두 세계 사이의 관계 형태가 국제적 수준에서 성장했을 때, 80 년대에는 예술과 패션의 경계가 덜 명확 해졌습니다. 예술 기관은 메트로폴리탄과 같은 디자이너들에게 문을 열었습니다. 새로운 카테고리의 전시 큐레이터와 전용 박물관이 등장했습니다.

아트 갤러리와 경매소가이 현상에 점점 더 많은 관심을 기울이는 동안, 주요 패션 디자이너들은 특히 미술 전시회와 자금을 지원하는 쇼와 아트 워크에 전념하는 공간을 만들어 명성을 높이는 데 기여했습니다.

예술가들은 단순한 재정적 고려에서 인기에 대한 욕구, 개인적 관계에서 호기심에 이르기까지 그리고 예술 작품의 웅대 한 프로젝트에서 혁신적인 유토피아에 이르기까지 가장 다양하고 복잡한 이유로 패션과 협력했습니다.

Andy Warhol 커뮤니케이션 전략.
여러 번 예술가들은 잡지의 디자이너, 광고 카탈로그의 일러스트 레이터로서 패션 커뮤니케이션을 위해 일해 왔습니다. 예술과 패션의 세계에서이 공생의 놀라운 예는 Andy Warhol입니다.

Warhol은 1950 년대 초부터 패션으로 태어 났으며 “Glamor”, “Vogue”및 “Harper ‘s Bazaar”의 디자이너이자 광고였으며 얇고 우아한 라인의 신발을 만들었습니다. 이 섹션에서는 그 당시 패션 잡지에 출판 된 일부 페이지가 전시되어 패션 일러스트 레이터로서의 첫 테스트를 보여줄 것입니다. 워홀은 “인터뷰”매거진을 지휘했으며, 여기에서 18 권으로 복제되어 예술계와 패션계의 노동 조합으로 활동했습니다.

파티, 버니 지주, 회고전 및 패션쇼에서 뉴욕 문화계에 출연하면서 그는 오늘날 우리가 알고있는 예술, 패션 및 유명 인사 간의 관계를 형성했습니다. 이 개념은 뉴욕 사회 생활의 여러 순간에 Warhol을 묘사 한 일련의 사진 촬영과 Christopher Makos의 유명한 설치 Altered Image로 표현됩니다.

확실한 사실은 그의 프로젝트에서 Andy Warhol은 종종 영향을받지 않는 강한 미적 입력을 퍼뜨렸다는 것입니다. 가장 눈에 띄는 예는 전시회에서 패션, 예술 및 산업 논리에 집중된 “The Souper Dress”입니다. 1960 년대에 유명한 캠벨 수프를 모티브로 한 종이, 셀룰로오스 및면 드레스입니다. 이미지의 반복 된 이미지는 수프 캔에서 실크 스크린 인쇄로 인쇄되었습니다.

게르 마나 마루 첼리
시의 희귀 한 해석가. 페라가모의 아틀리에가 르네상스 예술가 장인의 워크샵을 대표하는 경우, 창의성과 손을 잡은 기술 숙달이 기본 인 게르 마나 마르 켈리의 60 년대 아틀리에는 패션, 예술가, 지식인 사이의 만남의 장소입니다. 그들의 시간을 해석 할 수있는 새로운 표현 형태를 위해. 이 섹션은 벽과 옷에 전시 된 Pietro Zuffi, Getulio Alviani, Paolo Scheggi가이 예술가들과의 파트너십의 결과물 인 오리지널 예술 작품을 주최하는 Marucelli atelier-salon를 재현합니다. 문서, 사진, 홍보 책자 및 출판물로 풍성한 전시회 의이 부분은 또한 재 봉사가 산 바 빌라시 상을 확립하고 그녀의 살롱이 매주 목요일마다 작가와 시인들에 의해 빈번하게되었던 전후의이시기 이전의 문서를 기록합니다. 20 세기 이탈리아시, Ungaretti, Quasimodo 및 Montale의 주요 대표자를 포함하여.

아틀리에에서 무드 보드까지.
이 섹션에서는 패션 디자이너의 이미지가 정보의 흐름에서 나오는 이미지를 통해 스토리 텔링하는 방식으로 대중의 관심과 기억과 같은 두 가지 특성을 자극하는 방법을 보여줍니다. 잡지 “A MAGAZINE CURATED BY”로 제작 된이 몰입 형 공간은 대중을 환영하고 뛰어난 창의적 사고의 시각적이고 상상력이 넘치는 우주로 투영합니다. Haider Ackermann, Martin Margiela, Yoji Ji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler, Riccardo Tisci는 예술 이미지의 만화경을 구성합니다. 음악,시 및 사진.

인카 쇼니 바레.
영국의 나이지리아 출신 예술가 인 Yinka Shonibare의 작품에서 비판적 언어를 형성하기 위해 패션을 사용할 수있는 예술을 보여줍니다. 그의 설치물, 영화 적 전치로, 그는 주로 식민지 문제를 분석하면서 다문화에 대한 깊은 반성을 제안합니다. 그의 작품에 애니메이션을 적용한 인물은 18 세기와 19 세기의 그림에서 취한 스타일에 따라 옷을 입고 있지만 아프리카 출신의 바틱 직물로 만들어진 연극과 극적인 포즈의 인형으로 구성됩니다.

롤 플레잉 게임.
오늘날 예술 / 패션 관계에 대한 고찰은 지난 세기의 패션의 역사를 겪은 이원론 (면밀한 대화, 때로는 대화하지만 분리 된 두 시스템)이 이제 오래되었다는 것을 인식해야합니다. 예술과 같은 패션은 실습에 의문을 제기 Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor & Rolf, Helmut Lang, Nick Cave와 같은 일련의 작가의 작업을 통해이 섹션에서는 오늘날 다양한 창조적 관행을 정의하고 닫는 것이 점점 어려워지는 방법에 대해 설명합니다.

예술과 패션에
패션 예술입니까? 간단한 질문은 오랫동안 조사되어 왔지만 명확하고 명백한 정의에 도달하지 않은 분명히 표현 된 관계의 복잡한 우주를 보여줍니다. 이 프로젝트는 상호, 영감, 겹침 및 협력, 전라 파 엘리트 경험에서 미래파 경험에 이르기까지, 초현실주의에서 급진적 패션에 이르기까지 두 세계 간의 대화 형태를 분석합니다. 전시회 일정은 20 세기의 전위 예술 운동에 매료되어 영감을 얻은 살바토레 페라가모 (Salvatore Ferragamo)의 연구, 연구 및 만남의 장소이었던 50 년대와 60 년대의 여러 아틀리에, 그리고 유명인의 문화. 그런 다음 90 년대의 실험을 검토하고 현대 문화 산업에서 우리가 여전히 두 개의 분리 된 세계에 대해 이야기 할 수 있는지 아니면 유동적 인 역할의 상호 작용을 다루고 있는지 숙고합니다.

이 간단한 질문은 명확하거나 모호하지 않은 정의에 도달하지 않고 오랜 시간 동안 오랫동안 조사되어 온 명료 한 관계의 복잡한 우주를 숨 깁니다. 패션은 기능적이어야하고 따라서 실생활을 구체적으로 언급하고 장인 및 산업과의 연관성을 위해 패션을 따르지 않는 예술 붓다의 이상과는 거리가 멀다. 심지어 예술계에서도. Andy Warhol은 예술 작품의 독창성이 더 이상 예술 작품과 일치하지 않으며 오늘날 패션 디자이너의 전시회가 확산되고 스타일리스트가 현대 예술의 관행을 이용할 수 있음을 환영합니다. 이러한 맥락에서, 지난 세기에 일어난 것처럼 예술과 패션 사이의 이분법에 대해 이야기하는 것이 여전히 가능합니까?

이 프로젝트는 오염, 겹침 및 협업이라는이 두 세계 간의 대화 형태를 분석합니다. 초 라파 엘리트 경험에서 초현실주의 경험, 초현실주의에서 급진적 패션에 이르기까지. 이 경로는 20 세기의 예술적 아방가르드에 매료되어 영감을 얻은 살바토레 페라가모의 작품에 중점을 둡니다. 50 년대와 60 년대의 일부 아틀리에, 연구와 회의의 장소, 유명인 문화의 탄생에 90 년대의 실험을 계속하고 현대 문화 산업에서 우리가 여전히 두 가지에 대해 이야기 할 수 있는지 궁금해합니다. 세계가 뚜렷하지 않거나 대신에 우리는 유동적 인 역할 게임에 직면하고 있습니다.

전시 계획의 특징은 여러 문화 기관의 협력과 다양한 장소의 전시 장소에 있습니다 : Salvatore Ferragamo Museum, Ferragamo Foundation과 함께 프로젝트의 발기인 및 주최자 외에도 다양한 전시회를 개최합니다. 피렌체, 중앙 국립 도서관, 갤러리 데 글리 우피치 (Palazzo Pitti의 현대 미술관), 마리노 마리니 박물관, 프라 토에는 직물 박물관

참여한 기관은 공통의 반영을 목표로 아이디어 실현에 적극적으로 참여했다.

그것은 살바토레 페라가모 박물관에 대한 찬사입니다. 한편으로는 프로젝트와 상징을 기리기 시작했습니다. 20 세기 후반의 위대한 미국 예술가 중 한 명인 Kenneth Noland는 영감을 받았습니다.

살바토레 페라가모 박물관 (Salvatore Ferragamo Museum)의 전시회에는 4 명의 큐레이터가 있습니다. 공동 작업의 열정과 정신으로 이니셔티브에 참여한 다양한 기관의 이사 및 관리자 및 카탈로그 작성자에게 함께 큐레이터가 작품의 최종 선택을 도와 지식과 전문가를 이용할 수 있도록 도와주었습니다. 경험담. 국내외에서 가장 유명한 공공 및 민간 컬렉션의 많은 대출이 있으며, 전시회에 국제적인 느낌을줍니다.

살바토레 페라가모 박물관
이탈리아 피렌체의 Salvatore Ferragamo Museum은 이탈리아 신발 디자이너 Salvatore Ferragamo와 그의 시조 회사의 삶과 작품을 전념하는 패션 박물관입니다. 이 박물관에는 1920 년대부터 1960 년에 사망 할 때까지 Ferragamo가 소유하고 소유 한 10,000 개의 신발 모델이 들어 있습니다. Ferragamo가 사망 한 후 그의 미망인과 아이들이이 컬렉션을 확장했습니다. 박물관에는 1950 년대부터 현재까지 영화, 프레스 절단, 광고 자료, 의류 및 액세서리가 포함되어 있습니다.

페라가모 가족은 1995 년 5 월에 박물관을 설립하여 살바토레 페라가모의 예술적 특성과 신발뿐만 아니라 국제 패션의 역사에서 그가 한 역할에 대해 국제 청중을 알게되었습니다.

대부분의 기업 박물관과 마찬가지로 Museo Salvatore Ferragamo와 그 보관소는 1960 년 창립자 사망 이후 회사를 이끈 Salvatore Ferragamo의 미망인 Wanda와 6 명의 아이들의 비전에서 비롯되었습니다. 특히, 아버지 사망 후 회사의 핵심 신발 및 가죽 제품 사업을 관리 한 장남 인 Fiamma는 가족을 대신하여이 프로젝트의 주도권에 서서 역사가들의 도움을 받아 전략을 구체화했습니다. 그리고 기록 보관소.

박물관에 대한 아이디어는 처음에 Salvatore Ferragamo의 역사에 관한 Palazzo Strozzi에서 전시회가 조직되었을 때 시작되었습니다. 전시회는 런던의 빅토리아와 앨버트, 로스 앤젤레스 카운티 박물관, 뉴욕 구겐하임, 도쿄의 소 게츠 카이 재단, 무 세오 드 벨라 스 등 세계에서 가장 유명한 박물관에서 개최되었습니다. 멕시코의 예술품. 임시 전시회는 점차 상설되었다.

박물관의 문화적 중요성과 수년에 걸친 많은 이니셔티브의 중요성을 인정하여 1999 년 Salvatore Ferragamo는 구겐하임 임프레자 e 컬투 라 상을 수상했으며, 문화적으로 건설적인 목적을 위해 문화에 가장 투자하는 기업들에게 매년 수여되었습니다. 박물관은 1938 년 이래 회사의 본부였던 Palazzo Spini Ferroni의 피렌체 역사 중심지에 있습니다.