이탈리아 르네상스 그림의 테마

이탈리아 르네상스의 화가들을 사로 잡은 주제는 주제와 사형 – 회화 된 것과 회화의 스타일이었습니다. 예술가는 중세 화가보다 주제와 스타일이 훨씬 더 자유 롭습니다. 르네상스 그림의 특정 특징 요소는 그 기간 동안 큰 발전을 가져 왔습니다. 여기에는 그것이 성취 된 방법과 그것이 적용된 효과에 관한 관점과 특히 상징성, 초상화 또는 서사 요소로서의 인류 묘사에서의 리얼리즘이 포함됩니다.

이탈리아 르네상스 회화의 주제 개발은 이탈리아 르네상스 회화의 연장으로, 회화가있는 추가 그림을 제공합니다. 포함 된 작품은 14 세기 초의 조토 (Giotto)에서부터 1530 년대의 미켈란젤로의 마지막 심판 (End Judgment)에 이르기까지 다양합니다.

테마
피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)에 의한 그리스도의 귀환 (The Fermellation of the Christ)은 하나의 작은 작품에서 구성 요소와 주제의 측면에서 이탈리아 르네상스 시대의 그림의 많은 주제를 보여줍니다. Piero의 관점과 빛에 대한 숙달은 바로 명백합니다. 중앙 동작을 중심으로 복잡한 타일 ​​바닥을 비롯한 건축 요소가 결합되어 두 개의 공간을 만듭니다. 내부 공간은 예수님이 보게되는 보이지 않는 광원에 의해 켜져 있습니다. 정확한 위치는 확산 된 천장의 분석과 그림자의 각도에 따라 수학적으로 정확하게 나타낼 수 있습니다. 밖에서 서있는 세 인물은 낮과 건물과 포장에서 반사 된 빛에 대해 서로 다른 각도에서 불을 붙입니다.
종교적인 주제는 현재에 묶여있다. 통치자는 Viszantium의 방문 황제의 초상화입니다. 깃털은 “채찍질”이라고도합니다. “채찍질”이라는 용어는 전염병에 적용되었습니다. 바깥쪽에는 그리스도의 몸을 묻어 놓은 자들을 대표하는 세 사람이 있습니다. 나이 든 두 명인 니코 데 무스와 아리마 테아의 요셉은 최근에 아들을 잃은 사람의 초상화로 여겨지며, 그 중 하나가 재앙에 시달리고 있습니다. 세 번째 사람은 젊은 제자 요한이며, 아마 아들 중 하나의 초상이거나 아니면 피에로가 천사들을 그린 방식과 일치하는 이상적인 단일 인물로 두 사람을 대표합니다.

르네상스 그림의 요소
르네상스 그림은 특히 중세 시대의 그림과는 달리 인간의 해부학에 대한 자연의 관찰과 원근법과 빛의 사용에 대한 과학적 원리의 적용에 중점을 두었다.
선형 관점
아래 갤러리의 그림은 건물 및 도시 경관의 선형 원근감 개발을 보여줍니다.

Giotto의 프레스코에서 건물은 한쪽이 관객에게 열려있는 무대 세트와 같습니다.
Paolo Uccello의 프레스코에서 도시 풍경은 깊은 인상을줍니다.
Masaccio의 Holy Trinity는주의 깊게 계산 된 수학적 비율로 그려졌으며 아마도 건축가 Brunelleschi의 도움을 받았을 것입니다.
프라 안젤리코 (Fra Angelico)는 친밀한 공간을 만들기 위해 정확하게 초안을 작성한 작은 로지아의 단순 모티브를 사용합니다.
이방인 벨리니 (Bernini)는 거대한 공간 인 베니스의 산 마르코 광장 (Piazza San Marco)을 그렸습니다.
레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 동방 제국의 미완성 숭배를 준비하기 위해 고전 유적지를 상세하고 측정 한 그림을 그렸다.
Domenico Ghirlandaio는 급격히 하강하는 경사로와 돌발적인 벽을 포함하여 3 단계로 매우 복잡하고 광범위한 설정을 만들었습니다. 오른쪽에있는 교회와 같은 풍경의 요소는 부분적으로 다른 구조를 통해 보입니다.
Raphael의 Borgo에서 Fire를위한 디자인은 백그라운드 이벤트가 원근감으로 강조되는 작은 사각형 주위의 건물을 보여줍니다.

경치
조경의 묘사는 선형 적 관점의 개발과 15 세기의 많은 Early Netherlandish 회화의 배경에 상세한 조경을 포함시킴으로써 장려되었다. 또한이 영향을 통해 대기의 관점에 대한 인식과 먼 것들이 빛의 영향을받는 방식을 관찰하게되었습니다.

조토 (Giotto)는 산을 배경으로 몇 개의 바위를 사용합니다.
Paolo Uccello는 많은 작은 장면의 무대로 섬세하고 초현실적 인 분위기를 조성했습니다.
카르 빠치 오의 그리스도의 몸의 증착에서, 황량한 암석의 풍경은 그 장면의 비극을 되풀이합니다.
Mantegna의 풍경은 실제 물리적 공간을 암시하는 조각의 3 차원 품질을 갖추고 있습니다. 암석, 지층 및 균열의 세부 사항은 그가 북부 이탈리아 지역에서 널리 퍼진 적색 석회암의 지질 구조를 연구했다는 것을 암시합니다.
Antonello da 메시나는 멀리 떨어진 곳으로 굴러가는 차가운 시골과는 대조적으로 십자가 처형의 잔인한 장면을 설정합니다.
지오바니 벨리니 (Giovanni Bellini)는 전경과 배경 산맥 사이에 목가적 인 장면으로 세부적인 풍경을 만들었습니다. 이 풍경에는 ​​수많은 수준이있어 Ghirlandaio의 복잡한 도시 풍경 (위)과 동일합니다.
페루 기노 (Perugino)는 움 브리아 (Umbria)의 친숙한 구릉 풍경에 맞서 동방 박사의 숭배를 설정했습니다.
레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 북부 이탈리아의 알프스 산기슭의라고 디 가르다 (Lago di Garda) 주변의 산들을 바라 보는 관점에서 대기의 관점을 연극 적으로 사용합니다.


빛과 그늘은 두 가지 형태로 그림 속에 존재합니다. 색조는 단순히 흰색에서 검은 색으로 등급이 매겨진 그림 영역의 명암입니다. 색조 배열은 일부 그림에서 매우 중요한 특징입니다. Chiaroscuro는 빛과 그림자의 제안에 의해 그림 내의 명백한 표면의 모델링입니다. 음색이 중세 시대의 중요한 그림 이었지만, chiaroscuro는 그렇지 않았습니다. 3 차원 공간의 묘사를 변형시켜주는 15 세기의 화가에게는 점차 중요성이 커졌습니다.

Taddeo Gaddi 목자에 대한 성모 영 보 대축일은 야간에 처음으로 알려진 대형 그림입니다. 그림의 내부 광원은 천사입니다.
Fra Angelico의 그림에서,이 야외 장식이 장식 한 friary 셀의 실제 창에서 오는 것처럼 보이는 일광은 그림을 부드럽게 조명하고 건축을 정의합니다.
황제의 꿈에서 피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)는 천사에 의해 조명 된 야경을 주제로 삼아 빛의 확산에 대한 과학 지식을 적용합니다. 이렇게 생성 된 색조 패턴은 그림의 구성에서 중요한 요소입니다.
정원에서의 고뇌에서 조반니 벨리니 (Giovanni Bellini)는 흐린 저녁에 퇴색 일몰을 사용하여 긴장감과 절박한 비극을 조성합니다.
도메니코 베네치아노 (Domenico Veneziano)의 공식적인 초상화에서, 형태를 모델화하기 위해 chiaroscuro를 사용하는 것은 약간의 일입니다. 그러나이 그림은 창백한 얼굴, 중간 톤 배경 및 효과가있는 패턴이있는 몸매가있는 어두운 옷의 색조 대비에 크게 의존합니다.
Botticelli는 chiaroscuro를 사용하여 참석자의 얼굴을 모델링하고 간단한 옷의 세부 사항을 정의합니다. 창의 가장자리에있는 빛과 그림자는 빛의 각도를 정의합니다.
이 초기 16 세기 초상화의 권위자는 Ridolfo del Ghirlandaio, Mariotto Albertinelli 및 Giuliano Bugiardini를 포함합니다. 이 그림은이 갤러리의 다른 작품의 조명 효과를 결합한 것입니다. 형태는 풍경과 같이 드라마 요소를 제공하는 석양의 빛과 그림자로 모델링됩니다. 어두운 색의 의복, 흰색 리넨 및 손의 위치에 의해 생성 된 색조 패턴은 그림의 구성적인 특징입니다.
레오나르도 다빈치의 세례 요한에서, 모델의 눈과 입의 모서리를 포함하여 그림의 요소는 그림자로 위장되어 모호함과 신비의 공기를 만들어냅니다.

해부
지형 학적 관찰에 크게 좌우되지만, 해부학에 대한 지식은 Leonardo da Vinci의 30 개의 시체에 대한 세심한 해부에 의해 발전되었습니다. 레오나르도 (Leonardo)는 학생들에게 삶에 대한 긴밀한 관찰의 필요성에 깊은 인상을 받았으며 실제 모델을 그리는 것은 그림의 예술에 대한 학생의 공식 연구의 필수적인 부분이었습니다.

1966 년 홍수로 광범위하게 파괴 된 시마브의 십자가 처형 (Cimabue ‘s Crucifixion)은 중세 후기 예술에서 널리 퍼진 몸통과 처진 머리를 휘감면서 형식적인 배열을 보여줍니다. 해부학은 전통적인 상징적 인 공식에 맞게 강하게 양식됩니다.
Giotto는 전통적인 공식을 포기하고 관측에서 그렸다.
Massacio의 그리스도에 대한 모습은 마치 아래에서 보았을 때처럼 축소되었으며, 호흡의 노력으로 상반신이 긴장된 것처럼 보입니다.
지오바니 벨리니 (Giovanni Bellini)의 기고 (Deposition)에서 작가는 잔인한 십자가 처형을 암시하지 않고 죽음의 인상을 주려고 시도했다.
피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)의 침례 (Baptism)에서 예수의 튼튼한 인물은 단순하고 자연 스러움을 무시한 예리한 근육의 결핍으로 그려져있다.
Verrocchio와 젊은 레오나르도의 결합 된 작품 인이 그림에서 예수님의 형상은 Verrocchio에 의해 모든 초안이 작성되었습니다. 윤곽선은 고딕 예술의 다소 왜곡 된 선형성을 유지합니다. 그러나 몸통의 대부분은 Leonardo에 의해 그려진 것으로 여겨지고 해부학 적 형태에 대한 강력한 지식을 보여줍니다.
Leonardo의 St. Jerome 사진은 드로잉 페이지에서 알려진 어깨 거들에 대한 상세한 연구 결과를 보여줍니다.
미켈란젤로는 인체 해부학을 사용하여 큰 표현 효과를 냈습니다. 그는 표현력이 풍부한 포즈를 창조하는 능력으로 유명했으며 많은 다른 화가와 조각가들에 의해 모방되었습니다.

실재론
자연의 관찰은 중세 시대 예술에서 특히 이탈리아의 많은 지역에서 보급 된 비잔틴 양식이 의미를 전달하는 데 사용 된 고정 형태와 상징적 인 제스처가 다양한 범위의 개인이 보여주는 인간의 감정 표현으로 대체되었다는 것을 의미했습니다.

이 부활에서 지오토는 얼굴이 헬멧에 숨겨져 있거나 편안한 자세를 강조하기 위해 단축 된 수면 병사를 보여줍니다.
대조적으로, Andrea Castagno는 콘도 티에 (Pippo Spano)의 실물 크기의 이미지를 그렸고, 그를 감싸는 페인트 틈새의 가장자리 위로 발을 내디뎠다.
이 초기 연구에서 필리포 리피 (Filippo Lippi)는 성모 마리아를 둘러싸고있는 매우 자연주의적인 어린이 집단을 보여 주지만, 보는 사람에게는 무고한 호기심을 갖고있다. 어린이 중 한 명이 다운 증후군을 앓고 있습니다.
Masaccio는 아담과 하와가 하나님의 면전에서 추방됨에 따라 무죄의 상실로 인한 비탄을 묘사합니다.
Antonello da Messina는 로마 총독이 사람들에게 선물 한 에시드 호모 (에세이 호모)의 여러 버전을 그렸다. 그러한 회화는 대개 그리스도를 비극적이지만 영웅적인 역할로 보여줌으로써 고통의 묘사를 최소화합니다. Antonello의 묘사는 굳이 현실적입니다.
죽은 자의 그리스도에 대한 애도에서 만트가 (Mantegna)는 보는 사람이 슬라브의 끝에 서있는 것처럼 대담한 단축으로 예수의 시체를 묘사했습니다.
더 큰 그림에서이 세부에서, Mantegna는 유아 그리스도가 할례를하는 동안 그것의 손가락을 도둑질하고 씹는 배 상자 바인더 및 구멍이있는 슬리퍼를 착용하는 작은 아이를 보여준다.
조르지오네 (Giorgione)는 늙은 여자의 자연스럽고 화가 나지 않은 초상화를 그렸습니다. 그녀의 털이없는 머리카락을 묘사하고 비뚤어진 이빨로 입을 벌리고있었습니다.

그림 구성
다수의 인물로 구성된 커다란 작품을 위탁받은 예술가들의 관심 가운데는 일반적으로 내러티브 인 주제를 어떻게 관객이 쉽게 읽을 수 있고 외관이 자연 스러우며 그림 공간 안에서 잘 구성되는지가 포함되었습니다.

조토 (Giotto)는 경비원의 비인간적 인 헬멧을 대적하는이 극적인 장면에 3 개의 서로 다른 서사 요소를 결합합니다. 유다는 그를 키스하여 군인들에게 예수를 배신했다. 대제사는 그를 붙들기 위해 경비원에게 신호를 보냅니다. 베드로는 예수님 께 손을 얹어 앞으로 나아갈 때 대제사의 종에서 귀를 찢습니다. 다섯 명의 인물이 예수를 둘러싼 전경을 지배하여 머리 만 보입니다. 그러나 색채와 남성의 몸짓을 숙련 된 자세로 조토는 예수의 얼굴을 회화의 중심으로 만듭니다.
아담의 죽음에서 피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)는 죽어가는 축복 사를 그의 가족 중 한 명이 입는 검은 옷에 안도의 대상이되도록 설정했습니다. 이야기에 대한 그의 중요성은 그 주위에 형성된 인물의 아치와 모두 그의 머리로 인도하는 팔의 대각선에 의해 더욱 강조됩니다. 피
테오 필 루스의 아들의 부활은 Masaccio에 의해 시작되었고, 미완성이고, 파손되어 결국 Filippino Lippi에 의해 완성되었다는 것을 고려하면 현저하게 응집 된 전체입니다. Masaccio가 중앙 섹션을 그렸습니다.
Pollaiuolo는 고도로 조직화 된이 그림에서 전경에서 궁수들이 사용하는 활 모양의 구성을 구성 구조로 취했습니다. 수직으로 분할 된이 큰 삼각형 모양 안에서 그는 앞면과 뒷면보기 사이에서 숫자를 번갈아 나타냅니다.
Botticelli의 길고 좁은 화성과 금성의 그림은 서로 거울을 낀 형상을 가진 W를 기본으로합니다. 그 연인들은 곧 단결되었고, 이제는 잠에 의해 분리됩니다. 그림을 가로 질러 진행되는 세 개의 작은 가오리가 함께 구성을 유지합니다.
미켈란젤로는 복잡 한 인물 구성을 잘 알고 있으며, 그의 작품 에서처럼 수세기 동안 많은 예술가에게 영감을 불어 넣는 것이 었습니다. 이 패널 페인팅에서 그리스도의 형상은 수직적이지만 그림의 중앙에 무게가 덜어지고 신체를 운반하려고하는 사람들은 그것을지지하기 위해 바깥쪽으로 기울어집니다.
언뜻보기에 Signorelli의 Fall of the Damned는 시끄럽고 폭력적인 뒤범벅이지만 시선을 사로 잡는 과정에서 선들이 오히려 그림을 통해 흐르도록 구성되어 있습니다. 많은 수의 별도 조치가 취해졌다. 악마의 색깔은 또한 그림을 고통과 고통으로 나눌 수 있습니다.
Ostia의 전투는 그의 디자인에 아마 Raphael의 조수에 의해, 실행되었다. 회화의 전경은 겹쳐진 두 개의 아치형으로 구성되어 있으며, 포로가 억제 된 모습을 보여 주며, 왼쪽과 약간 뒤에는 교황 앞에서 무릎을 꿇고있다. 교황이 두 번째 집단보다 높아지고 그것을 지배하는 동안, 첫 번째 집단은 로마 교황에게 시각적 디딤돌처럼 색깔과 화려한 머리 장식이 작용하는 군인에 의해 지배된다. 이 그룹의 가장자리에서 두 개의 구부리는 피규어가 서로 대칭을 이루면서 그림의 가장자리에서 멀리 밀려 나오고 다른 하나는 가운데에서 위로 당겨지는 긴장을 만듭니다.

주요 작품

altarpieces
르네상스 시대를 거치면서 커다란 제단은 커미션으로서의 독특한 지위를 가졌습니다. 제단은 점령 된 종교 건물에서 시각적으로뿐만 아니라 숭배자들의 신앙심으로 초점이 될 운명이었습니다. 레오나르도 다빈치의 마돈나 오브 록스는 지금 런던의 국립 미술관에 있지만 이전에는 밀라노의 예배당에 있었으며 축복받은 성모 마리아의 전염병에 대한 청원에 사용 된 많은 이미지 중 하나입니다. 미술관에서 볼 때, 위임받은 사람들,이 장소에서 숭배 한 사람들, 그리고 그들을 만든 사람들에 대한이 이미지의 중요성은 사라집니다.

Cimabue와 Duccio di Buoninsegna의 두 개의 Enthroned Madonnas는 전통에 의해 공식화되고 제한된 주제의 변형을 보여줍니다. Madonna와 Child의 지위는 매우 유사하지만 예술가는 대부분의 기능을 다르게 처리했습니다. Cimabue의 왕좌는 전방에 있으며 견고 함을 나타내는 관점을 사용합니다. 천사, 그들의 얼굴, 날개 및 haloes, 풍부한 패턴을 형성하기 위해 배열됩니다. Madonna의 의복의 금박 선발은 민감한 네트워크에있는 주름을 골라낸다. 아이는 자신의 발을 자기 어머니와 같은 각도로 놓고 규칙적으로 앉는다.
Duccio의 Rucellai Madonna는 높이 4.5m에 이르는 가장 큰 제품으로 왕좌는 대각선으로 놓여 있으며, 아기는 자신의 몸짓에도 불구하고 훨씬 더 많은 아기가 대각선으로 어머니와 대립하고 있습니다. 무릎 꿇은 천사의 위치는 매우 단순하지만, 반복 된 자세에서 자연주의를 가지며 로브의 아름다운 색상 조합에 따라 다양합니다. 마돈나의 가운에서 금 테두리는 형태와 윤곽을 정의하고 단일 장식 세부 사항으로 전체 구성을 활기있게 만듭니다.
Giotto의 Ognissanti Madonna는 현재 Cimabue와 Duccio와 같은 Uffizi의 방에 보관되어 있습니다.이 곳에서 자연 관찰에서 그려진 발전과 원근법 사용에서 이전 마스터와 쉽게 비교할 수 있습니다. 그림이 제단의 모델과 일치하는 동안, 그 안에있는 숫자는 전통적인 공식을 따르지 않습니다. 마돈나와 아이는 단단히 입체적입니다. 이 품질은 주 장식 요소에 기여하는 캐노피 왕위에 의해 향상되며 금 테두리는 최소화됩니다. 서로 거울을 짓고있는 천사들은 각각 개별적인 공공을 가지고 있습니다.
백 년 후, 여전히 공식적인 제단의 제약을받는 Masaccio는 무거운 가운에 입체감있는 입체감을 자아 내고 자신의 통통한 Christ Child가 그의 손가락으로 빠져 나간다. 작은 천사들이 연주 한 끈은 가파르게 단축되었습니다.
프라 안젤리코 (Fra Angelico)의 그림에서 마사 쉬오 (Masaccio)의 질량에 중점을 두지 않았습니다. 안젤리코는 마돈나를 묘사 할 때 자신의 섬세함으로 유명했습니다. 그러한 그림의 호소력은 경의를 표하는 천사들이 모이는 방식으로 나타납니다. Masaccio의 그림 에서처럼 Madonna의 후광은 pseudo-kufic 대본으로 장식되어 아마 중동 출신임을 알 수 있습니다.
피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)의 손에 정식 금 프레임은 완벽한 선형 관점에서 그려지고 일광에 의해 정의 된 고전적인 틈새 시장으로 변형됩니다. 마돈나는 오리엔탈 카펫으로 덮인 작은 연단에서 현실적인 왕좌에 앉는 반면, 기증자 인 페데리코 다 몬테 펠트로는 무릎을 꿇고 앉는다. 전통에 대한 양보는 마돈나가 다른 인물보다 더 큰 규모라는 것입니다.
벨리니의 그림에서, 한편으로는 인물과 장면이 위대한 사실주의의 영향을주는 반면, 비잔틴의 아이콘에 대한 벨리니의 관심은 마돈나의 계층 적 입지와 태도로 표시됩니다.
밀라노 화가 Bergognone은 Mantegna와 Bellini가 Alexandria의 Catherine의 빨간 옷과 황금색 머리카락을 시에나의 Catherine의 대조 흑백으로 효과적으로 균형을 잡아주고 소박한 그림으로 장식 한이 그림을 만드는 작업에 중점을 둡니다. 깨진 벽돌의 아치.
안드레아 만테 냐 (Andrea Mantegna)의 마돈나 델라 빅토리아 (Madonna della Vittoria)에서 마돈나는 화환으로 장식 된 전망대에서 중심적인 위치를 차지할 수 있지만 관심의 대상은 Madonna와 Christ Child뿐 아니라 영웅 성도 인 Michael이 인정한 Francesco II Gonzaga입니다. 성 조지.
레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 정식 캐노피를 버리고 자연의 웅장 함으로 마돈나와 어린이를 둘러 쌌습니다.
Raphael의 Sistine Madonna는 제단을 사용하지 않고 공식 초상화를 사용합니다. 녹색 커튼으로 된 프레임은 시력이 보이는 곳으로, 교황 식스투스 2 세에 의해 목격됩니다. 버진 (Virgin) 주변의 구름은 천사 얼굴로 이루어져 있으며, 천사를위한 20 세기 후반의 패션에 너무나 사랑 받았던 두 개의 상징적 인 천사들은 그 헛간에서 스스로를 지탱합니다. 이 작품은 Murillo와 다른 많은 화가들의 모델이되었습니다.
안드레아 델 사르 토 (Andrea del Sarto)는 매우 자연스럽고 생생한 효과를 내기 위해 피규어를 사용하면서 마치 마돈나를 고전 구석에 세우는 것으로 마치 마돈나 오브 하피의 실제 현실을 포기합니다. 모든 인물은 ​​불안정한 상태에 있으며, 그녀는 책의 균형을 맞추기 위해 마돈나 무릎의 앞으로의 힘에 의해 표시됩니다. 이 회화는 매너 니스트 회화에서 발전해야 할 추세를 보여줍니다.

프레스코 사이클
예술가가 할 수있는 가장 크고 시간이 많이 걸리는 유료 작업은 교회, 개인 궁전 또는 코뮌 빌딩을위한 프레스코 화 방식이었습니다. 이 중, 이탈리아에서 가장 큰 통합 계획은 아시시 성 프란체스코 대성당 (Basilica of St. Francis of Assisi)에서 중세 시대 말기에 여러 예술가들에 의해 만들어졌습니다. 그 뒤를 이어 파두 아에서의 조토 (Giotto)의 초기 르네상스 계획과 Benozzo Gozzoli의 Magi Chapel에서 Medici로, Michelangelo에서 Sistine Chapel 교황 율리우스 2 세를위한 최고의 성취에 이르기까지 많은 것들이 이어졌다.

조토 (Giotto)는 버진의 삶과 그리스도의 생애와 함께 파도바에서 크고 독립적 인 스크로 베니 예배당을 그렸습니다. 중세 전통을 깨고 자연주의의 기준을 세웠습니다.
Ambegio Lorenzetti가 Siena의 코뮌을 위해 그렸던 선과 악의 정부의 두 개의 큰 프레스코 화는 완전히 세속적이며 도시 질서의 중요성을 강조하면서 시민과의 거리 풍경을 자세하게 보여줍니다.
대조적으로 산타 마리아 노벨 라 교회의 도미니크 교인들을위한 그림 인 Andrea di Bonaiuto는 Church Triumph of Fresco의 거대한 프레스코 화를 완성했습니다.이 교회는 구원 사역에서 교회의 역할을 보여줍니다. 도미니크 교도들도 상징적으로 하늘의 사냥개 (Hounds of Heaven)로 보이며 하느님의 백성을 돕습니다. 회화는 피렌체 대성당의 전망을 포함합니다.
Masaccio와 Masolino는 Masaccio의 실물과 같은 혁신으로 가장 유명한 Brancacci Chapel 프레스코 화 사이클을 공동 작업했으며, Masolino의 더 우아한 스타일은 St Peter의 생애 두 편의 에피소드를 능숙하게 결합한이 거리 풍경에서 볼 수 있습니다.
피에로 델라 프란체스카 (San Francesco, Arezzo) 교회의 프레스코 사이클은 황금 전설에서 Jacopo da Varagine이 쓴 ‘십자가의 전설 (Legend of the True Cross)’을 밀접하게 따른다. 이 그림들은 빛과 원근법에 대한 그의 연구를 드러내며 그 숫자는 거의 획일적 인 견고성을 가지고있다.
Medici Palace의 개인 채플을위한 Benozzo Gozzoli의 프레스코 사이클은 International Gothic 스타일의 늦은 작품으로, 3 명의 현자와 함께 측근과 함께 Medici의 공상적이고 풍부한 장식적인 묘사입니다.
프란체스코 델 코사 (Francesco del Cossa)가 수행 한 페라라 (Ferrara)의 Este ‘s Palazzo Schifanoia 궁전을위한 정교한 사이클은 가족의 삶의 장면과 결합 된 고전 신 (神)과 조디알 (Zodial) 표지의 묘사에서도 기발합니다.
Gonzaga의 Mantegna의 그림은 또한 가족 생활을 보여 주지만 매우 사실적인 요소가 우세하고 장식하는 실내의 실제 건축물을 사용합니다. 벽난로 장식은 그림을 그리기위한 것이고 실제 천장 장식은 페인트 칠 된 그림책을 지원합니다.
Brancacci Chapel에서 역사가들은 Masaccio, Masolino 및 아마도 Donatello의 얼굴을 사도들 중에서 식별하려고 시도하지만 Sassetti Chapel의 Domenico Ghirlandaio는 그의 모델을 가장하는 시도를하지 않습니다. 이 종교주기의 각 프레스코에는 두 가지 세트의 인물이 있습니다. 이야기를하는 사람과 그 사람을 목격 한 사람입니다. 성모 마리아의 탄생 장면에서 피렌체의 고귀한 여성들이 새로운 어머니를 축하하는 것처럼 들어 왔습니다.
보티첼리의 코라 후 아들 처벌은 1480 년대에 시스틴 예배당의 장식으로 위임 된 그리스도의 생애와 함께했던 모세의 생애 에피소드 중 하나입니다. Perugino, Domenico Ghirlandaio 및 Cosimo Rosselli의 모든 예술가들은 신중하게 설계되고 조화로운 계획을 세웠습니다.
미켈란젤로의 창세기, 예언자 및 조상의 서사와 함께 5 년 동안 홀로 수행 한 시스틴 예배당의 천장 그림은 세계에서 가장 유명한 작품 중 하나가 될 운명이었다.
동시에 라파엘 (Raphael)과 그의 조력자들도 라파엘 룸 (Raphael Rooms)으로 알려진 교황실을 그렸다. 아테네의 학교에서 라파엘로는 고대 아테네의 철학자로서 레오나르도, 미켈란젤로, 브라만테 및 그 자신을 포함하여 당시의 유명한 사람들을 묘사합니다.

주제
마돈나와 어린이의 경건한 이미지는 종종 개인 고객을 위해 매우 많이 만들어졌습니다. 그리스도의 생애, 성모의 삶, 성도들의 삶의 장면도 교회를 위해 많이 만들어졌으며 특히 그리스도의 탄생과 열정과 관련된 장면들이 많았습니다. 최후의 만찬은 일반적으로 종교 refectories에 묘사되었습니다.

르네상스 시대에는 후원자가 페인트로 후손에게 헌신적 인 모습을 보이기 시작했습니다. 이런 이유로 르네상스의 초상화가 많이 있으며 그 이름은 알 수 없습니다. 부유 한 개인 후원자는 예술 작품을 집안 장식품으로, 점점 세속적 인 주제로 위탁했습니다.

경건한 그림

마돈나
거의 모든 박물관에있는이 작은 친밀한 그림은 개인 소유를 위해 가장 자주 행해졌지만 때로는 예배당에서 작은 제단을 우아하게 할 수도 있습니다.

2 명의 천사와 가진 그리스도 아이를 숭배하는 Madonna는 항상 그리스도 아이를 지원하는 표현 작은 소년 천사 때문에 항상 대중적이었다. 이 같은 필리포 리피의 그림은 특히 보티첼리에게 영향을 미쳤다.
베로 키오 (Verrocchio)는 마돈나와 그리스도 아이를 뷰어에서 분리하여 많은 인물에서 사용합니다. 장미와 체리는 영적 사랑과 희생적인 사랑을 나타냅니다.
Antonello da Messina의 Madonna and Child는 표면적으로 Verrocchio의 그것과 매우 비슷하지만 형식이 훨씬 덜 뚜렷하고 어머니와 아이 모두 화가에게 포즈를 취하는 것보다는 움직이는 것처럼 보입니다. 그가 어머니의 가슴에 도달 할 때 아이의 단축 팔꿈치는 라파엘의 작품에서 발생하며 미켈란젤로의 도니 톤도 (Doni Tondo)에서 다른 형태로 볼 수있다.
레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)가이 초기 마돈나와 어린이에게 보여 주었던 대립 대각성 (opposing diagonals)에 배치 된 그림은 많은 작품에서 반복되어 그의 학생들과 라파엘 (Raphael)이 모방 한 구성 테마였다.
조반니 벨리니 (Giovanni Bellini)는 그리스 정교회 아이콘의 영향을 받았다. 이 그림의 금 천은 금박 배경을 대신합니다. 그 배열은 형식적이지만, 제스처, 특히 어머니의 숭고한 시선은이 그림에 인간의 따뜻함을 선사합니다.
Vittore Carpaccio의 Madonna and Child는 그리스도 아이를 현대의 옷을 입은 유아로 보아 매우 드문 경우입니다. 세심한 디테일과가 정성은 초기 Netherlandish 그림을 암시합니다.
미켈란젤로의 도니 톤도 (Doni Tondo)는이 작품들 중 가장 큰 작품이지만 사적인위원회였다. 매우 특이한 구성, 마돈나의 변형 된 형태, 그림의 맨 위에있는 세 명의 머리와 근본적인 단축은 모두 매우 어려운 특징이었으며 Agnolo Doni는 돈을 지불하고 싶어하는지 확신하지 못했습니다.
라파엘 (Raphael)은 상반된 힘을 능숙하게 발휘하여 사랑하는 시선으로 마돈나와 어린이를 단결시켰다.

세속화

초상화
15 세기 후반에는 초상화의 확산이있었습니다. 그들 중 일부의 피사체가 나중에 그들의 업적이나 고귀한 계보로 기억되지만, 많은 사람들의 정체성은 상실되었고, Leonardo da Vinci의 Mona Lisa조차도 가장 유명한 초상화조차도 추측과 논쟁에 열려 있습니다.

피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)의 Portrait of Sigismondo Pandolfo Malatesta와 같은 프로필 인물의 장점은 얼굴 표정과 같은 주제를 식별한다는 것입니다. 얼굴의 비율, 이마, 코 및 이마의 각 각도, 눈의 위치 및 모양 및 턱의 세트는 평생 동안 알아볼 수 있습니다. 또한, 일단 프로파일 유사성이 취해지면 메달을 던지거나 이미지를 부 풀리는 데 사용할 수 있습니다.
Pollaiuolo는이 젊은 여성의 프로필을 강조하여 입술의 섬세한 모양과 입의 모서리를 정의하는 훌륭한 라인을 강조한 수식을 따랐습니다. 그러나 그녀는 chiaroscuro의 미묘한 사용과 그녀의 슬리브의 풍부한 피렌체 브로케이드의 치료로 3 차원적인 품질을 추가했습니다.
반면 Alesso Baldovinetti는이 강력한 기능을 갖춘 소녀의 프로필을 사용하여 더 어두운 배경에 대해 강조 표시된 윤곽의 인상적인 패턴을 만들었습니다. 배경은 그림의 구성 구조에 활기를 더합니다. 그녀의 이마에있는 검은 색 작은 필렛이 자수 슬리브의 역동적 인 패턴에 반응합니다.
Botticelli의 초상화는 강한 색조 모델링으로 3/4 뷰로 바뀌었지만, 빨간색 의류, 모자, 검은 머리카락에 대한 모양의 인상적인 배열과 배경에 대해 형성되는 패턴에서 Baldovinetti의 그림과 관련이 있습니다.
Antonello da Messina의 초상화는 Botticelli의 것보다 몇 년 앞서서, 지나치게 유사합니다. 그러나이 그림은 명확하게 윤곽이 잡힌 모양의 숙련 된 배치에 크게 의존하지 않습니다. Antonello는 Botticelli의 온도에 대비하여 유성 페인트의 장점을 사용하여 덤불 같은 눈썹, 피부의 불완전 함 및 수염의 그림자가 사진 정밀도로 표현 된 미묘하고 섬세한 닮은 모습을 나타냅니다.

모나리자 레오나르도 (Mona Lisa Leonardo)는 표면의 윤곽선을 모델링 한 섬세한 기법 인 sfumato를 사용했으며 그림자 속의 디테일은 사라졌습니다. 이 기법은이 그림에 신비의 공기를 제공하여 오래도록 명성을 얻었습니다. 아름다운 손은 거의 장식적인 요소가됩니다.
지오바니 벨리니 (Giovanni Bellini)의 베니스 공작 (Duke of Venice) 초상화는 공식적인 방송으로 거의 공식적이지는 않습니다. 그러나 그 얼굴은 도그 (Doge), 지혜, 유머와 결단력에서 희망을 품을 수있는 것이 특징입니다. 보다 정교한 그림이지만 Baldovinetti의 디자인 감각과 공통점이 있습니다.
Titian의 초상화의 주제는 알려지지 않았으며 상당한 명성은 그 얼굴이 퀼트 새틴의 커다란 파란 슬리브로지지되고 균형 잡혀있는 그 아름다움과 독특한 구성에 전적으로 의존합니다. 소매는 배경과 거의 같은 색입니다. 그것의 풍부한 음조가 형태를 부여합니다. 셔츠의 흰색 린넨은 구성을 넓혀 주며, 남자의 눈은 광채를 뚫고 소매의 색을 들어냅니다.

누드
이 4 가지의 유명한 그림은 누드의 출현과 수용을 예술가의 주제로 보여줍니다.

Botticelli의 Birth of Venus에서 누드 그림은 그림의 중심이지만 그 자체가 주제가 아닙니다. 그림의 주제는 고전 신화의 이야기입니다. 금성 여신이 바다에서 벗겨 졌다는 사실은 작품의 중심을 지배하는 누드 연구에 대한 정당성을 제공합니다.
30 년 후에 그려진 지오바니 벨리니 (Giovanni Bellini)의 그림의 정확한 의미는 분명하지 않다. 피사체가 인상파 화가에 의해 그려진 경우, 의미를 부여하는 것은 불필요합니다. 그러나이 르네상스 작품에는 보통 상징적이며 우화를 암시하는 대상 인 거울이 있습니다. The young lady’s nakedness is a sign not so much of seduction, as innocence and vulnerability. However, she decks herself out in an extremely rich headdress, stitched with pearls, and having not one, but two mirrors, sees only herself reflected endlessly. The mirror, often a symbol of prophecy, here becomes an object of vanity, with the young woman in the role of Narcissus.
Giorgione’s painting possibly predates Bellini’s by ten years. It has always been known as The Sleeping Venus but there is nothing in the painting to confirm that it is, indeed, Venus. The painting is remarkable for its lack of symbolism and the emphasis on the body simply as an object of beauty. It is believed to have been completed by Titian.

Classical mythology
Paintings of classical mythology were invariably done for the important salons in the houses of private patrons. Botticelli’s most famous works are for the Medici, Raphael painted Galatea for Agostino Chigi and Bellini’s Feast of the Gods was, with several works by Titian, in the home of Alfonso I d’Este

Pollaiuolo’s Hercules and the Hydra typifies many paintings of mythological subjects which lent themselves to interpretation that was both Humanist and Christian. In this work good overcomes evil, and courage is glorified. The figure of Hercules has resonances with the Biblical character of Samson who also was renowned for his strength and slew a lion.
In Botticelli’s Pallas and the Centaur, Wisdom, personified by Athena, leads the cowering Centaur by the forelock, so learning and refinement are able to overcome brute instinct, which is the characteristic symbolised by the centaur.
Raphael’s Galatea, though Classical in origin, has a specifically Christian resonance that would have been recognised by those who were familiar with the story. It is about the nature of love. While all around her aspire to earthly love and succumb to the arrows shot by the trio of cupids, Galatea has chosen spiritual love and turns her eyes to Heaven.