3 층에는 Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi, Gastone Novelli, Tancredi, Carla Accardi 및 Osvaldo Licini와 같은 이탈리아의 주요 마스터가 Alberto Burri와 Art Informel에 전념 한 홀이 있습니다. 50 년대와 60 년대에 관한 전시회는 Piero Manzoni의 작품과 Enrico Castellani에서 Agostino Bonalumi에 이르기까지 방위각 그룹의 예술가들을 전시합니다.

전기
Alberto Burri (1915 년 3 월 12 일 – 1995 년 2 월 13 일)는 Città di Castello의 이탈리아 시각 예술가, 화가, 조각가 및 의사였습니다. 그는 유럽의 비공식 예술 운동의 문제와 관련이 있으며 그의 스타일을 다 물질 주의자로 묘사했다. 그는 Lucio Fontana의 공간주의, Antoni Tàpies와 관련하여 유럽에서와 같이 미국 (Robert Rauschenberg)의 전후 조립 기술의 부흥에 영향을 미쳤다.

초기
1915 년 3 월 12 일 와인 상인 피에트로 (Pietro)의 장남과 초등학교 교사 인 캐롤라이나 토레지지 아니 (Caroline Torreggiani)에서 태어났다.

페루자에있는 Annibale Mariotti 고등학교를 졸업 한 후 1934 년 같은 도시의 대학교에서 의학 학부에 입학하여 1940 년 6 월 12 일에 졸업했습니다.

1940 년 10 월 9 일, 보완 보조 중위로, 그는 직업을 연습 할 자격을 갖추기 위해 무기를 소환하고 곧 병원에서 인턴쉽을 따르지 않았다. 졸업 후 그는 군대로 돌아와 1943 년 3 월 초 북아프리카에서 10 군단에 배정되었다. 아프리카의 이탈리아 항복 시절, 그는 1943 년 5 월 8 일 영국에 의해 체포되어 미국인들의 손에 넘겨졌으며, 주세페 베르토 및 베페 니콜라이와 함께 비 범죄를위한 “형사 소”에서 수감되었다. -18 개월 동안 머무른 Hereford 강제 수용소 (텍사스)의 협력자. 1944 년 봄에 그는 제안 된 협력 선언에 서명하기를 거부했으며 “돌이킬 수없는”파시스트들 사이에 목록 화되었다.

회화
추상화에서 물질로
1946 년 2 월 27 일 부리가 이탈리아로 돌아 왔을 때, 그의 결정은 2 차 세계 대전 후의 불황과 부모의 불만에 부딪쳤다. 그는 바이올리니스트이자 작곡가 인 Annibale Bucchi (어머니의 사촌 인 Annibale Bucchi)의 손님으로 로마로 이주하여 화가로서 활동을 독려했습니다.

로마에있는 동안, 그는 회화에 전념 한 소수의 매우 활동적인 기관과 접촉 할 기회를 가졌으며, 전쟁 후 시각 예술을위한 새로운 플랫폼을 만들었습니다.

그는 비아 마르 구타 (Via Margutta)에있는 작은 스튜디오에서 처음에는 자주 작업을하면서 끊임없이 작업하고 창조 한 예약 된 예술가로 남아있었습니다. 사실 1954 년 Burri의 스튜디오를 방문한 미국 언론인 Milton Gendel은 다음과 같이보고했다. “스튜디오는 벽이 두껍고, 흰색으로 씻겨지고, 단정하고 고 행적이다. 그의 작업은 ‘피와 살’, 찢긴 찢어진 직물이다. Burri가 전시에서 경험 한 상처의 찌르기와 비슷한 것 같습니다.”

부리의 첫 솔로 비 유적 작품 전시회는 1947 년 7 월 10 일 로마의 갤러리 겸 서점 La Margherita에서 열렸으며 시인 Leonardo Leonardo Sinisgalli와 Libero De Libero가 발표했습니다. 그러나 Burri의 예술 작품은 같은 해 말 이전에 추상적 인 형태로 흘러 들어갔습니다 .Jean Dubuffet과 Joan Miró와 같은 예술가의 영향으로 인해 작은 형식의 온도를 사용하여 파리를 여행하는 동안 Burri가 스튜디오를 방문했습니다. 1948 년 겨울.

타르, 금형, 꼽추
Burri의 예술적 연구는 1948 년에서 1950 년 사이에 단기간에 개인화되었으며 폴리, 염화 비닐 접착제뿐만 아니라 타르, 모래, 아연, 경석 및 알루미늄 먼지와 같은 특이한 ‘정통’재료를 사용하여 실험을 시작했습니다. 오일 컬러와 같은 중요성. 이 예술적 전환 과정에서 화가는 이탈리아 추상 예술의 중심 인물 인 Enrico Prampolini의 혼합 미디어 유형 추상화에 대한 그의 감도를 보여주었습니다. 그럼에도 불구하고 Burri는 자신의 Catrami (Tars)에서 한 단계 더 나아 갔으며, tar는 단순한 콜라주 재료가 아니라 단색 검정에서 다른 명료하고 불투명 한 색조를 통해 그림의 전체 성과 혼합 된 실제 색상으로 표현되었습니다. .

그의 1948 년 “Nero 1″(검정색 1)은 이후 작가의 초기 이정표로 취해지고 검은 색 흑백의 보급률을 확립했으며, 이는 Bianchi (백인) 이래로 흰색과 함께 그의 경력 전반에 걸쳐 밀접한 정체성으로 유지 될 것입니다. 1949–50 시리즈 및 빨간색.

다음 일련의 Muffe (Molds)는 문자 그대로 사용 된 재료의 자발적인 반응을 보여 주어 물질이 실제 곰팡이의 효과와 외관을 재현하는 물방울과 구덩이에서 ‘생명’을 얻을 수있게합니다. 그가 Gobbi (Hunchbacks)라고 불리는 같은시기의 일부 작품에서 Burri는 그림의 공간적 상호 작용에 초점을 두었고, 캔버스 뒷면에 나뭇 가지가 통합되어 3 차원 공간을 향한 2 차원 적 노력으로 인해 또 다른 독창적 인 결과를 달성했습니다. .

1949 년 비평가 Christian Zervos는 유명한 Cahiers d’ art에서 Catrame (전년 파리에서 전시)의 사진을 출판했습니다.

알베르토를 그루 포 오리지널 (1951 년 콜라 자신, 마리오 발로 코 (Mario Balocco), 주세페 카포 트로시 (Giuseppe Capogrossi)에 의해 설립)에 가깝게 만든 비토리오주의와에 토레 콜라 (Ettore Colla)와의 친교에도 불구하고, 화가의 예술적 연구는 점점 독방적이고 독립적 인 것으로 나타났다.

사치와 미국의 출현
1952 년부터 Burri는 Marshall Plan에 의해 널리 배포 된 황마 직물에서 직접 얻은 Sacchi (Sacks)를 통해 강력하고 개인적인 특성을 얻었습니다. 색이 거의 완전히 사라져서 표면 재료를위한 공간이 남아있어 그림이 그 재료와 일치합니다. 도장면과 그 형태가 더 이상 분리되지 않았기 때문에 완전한 자율성.

공식적인 예술적 우아함과 에어로 폼 스팀, 분화구, 립, 겹치는 색상 층 및 다양한 형태, 차별화 된 Burri의 예술, 세심한 반사 및 정확한 계산을 기반으로 한 공간적 균형과 같은 기간 동안의 액션 페인팅을 특징으로하는 충동적인 제스처로부터 얻은 공간적 균형.

Burri는 1949 년 SZ1 (설탕의 자루를 의미하는 Sacco di Zucchero 1의 약자, 1)과 함께이 독특한 요소들에 대한 초기 견해를 제시했습니다 : 작품에 포함 된 미국 국기의 일부의 존재는 동일한 주제의 사용이 예상 됨 팝 아트로. 그러나 Burri의 경우에는 사회적 또는 상징적 의미가 없었으며, 회화의 형식적 및 반음계가 유일한 초점이었습니다.

검열과 성공
Burri의 Sacchi는 대중의 이해를 얻지 못했으며 대신 예술 개념과는 거리가 멀다고 생각되었습니다. 1952 년 베니스 비엔날레 전시회에 처음 참가한 해인 Lo Strappo (The Rip)와 Rattoppo (Patch)라는 제목의 자루는 거부되었습니다.

다시 한 번, 1959 년 이탈리아 의회의 명령은 로마의 갤러리아 나치 오날 레 다르 테 모더 나에서 화가의 작품 중 하나를 제거해달라고 요청했다.

Burri의 작품은 1953 년 James Johnson Sweeney (Solomon R. Guggenheim Museum 소장)가 로마의 Obelisco Gallery에서 Burri의 그림을 발견 한 후 공동 전시회에서 작가의 작품을 미국에 소개했을 때 다르게 긍정적으로 고려되었습니다. 새로운 유럽 예술적 경향을 대표합니다. 이 만남에 이어 스위니와 평생 우정을 쌓아 1955 년 미국 박물관을 이끄는 부리의 예술 지지자로 활동했으며 1955 년 작가에 대한 최초의 독점을 썼습니다. 같은 해에 로버트 라우 첸 버그는 두 번 화가의 스튜디오를 방문했습니다. 두 작가의 언어 적 차이로 인해 서로 대화 할 수 없었던 Rauschenberg의 방문은 그의 콤바인 페인팅 (Combination Paintings)을 만들기위한 실질적인 정보를 제공했습니다.

Burri와 미국의 강력한 관계는 미국 발레 댄서 (Martha Graham의 학생)이자 1955 년 5 월 15 일 코네티컷 주 Westport에서 결혼 한 안무가 인 Minsa Craig (1928-2003)를 만났을 때 공식적으로 자리 잡았습니다. 그들은 평생 동안 두껍고 얇게 붙어있었습니다.

불의 채용
몇 번의 산발적 인 시도 끝에 1953 ~ 54 년에 Burri는 종이에 작은 연소를 통해 신중하게 계획된 화재 실험을 수행했으며, 이는 Emilio Villa의 시집 삽화로 사용되었습니다. 시인은 화가의 혁신적인 예술적 잠재력을 이해하고 1951 년 이래로 저술 한 작가의 저술가들과 함께 작업하면서 작가의 책을 읽었습니다. 그는 나중에 유전에 대한 일반적인 방문 (1955 년 잡지 “Civiltà delle Macchine”에 대한 보도)을 불의 사용에 대한 작가의 관심에 강한 영향을 미쳤다고 회상했다.

연소, 숲, 다리미, 플라스틱
Combustioni (연소)에 채택 된 절차는 1957 년경 종이에서 Legni (우즈)로 전달되었으며 캔버스와 기타 지지대에 고정 된 얇은 목재 베니어 시트로 이루어졌습니다.

같은 기간에 Burri는 또한 Ferri (철)에 대해 작업했으며, 금속 시트로 만든 창조물과 Blow torch로 용접하여 요소의 전반적인 균형을 목표로했습니다. 이 절차의 가장 잘 알려진 적용은 60 년대의 Plastiche (플라스틱)에서 도달했으며, Burri의 예술에 대한 점진적인 비판의 개방성이 이탈리아에서도 나타났습니다.

블로 토치는 분명히 파괴적인 장치 일뿐입니다. 실제로, 셀로판, 검은 색, 빨간색 또는 투명 플라스틱 또는 Bianchi Plastica (흰색 플라스틱) 시리즈의 불꽃으로 모델링 된 크레이터는 투명 플라스틱이 흰색 또는 검은 색 지지대에 놓여졌으며 화가의 바람에 의해 가볍게 지시되었습니다. 이 문제의 균형은 한편으로는 화염의 무작위성에 대한 일종의 ‘신념’과 다른 한편으로는 부리의 철학에 내재 된 일종의 ‘기회를 지배하려는 시도’에서 다시 강조되었다.

Cretto에서 Cellotex까지
1963 년부터 Burri와 그의 아내는 로스 앤젤레스에서 겨울을 보내기 시작했습니다. 화가는 점차 자신의 작품에 집중하면서 도시의 예술 공동체에서 멀어졌습니다. 데스 밸리 국립 공원으로의 그의 반복적 인 여행 동안, 예술가는 사막의 자연 균열에서 1973 년부터 시작하여 1940 년대 작품의 딱딱한 페인트 효과의 사용을 개발하는 크레 티 (Cracks)를 만들게하는 시각적 박차를 발견했습니다.

카올린, 수지 및 안료의 특수 혼합물을 사용하여 화가는 오븐의 열로 표면을 건조시켰다. Burri는 PVA 접착제 층을 사용하여 원하는 순간에 가열 공정을 정지 시켰으며, 크랙 효과가 크거나 작아지면서 화가의 광범위한 화학 지식 덕분에 항상 균형을 잡았습니다.

지벨 리나 그랜드 그 렛토
Burri는 캘리포니아 대학, 로스 앤젤레스 및 나폴리 (Museo di Capodimonte)의 Grandi Cretti (대형 균열)에서 구운 점토로 만든 크래프트 (흑백 또는 조각)로 조각 된 조각에 대한 절차를 재현했습니다 (둘 다 49 x 16) 가장 중요한 것은 Gibellina의 Grande Cretto의 광대 한 시멘트 덮개에서 1968 년 지진으로 파괴 된 오래된 작은 시칠리아 도시의 폐허에 있습니다. 1984 년에 시작하여 1989 년에 중단 된이 작품은 작가의 100 주년을 위해 2015 년에 완성되었습니다. 그것은 약 85,000 평방 미터의 영역에 걸쳐 지금까지 실현 된 가장 큰 예술 작품 중 하나입니다. 흰색 콘크리트 덮개가 도시 전체로 확장되어 긴 동맥 도로와 복도의 오래된 거리지도를 따라 걸을 수 있으며, 이로 인해 황폐 한 마을이 다시 활기를 띠게됩니다.

첼로 텍스와 큰 그림주기
70 년대 Burri의 예술은 더 넓은 차원으로 점진적으로 이행하는 반면, 회고는 전 세계에서 서로 뒤따 랐습니다. 1977-78 년에 미국을 가로 질러 뉴욕의 Solomon R. Guggenheim Museum에서 끝나는 대단한 개인전이 그 예입니다.

1979 년 Il Viaggio (The Journey)라고 불리는 회화주기는 10 개의 기념비적 구성을 통해 그의 예술 작품의 주요 순간을 되찾았습니다.

이 단계에서 특권 재료는 목재 생산 스크랩과 접착제의 산업 혼합물 인 Celotex (저자가 이름에 l을 추가 한 것)이며, 단열 보드 제작에 매우 자주 사용됩니다. 그때까지 화가는 1950 년대 초반부터 그의 작품을 그의 아세테이트와 아크릴 작품에 대한 지원으로 사용했습니다.

그 후 Cellotex는 Orsanmichele (1981)와 같이 매끄럽고 거친 부분의 극도로 긁힌 음영 또는 병치 또는 Annottarsi와 같은 검은 단색 변형을 통해 지배적이고 명확한 기하학적 구조에서 폴립 (polyptych)으로 생각되는 순환 시리즈에 사용되었습니다 (Up to Nite, 1985). ), Sestante (Sextant, 1983)와 같은 여러 가지 형태 나 마지막 Nero e Oro (Black and Gold) 시리즈의 Ravenna 모자이크 금에 대한 경의를 표합니다.

조각과 세트 디자인
Burri의 전체 예술 작품은 작가가 그림과 조각 모두에서 불가분의 형태와 공간으로 생각했습니다. 예를 들어 1984 년 베니스 비엔날레 (Venice Biennale)에서 발표 된 작품 인 Teatro Scultura와 세라믹에서 1972 년 Ogive 시리즈와 같은 철 조각에서 평범한 형태로 보았을 때, archivolt의 반복되는 주제가 그 예입니다.

그의 그림과 함께 Burri의 조각 작품의 강한 연속성은 로스 앤젤레스 UCLA와 나폴리 Capodimonte 도자기 Grandi Cretti (긴 공동 작업자 도예가 Massimo Baldelli의 도움으로) 또는 페루에서 전시 된 Grande Ferro (대철)에서 볼 수 있습니다. 1980 년 예술가와 조셉 베이 이스 사이의 만남에서

Gibellina의 Large Cretto는 토지 예술 카테고리에 속하지 않지만 건축, 조각 및 공간을 결합한 기능이 있습니다. 철 위의 다른 조각품들은 Città di Castello 박물관, Ravenna, Celle (피스 토이 아), 페루자 및 밀라노에서 영구적으로 개최되며, Teatro Continuo (연속 극장)의 회전 날개는 실제 경치 좋은 공간이자 조각이며, 스포르차 성 공원을 사용합니다. 자연적인 헝겊.

극장 세트
극장은 Burri의 예술 작품에서 특권 역할을했습니다. 고립 된 개입에도 불구하고 화가는 산문, 발레 및 오페라 분야에서 일했습니다. 1963 년 Burri는 밀라노의 La Scala에있는 Morton Gould의 발레단 인 Spirituals를위한 세트를 디자인했습니다. 화가의 Plastiche는 1975 년 토리노의 Teatro Regio에서 공연 한 San Miniato (Pisa)와 Tristan and Iseult에서 1969 년 Ignazio Silone 무대를 개조 한 것과 같은 극의 극을 강조했다.

1973 년 Burri는 그의 아내 Minsa Craig에 의해 고안된 11 월 단계를위한 세트와 의상을 디자인했으며 Toru Takemitsu가 득점했습니다. 발레는 크레 티가 어떻게 점진적으로 등장했는지를 묘사 한 영화 클립을 통해 초기 시각 예술의 예와 상호 작용했다.

그래픽 작업
부리는 결코 그림에 이차적으로 중요한 그래픽 아트를 고려하지 않았습니다. 그는 Valter와 Eleonora Rossi 형제가 종이에 타는 효과를 모방하는 데 완벽하게 성공한 Combustioni의 1965 년 재생산이나 같은 프린터로 불규칙한 Cretti cavities (1971)와 같은 새로운 인쇄 기술 실험에 집중적으로 참여했습니다. .

실크 스크린 Sestante (1987–89)에서 Burri의 오랜 친구이자 공동 작업자 인 Nuvolo의 도움을 받아 로스 앤젤레스에서 프린터 인 Luis 및 Lea Remba와 대리석 먼지로 만든 Mixoblack 시리즈 (1988) 모래 특히 입체 효과.

사실 Burri는 1984 년 Accademia dei Lincei가 수여 한 그래픽으로 Feltrinelli Prize의 돈을 사용하여 San Crescentino의 작은 성소에서 Luca Signorelli의 프레스코 화 복원을 장려하고 지원했다. Città di Castello에있는 Burri의 별장; 부리의 예술에서 현대와 현대가 정신적으로 얼마나 가까운 지에 대한 또 다른 예.

유산
Alberto Burri는 1995 년 2 월 13 일 니스에서 프랑스 리비에라에서 무자비하게 죽었고 그곳에서 생활의 편리함과 폐 폐기종 때문에 이사했습니다.

그의 죽음 직전에, 화가는 미국 예술 및 서신 아카데미의 명예 회원으로 지명 된 것 외에도 레기 오 오브 레너 (Legal of Honor)와 이탈리아 공화국의 공로 (Order of Merit)라는 상을 받았습니다. 그의 그래픽 시리즈 Oro e Nero (Gold and Black)는 1994 년 피렌체의 우피치 갤러리 (Uffizi Gallery)에서 작가들에 의해 기증되었으며, 그 당시 이미 ‘현대적인’예술가보다 ‘고전적인’예술가로 여겨지기 시작했습니다.

Alberto Burri의 예술은 Lucio Fontana와 Giorgio Morandi에서 Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto 및 Anselm Kiefer에 이르기까지 Burri의 위대함을 인정하고 때로는 영향을주는 여러 번의 현대 예술가들의 관심을 사로 잡았습니다.

재단과 박물관
화가의 의지에 따라 Fondazione Palazzo Albizzini는 1978 년 Città di Castello에 설립되어 Burri 자신의 저작물을 저작권으로 보호했습니다. 1981 년에 개장 한 최초의 박물관 컬렉션은 Albizzini Renaissance 아파트 건물 안에있는 것입니다. 라파엘의 처녀 결혼식 후원자에 속한 15 세기의 패트리샤 주택은 건축가 Alberto Zanmatti와 Tiziano Sarteanesi가 Burri의 계획에 따라 개조했습니다.

두 번째 컬렉션은 1960 년대에 서서히 폐지되고 1990 년에 시작된 11,500 평방 미터의 면적으로 확대 된 산업 구조 인 Città di Castello 전 담배 건조 창고의 컬렉션입니다. 현재이 구조는 작가, 기념비적 조각품, 그리고 2017 년 3 월부터 화가의 전체 그래픽 제작에 의한 대규모 페인팅주기의 전체 성을 특징으로합니다.

구조의 검은 외관과 특정 공간 적응은 Burri가 끊임없이 추구하는 형식적 심리적 균형에 대한 아이디어와 함께 전체 예술 작품을 만들려는 마지막 시도 중 하나입니다.

비판
Alberto Burri는 현재 Arte Povera, Neo-Dada, Nouveau réalisme, Postminimalism 및 프로세스 아트와 같은 예술적 운동에 의해 발견 된 솔루션의 선구자로서 20 세기 후반의 급진적 혁신 자로 인정 받고 있으며 많은 중요한 해석을 열어두고 있습니다. 그의 작품에 대한 방법 론적 해석.

그의 1963 년 논문에서, Cesare Brandi는 Burri의 그림의 중요성과 장식적인 디테일과 역사적 전위와 같은 (예를 들어, Futurism) 도발에 대한 거부를 강조하면서 ‘도색되지 않은 그림’개념을 통한 새로운 접근을 선호합니다.

한편 엔리코 크리스 폴티는 제임스 존슨 스위니가 1955 년에 출판 된 버리 최초의 논문에서와 마찬가지로 부리의 물질적 고용을 실존 적 관점에서 해석했다. 이는 전후의 특정 윤리적 표류에 대한 비판을 암시한다.

피에르 레스 타니 (Pierre Restany)는 그를 미니멀리즘 역사에서 “특별한 사건”으로 여겼으며 “동시에 기념비적 인 외부인이자 성기의 선구자”였다. Maurizio Calvesi는 수년간 정신 분석 학적 분석을 채택하여 그의 예술에서 “윤리적 가치”를 발견하면서 동시에 부리의 고향의 르네상스 기원을 발견했습니다. Piero della Francesca는 부리에서 그런 다음 화가는 연소 된 목재 나 닳은 자루로 옮겨졌다.

보다 최근에는 2015 년 주요 회고전 인 Alberto Burri : Solomon R. Guggenheim Museum을 위해 Emily Braun이 큐 레이션 한 그림의 외상과 2016 년의 공동 전시회 인 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA에 의해 Burri의 입장이 재평가되었습니다. 현재 재단 부회장 브루노 코라 (Bruno Corà)는 부리가 가져온 전통적인 서양 회화와 현대적인 콜라주의 급격한 변화를 포괄하며, 고전 회화의 공식적인 균형의 ‘심리적’회복에 초점을 맞추었다.

많은 역사적 기록들 중에서 Giulio Carlo Argan의 판결 (1960 년 베니스 비엔날레 카탈로그에 기록)은 여전히 ​​상징적입니다. “버리에게 우리는 현실을 시뮬레이트하기 위해 더 이상 그림이 아니기 때문에 전복 된 Trompe-l’il에 대해 말해야합니다. 그림을 시뮬레이션하는 현실. ”

미술 시장
2014 년 2 월 11 일 Christie는 £ 4,674,500 (추천 £ 600,000 ~ £ 800,000)에 판매 된 Combustione Plastica 작품으로 작가의 기록을 세웠습니다. 플라스틱, 아크릴 및 연소 (4 피트 x 5 피트) 작업은 1960 년에서 1961 년 사이에 이루어졌습니다.

작가의 기록은 2016 년 런던에서 설립되었으며 소더비가 1959 년의 Sacco e Rosso에 전념 한 저녁 동안이 작품은 900 만 파운드 이상에 판매되어 이전 기록을 두 배로 늘 렸습니다.

공물
알베르토 부리의 예술은 많은 이탈리아 감독들에게 영감을 주었다. 그 중 미켈란젤로 안토니오니는 1964 년 붉은 사막의 화가의 재료 연구에서 영감을 얻었습니다.

작곡가 Salvatore Sciarrino는 1995 년 Città di Castello의 축제 델리 Nazioni가 의뢰 한 화가의 추모를 기념하기 위해 경의를 표했습니다. 같은 축제에서 전 담배 건조 창고는 2002 년 Alvin Curran이 작곡을 시작했습니다.

Gibellina의 Large Cretto는 Orestiadi Festival 세트와 아티스트 Giancarlo Neri 및 Robert Del Naja (Massive Attack)의 2015 공연 세트로 여러 번 기능했습니다. 2015 년 뉴욕 ​​구겐하임 미술관 (Guggenheim Museum)이 부리 세트와 의상을 갖춘 1973 년 발레 11 월 계단을 제안했습니다. 2016 년 안무가 Virgilio Sieni는 움 브리아 마스터로부터 영감을 얻은 Quintetti sul Nero 작품을 제작했습니다. 2017 년 John Densmore (The Doors)는 Burri Prometheia 이벤트 기간 동안 로스 앤젤레스의 Ucla에서 Grand Nero Cretto (Large Black Crack) 앞에서 공연했습니다.

패션 디자이너들은 몇 년 동안 로베르토 카 푸치 (Roberto Capucci)의 부리 (Buri)로부터 영감을 받아 1969 년 의류 오마 지오 부리 (Omaggio a Burri)로 크리 티 효과를 재현하는 비대칭적인 특징을 지닌 2017 년 (Laura Biagiotti) 컬렉션을 선보였습니다.

1987 년 Burri는 공식 FIFA 월드컵 포스터를 만들었습니다. 움 브리아 재즈 페스티벌 (Umbria Jazz Festival)은 2015 년판 포스터에 Sestante 시리즈를 사용하여 작가의 탄생 100 주년을 축하했습니다.

밀라노에서 20 세기의 박물관
밀라노의 Museo del Novecento는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario)와 밀라노의 인접한 왕궁 (Royal Palace)에 상주하는 20 세기 예술 작품을 상설 전시합니다. 박물관은 왕궁 2 층에 위치하고 1998 년에 문을 닫았 던 이전 시민 예술 박물관 (CIMAC)의 컬렉션을 흡수했습니다.

피아자 델 두오모 (Piazza del Duomo)에있는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario) 안에 위치한 Museo del Novecento는 20 세기 이탈리아 예술의 발전을 촉진하는 4 천 개가 넘는 작품을 소장하고 있습니다.

Museo del Novecento는 20 세기 예술 지식을 널리 알리고 밀라노 시가 오랜 세월 동안 물려받은 소장품에 대한보다 포괄적 인 통찰력을 제공하기 위해 2010 년 12 월 6 일에 설립되었습니다. 주요 전시 활동 외에도 박물관은 20 세기 이탈리아 문화 예술 유산의 보존, 조사 및 홍보에 적극적으로 참여하여 더 많은 사람들에게 도달하려는 최종 목표를 가지고 있습니다.

Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian 및 Picasso를 포함한 외국 예술가의 싱글 룸 하우징 작품 외에도 박물관에 전시 된 작품의 대부분은 이탈리아 예술가입니다. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi 및 Ardengo Soffici의 작품으로 주요 섹션이 이탈리아 미래 학자에게 바쳐졌습니다. 주세페 펠리 짜 다 볼 페도의 대형 캔버스 Il Quarto Stato (1902)도 방 안에 전시되어 있습니다.

박물관의 다른 섹션은 Giorgio de Chirico, Lucio Fontana 및 Morandi와 같은 개별 아티스트에게 바쳐졌습니다. 추상주의, 아르테 포 베라 (Arte Povera), 노베 켄토 이탈리아 노 (Noveecento Italiano), 포스트 인상파와 현실주의, 풍경과 기념비 예술과 같은 장르를 포함하여 20 세기의 예술 운동에 관한 섹션도 있습니다.