세실리아 알레마니(Cecilia Alemani)가 기획한 “꿈의 우유(The Milk of Dreams)”라는 제목의 제59회 베네치아 비엔날레 국제 미술 전시회가 2022년 4월 23일 토요일부터 11월 27일 일요일까지 대중에게 공개되었습니다. 전시회는 중앙관(지아르디니)에서 열립니다. 58개국에서 온 213명의 예술가를 포함한 Arsenale; 이 중 180개사가 국제전시회에 처음으로 참가한다. 1433년에 전시된 작품과 오브제, 80개의 새로운 프로젝트가 Arte 비엔날레를 위해 특별히 구상되었습니다.

“꿈의 우유(The Milk of Dreams)” 전시회는 레오노라 캐링턴(Leonora Carrington)의 다른 세계의 생물과 다른 변형 인물을 신체의 변형과 인간의 정의를 통한 상상의 여행에 동반자로 데려갑니다. 꿈의 우유는 초현실주의 예술가가 상상의 프리즘을 통해 삶이 끊임없이 재구상되는 마법의 세계를 묘사하는 Leonora Carrington(1917-2011)의 책에서 제목을 따왔습니다. 모든 사람이 변화하고, 변형되고, 무언가 또는 다른 사람이 될 수 있는 세상입니다. 자유로워지고 가능성이 가득한 세상.

그러나 그것은 또한 Carrington을 망명의 삶으로 몰아넣은 자기 정의에 참을 수 없는 압력을 가한 세기의 비유이기도 합니다. 그리고 항상 고정되고 일관된 정체성의 제약을 벗어나는 미스터리. 이번 전시는 지난 몇 년간 작가들과의 많은 대화를 바탕으로 한다. 이러한 대화에서 계속해서 나오는 질문은 종의 생존이 위협받는 역사의 이 순간을 포착하는 것처럼 보이지만 동시에 우리 시대의 과학, 예술 및 신화에 만연한 다른 많은 질문을 요약하기도 합니다.

인간의 정의는 어떻게 변하고 있습니까? 생명을 구성하는 것은 무엇이며 식물과 동물, 인간과 비인간을 구별하는 것은 무엇입니까? 행성, 다른 사람들, 그리고 다른 생명체에 대한 우리의 책임은 무엇입니까? 그리고 우리가 없는 삶은 어떤 모습일까요? 다음은 특히 세 가지 주제 영역에 초점을 맞춘 이번 아르테 비엔날레의 안내 질문 중 일부입니다. 개인과 기술 간의 관계; 몸과 지구 사이의 연결.

많은 현대 예술가들은 인간에 대한 현대 서구의 시각, 특히 우주의 고정된 중심이자 만물의 척도인 백인 남성의 보편적 이상으로 추정되는 보편적 이상에 도전하는 포스트휴먼 조건을 상상하고 있습니다. 대신 예술가들은 Carrington의 특별한 생물과 다르지 않은 다공성, 잡종, 다양한 존재가 거주하는 세계와 종 사이의 새로운 동맹을 제안합니다. 점점 더 침략적인 기술의 압력으로 신체와 사물의 경계가 완전히 변형되어 주관성, 계층 구조 및 해부학을 다시 매핑하는 심오한 돌연변이가 발생했습니다.

오늘날 세계는 과학을 통해 인체가 끝없이 완성될 수 있다고 약속하는 기술적 낙관론과 자동화와 인공 지능을 통한 기계의 완전한 인수에 대한 두려움 사이에서 극적으로 분열된 것 같습니다. 이 균열은 코비드-19 팬데믹 동안 더욱 확대되었으며, 이로 인해 우리는 훨씬 더 멀어지고 전자 기기의 화면 뒤에 인간 상호 작용의 많은 부분이 갇혔습니다.

기술의 압박, 고조되는 사회적 긴장, 전염병의 발발, 다가오는 환경 재앙의 위협은 우리에게 매일같이 우리에게 인간의 육체로서 천하무적도 자급자족도 아닌 공생의 거미줄의 일부라는 사실을 매일 상기시켜줍니다. 우리를 서로, 다른 종, 그리고 지구 전체에 묶는 상호의존성.

이러한 분위기에서 많은 예술가들은 인간 중심주의의 종말을 꿈꾸며, 비인간, 동물 세계, 지구와의 새로운 교감을 축하합니다. 그들은 종 사이, 유기물과 무기물, 생물과 무생물 사이의 친족감을 배양합니다. 다른 이들은 아마도 보편적인 시스템의 해체에 반응하여 지식의 국지적 형태와 새로운 정체성 정치를 재발견합니다. 또 다른 사람들은 페미니스트 이론가이자 활동가인 실비아 페데리치(Silvia Federici)가 “세계의 재매혹”이라고 부르는 것을 실천하며, 레오노라 캐링턴(Leonora Carrington)과 거의 같은 방식으로 토착 전통과 개인 신화를 혼합합니다.

전시회
전시회는 Giardini의 중앙 파빌리온, Corderie, Artiglierie, Arsenale 단지의 Gaggiandre 및 Giardino delle Vergini의 야외 공간에서 진행됩니다. 이번 전시는 19세기 이후의 역사적 작품들과의 대화를 통해 현대 미술 작품과 아르테 비엔날레를 위해 특별히 고안된 새로운 프로젝트를 선보인다.

Milk of Dreams에는 58개국에서 온 200명 이상의 아티스트가 포함되어 있습니다. 이들 중 180명 이상이 지금까지 국제 미술 전시회에 참가한 적이 없습니다. 127년 역사상 처음으로 비엔날레는 대다수의 여성과 성별에 어긋나는 예술가들을 포함할 예정이며, 예술의 역사에서 남성의 중심성에 대한 고의적인 재고와 창의적인 열풍으로 가득 찬 국제 예술계를 반영하는 선택이 될 것입니다. 그리고 현대 문화.

방문자가 센트럴 파빌리온과 코더리의 전시회를 통해 이동하면서 다섯 개의 더 작고 역사적인 섹션, 즉 예술 작품의 미니어처 별자리, 발견된 물건 및 문서가 특정 핵심 주제를 탐색하기 위해 함께 모여 있는 것을 만납니다. 타임캡슐처럼 고안된 이 쇼는 조사와 성찰의 추가 도구를 제공하며, 주요 박물관 대출 및 비 전통적인 선택을 포함한 과거의 작품을 주변 공간의 현대 예술가 작품과 연결하는 참조 및 반향의 웹을 엮습니다. .

이 광범위하고 초역사적인 접근 방식은 예술적 방법과 관행 사이의 혈연 관계와 유사성을 추적하여 세대를 초월하여 의미의 새로운 층을 만들고 현재와 과거를 연결합니다. 나타나는 것은 직접적인 상속이나 갈등의 시스템이 아니라 공생, 연대, 자매애의 형태를 중심으로 구축된 역사적 내러티브입니다.

디자인 듀오 포르마판타스마(Formafantasma)와 공동으로 개발한 건축 공간의 특정 안무를 통해 이 “캐비닛”은 또한 취향의 위계와 포함 및 배제의 메커니즘을 설정하는 박물관 및 전시 관행을 중심으로 예술의 역사가 어떻게 구성되는지에 대한 반성을 촉발합니다. 이 캡슐에 담긴 많은 이야기는 아직 공식 정경에 흡수되지 않았으며 너무 오랫동안 사소하고 모호한 것으로 여겨져 왔습니다.

따라서 이 섹션은 역사 내러티브가 최종적인 것으로 간주될 수 없다는 것이 그 어느 때보다 명확해진 지난 몇 년을 특징짓는 역사를 다시 쓰고 다시 읽는 복잡한 과정에 참여합니다.

아티스트
Milk of Dreams의 지점은 5개의 캡슐 중 첫 번째 캡슐이 Eileen Agar, Leonora를 비롯한 역사적인 전위 운동의 여성 예술가들의 작품 컬렉션을 특징으로 하는 Central Pavilion의 낮은 수준에 있는 갤러리입니다. Carrington, Claude Cahun, Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning, Remedios Varo. 초현실주의 전시회에서 영감을 받은 앙상블에서 보여지는 이들 및 다른 20세기 초 여성 예술가들의 작품은 변형과 해방에 대한 열망에 따라 해부학과 정체성이 이동하고 변화할 수 있는 놀라운 영역을 불러옵니다.

센트럴 파빌리온의 다른 갤러리에서 볼 수 있는 현대 미술가들의 작품에서도 동일한 사고 방식이 많이 반영됩니다. Aneta Grzeszykowska, Julia Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen, Andra Ursuţa에 의해 소집된 돌연변이체는 자기 재창조의 수단이든 불안한 마음이든 간에 유기물과 인공물의 새로운 합병을 제안합니다. 점점 더 비인간화되는 미래를 미리 맛본다.

예를 들어 Agnes Denes, Lillian Schwartz, Ulla Wiggen의 작품이나 Dadamaino, Laura Grisi, Grazia Varisco의 화면 같은 표면과 같이 인간과 기계의 관계는 많은 작품에서 분석됩니다. 1960년대 프로그래밍된 예술과 키네틱 추상화를 탐구하는 두 번째 역사적 프레젠테이션에서 수집되었습니다.

신체와 언어 간의 유대는 기관 역사상 최초의 공개적으로 페미니스트 전시회 중 하나인 1978년 아르테 비엔날레에서 열린 시각 및 구체적인 시의 쇼케이스인 Materializzazione del linguaggio에서 영감을 받은 또 다른 캡슐의 핵심입니다. Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier, Giovanna Sandri, Mary Ellen Solt의 시각적이고 구체적인 시가 Eusapia Palladino, Georgiana Houghton, Josefa Tolrà의 자동 쓰기 및 매체적 의사 소통 실험 및 기타 “여성적인 글쓰기” 형식과 나란히 있습니다. “는 Gisèle Prassinos의 태피스트리에서 Unica Zürn의 현미경 사진에 이르기까지 다양합니다.

Bronwyn Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman, Charline von Heyl과 같은 현대 예술가의 작품에서도 기호, 기호 및 사설 언어가 발생하며 Jacqueline Humphries의 활자 그림은 Carla Accardi의 문자 및 기계 코드와 나란히 배치됩니다. Charlotte Johannesson, Vera Molnár 및 Rosemarie Trockel의 예술을 알려줍니다.

이러한 하이퍼 테크놀로지 시나리오와 대조적으로 Paula Rego와 Cecilia Vicuña의 그림과 조립품은 동물과 인간 사이의 새로운 형태의 공생을 구상하는 반면, Merikokeb Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal 및 Alexandra Pirici는 환경 문제를 고대 고풍과 엮인 내러티브를 만듭니다. 신, 혁신적인 에코페미니스트 신화를 낳습니다.

Arsenale의 전시회는 상상의 모계 사회를 묘사하기 위해 아프리카-쿠바 전통을 그리는 예술가 Belkis Ayón의 작품으로 시작됩니다. 예술의 신화 형성 가능성에 대한 재발견은 Ficre Ghebreyesus의 대규모 그림과 Portia Zvavahera의 환각적 환상뿐만 아니라 Frantz Zéphirin과 Thao Nguyen Phan의 우화적 구성에서 역사, 꿈, 종교를 혼합한 작품에서도 볼 수 있습니다. 아르헨티나의 예술가 Gabriel Chaile은 토착 지식과 식민주의의 고정 관념을 뒤엎고 불에 타지 않은 점토로 만든 새로운 일련의 기념비적인 조각품을 선보입니다.

전시에 참여한 많은 작가들은 지구와 자연과의 복잡하고 새로운 관계를 상상하며 다른 종, 환경과 공존할 수 있는 전례 없는 방식을 제시합니다. Eglė Budvytytė의 비디오는 리투아니아의 숲에서 길을 잃은 한 무리의 젊은이들의 이야기를 전하며 Zheng Bo의 새 비디오에 등장하는 인물들은 자연과 완전히 – 심지어는 성적으로 – 교감하며 살고 있습니다. Sámi 예술가 Britta Marakatt-Labba가 수놓은 눈 덮인 장면에서도 비슷한 경이감을 발견할 수 있으며, Sheroanawe Hakihiiwe의 작품과 Jaider Esbell의 꿈 같은 작품에서 고대 전통도 새로운 형태의 생태적 행동주의와 겹칩니다.

Corderie는 공상과학 작가 Ursula K. Le Guin과 그녀의 소설 이론에서 영감을 받은 또 다른 타임캡슐로 시작합니다. 관리: 가방, 자루 및 용기. 이 섹션에서는 초현실주의 예술가 Bridget Tichenor의 난형 갑각이 Maria Bartuszová의 석고 조각, Ruth Asawa의 교수형 조각 및 Tecla Tofano의 잡종 생물과 나란히 놓여 있습니다. 과거의 이 작품들은 Magdalene Odundo의 의인화된 꽃병과 Pinaree Sanpitak의 오목한 형태와 나란히 살고 있으며, 비디오 아티스트 Saodat Ismailova는 피난처와 명상의 장소 역할을 하는 지하 격리 셀을 조사합니다.

안데스의 우주론과 아마존의 문화에서 영감을 받은 작품을 선보이는 콜롬비아 예술가 델시 모렐로스(Delcy Morelos)는 흙으로 만든 미로를 특징으로 하는 대규모 설치를 선보인다. 쇼의 다른 많은 예술가들은 인도의 광업으로 인한 환경 파괴에 대한 Prabhakar Pachpute의 대규모 그림이나 나일강 댐에 대한 Ali Cherri의 비디오에서와 같이 정치적, 사회적 접근을 지역 전통에 대한 조사와 결합합니다. Igshaan Adams는 남아프리카의 아파르트헤이트에서 젠더 조건에 이르기까지 다양한 주제로 추상 직물 구성을 기반으로 하는 반면 Ibrahim El-Salahi는 세심한 일일 드로잉의 명상적 연습을 통해 자신의 질병 경험과 제약 세계와의 관계를 전달합니다.

코더리의 마지막 섹션은 다섯 번째이자 마지막 타임캡슐로 소개되며 사이보그의 모습을 중심으로 회전합니다. 이 프레젠테이션은 포스트휴먼, 포스트젠더 미래의 선구자로서 인간과 인공물의 새로운 융합을 상상한 20세기 동안 작업한 예술가들을 한자리에 모았습니다. 이 캡슐에는 다다이스트 Elsa von Freytag-Loringhoven, 바우하우스 사진작가 Marianne Brandt 및 Karla Grosch, 미래파 Alexandra Exter, Giannina Censi 및 Regina와 같은 20세기 초반 예술가의 작품, 인공물 및 문서가 포함되어 있습니다. 여기에서 Anu Põder의 섬세한 조각은 Louise Nevelson의 단일체, Liliane Lijn의 토템, Rebecca Horn의 기계 및 Kiki Kogelnik의 로봇과 대조되는 파편화된 신체를 묘사합니다.

Corderie의 맨 마지막 부분에서 Kapwani Kiwanga의 광대하고 투명한 설치를 통해 이동한 후 전시회는 더 차갑고 인공적인 색조를 취하며 인간의 모습은 동물과 잡종 또는 로봇 생물로 대체되어 점점 희미해집니다. Marguerite Humeau의 생체 조형물은 극저온 존재와 유사하며 Teresa Solar의 기념비적인 외골격과 나란히 놓여 있습니다. Raphaela Vogel은 동물이 인간을 이기는 세상을 묘사하고, Jes Fan의 조각품은 멜라닌과 모유와 같은 유기 재료를 사용하여 새로운 종류의 박테리아 문화를 창조합니다.

이케다 타츠오의 드로잉과 이미레의 설치 작품에서도 세포가 거칠게 작동하는 종말론적 시나리오와 핵 악몽이 등장하며, 일부 동물의 소화 시스템과 유사한 기계가 경련을 일으키며 동요합니다. 포스트휴머니스트의 선구자인 Lynn Hershman Leeson의 새로운 비디오는 인공 유기체의 탄생을 축하하는 한편, 한국의 아티스트 정금형은 완전히 로봇이 되어 마음대로 재조립할 수 있는 신체를 가지고 노는 것입니다.

구식 기술과 신기루 같은 미래 비전 사이를 오가는 다른 작품도 있습니다. Zhenya Machneva의 버려진 공장과 낡아빠진 산업 메커니즘은 총각 기계처럼 빙글빙글 도는 Monira Al Qadiri와 Dora Budor의 설치물에서 다시 살아나는 것 같습니다. 엉망이 된 이 일련의 장치를 마무리하고 Barbara Kruger가 Corderie를 위해 특별히 고안한 대형 설치물은 슬로건, 시 및 단어 개체를 초커뮤니케이션의 정점에 결합합니다. 이에 반해 로버트 그로스베너의 고요한 조각은 인간의 존재가 전혀 존재하지 않는 세계를 드러낸다. 그리고 이 움직이지 않는 우주 너머에는 프레셔스 오코요몬의 광대한 엔트로피 정원이 자라며 새로운 생명으로 가득 차 있습니다.

Arsenale의 야외 공간에서 전시를 마무리하는 것은 Giulia Cenci, Virginia Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang 및 Marianne Vitale의 주요 프로젝트로, 동물 존재, 유기적 조각품을 통과하는 경로를 따라 Giardino delle Vergini로 관람객을 안내합니다. , 산업 폐허 및 방향 감각 상실 풍경.

꿈의 우유는 개발이 Covid-19 전염병의 발생 및 확산과 일치했기 때문에 엄청난 불안정과 불확실성의 시기에 구상되고 조직되었습니다. La Biennale di Venezia는 1895년 이후 두 차례의 세계 대전 동안에만 있었던 행사인 이 행사를 1년 연기할 수 밖에 없었습니다. 따라서 이 전시회가 열릴 수 있다는 사실 자체가 다소 이례적입니다. 일상으로의 복귀가 아니라 거의 기적에 가까운 집단적 노력의 결과다. 전후 기간을 제외하고 처음으로 예술 감독은 많은 작품을 직접 보거나 참여하는 대부분의 예술가를 직접 만날 수 없었습니다.

스크린 앞의 끝없는 몇 달 동안 큐레이터는 이 역사적 시점에서 국제미술전이 어떤 역할을 해야 하는지에 대해 고민했고 큐레이터가 찾을 수 있는 가장 간단하고 진지한 대답은 비엔날레가 모든 것을 요약한다는 것입니다. 우리는 지난 2년 동안 전 세계 사람들을 만날 수 있는 자유, 여행의 가능성, 함께 시간을 보내는 기쁨, 다름의 실천, 번역, 이해력, 친교 등을 너무도 그리워했습니다.

꿈의 우유는 전염병에 대한 전시회가 아니지만 필연적으로 우리 시대의 격변을 기록합니다. 이러한 시대에 베네치아 비엔날레의 역사가 분명히 보여주듯이 예술과 예술가는 우리가 새로운 공존 방식과 무한한 새로운 변형 가능성을 상상하도록 도울 수 있습니다.

베니스 비엔날레
베니스 비엔날레는 이탈리아 베니스에서 열리는 국제 미술 비엔날레입니다. 종종 “예술계의 올림픽”으로 묘사되는 비엔날레 참가는 현대 예술가들에게 권위 있는 행사입니다. 축제는 그 해의 예술 감독이 기획한 중앙 전시회, 개별 국가가 주최하는 국가관, 베니스 전역의 독립 전시회 등 쇼의 집합체가 되었습니다. 비엔날레의 모 조직은 또한 건축, 무용, 영화, 음악, 연극 등 다른 예술 분야에서 정기적으로 축제를 개최합니다.

중앙 국제 전시회 외에도 개별 국가는 파빌리온으로 알려진 자체 쇼를 국가 대표로 제작합니다. Giardini에 보관된 30개와 같이 파빌리온 건물을 소유한 국가는 자체 유지 관리 및 건설 비용도 부담해야 합니다. 전용 건물이 없는 국가는 베니스 Arsenale에 정자를 만들고 도시 전체에 궁전을 만듭니다.

Giardini는 1895년 첫 판 이후로 La Biennale Art Exhibitions의 전통적인 장소입니다. Giardini에는 현재 29개의 외국 전시관이 있으며, 그 중 일부는 Josef Hoffmann의 Austria Pavilion, Gerrit Thomas Rietveld의 네덜란드관 또는 핀란드관과 같은 유명 건축가가 설계했습니다. , Alvar Aalto가 설계한 사다리꼴 계획으로 사전 제작되었습니다.

Arsenale은 산업화 이전 시대에 베니스에서 가장 큰 생산 중심지였으며 도시의 경제적, 정치적, 군사적 힘의 상징이었습니다. 1980년부터 Arsenale은 제1회 국제 건축 전시회를 계기로 La Biennale의 전시 장소가 되었습니다. 이후 열린 전시를 위한 미술전에서도 같은 공간을 사용했다.

규모가 점차 확대되면서 베니스 비엔날레의 범위가 도시 전체로 확대되었습니다. 주요 전시 장소 외에도 도시의 거리와 심지어 외딴 섬에 흩어져있는 많은 정자도 있습니다.