 Paul Sandby (1730-1809)이며, 종종 “영어 수채화의 아버지”라고 불립니다. 대형 포맷, 로맨틱 한 또는 그림 같은 풍경화에 대한 사용을 개척 한 Thomas Girtin (1775-1802); 그리고 조셉 Mallord William Turner (1775-1851)는 수채화 물감을 힘과 세련미의 최고 음조까지 가져 왔고 뛰어난 역사적, 지형적, 건축 학적, 신화 적 수채화 그림을 수백 가지 만들었습니다. 젖은 종이로 만든 크고 막연한 색 영역에서부터 수채화 그림을 단계적으로 개발 한 다음, 일련의 세척과 유약을 통해 이미지를 정제함으로써 “작업장 효율성”으로 많은 수의 그림을 제작하고 그를 만들었습니다 그의 개인 갤러리에서 판매 한 부분적으로 백만장 자, 그 종류의 첫 번째. 중요하고 매우 재능있는 동시대 인 Turner and Girtin에는 John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell 및 Samuel Prout가있었습니다. 스위스 화가 인 Abraham-Louis-Rodolphe Ducros는 수채화로 만든 로맨틱 한 그림으로도 유명합니다.

아마추어 활동, 출판 시장, 중산층 미술 수집 및 19 세기 기술의 합류로 영국 수채화 그림 사회가 형성되었습니다 : 수채화 물감 화가 협회 (현재 1804, 현재는 Royal Watercolor Society로 알려짐)와 New 수채화 학회 (1832, 현재는 수채화 물감의 왕립 연구소라고 알려져 있음). (수채화 물감의 스코틀랜드 학회는 1878 년에 설립되었으며 지금은 수채화 물감의 화가 협회 (Royal Scottish Society of Watercolor)로 알려져 있습니다.)이 사회는 많은 예술가들을 위해 매년 개최되는 전시회와 구매자 추천을 제공했습니다. 그들은 또한 전통적 ( “투명”) 수채화 옹호자와 몸 색깔 또는 구 아슈 ( “불투명”수채화 물감)로 가능한 조밀 한 색상의 얼리 어답터 사이에서 사소한 경쟁과 미학적 인 논쟁에 참여했습니다. 조지아 후기와 빅토리아 시대의 예술가 들인 Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles로 인해 가장 인상적인 19 세기 작품 중 영국 수채화의 정점을 만들었습니다 Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier, Arthur Melville 등 많은 사람들이 참여했습니다. 특히, 리차드 파크 스 본 ington (Richard Parkes Bonington)의 우아하고, 매력적이고, 분위기있는 수채화 ( “장르 그림”)는 1820 년대 영국과 프랑스에서 수채화 그림을 그리는 국제 유행을 만들었습니다.

수채화의 인기로 인해 무겁고 크기가 큰 wove paper 및 수채화 물감 용으로 특별히 제조 된 브러시 ( “pencils”)가 포함 된 많은 혁신이 이루어졌습니다. 수채화 물감 자습서는 Varley, Cox 및 다른 사람에 의해이 기간에서 처음으로 간행되고, 오늘 장르를 아직도 성격을 나타내는 단계적인 회화 지시를 설치했다; 영국 예술 평론가 존 러스킨 (John Ruskin)의 수채화 작품 인 ‘드로잉 요소 (Elements of Drawing)’는 1857 년에 처음 출판 된 이래로 절판되었습니다. 수채화 브랜드가 시판되었고 페인트는 금속 튜브 또는 드라이 케익으로 포장되었습니다. 스튜디오 도자기에서 “녹아 내린”(녹아 내린) 또는 현장의 휴대용 금속 페인트 상자에 사용되었습니다. 화학 분야에서의 획기적인 발전으로 프 러시안 블루, 울트라 마린 블루, 코발트 블루, 비리 디안, 코발트 바이올렛, 카드뮴 옐로우, 아우로 올린 (아연 백금), 아연 화이트 및 광범위한 카민 및 메더 레이크를 비롯한 많은 새로운 안료가 개발되었습니다. 이러한 안료는 모든 그림 매체에서 색상을 더 많이 사용하도록 자극했지만 영어 수채화 물감에서는 특히 Pre-Raphaelite Brotherhood에서 더 많이 사용되었습니다.

미국

John Singer Sargent, White Ships. 브루클린 박물관
수채화 물감은 또한 19 세기 동안에 미국에서 대중적되었다; 뛰어난 초기 실무자로는 John James Audubon과 William H. Bartlett 및 George Harvey와 같은 초기 Hudson River School 화가들이 포함되었습니다. 19 세기 중엽, John Ruskin의 영향으로 수채화, 특히 John W. Hill Henry, William Trost Richards, Roderick Newman 및 Fidelia Bridges와 같은 예술가의 상세한 “Ruskinian”스타일의 사용이 증가했습니다. 미국의 수채화 협회 (American Society of Painters in Watercolor, 현재 미국 수채화 협회)는 1866 년에 설립되었습니다. 19 세기 후반 미국계 매체의 토마스 모란, 토마스 에이킨 스, 존 라 파지, 존 싱거 서전트, 윈 슬로우 호머.

유럽
수채화는 유럽 대륙에서 덜 인기가있었습니다. 18 세기에는 이탈리아 출신의 예술가 마르코 리치 (Marco Ricci)와 프란 세스코 주 커렐리 (Francesco Zuccarelli)의 구아 슈가 널리 사용되었습니다. 구 아슈 (Gouache)는 프랑스의 많은 예술가들에 의해 사용되었습니다. 19 세기에는 영국 학교의 영향으로 프랑스의 “투명한”수채화가 대중화되었으며 유진 델라 크로이, 프랑수아 마리우스 그라 네트, 앙리 – 조셉 하피니, 풍자 오노 레 다 미미에 중요한 매체가되었습니다. 수채화 물감에서 자주 일했던 다른 유럽 화가들은 독일의 Adolph Menzel과 폴란드의 Stanisław Masłowski였다.

유감스럽게도 빛에 노출되면서 급속하게 퇴색하는 밝은 색의 석유 유래 아닐린 염료 (및 그로부터 합성 된 안료)의 부주의하고 과도한 채택과 대영 박물관이 계승 한 2 만개의 JMW 터너 그림을 올바르게 보존하기위한 노력 1857 년에 수채화 물감 안료의 영구성에 대한 시험과 부정적인 재평가가있었습니다. 이로 인해 지위와 시장 가치가 급격히 하락했습니다. 그럼에도 불구하고 고립 된 종사자들은 계속해서 매체를 선호하여 20 세기로 발전시켰다. 화려한 조경과 해상 수채화 물감은 Paul Signac에 의해 만들어졌고 Paul Cézanne은 완전히 순수한 색의 중첩 된 작은 유약으로 이루어진 수채화 그림 스타일을 개발했습니다.

20 세기와 21 세기
수채화, 수줍음 Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele 및 Raoul Dufy에서 중요한 작품을 제작 한 많은 20 세기 예술가 중에서 언급해야합니다. 미국의 주요 지수는 Charles Burchfield, Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Charles Demuth, John Marin (전체 작품의 80 %는 수채화)입니다. 이시기에 미국의 수채화 그림은 종종 유럽의 인상주의와 후기 인상주의를 모방했지만, 중요한 개인주의는 1920 년대부터 1940 년대까지 수채화 그림의 “지역적”스타일로 번창했습니다. 특히 클리브랜드 미술관을 중심으로 한 화가들의 “클리블랜드 스쿨”이나 “오하이오 스쿨”은 캘리포니아의 할리우드 애니메이션 스튜디오 또는 Chouinard Art Institute (현재 캘리포니아 예술 학교)와 관련이 있습니다. 캘리포니아의 화가들은 주 전역의 다양한 지형, 지중해 기후 및 야외 또는 “공기를 통한 공기”의 전통을 되살리는 “자동차”를 이용했습니다. 그들 중 가장 영향력있는 것은 Phil Dike, Millard Sheets, Rex Brandt, Dong Kingman 및 Milford Zornes였습니다. 1921 년에 설립되어 나중에 National Watercolor Society로 이름을 바꾼 캘리포니아 수채화 학회 (California Water Colour Society)는 중요한 작품 전시회를 후원했습니다.

추상적 표현주의의 등장과 아마추어 화가 및 광고 또는 워크샵에 영향을 미치는 그림 스타일의 영향이 미비하여 c. 수채화 그림의 인기가 일시적으로 감소했다. 1950 년 수채화 작가 Martha Burchfield, Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fischl, Gerhard Richter, Anselm Kiefer, Francesco Clemente와 같은 예술가들이 계속해서 활용하고 있습니다. 스페인에서는 Ceferí Olivé가 라파엘 알론소 로페즈 – 몬테로 (Rafael Alonso López-Montero)와 프란체스코 토네가 발달 (Francesc Torné Gavaldà)과 같은 학생들의 혁신적인 스타일을 창조했습니다. 멕시코에서 주요 지수는 Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola 및 Velázquez 목사입니다. 이 그림 기법에 많은 추종자가있는 카나리아 제도에는 Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada 및 Alberto Manrique와 같은 눈에 띄는 예술가가 있습니다.