스칸디나비아 디자인

스칸디나비아 디자인은 덴마크, 핀란드, 아이슬란드, 노르웨이 및 스웨덴의 5 개 북유럽 국가에서 1950 년대에 번성 해 20 세기 초반에 등장한 단순함, 미니멀리즘 및 기능성으로 특징 지어진 디자인 운동입니다.

개요
1914 년 데코 라티프 쿤스트 (데코 라티브 쿤스트) (Design Arts for Company)의 덴마크 셀 스케이 베 (Danish Selskabet)는 Skønvirke (다) (문자 적으로 “우아한 일”) 잡지를 시작했습니다. 그 제목은 Art Nouveau와 Jugendstil에 필적하는 예술과 공예의 새로운 덴마크 스타일의 이름이되었습니다.

1930 년대부터 Alvar Aalto (가구, 직물), Arne Jacobsen (의자), Borge Mogensen (가구), Hans J. Wegner (의자), Verner Panton (플라스틱 의자), Poul Henningsen (램프) 및 Maija Isola (인쇄 된 직물)는 “스칸디나비아 디자인의 황금 시대”를 창안했습니다.

1951 년과 1970 년 사이에 탁월한 스칸디나비아 디자이너에게 수여 된 Lunning Prize는 스칸디나비아 디자인을 인정받는 상품으로 만들고 그 프로파일을 정의하는데 중요한 역할을했습니다.

1954 년 브루클린 박물관은 “스칸디나비아 디자인”전시회를 개최했으며 “스칸디나비아 현대”가구의 패션은 미국에서 시작되었습니다. 스칸디나비아 디자인은 결코 가구 및 생활 용품에 국한되지 않습니다. 그것은 가전 제품, 휴대 전화 및 자동차와 같은 산업 디자인에 적용되었습니다.

스칸디나비아 디자인의 개념은 1950 년대 이래 학술 토론, 전시회 및 마케팅 의제였습니다. 많은 사람들이 운동의 중심 주제였던 민주적 디자인의 이상을 강조하고 현대 스칸디나비아 및 국제 디자인을 둘러싼 수사학에 반영됩니다. 그러나 다른 사람들은 스칸디나비아 디자인의 해외 수신을 분석하여 신화 만들기 및 인종 정치의 한 형태를 보았습니다.

스칸디나비아 국가에서

덴마크 디자인
덴마크 디자인은 20 세기 중반에 개발 된 기능주의 디자인 및 건축 양식입니다. 독일의 바우 하우스 (Bauhaus) 학교의 영향을받은 덴마크의 많은 디자이너들은 건물, 가구 및 가정 용품을 디자인 할 때 단순함과 기능성을 겸비한 새로운 산업 기술을 사용했으며, 그 중 많은 것이 상징적으로 사용되고 있으며 Arne Jacobsen 1958 에그 의자와 Poul Henningsen의 1926 PH 램프. 2 차 세계 대전 이후, 덴마크의 조건은 설계 성공에 이상적이었습니다. 가구에 중점을 두었지만 건축,은, 도자기, 유리 및 직물 또한이 추세로부터 혜택을 받았습니다. 덴마크의 후기 산업화는 고품질의 장인 정신의 전통과 결합하여 산업 생산에 대한 점진적 진보의 기반을 형성했습니다.

이 디자인 방향의 출발점은 전통적으로 중세의 전통과 관련되어 있습니다. 기본 기관은 기본 공예 길드가 만들어 졌던 16 세기에 형성되었습니다. 그럼에도 불구하고 덴마크의 주요 디자인 특징은 20 세기의 새로운 예술적 전통, 즉 모더니스트 스타일, 기능주의, 국제 스타일, 모더니즘 및 바우 하우스 전통에 영향을 받았다. 1775 년에 설립 된 Royal Porcelain Manufactory Royal Copenhagen의 활동으로 볼 수있는 덴마크의 디자인은 신고전주의적이고 낭만적 인 전통의 현저한 영향을 경험했습니다. 예술과 공예의 움직임은 덴마크의 예술적 아이디어, 이데올로기 적이며 일상적인 전통에 가깝습니다.

덴마크에서의 20 세기 상반기의 디자인 특징 중 하나는 고전주의의 전통, 예술과 공예의 움직임, 모더니즘과 모더니즘의 결합입니다. 이 방향의 예 중 하나는 George Jensen의 작업입니다. 덴마크어 디자인의 새로운 형태와 새로운 스타일의 개발은 Kritisk Revy라는 잡지의 활동과 관련이 있습니다.이 활동은 모더니즘, 구성주의 및 바우 하우스에 대한 아이디어 확산에 기여했습니다.

XX 세기 후반의 디자인은 국제 체제와의 일관된 통합과 관련이있다. 1950 년대와 1970 년대의 덴마크 전통은 유선형 (Arne Jacobsen), 신소재 (Werner Penton) 및 새로운 기술 시스템 (Bang & Olufsen)의 사용입니다. 덴마크 스타일의 대표자들은 국제 스타일의 많은 지지자들처럼 사물과 사물을 개념과 아이디어의 본질이라고 인식했습니다. 덴마크 디자인의 핵심 특징 중 하나는 물질에 대한 세심한 태도와 물리적 특성 (예 : Ant Arne Jacobsen의 안락 의자)을 보여주고 싶은 욕망이라고 할 수 있습니다. 20 세기 중엽의 물질 감각의 전통은 새로운 대상과 질감, 특히 플라스틱, 유리 및 금속으로 옮겨졌습니다.

카이 보이 센
한스 웨 그너
닐스 감 멜 가드
나나 디에 젤
게오르그 젠슨
카아 클린트
아놀드 크 로크
보르게 모겐 센
베르너 팬튼
폴 헤닝젠
프리츠 한센
알프레드 호만
핀 7 월
아르네 야콥 센
뱅 앤 올룹슨
BoConcept
로얄 코펜하겐

핀란드 디자인
핀란드어 디자인은 의류, 엔지니어링 디자인, 가구, 유리, 조명, 섬유 및 가정 용품에 걸쳐 있습니다. 핀란드의 디자인 박물관 (이전에 미술 및 디자인 박물관이라 불림)은 1873 년에 설립 된 컬렉션을 보유하고 있으며, 헬싱키의 예술 및 디자인 대학 (University of Art and Design)은 1871 년에 설립되어 현재 알토 대학 (Aalto University)의 일부를 구성하고 있습니다 .

핀란드 디자인의 기원과 부상은 XIX – 초기 XX 세기에 발전한 국가 낭만주의 현상과 관련이있다. 1835 년 엘리야 레녹 (Elias Lennrot)이 출판 한 카레 발라 (Kalevala)는 19 세기 후반의 스웨덴 건축의 영향과 1917 년 독립의 달성으로 인해 디자인 분야에서 국가 예술 학교 설립의 조건을 만들었습니다. 핀란드 학교의 특색은 국가 전통과 국제 건축 교리의 원칙을 결합한 것입니다. 20 세기 전반기에 핀란드 디자인은 모더니즘의 아이디어로 형성되었습니다. 특히 알 바르 알토 (Alvar Aalto)의 작품은 1932 년 뉴욕 ​​근대 미술관에서 개최 된 획기적인 전시회 “Modern Architecture : International Exhibition”에 참가하여 사실 국제 스타일 개발에 박차를 가했다. 핀란드는 국제적 스타일의 확산과 일반적으로 디자인 발전의 측면에서 가장 중요한 국가 중 하나가되었습니다. 클래식 핀란드어 디자인은 전통 문화 (Timo Sarpaneva), 자연스러운 동기 (Tapio Virkkala) 및 국제 기능 및 미니멀리스트 디자인 (Alvar Aalto)의 요소를 결합했습니다.

전후 기간에 핀란드에서의 디자인 개발은 국가 문화의 지원 및 홍보와 관련된 대규모 국가 프로그램의 일부였습니다. 1951 년은 소위 “밀라노 기적”의 해로 간주됩니다. 핀란드 디자인은 제 9 회 밀라노 Triennial에서 널리 발표되었고 주요 디자인 전시회였습니다. 밀라노의 10 번째 트리 나날 (Triennale) 밀라노에서 열린 1954 년, Tapio Virkkala는 핀란드의 서가를 디자인했으며 다양한 소재의 작품을 폭넓게 전시하고 핀란드 디자인의 “조각”성격에 중점을 둡니다. 특히 핀란드의 유리 제작자 디자이너는 무라노의 유리 불어 타기 공장에서 많은 일을했습니다. 응용 및 가정용 핀란드 디자인은 예술적 대상의 상태를 주장했습니다. 각 주제는 단순히기구의 편리한 대상이 아니라 예술적 아이디어의 구체화로 간주되었습니다. 1960-1970 년대 기간은 핀란드 디자인의 “황금 시대”로 간주됩니다.

알바 알토
아이 노 알토
에로 아 르니 오
Tapio Virkkala
마리아이 졸라
인케 리 레이보
Antti Nurmesniemi
엘엘 사리넨
티모 사르 파니 에바
일 마리 타피오바라
오와 토이 카
카이 프랭크
클라우스 하 파니 에미
커트 에클 름
앵그리 버드
아라비아
아르텍
피스 카스
이따알
마리 멧코
노키아

아이슬란드 디자인
아이슬란드의 디자인은 1950 년대부터 시작된 비교적 젊은 전통이지만 지금은 빠르게 성장하고 있습니다. 제조를위한 국가의 제한된 선택과 제한된 재료 선택으로 인해 양모는 펠트 또는 니트 소재의 스테이플 소재로 남아 있지만 디자이너에게는 혁신적인 것이어야합니다. 아이슬란드의 디자인 및 응용 미술 박물관 (Museum of Design and Applied Art)은 1998 년에 문을 열었습니다. 아이슬란드 예술 아카데미 (Iceland Academy of Arts)는 1998 년에 설립되었으며 곧이어 건축과 디자인 학부가 개설되어 아이슬란드 풍의 독특한 캐릭터를 선보였습니다 국가의 디자인에.

아이슬란드 디자인의 특색은 늦은 발달에 있습니다. 아이슬란드는 실질적으로 20 세기 초의 예술적 아이디어의 형성에 참여하지 않았다. 스칸디나비아 국가들 중 가장 고립 된 국가 중 하나를 차지하고 있기 때문에 사실상 대륙 국가의 일관된 예술적 과정에 참여하지 못했습니다. 그러나 20 세기 중엽까지 아이슬란드는 1944 년에야 독립을 얻은 덴마크의 일부로 남아있었습니다. 아이슬란드에서의 디자인 개발에있어 근본적인 중요성은 1939 년 레이캬비크에서 응용 예술 학교 (School of Applied Arts)가 개설 된 것입니다. 아이슬란드 디자인의 특이성은 모더니즘에 대한 구체적인 태도이다. 실제로 새로운 스타일의 요소는 이미 국제 스타일이 이미 확립 된 현상이었던 당시 아이슬란드에서 나타났습니다. 모더니즘과의 교제는 독립의 달성과 일치했다. 그러므로 부분적으로는 아이슬란드의 모더니즘은 국가의 자유와 정체성의 상징으로 인식되었고 국제적인 예술적 교리의 징조로 인식되지 못했다.

아이슬란드 디자인의 특수성은 새로운 재료 (예 : 유리, 플라스틱, 강철)가 부족하고 제한적으로 사용되며 화산 유리, 얼어 붙은 용암, 거친 돌 등의 천연 원료에 대한 관심이 증가하고 있습니다. 1950 년대와 1960 년대에 전국 적용 학교를 지원하고 개발하기 위해 섬에 가구 수입 금지가있었습니다. 1990 년대 이래로 그래픽과 컴퓨터 디자인의 개발에 중점을 두었습니다.

루트비히 구드 문드 손
에이 나 주운슨
군나르 매그 슨
조나스 솔문드 손
헬기 할 그림슨
발 디스 해리스도 티르

노르웨이 디자인
노르웨이 디자인은 심플한 미니멀리즘을 자랑합니다. 설계된 품목에는 램프 및 가구가 포함됩니다. 강조되는 품질에는 내구성, 아름다움, 기능성, 단순성 및 자연스러운 형태가 포함됩니다.

노르웨이 설계 및 건축 센터 ( “DogA”)는 오슬로의 변전소에 보관되어 있습니다. 노르웨이는 런던 디자인 박람회에서 “100 % 노르웨이”라고하는 연간 디자인 전시회를 개최합니다.

노르웨이 디자인의 특이성은 국제적인 예술적 경향과 지역 예술 전통에 관한 특이한 입장입니다. 노르웨이 시스템은 바깥 세상과 격리 된 대농장에 의해 생활을 전제로하고 동시에 필요한 모든 것을 제공했습니다. 노르웨이의 특색은 국가 전통과 국제적 디자인의 원칙을 결합한 가혹한 생활 조건과 편안함의 조합입니다.

노르웨이 문화의 특성은 노르웨이에서 중세의 “동물 양식”(유사점을 얻은 현대주의 스타일에 대한 꾸준한 관심뿐만 아니라 국가적 로맨스의 아이디어와 관련된 예술과 공예의 움직임에 대한 계속적인 관심입니다. 노르웨이의 “Dragon Style”이라고 불리는).

Norwegian 디자인의 특정 개발을 위해 중요한 것은 국제 스타일의 원칙보다는 국가 기술의 전통을지지하고 개발 한 노르웨이 디자이너 연합 (Landsforbundet Norsk Brukskunst, LNB)에 의해 1918 년에 설립되었습니다. 노조의 활동은 국제 디자인 컨셉을 유지하고 개발하는 것보다 전통적인 형태를 보존하는 데 중점을 둔 노르웨이의 디자인 학교 전체 시스템에 그 흔적을 남겼습니다.

데이비드 안데르센
구스타브 가우 다낙
윌리 요한슨
Gerhard Munthe
피터 옵스 벡
그레타 프리츠
프리다 한센
티아스 에크 호프
Hadeland
Porsgrund

스웨덴 디자인
스웨덴의 디자인은 기능성과 단순한 깔끔한 선을 강조하면서 미니멀리스트로 간주됩니다. 이것은 특히 가구에 적용됩니다. 스웨덴은 유리와 사미 수공예품을 포함한 전통 공예로 유명합니다. 스웨덴 디자인은 Anders Beckman (그래픽), Bruno Mathsson (가구), Märta Mås-Fjetterström 및 Astrid Sampe (섬유) 및 Sixten Sason (산업)에 의해 개척되었습니다. 스웨덴에서 디자인을 홍보하는 조직은 1845 년에 설립 된 공예와 디자인의 스웨덴 사회 인 스벤 스크 양식 (Svensk Form)입니다. SVID로 알려진 스웨덴 산업 디자인 재단 (Swedish Industrial Design Foundation); 스웨덴 예술위원회; 현대 예술 박물관 옆 스톡홀름에있는 스 셉스 멘 (Skeppsholmen) 섬에 건축 및 디자인을위한 스웨덴 센터 (ArkDes)가 있습니다.

스웨덴 디자인의 아이디어는 맥스 베버 (Max Weber)에 의해 공식화 된 개신교 윤리 개념과 관련되어있다. 이 이데올로기 적 교리는 엄격함과 제약을 전제로하며 정직하고 가치있는 보수를 종교적 신분의 일부로 간주합니다. 스웨덴 디자인의 출발점은 상징주의와 근대성의 시대입니다. 스웨덴에서는 고전주의, 낭만주의, 감성, 인상주의 및 스웨덴의 상징적 전통의 영향을 받아 스웨덴의 예술적 언어가 형성되었습니다. 이시기의 가장 저명하고 영향력있는 예술가는 칼 라슨 (Karl Larsson)으로 간주 될 수 있습니다.

스웨덴의 디자인은 안전하고 지속 가능하지만 생동감 넘치지 않는 장점을 통해 진행됩니다. 20 세기의 스웨덴의 디자인 전통은 예술과 공예의 움직임에 대한 아이디어와 가정의 편안함, 근대주의의 근본적 미니멀리즘 전통을 결합한 것입니다. 스웨덴의 경우, 디자인은 국가 정체성의 한 형태가되었으며, 고유 한 특징을 지닌 동시에 유럽 가치 체계에 포함 된 국가적 특성을 창작하고 표현하는 방법입니다.

Gunnar Asplund
Gunnar Wennerberg
비욘 달들 스트
칼 라슨
잉그 보그 룬딘
브루노 맷슨
시거 드 페르손
잉가 허드 라만
Sixten Sason
& 전자 디자인
에릭슨
일렉트로룩스
구스타프 스 베르그
핫셀블라드
이케아
볼보