Christine Macel이 큐레이팅하고 Paolo Baratta가 주최 한 제 57 회 국제 미술 전시회 인 Viva Arte Viva가 2017 년 5 월 13 일부터 11 월 26 일까지 개최되었습니다. 비엔날레는 예술가들과 예술가들 간의 열린 대화에 전념하는 장소로 자리 매김했습니다. 공개. 올해의 주제는 예술과 예술가의 존재 자체를 축하하고 거의 감사를 표하며, 그 세계는 우리의 관점과 존재의 공간을 확장합니다.
이 전시회는 Giardini의 역사적인 파빌리온, Arsenale 및 베니스 도심에서 개최되었으며 86 개 국가 및 지역의 참여를 포함합니다. 비영리 국내 및 국제 기관에서 홍보하는 23 개의 담보 행사는 제 57 회 전시회 기간 동안 베니스에서 전시회와 이니셔티브를 선보입니다.
전시회 Viva Arte Viva는 Giardini의 Central Pavilion에있는 두 개의 입문 영역에서 시작하여 Arsenale과 Giardino delle Vergini에서 찾을 수있는 7 개의 영역으로 시작하여 9 개의 장 또는 예술가 가족을 통해 펼쳐지는 경로를 제공합니다. . 51 개국에서 120 명의 초청 작가가 있습니다. 이 중 103 명이 처음으로 참여합니다.
갈등과 충격으로 가득 찬 세상에서 예술은 우리를 인간으로 만드는 가장 소중한 부분을 증거합니다. 예술은 성찰, 개인 표현, 자유 및 근본적인 질문의 궁극적 인 기반입니다. 예술은 트렌드와 개인적인 관심사를 뛰어 넘어 경작 할 수있는 마지막 보루이자 정원입니다. 그것은 개인주의와 무관심에 대한 확실한 대안입니다.
비바 아르테 비바
Viva Arte Viva는 휴머니즘에서 영감을받은 전시회입니다. 이러한 유형의 인본주의는 따라야 할 예술적 이상에 초점을 맞추지도 않고 주변을 지배 할 수있는 존재로 인류를 축하하는 특징도 없습니다. 어쨌든 예술을 통한이 인본주의는 세계 문제를 지배하는 권력에 의해 지배되는 것을 피하는 인류의 능력을 축하합니다. 이러한 유형의 인본주의에서 예술적 행위는 동시에 저항, 해방 및 관대함의 행위입니다.
Viva Arte Viva는 예술과 예술가의 상태에 대한 열정적 인 외침입니다. 예술가의 역할, 목소리 및 책임은 현대 논쟁의 틀 안에서 그 어느 때보 다 중요합니다. 내일의 세계가 형성되는 것은 이러한 개별 이니셔티브를 통해 이루어지며, 확실히 불확실하지만 다른 사람보다 예술가가 가장 잘 직관하는 경우가 많습니다.
전시회의 9 개 챕터 또는 예술가 가족 각각은 그 자체로 파빌리온을 나타내거나, 본질적으로 초 국가적이지만 비엔날레의 역사적 조직을 파빌리온으로 반영하므로 그 숫자가 그 이후로 계속 증가하고 있습니다. 1990 년대 말.
Viva Arte Viva는 또한 젊은 예술가들에게 초점을 맞추면서 너무 빨리 세상을 떠난 사람들이나 그들의 작업의 중요성에도 불구하고 여전히 거의 알려지지 않은 사람들을 재발견하는 긍정적이고 미래의 에너지를 전달하고자합니다.
“예술가와 책의 파빌리온”에서 “시간과 무한의 파빌리온”에 이르기까지이 9 개의 에피소드는 세계의 복잡성, 다양한 접근 방식 및 다양한 다양성을 반영하는 우회로와 함께 종종 담론적이고 때로는 역설적 인 이야기를 들려줍니다. 관행의. 전시는 경험, 자아에서 타자로, 정의 된 차원을 넘어서는 공통 공간을 향한 외향적 인 움직임, 그리고 잠재적 인 네오 휴머니즘의 아이디어로 향하는 것입니다.
작가와 책의 파빌리온을 시작으로 전시는 작가 자신을 넘어 현대 사회 전체를 아우르는 변증법이라는 전제를 드러내며 사회의 조직과 가치를 다룬다. 예술과 예술가는 그들의 관행, 예술을 창조하는 방식, 게으름과 행동의 중간, 오티 움과 네고 티움을 검토하는 것으로 시작되는 전시회의 중심에 있습니다.
마을 주변의 전시
전시회는 중앙관 (Giardini)에서 Arsenale까지 발전하며 전 세계 86 명의 참가자를 포함합니다. 규모가 점진적으로 확장됨에 따라 베니스 비엔날레의 범위가 도시 전체로 확장되었습니다. 주요 전시장 외에도 마을 거리와 외딴 섬에 흩어져있는 많은 파빌리온이 있습니다.
Ca ‘Giustinian은 베네치아 후기 고딕 양식을 가장 잘 대표하는 역사적인 궁전입니다. 원래 “dei Giustinian”이라고 불렸던이 궁전은 1471 년경에 지어졌으며 Giustinian과 Badoer-Tiepolo라는 두 개의 다른 건물이 결합 된 결과입니다. 그것은 2008 년과 2009 년 사이에 중요한 개조의 대상이었습니다. 궁전의 내부는 요청에 따라 접근이 가능하며, 현대적인 디자인의 전형적인 장식 적 모양과 색상과 결합 된 필수적인 선과 중립적 인 색상이 특징입니다. 객실은 예술과 공간의 관계를 강화하기 위해 엄선 된 예술 작품으로 완성되었습니다. 빛은 위치의 또 다른 특징적인 요소입니다.
아르 세 날레의 파빌리온
아르 세 날레는 도시의 경제, 정치, 군사력을 상징하는 산업화 이전 시대에 베니스에서 가장 큰 생산 센터였습니다. 1980 년부터 아르 세 날레는 제 1 회 국제 건축 전시회를 계기로 라 비엔날레의 전시장으로 자리 매김했습니다. 나중에 열린 미술 전시회에서 동일한 공간이 사용되었습니다.
아랍 에미리트 관
2017 년은 아랍 에미리트가 국제 미술 전시회에 다섯 번째로 참가합니다. “Rock, Paper, Scissors : Positions in Play”는 전 세계의 문화를 초월한 전통 게임의 이름을 따서 제작 된 “Rock, Paper, Scissors : Positions in Play”는 놀이의 비유를 통해 UAE의 예술적 관행을 탐구하고 Nujoom Alghanem, Sara Al을 포함한 5 명의 UAE 기반 현대 예술가가 등장합니다. Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie 및 Dr Mohamed Yousif. 홍콩 아시아 아트 아카이브 (Hammad Nasar)의 큐레이터, 작가 및 전 연구 및 프로그램 책임자 (2012-2016)가 큐레이팅 한이 전시회는 아티스트의 기존 작품뿐만 아니라 “잃어버린”작품과 신작을 재 제작합니다. 커미션.
전시는 일련의 중첩 된 질문에 대한 무대 역할을합니다. 예술적 실천에서 “장난감”은 어디에서 오는가? “놀이”는 어떻게 그리고 어디에서 육성됩니까? “play”는 무엇을합니까? 두바이에 거주하는 아티스트 Hind Mezaina는 전시의 큐레이터 개념을 탐구하는 UAE 국립 관을위한 프로그램 개발을 의뢰 받았습니다. ‘집 : 음식 | 음악 | Sports ‘는 음식, 음악 및 스포츠가 가정과 공동체 의식을 구축하는 데 어떻게 기여하는지 탐구했습니다. 이 행사는 아부 다비, 두바이, 샤 르자 전역에서 열렸습니다.
멕시코 관
접힌 삶, 예술의 주요 진술 중 하나는 우리 역사의 모든시기에서 현실을 표현하는 것입니다. 이러한 관점에 초점을 맞춘 예술가 Carlos Amorales (멕시코 시티, 1970)는 제 57 회 La Biennale di Venezia 국제 미술 전시회에서 “Life in the folds”라는 직업을 소개했습니다. Pablo León de la Barra (멕시코 시티, 1972)의 큐레이터와 함께 아 모랄레스 전시회는 이번 판에서 멕시코 파빌리온의 공식 장소 인 아르 세 날레로 알려진 역사적인 건물에 모였습니다.
멕시코 관은 북미 자유 무역 협정 (NAFTA) 재협상과 전 세계 여러 지역에서 진행된 대규모 이주 운동과 같은 2017 년 주요 행사를 적절히 반영하기 위해 높은 관련성을 얻었습니다. 이 설치를 위해 많은 오카리나가 문자 나 기호에 따라 각 오카리나가 다른 소리를 내기 때문에 텍스트와 음성 모두를 해석 할 수있는 암호화 된 알파벳을 만들기 위해 만들어졌습니다. 또한 Amorales는 모든 방문객에게 새롭고 혁신적인 인식 및 해석 방법을 창출하기 위해 추상적 인 방식으로 노트가 제시되는 다양한 악보를 디자인했습니다.
아르헨티나 파빌리온
클라우디아 폰 테스의 말 문제는 2017 년 57a 베니스 비엔날레에서 아르헨티나를 대표하는 조각 작품으로, 말, 여자, 청년이 무한한 인과 관계 고리에 갇혀 두려움에 휩싸인 총알 시간의 얼어 붙은 장면을 보여줍니다. 원인과 증상이 동시에 나타납니다. 말이 건물에 갇히는 것에 대한 두려움은 그의 방향으로 이동하는 바위의 눈사태를 만들어 내고, 그 그림자는 폭발하지만 자신의 거울 이미지를 형성합니다. 소재의 흰색과 부드러움은 등장 인물과 그 상황이 평행 한 시간성에 존재하는 것처럼 장면에 유령의 질을 부여합니다. 구경꾼으로서 청중은 내러티브를 완성합니다.
말은 아르헨티나의 일종의 비공식적 인 국가 상징 인 말은 작품에서 다양한 사물과 개념의 상징으로 사용됩니다. 한쪽에는 많은 아르헨티나와 라틴 아메리카 도시에 거주하는 승마 기념비가 떠 오릅니다. 다른 하나는 자연과 산업화 사이의 충돌, 그리고 동물을 노동력으로 사용하는 것을 포함한 천연 자원의 착취를 나타냅니다. 마지막으로, 그것은 19 세기에 설립 된 비엔날레 자체의 형식에 대한 미묘한 비판자로서 국가의 개념 자체를 상징하며, 이는 Fontes가 “보편적 인”미술 전시회에 전국적으로 참여한다는 아이디어를 기반으로합니다. 쓸모없는 것으로 간주하고 명백히 비 승인합니다.
남아프리카 파빌리온
남아공 파빌리온의 전시회는 시청자들에게 세계적 소외의 맥락에서 자아의 개념을 시각화하고 표현하는 데있어 예술가의 역할을 탐구하도록 초대합니다. 일상 생활에서 볼 수 있지만 문화적, 정치적 또는 경제적 표현 수준에서 보이지 않고 무시되는 것은 무엇입니까? Breitz와 Modisakeng의 신작을 대화에 배치하는 이번 전시회는 배제, 이주, 일시적, 이민 및 외국인 혐오의 경험을 반영하여 그러한 조건에서 자아의 성과를 형성하는 복잡한 사회 정치적 힘을 탐구합니다.
Mohau Modisakeng은 현재 남아공 인의 현재 살아있는 경험의 중심이되는 슬픔과 카타르시스의 가슴 아픈 순간으로 시각적으로 드러나는 민족성, 리더십, 불평등 및 이주 노동에 대한 비판적 반응을 제시합니다. Breitz의 작업은 현실 세계의 역경에 직면 한 사람들의 곤경에 대한 광범위한 무관심과 평행을 이루는 가상의 인물 및 유명인과의 강한 정체성이 평행을 이루는 미디어 포화 된 글로벌 문화를 반영하여 공감이 생성되는 조건에 초점을 맞추 었습니다.
페루 파빌리온
Rodrigo Quijano는 유머와 아이러니를 통해 페루의 예술과 역사에 대한 자신의 비전을 구현하는 초기 사라진 플라스틱 예술가 Juan Javier Salazar (1955-2016)의 작품을 세상에 선보입니다. 전시는 회고 적이거나 선집적인 것이 아니라, 그를 따라온 예술가 세대에 큰 영향을 미쳤으며 실제로 축과 성격 인 인물이 마땅히 받아야 할 가치와 국제적 노출을 제공하고자합니다. 현대 페루 미술을 이해하는 열쇠.
터키 관
Cevdet Erek은 “ÇIN”이라는 이름의 파빌리온을위한 특정 사이트 작업을 선보입니다. 현장에서 경험할 수있는 프로젝트를 설명하려고하는 대신. 이스탄불에서 태어난 Erek은 2012 년 Documenta 13을 위해 첫 번째 설치 작품을 만들었습니다. 그의 작품은 특정 공간에 대한 시청자의 인식과 경험을 변경하기 위해 종종 비디오, 사운드 및 이미지를 결합하여 리듬과 사이트 특수성을 현저하게 사용하는 것이 특징입니다. . 흥미롭게도 Erek은 건축에 대한 참조 및 선형 시간과 같은 합리적인 구성 요소를 본능적 충동과 결합하여 두 개의 반대되는 구체 사이의 간격을 평준화합니다.
필리핀 관
비교의 유령, 필리핀 예술가 Lani Maestro와 Manuel Ocampo의 작품. 비교의 스펙터는 1887 년 베를린에 살았을 때 필리핀 애국자이자 소설가 인 호세 리잘이 쓴 소설 Noli Me Tángere에서 발췌 한 것입니다.이 문구는 정치적 결백을 잃어버린 경험을 암시합니다. 사건을 가까이서 경험하는 이중 비전과 멀리서도 더 이상 유럽을 보지 않고 필리핀을 볼 수없고 필리핀을 보지 않고 유럽을 응시할 수 없습니다.
뚜렷한 역사적 순간에 영향을받은 미학적으로 다른 관행을 가지고 있음에도 불구하고 사운드, 영화, 텍스트 및 사진을 포함하는 설치물 인 Lani Maestro와 비유적인 회화 비평 시스템을 가진 Manuel Ocampo는 둘 다 émigré의 스펙터의 “집단적”경험의 산물입니다. 이 전시는 오캄포와 마에스트로에게이 시선을 맞추고있다. 두 개, 여러 개 또는 많은 세계에 대한 지식을 가지고 살았던 예술가들뿐만 아니라 예술을 통해 조각난 세계를 만들어내는 예술가로서의 의식을 통해 구축 된 담론적이고 복잡한 상상력 시간 및 지리적 영역에 걸쳐 구축 된 세계.
칠레 파빌리온
Bernardo Oyarzún은 종종 인류 학적, 사회적, 역사적, 민족적 관점을 통해 칠레 문화를 조사합니다. “Werken”이라는 제목의 Oyarzún의 전시회는 마 푸체 원주민이 만든 1,500 개 이상의 의식 용 마스크와 6,907 개의 마 푸체 성을 표시하는 빨간색 LED 조명을 설치 한 것이 특징입니다. Oyarzún은 현대 미술과 원주민 간의 관계를 탐구합니다.
인도네시아 관
Tintin Wulia는 ‘1001 Martian Homes’라는 제목으로 세 개의 상호 연결된 작품을 개념화했습니다. 이 아이디어는 200 년 후 지구상의 잔학 행위를 저지른 망명자들이 화성에서 자신의 이야기를 들려 주면서 디지털 기술과 카메라를 통해 국경없는 세상을 제안하는 현재의 미래를 보여주는 것이 었습니다.
1001 Martian Homes는 대륙에 걸쳐 두 개의 별도 전시장에서 동시에 열립니다. 파빌리온을 Jakarta Senayan City Shopping Mall의 트윈 버전에 연결해도 특별히 개선되지 않았습니다 ..이 두 사이트 (각각 디자인과 레이아웃이 거의 동일)는 프로젝트의 세 쌍의 쌍둥이 작품 인 Not Alone, Under the Sun, 그리고 시조 A Thousand and One Martian Homes.
몰타 파빌리온
호모 멜리 텐 시스 (Homo Melitensis) : 현대 예술가들의 작품과 역사적인 유물을 특징으로하는 19 장의 불완전 인벤토리는 예술품, 사물 및 문서를 비 계층 적, 연대순으로 결합하는 복잡한 설치에서 몰타 정체성에 대한 연관 조사를 제공합니다. 설정. 19 개의 챕터는 자연사 표본, 국가 게놈, 고대 난파선, 이주,지도 제작, 의식 대상, 트랜스젠더 캐릭터 및 사실과 허구를 유쾌하게 결합한 기타 유물을 수집하면서 서로 다른 방향으로 동시에 여행하는 정교한 여정으로 관객을 안내합니다. , 정체성 구축 및 해체, 전복 적 대상이 순종 대상과 만나는 것.
조지아 파빌리온
Arsenale 내부에 위치한 Georgian Pavilion은 조지아 시골에서 발견되는 작고 버려진 목조 주택으로 구성됩니다. 베니스에서 재 조립 된이 오두막에는 가구, 그림 및 기타 일상적인 물건을 포함하여 그러한 주거지에서 볼 수있는 모든 전형적인 내용이 포함되어 있습니다. 내부에서 작가는 영구적 인 비를 시뮬레이션하는 독립형 관개 시스템을 설치하여 내부와 외부의 관계를 반전 시켰습니다. 노란색 나트륨 조명은 내부를 비추고 방문객이 6 개월 동안의 전시 기간 동안 이끼 문화가 바닥, 벽, 가구 및 기타 물체를 삼키는 과정에서 느린 엔트로피 파괴 과정을 목격 할 수 있도록합니다. 설치는 미묘한 변화를 허용하는 자연스러운 드라마를 따라 자체 내러티브를 만듭니다. 내부와 달리 집의 외부는 동일하게 유지됩니다.
Vajiko Chachkhiani의 작품은 개인적인 경험과 정치적 현실, 심리적 탐구와 물질적 즉각적인 사이에 존재하는 시적 인본주의에 의해 형성됩니다. 그의 많은 작품에서 직간접 적으로 출발점은 사람들 간의 물건이나 행동의 교환이며 때로는 공연으로 나타납니다. 작가는 드러내는 것과 은폐하는 것 사이의 미묘한 상호 작용에서 축소 된 형태를 사용하여 주제를 압축합니다. 그의 작품의 평범한 재료와 전통 장인 정신은 기본적이고 일상적인 현실에서 나온다. 그의 조각품 및 설치 작품과 병행하여 Chachkhiani는 단일 사건의 문서화부터 꿈과 현실 사이를 오가는 더 많은 이야기 영화에 이르기까지 다양한 영화 작품을 개발했습니다.
아일랜드 파빌리온
Jesse Jones는 국가관을 대체 법의 장소로 간주합니다. 영화와 공연에 기반한 관행을 통해 Jones는 사법 시스템의 ‘매혹적’이라고 묘사하는 작품을 만들었습니다. 존스의 관행은 영화, 공연, 설치 매체를 넘나들며 비엔날레 전시회를 위해 그녀는 현실을 바꿀 수있는 능력을 가진 페미니스트 원형으로 마녀의 귀환을 제안한다. 종종 협력적인 구조에서 일하면서, 그녀는 역사적 문화가 현재의 사회적, 정치적 경험에서 어떻게 반향을 일으킬 수 있는지 탐구합니다.
이탈리아 파빌리온
상상력은 눈에 보이는 현상 너머를보고 “모든 풍부함과 다양성 속에서”세계를 경험할 수있는 도구입니다. 이탈리안 파빌리온은 Roberto Cuoghi, Adelita Husni-Bey 및 Giorgio Andreotta Calò가 만든 세 개의 설치 시퀀스를 수용하는 세 개의 공간으로 구성됩니다. 전시 제목 인 Il Mondo Magico는 1948 년에 출판 된 인류 학자 Ernesto de Martino가 가장 잘 알려진 책에서 빌려온 것으로, 마술 의식은 개인이 불확실한 역사 속에서 자신의 정체성을 찾으려고 노력하는 도구로 묘사되었습니다. 사회적 맥락.
이탈리아 파빌리온의 입구 공간은 일종의 작업장으로 탈바꿈했는데,이 공장은 금욕적인 완벽 함을 달성하기위한 경로를 설명하는 중세 텍스트 인 De Imitatione Christi에서 영감을받은 경건한 동상을 생산하는 공장입니다. 파빌리온에 전시 된 세 개의 설치물 중 첫 번째 작품 인 Roberto Cuoghi의 Imitazione di Cristo (The Imitation of Christ)는 이탈리아 미술에서 그리스도의 역사적 묘사에 대한 연구를 통해 물질의 변형과 정체성의 유동적 개념을 조사합니다. 작업장에서 제작 된 그리스도의 동상은 투명한 플라스틱으로 만들어진 긴 터널 내부에있는 테이블 배열로 옮겨져 문제가 악화되고 무너지는 상태에서 일련의 “몸체”를 생성합니다. 거의 분해 된 조각상은부식을 막기 위해 오븐에서 “건조”됩니다. 마지막으로, 왜곡되어 조각으로 부서진 인물의 유골은 갤러리 끝의 길고 어두운 벽에 재구성되어 배열됩니다.
중국 관
“Continuum – Generation by Generation”은 끊임없는 에너지 또는 생명력 인 buxi의 중국 개념에서 영감을 얻었으며 Tang Nannan, Wu Jian’an, Wang Tianwen 및 Yao Huifen의 4 명의 예술가의 개별 및 공동 작업을 선보였습니다. 파빌리온은 한 중국 예술가의 작품이 아니라 5000 년 이상 지속 된 집단적 창작 과정입니다. 중국 관을위한 4 명의 예술가 간의 포괄적 인 교차 협력. 참여한 4 명의 아티스트는 각각 다른 3 명의 아티스트와 협력합니다. 중국 미술은 우리 집단 역사의 5 천년에 걸친 공동 행위로서 각 예술가가 참여하고 반응하는 일종의 세대 간 야지 모임입니다.
Tang은 수로와 풍경을 다루는 중국 신화에서 영감을받은 동영상을 선보였습니다. Yao Huifen은 쑤저우 자수 전문가이며 존경받는 공예품의 현대 버전을 만듭니다. Wang Tianwen은 Shaanxi 섀도우 플레이 마스터이며 Wu Jian’an의 레이저 커팅 구리 시트 조각은 공간 전체에 토템처럼 솟아 올랐습니다. 많은 작품이 고대와 천체의 주제를 참조했으며, 4 명의 예술가와 큐레이터가 직접 제작 한 멀티미디어 섀도우 플레이 공연 인 Continuum – Remove the Mountains and Filling the Sea, 뮤지션과 공연자들이 전통적인 방법과 디지털을 결합했습니다. 투영. 이 전시회는 민속 예술과 관습에 관심이있는 역사를 통해 중국 지식인의 발자취를 매우 의식적으로 따릅니다.이번 차이나 파빌리온의 불협화음 분위기는 진정한 의도와 매력적인 효과를 가졌습니다.
Giardini의 파빌리온
Giardini는 1895 년 초판 이후 La Biennale Art Exhibitions의 전통적인 장소입니다. 현재 Giardini에는 29 개의 외국 파빌리온이 있으며, 그중 일부는 Josef Hoffmann의 오스트리아 파빌리온, Gerrit Thomas Rietveld의 네덜란드 파빌리온 또는 핀란드 파빌리온과 같은 유명 건축가가 설계했습니다. , Alvar Aalto가 설계 한 사다리꼴 평면도로 조립식으로 제작되었습니다.
스페인 파빌리온
스페인 예술가 조르디 콜로 머 (Jordi Colomer)는 마누엘 세 가드 (Manuel Segade)가 큐레이팅 한 전시 프로젝트 “Ciudad de bolsillo”를 전시관에서 선보입니다. 일련의 영상과 조각, 공간 그 자체가 전체적이지만 잠정적 인 건축으로 이해되는 ‘설치의 설치’이다. 설치는 자연 채광이있는 중앙 공간에서 구성되며, 모델, 프로토 타입, 이러한 움직임의 스케일 복제물이 있으며, 여기에는 비디오에 녹화 된 동작에 사용 된 개체와 파빌리온의 앙상블을 리듬으로 통합하기도합니다. 전체적으로 그들은 변위에 취약하고 불안정한 균형을 이루고있는 도시 조각의 다른 규모에서 비전을 형성합니다. 모델은 도장 된 주석 모듈로 만들어졌고 고성능 팬에 의해 영구적으로 흔들 렸습니다.흥분된 도시의 지속적인 진동처럼
주변 방에서는 관람자가 한 방향 또는 다른 방향으로 자유롭게 이동할 수있는 투어가 구성됩니다. 이러한 공간은 비디오가있는 프로젝션 스크린과 시청 용 스탠드 세트의 두 가지 요소에서 시퀀스의 진행으로 표현됩니다. 스크린과 스탠드는 거의 개별적인보기에서 다양한 크기와 단계의 여러 스크린이있는 넓은 공간, 다양한 관점을 제공 할 수있는 모듈 식 높이에 이르기까지 변화하는 환경을 구성하는 직렬 조합으로 구성됩니다.
미국 관
미국 파빌리온은 Mark Bradford의 사이트 별 설치물 인 Tomorrow is Another Day를 선보입니다. Mark Bradford는 현대 추상 표현주의의 가장 흥미로운 인물 중 한 명입니다. 색과 물질에 대한 뛰어난 접근 방식과 사회적 문제에 대한 깊은 관심과 소외된 사람들과 공동체의 취약성 및 탄력성을 결합한 예술가. 현관 실에는 천장에 매달려있는 크고 방해가되는 검은 색과 빨간색 덩어리로 공간을 채우고 대중이 좁은 통로를 걷도록 강요하고 그 사이의 대비를 은유로 측벽을 쓸어 넘기는 설치물 스포 일드 풋 (Spoiled Foot)이 있습니다. 마진과 중앙 집중식 사회 권력에 사는 사람들.
두 번째 방에는 주로 검은 색 작품 4 점, 큰 콜라주 그림 3 점, 조각품이 전시되어 있습니다. 각각 신화 사이렌의 이름을 따서 명명 된 캔버스에서 Bradford는 2000 년대에 그가 만든 선구적인 작품에서 이미 채택한 기법을 사용했으며,이 기법은 반짝이는 검은 보라색 그림에 “통합”된 엔드 페이퍼를 사용하여 효과를 얻었습니다. “바다와 그 통로를 불러 일으키는”깊고 iridescend 문제, 작품 제목은 사생활과 대중 문화 모두에서 여성 학대를 언급합니다. 세 개의 그림은 표백 된 검은 색 종이 자물쇠로 얽힌 메두사라는 제목의 중앙 조각을 “둘러싸고”여성 묘사의 주제에 초점을 맞춘 일종의 현대 클래식 삼부작을 형성합니다.
우루과이 파빌리온
사그라 디니는 말과 사물의 세계를 통해 예술을 이해하고 실천하는 독특한 방법을 배양하고, 일상 생활에서 추출한 경험, 사물 및 이야기를 구합니다. 민족지 학적 발견을 자주 사용함으로써 그는 또한 흥미를 가지고 우루과이 역사의 단편을 가지고 그렇게하여 예술의 관행을 통해 예술가 역사가와 예술가 인류학자가 번갈아 (또는 동시에) 다시 드러나게합니다. 사실, Sagradini가 일상 업무에 사용되는 물건에 의지하여 상징적 인 장치를 육성하는 것은 매우 일반적입니다.
이 작품은 19 세기부터 우루과이에서 사용 된 “엠 부도 (Embudo)”라고 불리는 소를위한 목장의 모양으로 구성되어 있으며, 작가는 거의 읽을 수없는 오래된 사진을 재구성했습니다. 특정 신체를위한 장소와 같은 모양을하고 있지만 그것들없이 전시된다. 모든 맥락에서 추출 된, 그것은 잃어버린 기억이 이제 그것을 점유 할 수있는 다른 신체의 존재로 대체되기를 희망하는 환상적 배경으로서 빈 세포로 제공된다. 그것은 인간의 규모에 적합한 구성을 제공하고 건축 언어에 가까운 복잡한 구성을 제공하는 포털, 입구, 개구부, 벽 및 기타 장치를 가지고 있습니다. 두 번째는 장착 조건, 시노 그래피 개념에 대한 찬사입니다.쇼에 의해 부과 된 가상의 장벽을 넘어 서기 위해 방문객이 인공물과 신체적 대화를 나누도록 초대합니다. 이러한 특성은 작품에 역사적인 이유와 의미를 재생할 준비가 된 현재 기능을 제공하여 고전적인 미니멀리스트 드리프트와 분리됩니다.
노르딕 파빌리온
Mirrored는 Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi “Sleeping”Myllymäki, Mika Taanila 등 다양한 세대의 6 명의 예술가의 작품을 전시하는 그룹 전시회입니다. Mirrored 전시회는 북유럽 국가에 반영된 자아상이나 고정 관념에 도전하는 데 초점을 맞추기 위해 시사적인 접근을 피하려고 시도합니다. 큐레이터 Mats Stjernstedt는 국가 및 지역 경계를 무시하고 대신 예술적 실천이 어떻게 연결될 수 있는지에 대한보다 다각적 인 관점을 추적하는 연결 매핑을 말합니다. 따라서 Mirrored는 거울에 대한 Guiliana Bruno의 우화를 빌릴 수있는 “장소없는 장소”를 제안합니다. .
Siri Aurdal, Charlotte Johannesson 및 Pasi “Sleeping”Myllymäki의 작품은 산업 재료, 디지털 공간 또는 움직이는 이미지를 사용한 디자인 실험을 탐구하는 시대를 앞선 도시 예술과 도시 성의 예입니다. Aurdal의 모듈 기반 조각품은 조각 매체에 도전하고 새로운 전제를 구축합니다. Johannesson은 전통적인 직물 공예에서 그녀의 신호를 가져와 태피스트리의 논리적 설정을 컴퓨터 기반 픽셀로 변환했습니다. 그의 영화 연습을 포기하기 전에 Myllymäki는 1976 년부터 1985 년까지 44 편의 수퍼 -8 영화를 제작했습니다. 이 영화는 그래픽 디자인에서 공연 액션에 이르기까지 다양한 요소를 탐구합니다.
예를 들어 물질적 변형이나 정치적 콘텐츠를 통해 표현 된 도시 주제에 대한 유사한 관심은 다음 예술가의 작품과 교차합니다. Mika Taanila (b. 1965)는 주로 영화, 비디오 및 사운드에서 시간 예술 작품을 제작하는 것으로 유명합니다. 현재 전시를 위해 Taanila는 몽타주 기법을 사용하여 영화 문학에서 컷 아웃 프로젝트를 만듭니다. Nina Canell (b. 1979)의 조각 및 설치와 관련된 실험 모드는 에너지의 장소와 변위를 고려합니다. 그러나 Taanila의 영화 및 사운드 작업과 마찬가지로 Canell은 조각의 종종 고정 된 형식을 개방형 프로세스로 변환하므로 시간적 품질이 있습니다. Jumana Manna (b. 1987)의 작품은 관계를 통해 권력이 어떻게 표현되는지 탐구합니다.종종 민족주의의 내러티브와 장소의 역사와 관련하여 신체와 물질성에 초점을 맞 춥니 다. 그녀의 조각 작업에서 만나는 간접적으로 표현을 펼치고 부재와 대체의 시각적 언어를 만듭니다.
대 브리튼 파빌리온
British Pavilion은 Phyllida Barlow의 장소 별 조각 설치물 인 Folly를 선보입니다. Phyllida Barlow는 콘크리트, 목재, 직물과 같은 값싼 재료와 재사용 된 요소를 화려하고 신비 롭고 불안한 조각으로 변형시킨 인상적인 추상 조각 작품으로 세계적으로 유명합니다. Phyllida Barlow는 화려한 건축 장식 요소의 유형과 어리석은 마음 상태에 대한 참조로 Folly라는 제목의 다중 설치를 만들었습니다. 이 작품은 외부에서 시작하여 파빌리온 자체의 건축물과 지속적으로 재생되고 상호 작용합니다. Barlow는 밝고 거의 코믹한 거품 (또는 아티스트가 정의한대로 더 정확하게는 거대한 지팡이) 그룹을 배치하여 어떻게 든 “신비화”합니다. “대담한,신고전주의 양식의 건물.
조각품은 파빌리온 전체에 서식하며 지붕까지 도달하고 심지어 밖으로 쏟아져 나옵니다. 중앙 갤러리에서 그녀는 우리가 탐험가의 역할을 맡아 조밀하게 포장 된 우뚝 솟은 기둥의 조각적인 미로를 둘러 보도록 권장합니다. 밝은 색의 싸구려가 즐겁게 밀려나지만,이 부풀어 오른 형태는 방문객을 향해 압박하고 공간을 지배 할 때 불길한 품질을가집니다. 박람회장에서 의자를 닮은 조각품은 축제를 암시하지만 접힌 형태는 부패와 황폐함을 의미합니다.
캐나다 파빌리온
거울 밖으로 나가는 Geoffrey Farmer는 한 번에 축하와 애도의 의미에서 민족 국가에 속한다고 상상했습니다. 잘 바운드되거나 모 놀리 식 정체성이 아니라 유동성과 손실입니다. 파빌리온을 자신의 분수를위한 야외 무대로 바꾸면서 그는 또한 개인 역사와 국가 역사의 교차점을 폭발시키는 리뉴얼과 반성을위한 공간을 열었습니다.
예술, 역사 및 재료 문제에 대한 민감하고 지능적인 접근 방식과 강력한 국제 전시 역사를 통해 Geoffrey Farmer는 종종 어려운 공간으로 간주되는 캐나다 파빌리온을 몰입감 있고 조각적인 경험으로 전환합니다. 사전 정보에 따르면 개인 역사와 세대 간 트라우마는시, 오래된 잡지 및 가족 미스터리뿐만 아니라 Farmer 설치의 측면이었습니다.
독일 관
anne imhof의 “Faust”와 susanne Pfeffer가 큐레이팅 한이 파빌리온은 2017 년 최고의 국가 참여로 황금 사자상을 수상했습니다. 독특하고 강력한 전시회 인 앤 임 호프는 2017 년 베니스 아트 비엔날레에서 독일 파빌리온을 디자인했습니다. 그림, 조각 및 설치의 매체를 인간 인물의 구성과 이해를 탐구하는 라이브 공연과 통합합니다. 앤 임 호프 (Anne Imhof)가 파빌리온 공간으로 들어가는 것은 개인이 물리적, 정치적, 경제적, 기술적 한계에 의해 제약을받는 거칠고 소외된 현실을 묘사 한 것입니다. 유리와 강철과 같이 사용되는 원소의 경도는 오늘날 권력과 돈이 관리되는 곳의 경도를 연상시킵니다. 특히 유리는 파빌리온의 가장 중요한 변경입니다. ‘s 아키텍처, 즉 공간과 인간의 존재 사이의 관계를 수정하는 포장 도로에서 1 미터 높이에 투명하게 올려 진 플랫폼을 추가합니다.
작품은 외부에서 시작하여 독일 관의 건축과 강하게 상호 작용합니다. 파빌리온 신고전주의 건물의 입구 현관을 닫는 대형 새장에 격리 된 경비견, 파빌리온 측면의 정문 이동, 시각적 설치에서 음악, 그림에서 라이브 공연에 이르기까지 다양한 형식 및 표현 레이어와 수단이 겹치는 토탈 아트 워크 유리 슬라브 아래에는 구속 장치, 임시 변통 침대, 플라스크 및 처방 병 등의 사람과 도구가 있습니다. 투명한 플랫폼 위에서 공연자들을 바라 보는 대중의 움직임,방문자와의 실제적인 의사 소통없이 자신을 드러내면서도 시각적 외모의 힘을 절대적으로 알고 있습니다.
이 단련되고 연약한 몸은 보이지 않는 힘 구조에 의해 스며 든 물질처럼 보입니다. 그들은 끊임없이 자신의 객관화를 거부하는 것처럼 보이는 주제입니다. 미디어 표현은 이러한 생명 공학 단체에 타고난 것입니다. 공연자들은 그들의 제스처가 그 자체로 끝나는 것이 아니라 순수한 매개체로만 존재한다는 것을 잘 알고 있습니다. 그들은 자신을 소비 할 준비가 된 그림으로 변모하기 직전에 영원히있는 것처럼 보인다. 그들은 이미지, 디지털 상품이 되고자합니다. 극도의 매개 성이 특징 인 시대에 단순히 현실을 묘사하는 것이 아닌 이미지가 그것을 창조합니다.
한국관
‘대조 : 돌과 산’이라는 공동 전시는 두 작가 코디 최와 이완이 현대 한국 정체성에서 인식하는 갈등과 혼란에 초점을 맞춘다. 최코디의 작업은 변화하는 정체성과 서구의 영향력 증가 사이의 긴장을 탐구함으로써 한국의 근대화를 바라본다. 파빌리온 지붕에 설치된 ‘베네 시안 랩소디’는 라스베가스와 마카오 카지노의 시각적 분위기를 자유롭게 빌려 글로벌 자본주의의 광경을 반영하는 네온 간판의 빛나는 숲입니다. 최씨의 작품에는 화장지로 만든 로댕의 조각품을 재창조 한 ‘사상가’라는 패러 딕 조각과 분홍색 미국 위장약 펩 토비스 몰도 포함된다.
이완은 한국 예술가의 젊은 세대에 속한다. 이완은 그의 작업을 통해 아시아 전역과 그 밖의 국가에서 글로벌 권력 구조에 의해 착취 된 개인들의 숨겨진 삶을 조사한다. 올해 비엔날레에서 그의 작품 중에는 668 개의 시계로 구성된 ‘적절한 시간’이 있는데, 각 시계에는 작가가 전 세계에서 만나고 인터뷰 한 개인의 이름, 생년월일, 국적, 직업 등이 새겨 져있어 다양한 경제 상황을 조사합니다. 일하는 사람들의. 이대형에 따르면 ‘각 시계는 식사를하기 위해 일해야하는 시간에 따라 다른 속도로 움직인다.’ 그 결과, 추상적 인 초상화의 터무니없는 집합이 크게 두 배가됩니다.글로벌 불평등의 어지러운 다중 감각적이고 몰입적인 표현.
일본 관
“거꾸로 뒤집힌 숲이야”는 작품으로 유명한 작가 이와사키 타카히로의 개인전으로, 겉보기에는 진부한 재료와 잔존물을 꼼꼼하게 구상하고 건축 한 놀라운 조각품으로 변형시킨다. 일본 작가의 작품은 작품에 물리적으로 존재하지 않지만, 그의 반영 모델 시리즈에서 물과 같이 정체성의 필수적인 요소 인 요소를 질서와 무질서의 끊임없는 대조로 포함시키는 것이 특징입니다. 환경 및 사회 문제에 대한 깊은 관심으로 Reflection Model 시리즈는 실제로 존재하는 일본 사원의 건축 모델로 구성되어 있습니다.원래 건물이 현실과 모호성의 개념에 대한 추론으로 서있는 수역의 존재를 재현하기 위해 거꾸로 미러링됩니다. 이러한 아이디어를 더욱 강조하기 위해 모델은 실제 건물과 동일한 목재 (노송 나무)로 제작되었습니다.
전시 큐레이터 인 와시 다 메루로 히로시마의 역사가 그의 작품 속에 깊숙이 스며 든 것처럼 보인다. 히로시마시는 원자 폭탄의 영향으로 순식간에 소멸되었고, 이전에는 군사 도시 였지만 전쟁 후 180도 이미지가 바뀌어 평화의 도시로 널리 인정 받았습니다. 이와사키의 작품에서 비 유적 표현을 사용하는 것, 즉 어떤 세부 사항에 대해 어떤 일이 일어날 때 완전히 다른 방식으로 나타나는 방식은 실제로 히로시마의 경험과 관련이 있습니다. 이와사키 사건에서 일상적인 물건을 사용하는 것은 히로시마 평화 기념관에 소장되어있는 수많은 유물로부터 영향을 받아, 순간적으로 왜곡되어 기능을 상실한 일 용품을 전달합니다.수공예품이라고도 할 수있는 그의 수공예품의 섬세함은 미시적 세계와 거시적 세계를 가로 지르는 듯 보인다.
브라질 파빌리온
Marcelle의 설치 “Chão de caça”에서 용접 격자로 만든 경사 바닥은 브라질 파빌리온의 두 개의 연결된 갤러리 내부를 차지합니다. 주변의 Giardini에서 발견되는 것과 같은 일반 자갈은 그리드에 압착되어 일반적으로 산업적 맥락에서 또는 공공 장소 (예 : 철도 선로 사이 또는 지하철 환기구 또는 하수도 시스템 커버리지)에서 사용됩니다. 격자와 자갈이 얽혀있는 추가 조각 요소, 일련의 그림 및 비디오가 있습니다. 여러 개의 나무 막대기가 바닥 구조에 고정되어 있으며, 각각은 유령 그룹이나 작은 표지판, 횃불 또는 토템의 숲과 같이 상단 끝 부분에 드리 워진 천에 그림의 균형을 맞 춥니 다. 그림의 지원은 흑백 줄무늬 면직물입니다.평범한 침대 시트이지만 검은 줄무늬 각각은 흰색 페인트로 조심스럽게 지워졌습니다. 다양한 크기의 돌을 레이스로 감싸고 전체 구조의 일부가되어 조각의 부피와 무게를 부여합니다.
비디오도 있습니다. 기와 지붕에 한 앵글 샷을 찍어 남성이 점차적으로 내부에서 해체하여 지붕 위로 올라갈 수있을만큼 큰 개구부를 만듭니다. Marcelle은 모호함을 가지고 연기하며 정학, 집착, 반란이 연출하는 수수께끼 같은 환경을 만듭니다. 전체적으로 설치는 불안정한 느낌을 유발합니다. 비디오 프로젝션으로 표시되고 강철 격자의 거칠기에 울려 퍼지는 감옥과 도주 이미지를 붙잡 으려는 유혹을받을 수있는만큼, 특이한 실험실이나 경첩이없는 아티스트 스튜디오에있는 것으로 상상할 수도 있습니다. 테크노 숲이나 야생의 대도시에서
태국 관
쇼 “Krungthep BANGKOK”를 위해 아티스트 Somboon Hormtiemtong은 나무 줄기, 불상, 코끼리, 플라스틱 용기 등의 오브제를 선택하여 태국의 수도를 다양한 측면에서 느낄 수 있도록했습니다. 또한 Hormtiemtong은 도시의 숨겨진 구석에 대한 사실적인 목탄 드로잉을 구현했습니다. 작가는 우리가 익숙한 기성품의 언어 코드를 사용하여 태국이 직면하고있는 복잡한 시대의 분위기를 조성했습니다.
Castello 및 Cannaregio 주변의 전시장
레바논 파빌리온
레바논 파빌리온은 Zad Moultaka의 작품을 선보입니다. SamaS라는 제목은 앞뒤로 같은 것을 읽는 단어 인 회문입니다. 그것은 “Sun Dark Sun”을 의미합니다. 모자이크 표면을 연상시키는 반짝이는 동전이 박힌 먼 내부 벽. 이것은 산 마르코 대성당의 금 모자이크에서 영감을받은 의도적 인 것입니다. 수천 개의 동전에는 총알 구멍을 암시하는 구멍이있는 동전이 있습니다. 이것은 금색 모자이크이지만 실제 동전으로 전쟁을 가능하게하는 것은 돈입니다. “이것은 애도의 벽으로, 각각 별도의 스피커에서 나오는 32 개의 목소리는 애도의 합창과 에너지의 윙윙 거리는 소리를 만듭니다. 모자이크 조각처럼 섬세하게 차별화 된 음악은 베이루트의 안토닌 대학 합창단을 위해 작곡되었습니다.때때로 그것은 항공기 엔진의 윙윙 거리는 소리처럼 들리며, 다른 사람들에게는 Daydé가 “천사의 노래”라고 묘사하는 것과 같은 소리가납니다.
공간 한가운데에는 1950 년대에 세워진 직립형 롤스 로이스 에이본 MK 209 비행기 엔진이 기둥처럼 서서 기원전 18 년 메소포타미아를 통치했던 함무라비 시대의 조각상을 닮았다. 그의 통치는 세계에서 가장 오래된 법률 설명을 포함하여 세계에서 가장 오래된 비문으로 유명합니다. 함무라비 시대의 현무암 기둥 대신 전쟁의 도구 인 항공기 엔진을 전시하는 것은 적어도 함무라비에 의해 암호화 된 계율이있는 한이 지역에 분쟁이 존재했음을 암시합니다. 법규와 비행기 엔진은 정확히 같은 형식입니다. 인간의 마음에서 이러한 형태가 반대 목적으로 사용 되더라도 매우 비슷하게 보일 수 있다는 것은 놀랍습니다. ”
리투아니아 파빌리온
Žilvinas Landzbergas의 새로운 설치물 “R”은 북유럽 풍경과 이미지가 Scuola San Pasquale의 독특한 베네치아 건물의 흰색 큐브 공간과 조화를 이루는 웅장한 현실을 드러냅니다. R은 회상, 기록, 관계, 참조, 유사, 존경, 레이, 라듐, 레늄, 로맨틱, 실제 및 운율입니다. RA, 천문학, 신화, 의학, 화학, 음악, 항해 등. R은 가장 복잡한 알파벳 문자로, 합리적 및 상상의 경계에 걸친 기하학적 모양과 의미의 전체 스펙트럼을 통합합니다. R은 Žilvinas Landzbergas의 예술적 실천에서 고유 한 요소로, R은 공간, 대상, 캐릭터, 기호, 포털로 나타납니다.
Žilvinas Landzbergas의 설치는 전형적인 요소, 사회적 성찰 및 개인적인 통찰력이 환상적인 공간 내러티브로 결합되는 동화의 구조를 가정하여 물리적 및 무의식적 레지스터에서 작동합니다. 삼켜 진 태양과 가짜 달, 북유럽 명령, 발아 한 가구 및 거대한 머리를 마주하고, 물질적 인 그림자와 빛 그림을 따르고, Jokūbas Čižikas의 도움을 받아 Styrmir Örn Guðmundsson의 침술 치료에 굴복하는 질비 나스 란츠 베르 가스의 환상적인 풍경에 완전히 빠져보세요. 그리고 Indriði Arnar Ingólfsson은 DJ Exotip의 수중 비트를 들으실 수 있습니다.
키프로스 파빌리온
Polys Peslikas가 대표하고 Jan Verwoert의 큐레이터 인 “Coming to Life Through the Medium of Painting”이라는 전시회에는 예술가 집단 Neoterismoi Toumazou, 작가 Mirene Arsanios, 도예가 Valentinos Charalambous가 참여했습니다. Peslikas는 파빌리온에서 그림을 전시하고 게스트 아티스트를위한 무대를 설정하고, 계획된 전시 공간에서 그림의 독특한 모습은 연극 커튼의 유령과 비슷할 수 있습니다. 연극이 이미 진행 중일 때도 눈앞에 남아 있습니다. 진행.
1973 년 키프로스 남부 해안의 리마 솔에서 태어난 Peslikas는 현재 베를린에 거주하고 있습니다. 작가는 회화를 시간의 개념을 탐구하고 기존 내러티브와 새로운 관계를 만드는 수단으로 본다. 그의 연습은 매우 협력 적이며 종종 댄스를 포함한 다른 매체에서 일하는 다른 예술가를 그의 작업에 기여하도록 초대합니다. Peslikas는 그의 연습을 바탕으로 초등학교 경험의 강도를 전달하는 회화의 힘에 대한 강력한 주장을 펼쳤습니다. Verwoert는 성명서에서 Peslikas의 작업과 다가오는 전시회에 대해 “그는 경험적 잠재력을 강조했습니다. of painting] 베일 자체를 칠할 때 가장 강하게 느낄 수 있습니다. chiaroscuro는 눈을 방황하게합니다. 색상이 대기적이고 스펙트럼이 균일 해집니다.
마카오 파빌리온
“내 꿈의 분재”를 주제로 현지 아티스트 Wong Cheng Pou의 신작을 선보입니다. 전시는 주로 입체 작품, 그림 및 사진으로 구성됩니다. 전시 제목 “내 꿈의 분재”는 고대 중국 문인들이 작은 화분에 미니어처를 심어 놓은 것처럼 단순함과 우아함이 가득한 영적 삶에 대한 열망을 반영한 것처럼 작가의 개인적인 꿈을 분재로 키우려는 의도를 나타냅니다.
전시에는 주로 고대 중국의 종교, 역사, 지리 및 고대 중국의 종에 대한 풍부한 정보를 제공하는 고대 중국 고전 Shan Hai Jing (산해의 고전)에 묘사 된 신들로부터 영감을받은 인물들이 포함되어 있으며 세계관을 반영합니다. 2 천년 전에 중국에서 널리 퍼졌습니다. “내 꿈의 분재”는 작가가 현재 살고있는 도시에 대한 작가의 관찰, 감정, 상상력을 보여준다.
튀니지 파빌리온
비엔날레 기간 동안 베네치아 전역에서 펼쳐지는 인간 공연은 인간이 한 국가에서 다음 국가로 자유롭게 이동할 수있는 곳인 세계의 목가적 인 축소판을 나타냅니다. 이는 전 세계 국가 및 기업을위한 보안 신분증을 생산하는 리더 인 Veridos의 도움으로 제작 된 Freesa라는 실제 여행 문서에 표시됩니다.
이 프로젝트에는 예술가가 아닌 이민에 대한 직접적인 경험이있는 개인이 포함되어 있으며, 마을 곳곳에있는 방문객을위한 여행 서류를 발급합니다. 이 설치는 모든 방문자가 사람들에게 부과되는 분열적인 수하물과 분류를 흘리는 데 힘을 실어줍니다. 파빌리온의 중심에서 신중하게 개발 된 부수적 인 이벤트는 조용하고 개별적인 시위의 기초를 형성합니다. 전 세계의 방문객 외에도 The Absence of Paths는 젊은 열망 이주민의 적극적인 기여를 활용합니다. 국제적으로 인정받는 현대 미술 행사에서 예술적 실천의 일환으로 비엔날레에 통과 한 것은 논쟁과 탐구를 고무하는 능력을 유지하는 세계적인 현상으로서 현대 미술의 위상을 강조합니다.
짐바브웨 파빌리온
“소속의 아이디어 탐구”라는 주제로 4 명의 예술가 인 Admire Kamudzengere, Charles Bhebhe, Dana Whabira 및 Sylvester Mbayi가 짐바브웨 파빌리온의 6 개 갤러리를위한 조각, 판화, 드로잉, 오브제, 그림 및 사운드를 통합하는 새로운 작품을 구상합니다. 끊임없이 변화하는 세계에서 예술가와 그들의 경험은 영감의 원천입니다. 짐바브웨 파빌리온 전시회는 정체성, 이주, 애국심 및 소속감의 주제에 대한 또 다른 관점을 제공하고자합니다. 여기저기서 보는 것과 보는 것, 합법적, 불법적이라는 아이디어는 논쟁의 대상으로 남아 있으며 이번 전시회는 이러한 문제에 대한 해답을 제공하고자한다. 국경은 삶의 피할 수없는 부분이지만 사람들은 여전히 합법적이고 불법적으로 국경을 넘고 있습니다.
Deconstructing Boundaries의 이번 호는 중심 이슈가 된 방대한 주제를 다루며, 전시회는 예술가 인 Admire Kamudzengerere, Charles Bhebe, Dana Whabira를 통해 다양한 관점을 조명합니다. 그들의 작업은 짐바브웨 파빌리온 청중이 권력 관계를 형성하는 문제를 반영하고 토론하도록 고무시킵니다. 이번 전시는 4 명의 작가의 목소리를 통해 소속 문제에 대한 질문을 던진다. 끊임없는 세계화에 직면하여 물리적 경계가 모호 해지고 도전을 받고 있습니다. 이와 관련하여 예술가들의 목소리와 관점은 사회의 거울이기 때문에 중요합니다.Deconstructing Boundaries는 참여하는 아티스트가 자신의 경험을 반영하고 현재 한 형태 또는 다른 형태로 존재하는 경계에 의문을 제기하면서 영감을 얻습니다. 예술가들은 서로 다른 경계와 경계를 넘나들면서 그들이 방문하는 다양한 공간에 대한 자신 만의 독특한 경험을 가지고 있습니다.
몽골 파빌리온
Lost in Tngri (Lost in Heaven)는 몽골 현대 사회의 시급함을 탐구하는 5 명의 예술가를 모았습니다. 이 나라는 샤머니즘과 불교의 중요한 역사를 가진 유목민 국가로서의 정체성과 천연 자원의 사용이 그 존재 자체를 위협하는 새로운 세계화의 경제적 현실 사이의 교차점에 있습니다. 자연, 조상 및 영적 세계와 연결된 삶과 함께 광활하고 아름다운 지형을 가로 지르는 목축의 전통은 많은 사람들에게 천국으로 간주됩니다. 1990 년 사회주의 체제의 붕괴 이후 생겨난 경제적 기회는 또 다른 유형의 천국으로가는 문을 열었습니다. 광업, 건설, 캐시미어 및 기타 사업은 조상의 땅을 착취하여 부를 창출하는 데 성공했습니다.그러나이 두 생물권 사이에서 국가가 사라지고 있습니까? 영화, 설치, 조각 및 사운드를 통해 여러 세대의 예술가들이 몽골의 미래에 의문을 제기합니다.
산 마르코와 도르 소두로 주변의 전시장
중국 대만 관
Tehching Hsieh는 시간의 본질과 현대 인간 상태의 실존 적 딜레마를 조사하는 극도로 육체적, 심리적 도전의 몸인 그의 1 년 공연의 새로운 반복을 개발합니다. 1978 년 케이지 피스를 위해 작가는 자신의 스튜디오에 지은 케이지에서 거의 고독한 감금에서 12 개월을 보냈고, 그저 필수품과 대화, 읽기, 쓰기 또는 TV 시청 금지 조치를 받았습니다.
Palazzo Ducale의 이전 감옥이었던 Palazzo delle Prigioni Venice의 역사적인 홀은 대부분의 것보다 ‘시간을 보내는’의 의미와 비용, 삶의 본질을 이해하는 예술가의 작품을위한 이상적인 장소입니다. 우리가 사회라고 부르는 것의 가장자리에서. 소원 한 위치에서 Hsieh는 중국 대만에서 초창기부터 나타나는 생명력과 탄력성을 구현할뿐만 아니라. 검소하지만 극단적 인 예술적 관행을 통해 전달되는 많은 사람들에게 공통적 인 역경의 끈기. 그의 행동은 집단적 문화적 불안을 불러 일으키고 현대 인간 상태에서 발견되는 많은 실존 적 딜레마를 탐구합니다.
아제르바이잔 파빌리온
함께 사는 예술인 “Under One Sun”이라는 주제 아래 상징적 인 의미가 있습니다. 복잡한 지정 학적 과정을 통해 현대 시대의 평화와 안정을 보장하는 것은 인류의 가장 중요한 문제 중 하나입니다. 오늘날 우리는 전 세계에서 일어나는 부정적인 추세를 목격합니다. 아제르바이잔은 복잡한 사회의 완벽한 표본으로, 다양한 언어와 문화적 배경, 다문화 및 다 종교 사회에서 주로 조화와 평등으로 함께 사는 문화를 장려하고 때로는 거친 자연 환경에서 서로를 지원합니다. 불행히도 외국인 혐오, 극단주의, 종교적 차별, 테러와 같은 위험한 요소는 평화로운 공존 규범을 위반하고 문명과 국가 내에서 재난을 초래합니다.
이러한 맥락에서 모든 국가는 긍정적 인 경향의 강화, 다문화 전통에 기반한 홍보 및 홍보, 문화와 문명 간의 대화에 기여해야합니다. 이 지리적 위치는 문화적 다양성에 중요한 역할을했습니다. 현존하는 상황을 표현함으로써 사람들이 다문화주의에 대한 생각을 하나로 뭉칠 수 있음을 보여주세요. 기회를 제공하는 함께 사는 예술은 다문화주의의 아제르바이잔 모델과 함께 참여하고 서로 다른 국가 간의 관용, 상호 신뢰, 연대 및 우정을 촉진합니다.
쿠바 파빌리온
이미 전 세계적으로 상당한 인정을 받고있는 젊은 예술가들로 구성된 ‘직관의 시간’이라는 제목의 전시회. 수십 년 동안 잃어버린 인본주의를 구출해야 할 시급함에 대해 사회 내에서 예술과 예술가의 역할을 회복해야 할 필요성을 전합니다. 쿠바 현실에 대한 프로젝트를 맥락화하고 Macel의 큐레이터 아이디어를 염두에두고 Noceda는 쿠바 작가 Alejo Carpentier (1904-1980)가 표현한대로 시간 개념에서 영감을 얻었으며, 이는 라틴 아메리카의 마 법적 현실주의 개념의 창시자였습니다. Carpentier는 카리브해와 쿠바에서는 과거 또는 기억의 시간, 현재, 직관이나 비전의 시간, 미래, 또는 기다리는 시간의 세 가지 현실이 동시에 공존한다고 말했다. 현재는 선택된 것, 직관의 시간입니다.
쿠바 파빌리온은 과거와 역사의 해체에 이르기까지 다양한 주제를 다루는 친밀하거나 풍자적 인 경로를 통해 카리브해 섬의 일상 생활을 해석하는 14 명의 고대 및 권위있는로 레단 궁전에 자리 잡고 있습니다. , 오늘 연대기; 사회적, 인종적, 젠더 문제에서부터 신앙과 영성의 주제에 이르기까지 다양합니다. 그들은 문맥과 그것에 대한 헌신이 현실을 재고하는 열쇠 인 그들의 세계 문제에 대한 다른 비전을 제안하는 독특하고 독립적 인 작가들입니다.
이라크 파빌리온
‘Archaic’은 이라크 박물관에서 가져온 40 개의 고대 이라크 유물과 신석기 시대부터 파르티아 시대까지 6 천년에 걸친 이라크 현대 및 현대 예술가 8 명의 작품을 보여줍니다. 2003 년 박물관 약탈 이후 최근에 회수 된 몇몇 물건을 제외하고는 대부분의 물건은 이전에 이라크를 떠나지 않았습니다. ‘Archaic’이라는 용어의 긴장은 고대와 원시에 대한 다원적 언급과 현재 사용되지 않는 항목에서 비롯됩니다. 이 전시회는 기존의 정치적, 행정적, 사회적, 경제적 현실이 고대 유산으로서 ‘고풍 적’이라고 주장 할 수있는 이라크와의 특별한 관련성을 강조하기 위해 이러한 긴장감을 끌어냅니다.
첫 번째 vitrine은 현대 작품 이외의 선택입니다. 사실, 이러한 물체는 수천년 전으로 거슬러 올라갑니다. 여성 인물과 동물의 작은 조각상과 실린더 물개 열이 있습니다. 작은 조각상 중 일부는 수세기에 걸쳐 너무 낡아서 돌의 특징이 그림자에 지나지 않습니다. 대운하에있는 Palazzo Cavalli-Franchetti에있는 파빌리온의 나머지 예술은 20 세기 후반부터 새로워 졌거나 2017 년 비엔날레를 위해 의뢰되었습니다. 이러한 작품은 고대 땅의 문화에 뿌리를 둔 현대 미술의 사례로 전시됩니다.
몬테네그로 파빌리온
몬테네그로는 아티스트 Ivana Radovanović와 Adin Rastoder의 “Čovjek-Uomo-Human”프로젝트로 대표됩니다. Ivana Radovanović와 Adin Rastoder의 작품은 공유 주제, 인류학 주제 및 사람을 가진 두 개의 독립적 인 예술적 개념을 나타냅니다. 이 개념은 우리가 살고있는 세상을 바꾸려는 초대이자 호소입니다. 예술은 사람과 문화를 연결하는 상징이자 매체입니다. 시각적 특성과 예술적 메시지에서 Ivana Radovanović와 Adin Rastoder의 예술 프로젝트는 별개의 작품을 나타내지 만 동시에 미학적 안무와 강력한 전체를 구성합니다. 두 예술적 개념은 인간의 두 가지 다른 측면을 표현하는 한 결합을 구성합니다.현실에서 그들의 상호 대조는 인간 존재의 의미에 대해 깊이 숙고하도록 우리를 초대하는 독특한 메시지를 만듭니다. 따라서 그들의 프로젝트는 우리가 살고있는 세상을 바꾸고 모든 본질적 가치로 돌아 가려는 호소입니다.
Rastoder의 조각은 중요한 인류학 원리에서 나온 상상의 인물입니다. 그의 창의적인 과정을 통해 그는 독특하고 추상적이며 참신한 해결책과 반응에 도달합니다. 그의 인물은 모두 같은 모양을 가지고 있지만, 그것들을 다르게 만드는 것은 개별적인 것과 집단적인 것을 가리키는 색상입니다. 작가의 낙관적 인 세계관은 생생한 의상으로 표현된다. Ivana Radovanović의 작업은 인간 삶의 핵심 차원으로서 부조리와 무상 함을 강조합니다. 따라서 그녀는 성격과 개성이 파괴되는 강렬한 현대적 감성을 보여준다. 사실이 정신은 감정, 이미지, 파편의 수집 및 축적이며, 결합되어 새로운 화합물을 형성 할 수 있습니다.작가는 본질적으로 창조자이자 파괴자로 보이는 인간을 다룬다. 그녀의 인물은 훼손된 사람이나 얼굴도없고, 자질도없고, 의미도없고, 인간의 존엄성 측면에서 무관심하고 타락한 사람들을 나타냅니다.
Cannaregio 및 Santa Croce 주변의 전시장
아이슬란드 파빌리온
Egill Sæbjörnsson 프로젝트의 창의성과 유머는 물론 다양한 미디어와 플랫폼을 사용하여 서로 다른 세계를한데 모아 현실과 콘크리트가 상상과 환상과 교차하는 몰입 형 환경을 조성하는 능력은 청중을 계층화 된 감각 우주와 현대 세계에 대한 관련 성찰.
Egill Sæbjörnsson은 베를린과 레이캬비크에서 거주하며 일하고 있습니다. 실험의 최전선에서 그는 음악, 조각, 비디오 프로젝션 및 애니메이션뿐만 아니라 마임 아티스트, 스피커, 배우, 음악가 또는 가수 등 자신의 공연을 결합하여 가상의 공간 내러티브를 만듭니다. Sæbjörnsson의 작품에는 연극적이고 시적이며 장난스럽고 평범한 휴면 물체가 생생하게 나타납니다. 플라스틱 양동이, 벽, 거친 돌 또는 핸드백 등 실제와 상상이 충돌하는 놀라운 세계로 시청자를 끌어들입니다. 그의 작업은 청중의 복잡한 고려를 요구하는 놀라운 조합으로 투영 된 비디오와 사운드를 재생하면서 기술의 “마법”을 탐구함으로써 현실과 환상의 경계를 모호하게 만듭니다.그러나 그의 작업은 경험적이고 치밀한 존재 론적 질문을 촉발하지만, 그러한 주제를 접근 가능하게 만드는 방식으로 그것들을 구성합니다.
루마니아 파빌리온
Entitled Apparitions, 루마니아의 여성 예술가에게 헌정 된 첫 솔로로, 대부분 남성이 지배했던 긴 여정에서. Apparitions, 작가가 눈을 부분적으로 감고 실현 한 일련의 작품. 그러나 “발현”은 예술적 실천을 요약 할 수있는 단어입니다. Bratescu에게 예술적 대상은 “마음 춤”의 결과입니다. 기술은 덜 중요하며, 예술가가 종종 말하는 중요한 것은 “마음과 비전”이 주장하는 예술 작품의 “정신”입니다. 발현은 또한 사회적, 정치적 제약을 넘어서는 절대적인 자유를 의미합니다. 그러나 유령은 표현을 통해 단순한 플라스틱 요소의 변형을 통해 나온다.
복잡한 예술가 Geta Brătescu는 그림, 콜라주, 판화, 태피스트리, 사물, 사진, 실험 영화, 비디오, 공연을 만듭니다. 그녀는 모든 것을 그림으로 전환 할 수있는 너무 많은 매체로 자신을 표현합니다. Geta Brătescu의 관점에서 사회적, 정치적 조건은 예술에 반영되지 않습니다. 예술은 정치를 방해하지 않고 자율성을 유지해야합니다. 장소에 관계없이 아티스트는 멘탈 스튜디오를 만들 수있는 능력이 있어야합니다. 특정 예술 작품에 거의 집착하는 스튜디오의 물리적 공간은 그 자체로 세계인 신화를 만들어내는 내부 공간과 융합되어있다. 그녀의 예술에서 브라 테스 쿠 자신의 신체적 존재에서도 똑같은 일이 일어납니다. 그 작품이 없으면 다른 자아와 복잡한 여성 신화,지도, 정신적 여행을 만듭니다.
나이지리아 파빌리온
“지금은 어때?”라는 주제로 전시는 다층적인 타임 라인 형태를 취하고있다. 그것은 과거에서 도착한 다음 미래로 이륙합니다. 그 뒤에있는 진술은 나이지리아의 시대가 바로 지금이라는 것입니다. 지금은 어때? 다양한 이데올로기 적 가능성을 불러 일으키는 호기심 많고 도전적인 질문 인 것 같습니다. 그것은 동시대 및 / 또는 탈식민지를 강력하게 암시합니다. 이 파빌리온은 주어진 잠재력에 대한 프레임 워크입니다. 즉, 특집 예술 작품과 나이지리아 예술가가 작업하는 환경을 연결하고 예술적 상상력을 경험의 연속체와 국가 정체성의 복잡성에 연결합니다.
나이지리아 파빌리온은 국가가 역사와 유산, 그리고 현재의 단편적이지만 상호 연결된 내러티브를 어떻게 옹호하는지에 대해 성찰 할 수있는 기회를 제공합니다. 선정 된 비주얼 아티스트는 Victor Ehikhamenor, Peju Alatise, 댄스 / 퍼포먼스 아티스트, Qudus Onikeku입니다. 그들의 작품은 설치, 그림 및 공연을 통해 다양한 관점에서 현대 나이지리아 생활에 대한 통찰력을 제공합니다. 다양한 형태의 표현을 통해 역사적으로 성장한 현대적 문제의 중재는 활력을주는 경험을 약속합니다.
자료 이벤트
기억과 동시대. 중국 미술의 오늘
Arsenale Nord, 주관 : 베이징 고궁 박물관
중국 현대 미술에 대한 성찰의 의미는 정확히 무엇인가? 당연히 중국 문명의 가치를 깨닫는 중요한 길입니다. 베이징시는 중국 문화의 다양성과 풍요 로움을 상징하는 상징입니다. 그리고 전시 프로젝트 인 Memory and Contemporaneity가 탄생 한 곳은 바로 수도입니다. 중국 역사상 가장 위대한 유산 중 하나 인 자금성의 맥락에서 현재는 고궁 박물관의 소장품과 기록 보관소를 시작으로 중국 현대 예술가 그룹이 중국의 현대 미술에 대해 반성하도록 요청받은 조사 공간을 열고 있습니다. 기억의 숭배와의 관계.
삼손 영 : 재난 구호를위한 노래
Arsenale, Campo della Tana, 발기인 : M +, West Kowloon Cultural District; 홍콩 예술 개발위원회
예술가이자 작곡가 인 Samson Young은 “자선 싱글”의 대중화를 역사적인 “이벤트”이자 시간의 문화적 변화의 순간으로 구성하려는 새로운 작품을 만듭니다. 자선 싱글은 1980 년대에 가장 널리 퍼졌고 신자유주의 열망의 부상과 대중 음악 산업의 세계화와 동시에 이루어졌습니다.
We Are the World 및 Do They Know It ‘s Christmas와 같은 상징적 인 타이틀을 의도적으로 용도 변경하고 창의적으로 잘못 읽음으로써 아티스트는 시청각 테이블을 구성하는 일련의 객체, 공연 및 공간 사운드 설치를 생성합니다. 전시는 공간에서 펼쳐지는 앨범으로 생각된다 : 직접 듣고보아야하는 단일 사본의 기계적 복제; 긴급하고 끊임없는 행동에 대한 호소.
내 꿈의 분재 – 웡 청포 작품
Arsenale, Castello, 발기인 : 마카오 SAR 정부의 문화 사무국; 마카오 미술관
세상은 점점 더 복잡해지고 있습니다. 혼잡 한 도시에 살고있는 사람들은 그 틈 사이에 끼어 드는 것이 혼란 스러울 수 있습니다. 나는 바다에서 살게 된 것이 너무나 운이 좋았고, 자유가 될 때마다 나는 높은 곳으로 가서 아무것도하지 않고 높은 위치에서 매혹적인 산을 바라보고 싶습니다. 특히 맑은 달이있을 때 하늘, 물의 고요함에 반사 된 은빛 그림자는 낮 시간에 있었던 것과는 완전히 다릅니다 – 추운 콘크리트 정글. 그때 나는이 헤아릴 수없는 풍경에 푹 빠졌고, 바다와 산을 기이하게 돌보는 샨 하이 징의 생물들에 대한 나의 기억을 떠 올릴 수 없었다.
시간을
Palazzo delle Prigioni, 발기인 : 대만 타이페이 미술관
1970 년대 후반과 80 년대 초 맨해튼의 시내 예술 현장에서 젊은 대만 예술가 Tehching Hsieh는 뛰어난 작품 시리즈를 만들었습니다. 그는 1 년 동안 5 번의 공연을했다. 각각에서 그는 일년 내내 자신의 행동을 지배하는 엄격한 규칙을 만들었습니다.
극도의 기간 동안 신체적 어려움을 사용하고 삶과 예술을 동시 적 과정으로 절대적으로 개념한다는 점에서 공연은 전례가 없었습니다. Doing Time은 많은 문서와 인공물을 세부 설치물로 조립하여 Hsieh의 가장 감동적인 1 년 공연 중 두 가지 인 Time Clock Piece (1980-1981)와 Outdoor Piece (1981-1982)를 대조합니다. 이 두 가지 기념비적 인 복종 공연은 인간의 존재, 권력 체계, 시간 및 자연과의 관계에 대한 강렬하고 정서적 인 담론을 장려합니다.
Alberto Biasi, Sara Campesan, Bruno Munari e altri amici di Verifica 8 + 1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, 프로모터 : Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
Verifica 8 + 1 협회는 1978 년 4 월 베네치아 본토에 새로운 언어 검색에 참여하는 예술가들의 만남의 장소로 설립되었습니다. 전시 프로젝트는 협회의 세 명의 중요한 회원들에게 초점을 맞추고 있습니다 : 역동적 인 개성과 강한 창의력을 가진 창립 회원 인 Sara Campesan; 협회의 추정 아버지 인 브루노 무 나리; 베네토의 Programmed Art 창립자 인 Alberto Biasi.
이번 전시에는 다른 창립 멤버들의 작품과 센터에서 개인전을 개최하고 특히 그룹에서 활동 한 7 명의 아티스트가 더 선정된다. 따라서이 프로젝트에는 제목에 언급 된 세 명의 인물과 Verifica 8 + 1에서 공연 한 7 명의 마스터 외에 7 명의 예술가, 센터 창립자 등의 균형 잡힌 균형 잡힌 그룹이 포함됩니다.
몸과 영혼. 공연 예술 – 과거와 현재
음악원 “Benedetto Marcello”, Palazzo Pisani, 프로모터 : Rush Philantropic Arts Foundation
몸과 영혼에서. 퍼포먼스 아트 – 과거와 현재, 8 명의 퍼포먼스 아티스트 (일부는 역사적으로 유명하고 다른 일부는 신흥)가 라이브 공연과 이전 작업의 비디오 또는 사진 문서에 등장합니다. 선구적인 인물 VALIE EXPORT, ORLAN, Nicola L, Carolee Schneemann은 성별, 여성 성, 개인적 관계 및 정치와 관련된 우려를 표현하기 위해 오랫동안 몸을 사용했습니다. 그들의 혁신은 형식적, 주제 적 모두였으며, 20 세기 중반 성 불평등과 사회적 억압에 직접적으로 직면했습니다.
그 유산을 기반으로 한 전시회의 젊은 참가자들은 공연 예술 캐논 자체 (Derrick Adams), 문화적 분열 및 다중 정체성 (Aisha Tandiwe Bell), 친자 관계 및 삶의 순환 (John Bonafede), 사회적 역할 및 신체 표현의 역학 (Katarzyna Kozyra).
베니스의 카탈로니아 _La Venezia che non si vede
Cantieri Navali, Castello, 홍보 담당자 : Institut Ramon Llull
Antoni Abad는 시각 장애가있는 시각 장애인 그룹과 공동으로 제작 한 베니스의 도시 공간에 대한 감각적 해석을 제안합니다. 이 집단의 사람들은 대다수의 인구와 다른 방식으로 감각을 사용하며 도시의 숨겨진 측면을 드러 낼 수 있습니다.
이 사회적 참여 예술 프로젝트의 촉매제는 시각 장애인을 위해 특별히 제작 된 모바일 애플리케이션 인 BlindWiki로, 도시의 모든 위치에 대한 인상을 기록하고 게시 할 수있을뿐만 아니라 이러한 녹음을 현장에서들을 수 있습니다. 따라서 카탈로니아 어 프로젝트는 집단 지능이 보편적 인 접근성을 되찾고 물리적 공간과 디지털 공간을 차지하는 대체 방법을 제안하는 탁월한 감각적 경험입니다.
Fernando Zóbel. 콘트라 푼 토스
Fondaco Marcello, 발기인 : Ayala Foundation / Ayala Museum
이번 전시는 마닐라에서 태어나 하버드 대에서 공부하고 스페인에 살았던 페르난도 조벨 (1924-1984)의 작품에 대한 소개와 관점을 제공한다. 전시 된 그림은 아시아와 서양의 회화 기법이 조화롭게 결합 된 것입니다. 초국적 예술가로 묘사되는 Zóbel은 필리핀 현대 미술 운동의 핵심 인물이었습니다. 그는 또한 1950 년대부터 1960 년대 스페인 추상 회화가 등장하면서 스페인 예술가들과 긴밀한 관계를 맺었습니다.
1956-1962 년에 초점을 맞춘이 쇼는 아티스트의 주요 업적 인 Saeta 및 Serie Negra 시리즈를 선택합니다. 전시회에는 스페인에서 추상화를지지했던 파블로 세라노 (1908-1985)의 조각도 포함됩니다. Fernando Zóbel. Contrapuntos는 무생물의 시노 그래피가 아닌 관조적 인 대뇌 구체 인 유기적 미장센으로 설계되었습니다. 유물, 텍스트, 음악 및 출판물은 예술적 실천이 어떻게 현대적 표현의 생생한 형태로 재구성 될 수 있는지에 대한 시각적 대화의 일부를 구성합니다.
미래 세대 미술상 @ 베니스 2017
Palazzo Contarini Polignac, 발기인 : Victor Pinchuk 재단
미래 세대 예술상 @ 베니스 2017은 거의 모든 대륙과 16 개국에서 온 21 명의 예술가들과 함께 세계 최초의 예술상 제 4 판을 선물합니다. 이 전시는 독립 작가들의 진술을 통해 현대 세계의 복잡성을 다루고 그 안에서 예술의 가능성을 조사합니다. 개인과 집단, 상상과 현실, 친숙하고 기괴한 사이의 균형을 이루는이 쇼는 독특한 경험과 글로벌 현상이 교차하는 평행 현실을 통한 매혹적인 여정을 제안합니다.
제임스 리 바이어스, 골든 타워
Dorsoduro, 발기인 : Fondazione Giuliani
James Lee Byars (1932-1997)는 The Golden Tower를 하늘과 땅을 연결하고 인류를 통일 할 거대한 비콘이자 신탁으로 상상했습니다. 알렉산드리아 등대의 웅장 함을 능가하는 현대적인 기념물입니다. 이 아이디어는 1990 년에 처음 시작되었으며 아티스트의 경력 전반에 걸쳐 수많은 개념 연구를 통해 개발되었습니다.
높이가 20m에 달하는 The Golden Tower는 예술가의 가장 크고 야심 찬 작품입니다. 2017 년 이탈리아 금탑 팀과 함께 제작 된이 골든 타워 설치는 예술가의 공공 공간에 조각품을 선보이려는 의도를 완전히 실현 한 최초의 작품으로, Byars와 도시와의 깊은 연관성을 감안할 때 두 배로 중요합니다. Byars는 1982 년부터 베네치아에서 살았다. 그는 1980 년부터 Biennale Arte의 4 번의 이전 판에 참여했으며, 그의 경력 내내 베니스에서 수많은 공연을 제정했다.
Jan Fabre – 유리 및 뼈 조각 1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio, 프로모터 : GAMeC – Galleria d’ Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo
이 전시회는 처음부터 Jan Fabre의 작품을 조사하여 1977-2017 기간에 제작 된 유리와 뼈로 그의 작품에서 구현 된 것처럼 변태의 렌즈를 통해 삶과 죽음에 대한 철학적, 정신적, 정치적 사색으로 시청자를 이끌고 있습니다.
작가는 유리를 통해 볼 수있는 소재이기 때문에 실제적이고 변형적인 투명성을 위해 유리를 선택합니다. 그는 귀를 부조로 새기거나 조각 할 수있는 투명한 시트 / 벽으로 그것을 다양한 방식으로 사용합니다. 뼈의 사용은 Fabre의 기본 기준점 중 하나 인 플랑드르 거장의 전통으로 돌아가며 그림에 정기적으로 뼈를 사용했습니다. 따라서 유리와 뼈 작품은 과거, 현재 및 미래의 관계를 지속적으로 재 해석하여 예술가의 예술적 어린 시절과 과거 및 현대 미술의 역사를 통합합니다.
새로서의 남자. 여정 이미지
Palazzo Soranzo Van Axel, 발기인 : 푸쉬킨 주립 미술관
이 전시회는 시청자가 다양한 차원, 공간, 시간 및 개별 경험을 여행하도록 초대합니다. 이는 세계와 자아에 대한 인식을 바꿀 수 있습니다. 이미지의 초기 형태와 구조는 프로젝트에 통합 된 다양한 관점으로 인해 여정을 따라 변형됩니다. 조나단 스위프트의 걸리버 나 루이스 캐롤의 앨리스처럼 시청자는 비정상적인 비율과 관점을 경험합니다. 세상이 변하고, 관점이 바뀌고, 현실과 상상이 얽히고 더 이상 우리의 인식과 일치하지 않습니다.
여정 동안 시야각은 조감도를 통해 다른 모든 감각과 연결된 확장 된 시야로 넓어집니다. 소리, 촉각 및 촉각 적 시각은 하나 이상의 공간, 즉 자신을 통한 개별 여정을 포괄하는 기억의 공간을 경험하게합니다. 기계와 인간의 눈을 수렴하는 소실점, 역사와 개인의 기억의 공간은 우리 각자 안에 있으며,이 여정의 궁극적 인 목표는 자신을 인식하는 것입니다.
미켈란젤로 피스톨 레토
Isola di San Giorgio Maggiore, 프로모터 : Associazione Arte Continua
무한의 수학적 상징을 재구성 한 제 3 천국의 상징은 연속 된 세 개의 원으로 구성되어 있습니다. 두 개의 바깥 쪽 원은 자연과 인간을 포함한 모든 다양성과 반항을 나타냅니다. 중심 원은 외부 원의 결합 및 해석이며 새로운 인류의 생식 자궁을 나타냅니다.
제 3의 낙원은 인공과 자연의 균형 잡힌 상호 연결을 통해 달성 된 인류의 세 번째 단계입니다. 이 단계에서 예술은 전 세계를 비극적으로 사로 잡는 정치적, 종교적 갈등에서 균형을 촉진 할 수있는 다 자신의 영역 인 종교적 상징주의와 관련된 의미의 촉매제가됩니다. 미켈란젤로 피스톨 레토 전시회에서 작가는 오늘날의 세계화 사회와 관련된 현대적 문제를 탐구하며, 사회 개선을 목표로하는 창의력을 통해 차이를 수용하고 정치적, 종교적, 인종적 관용에서 영감을받은 작품을 선보인다.
방법
Ca ‘Faccanon, Promoter : WAVE ‘s (여성 예술 베니스)
Modus는 19 세기 후반부터 점진적으로 침식 된 예술의 한 측면에 대한 이야기를 들려 주며, 역사적 아방가르드 운동에 의해 이론적 열쇠로 재구성되었습니다 : 기술과 시학 사이의 밀접한 연결, 그 사이의 관계 과학과 예술 작품의 재료.
예술사에 대한 애니메이션 비디오를 통해 전시회는 예술에 대한 현대적 탐구를 특징 짓는 언어 적, 학제 적 상호 관계를 여러 섹션에서 보여줍니다. 과학적 기반은 볼로냐 미술 아카데미 및 베니스 미술 아카데미의 시각 커뮤니케이션 디자인 방법 프로그램과 협력하여 개발되었습니다.
필립 구 스턴과 시인
Gallerie dell’Accademia di Venezia, 발기인 : Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
Gallerie dell’Accademia di Venezia는 주요 문학 인물과 관련하여 예술가의 작품을 탐구하는 주요 전시회에서 저명한 캐나다 계 미국인 화가 Philip Guston (1913-1980)의 작품을 선보입니다.
이 전시회는 20 세기 주요 시인의 아이디어와 글을 그의 수수께끼 같은 그림의 촉매제로 간주하며, Guston의 예술 경력 50 년에 걸친 작품, 1930 년부터 1980 년 사망까지의 그림과 드로잉을 선보입니다. 이 작품에 반영된 필수 인본주의 주제와 DH Lawrence, WB Yeats, Wallace Stevens, Eugenio Montale 및 TS Eliot의 다섯 시인의 말. 이 박물관 전시회는 작가와 이탈리아와의 특별한 관계를 반영합니다.
피에르 휴게
Espace Louis Vuitton Venezia, 프로모터 : Fondation Louis Vuitton
Espace Louis Vuitton Venezia를 위해 Pierre Huyghe는 내러티브, 픽션 및 도망자 기억 사이의 완전히 새로운 전시 형식을 상상했습니다. 영화