박물관의 최상층은 전적으로 Lucio Fontana에게 바쳐졌습니다. 폰타나 홀은 환경 침수 작업으로 설계되었습니다. 주인공은 1956 년부터 획기적인 천정으로 엘바 섬에있는 호텔 델 골포의 식당을 위해 처음으로 만들어졌으며 문화 유산 및 활동부에 의해 부여되었습니다. 폰 다지 오네 폰타나 소유의 네온; 그리고 1950 년대의 공간 개념.

전기
루시오 폰타나 (Lucio Fontana, 1899 년 2 월 19 일 – 1968 년 9 월 7 일)는 아르헨티나-이탈리아 화가, 조각가, 이론가였다. 그는 주로 공간주의의 창시자로 알려져 있습니다.

이탈리아 조각가 루이지 폰타나 (1865-1946)와 아르헨티나 어머니의 아들 인 그는 1921 년 아버지와 동료의 조각 작업장과 아버지 조반니 스카라 벨리의 친구에서 일하면서 예술 활동을 시작했습니다. 그는 Adolfo Wildt의 추종자가되었습니다. 1949 년 이래로 구멍과 컷으로 캔버스를 깨뜨려 회화와 조각의 전통적 차이를 극복했습니다. 공간은 기존의 관점 규칙에 따라 표현의 대상이되지 않습니다. 캔버스 자체의 표면은 양각과 오목 부에 방해를받으며 실제 공간과 빛과 직접적인 관계를 맺습니다. 1940 년대 말 그는 Fontana Arte와 협력하여 테이블과 커피 테이블을위한 세라믹베이스 (건축가 Roberto Menghi의 디자인을 기반으로 함)를 제작하고 Borsani 회사와 협력했습니다.

루시오는 스위스 조각사 장의 딸 루시아 봇 티니와 후안 파블로 마로 니와 결혼 할 아버지와 아들을 지키고 나중에 애니타 캄 피글 리오와 결혼 할 아버지 루이지와의 관계에서 태어났다. 어머니. 폰타나 가족은 매우 편안했기 때문에 어린 루치 오는 이탈리아로 보내 져서 중요한 대학에서 먼저 공부 한 다음 카를로 카타 네오 기술 연구소와 브레라 예술 고등학교로 갔다. 1917 년 그는 군대에 자원하기 위해 자원했다. 1921 년 건물 전문가 학위를 취득한 후 아르헨티나로 돌아 왔습니다. 1924 년 아버지와 함께 일한 후 로사리오에서 스튜디오를 열어 아버지의 사실적인 스타일을 포기한 대신 누드 (1926)와 La mujer y la balde (1927)에서와 같이 알렉산드르 아르 치 펜코의 입체파 방식을 살펴 보았습니다.

작업
1927 년 밀라노로 돌아와 브레라 아카데미에 입학하여 1930 년에 졸업했다. 그는 그의 교수 인 아돌 포 와일드 (Adolfo Wildt)의 영향을 받았다.

그는 1963 년에 “나는 훌륭한 선생님을 안내 자로 받았다 : Wildt, 나는이 과정의 최고 학생으로 여겨졌다. 실제로 Wildt는 그의 예술의 연속자가되었다는 것을 몇 번이나 나에게 표현했다. 나는 아카데미를 떠났고, 석고를 대량으로 가져다가 앉은 남자의 대략적인 비유적인 구조를 부여하고 그녀에게 타르를 뿌렸 기 때문에 폭력적인 반응을 보였고, Wildt는 불평했고, 그에게 무엇을 말할 수 있었습니까? 나는 그에게 고마움을 느꼈지만, 새로운 길, 나의 길인 새로운 길을 찾는 데 관심이있었습니다. “폰타나 첫시기의 가장 중요한 작품 중 하나가 탄생했습니다 : 흑인 (1930- 지금 잃어버린). Archipenko와 Zadkine의 작품을 회상하면서 그는 형태의 기원으로 돌아 가기를 추구합니다. 검은 타르와 거의 형태가없는 덩어리는 로마와 에트루리아 형태의 아르투로 마르티니와 마리노 마리니의 회복과 대조를 이룹니다. 그는 Renato Birolli 및 Aligi Sassu와 함께 올림픽 챔피언 (또는 계류중인 챔피언) (1932)에서와 같이 표현주의를 20 세기의 패션에 대한 대안으로 간주합니다.

그는 또한 밝은 색상의 수많은 도자기를 만듭니다. 그는 밀라노 건축 아방가르드 인 Figini와 Pollini 그리고 BBPR 그룹, 즉 Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers를 알고 있습니다. 그는 Le Corbusier의 교훈을 얻었습니다. 건축물과의 근접성은 Giuseppe Grandi (Lombard “Scapigliatura”의 위대한 조각가)의 기념비에서 분명하게 볼 수 있으며 (1931) 그의 사촌 건축가 Bruno Fontana와 엔지니어 Alcide Rizzardi와 함께 설계되었습니다. 이 프로젝트에는 거꾸로 된 원뿔과 결정이 포함됩니다. 구성 주의자와 합리주의 적 연구에서 파생 된 것에 주목하십시오 : Melnikov (Columbus Lighthouse 1929)와 Tatlin (III International에 대한 기념비)을보십시오. 1930 년대 폰타나는 표현주의의 형상과 형태와 이차원의 희귀함 사이에서 항상 균형을 유지했습니다.

1937 년 그는 세계 박람회를 위해 파리로 갔다. 그는 Tristan Tzara와 Costantin Brancusi를 알고 있으며 Picasso의 작품을보고 있습니다. Sèvres 세라믹 워크숍을 방문하여 새로운 세라믹을 만드십시오. 1940 년부터 1947 년까지 아르헨티나에서 살았고 다른 추상 예술가들과 함께 일 매니 테스토 블랑코 (Il manifiesto blanco)를 썼습니다. 본질과 형태의 변화가 필요합니다. 회화, 조각,시 및 음악을 극복해야합니다. 새로운 정신의 필요에 따라 더 큰 예술이 필요합니다.

1940 년에 그는 아르헨티나로 돌아 왔습니다. 부에노스 아이레스 (1946)에서 그는 몇몇 학생들과 함께 알타미라 아카데미를 설립하고 화이트 매니페스토 (White Manifesto)를 공개했습니다. “매트, 컬러 및 사운드는 동시 개발이 새로운 예술을 구성하는 현상”이라고 언급되어 있습니다. . 폰타나는 서명하지 않았지만 적극적으로 공헌 한 본문에서 1947 년부터 1952 년까지 5 개의 표현으로 스파 지아리스 모 (Spazialismo) 또는 공간주의 (Spatialism)로 확장해야한다는 이론을 공식화하기 시작했다. 1947 년 아르헨티나에서 돌아온 후 그는 작가와 철학자들과 함께 공간주의의 첫 번째 표현 (Spazialismo) **을지지한다. 폰타나는 자신의 스튜디오를 발견하고 밀라노 연합군의 폭탄 테러로 완전히 파괴되었지만 곧 알비 솔라에서 도자기 작품을 재개했습니다. 밀라노에서

1948 년 이탈리아로 돌아온 폰타나는 밀라노의 갤러리아 델 나 빌리 오 (Galleria del Naviglio)에서 최초의 Ambiente spaziale a luce nera ( ‘공간적 환경’) (1949)를 전시했다. 방이 어두워지고 네온 불빛이 켜집니다 1949 년부터 그는 흑백 회화의 표면에 구멍이나 슬래시로 구성된 이른바 공간 개념 (Spatial Concept) 또는 슬래시 (Slash) 시리즈를 시작하여 그가 “우주 시대를위한 예술”이라는 이름의 표시를 그렸습니다. 그는이 작품들에 대한 일반적인 제목 Concetto spaziale ( ‘공간 개념’)을 고안하여 거의 모든 그의 이후 그림에 사용했습니다. 이들은 1949 년에 시작된 부치 ( ‘구멍)와 1950 년대 중반에 설립 된 타 글리 (‘슬래시 ‘)로 크게 분류 될 수있다.

폰타나는 종종 캔버스의 뒷면에 검은 거즈를 깔아서 어둠이 열린 상처 뒤에 희미 해져 신비한 환상과 깊이 감을 만듭니다. 그는 밀라노의 Triennale을 위해 1951 년에 “Luce spaziale”이라는 정교한 네온 천장을 만들었습니다. 그의 중요한 Concetto spaziale 시리즈 인 La Fine di Dio (1963–64)에서 Fontana는 달걀 모양을 사용합니다. 1952 년에 시작된 그의 Pietre (돌) 시리즈를 통해 Fontana는 캔버스 표면에 무거운 임파 스토와 컬러 유리를 묻혀 조각과 회화를 융합했습니다. 1949 ~ 50 년에 시작된 부치 (구멍)주기에서 그는 캔버스의 표면을 뚫어 그림 뒤 공간을 강조하기 위해 2 차원 막을 깨뜨렸다. 1958 년부터 그는 무광택 단색 표면을 만들어 그림을 정제하여 시청자의 초점을 맞췄습니다. 캔버스의 피부를 자르는 슬라이스에주의하십시오. 1959 년 폰타나는 여러 개의 결합 가능한 요소 (세트 퀀 타라고 함)가있는 컷오프 페인팅을 전시했으며 테라코타 점토 구를 가로 질러 틈을 뚫어 만든 청동 조각으로 일련의 조각품 인 Nature를 시작했습니다.

Fontana는 오늘 가장 중요한 건축가, 특히 9 번 Triennale에서 Spatial Light – Structure in Neon (1951)에 대한 연구를 공유하고 지원 한 Luciano Baldessari와 함께 많은 공동 프로젝트에 참여했으며, 1953 년 밀라노 전시회에서 열리는 Sidercomit Pavilion에서 영화의 천장을 디자인했습니다.

1960 년경, 폰타나는 손과 브러시로 바르는 두꺼운 유성 페인트로 캔버스를 덮고 메스 또는 스탠리 나이프를 사용하여 표면에 큰 균열을 일으키기까지 그 시점까지 그의 개인적인 스타일을 특징으로 한 컷과 펑크를 재창조하기 시작했습니다. . 1961 년 베니스의 Palazzo Grassi에서 개최 된 “Art and Contemplation”이라는 현대 회화 전시회에 예술가 인 Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis 및 다른 사람들과 함께 초청하여 22 개의 작품을 제작했습니다. 석호 도시로. 그는 손가락과 다양한 도구로 페인트를 조작하여 때로는 무라노 유리의 흩어져있는 파편을 포함하여 고랑을 만들었습니다. Fontana는 이후 Michel Tapié의 초대를 받아 뉴욕의 Martha Jackson Gallery에서 작품을 전시했습니다.

폰타나의 마지막 작품 중에는 일련의 Teatrini ( “작은 극장”)가 있는데, 그는 프레임과 유사한 날개 안에있는 백보를 사용하여 본질적으로 평평한 관용구로 돌아왔다. 극장에 대한 언급은 보는 행위를 강조하는 반면, 전경에는 불규칙한 구 또는 진동하는 물결 모양의 실루엣이 생생한 그림자 놀이를 만듭니다. 그 당시의 또 다른 작품 인 Trinità (Trinity) (1966)는 구멍이 뚫린 3 개의 커다란 흰색 캔버스로 구성되어 있으며 날개와 모호한 울트라 마린 플라스틱 시트로 만든 연극 설정에 둘러싸여 있습니다.

그의 경력의 마지막 몇 년 동안 Fontana는 전 세계적으로 그를 기리는 많은 전시회와 그의 마지막 흰색 캔버스에서 얻은 순도에 대한 아이디어에 그의 작품을 준비하는 데 점점 관심을 갖게되었습니다. 이러한 우려는 1966 년 베니스 비엔날레에서 두드러졌으며,이를 위해 작업 환경을 설계했습니다. 1968 년 카셀의 Documenta IV에서 천장과 바닥 (Ambiente spaziale bianco)을 포함하여 완전히 흰색 미로의 중심으로 큰 석고 슬래시를 배치했습니다.

그의 사망 직전에 그는 뉴욕 핀치 대학 박물관에서 “파괴 예술, 파괴 파괴”시연에 참석했다. 그리고는 밀라노에있는 집을 떠나 가족의 어머니 마을 인 Comabbio (이탈리아 바레 세 주)로 1968 년에 사망했다.

폰타나는 추상 천공 작품을 제작하는 동시에 미술계에서는 거의 알려지지 않은 추상적 인 주제와 그림으로 많은 양의 그래픽 작품을 만들었습니다. 그는 카라라 대리석에서 La Capital 신문의 창립자 인 Ovidio Lagos의 흉상 조각가이기도했습니다.

전시회
폰타나는 1931 년 밀라노의 갤러리아 델 밀리 오네에서 첫 개인전을 가졌다. 1961 년에 미셸 타피는 미국 뉴욕에서 열린 마르타 잭슨 갤러리에서 베니스 시리즈 전시회를 열었다. 1966 년 미네아폴리스 워커 아트 센터에서 미국 박물관에서 개인전을 열었다. 그는 상파울루 비엔날레와 전 세계 수많은 전시회에 참가했다. 그 중에서도 주요 회고는 Peggy Guggenheim Collection, Venice (2006), Hayward Gallery, London (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) 및 Center Georges Pompidou (1987)가 주최했으며 La Fundación ‘la Caixa’로 여행했습니다. 바르셀로나, 암스테르담의 Stedelijk 박물관, 런던의 Whitechapel Gallery). 1930 년 Fontana의 작품이 베니스 비엔날레에서 정기적으로 전시되었으므로, 그는 여러 번 아르헨티나를 대표했다. 1966 년 베니스 비엔날레 (Venice Biennale)에서 회화 부문 대상을 수상했습니다. 2014 년, 파리의 Musée d’ Art Moderne de la Ville de Paris는 작가에게 회고전을 바칩니다. 토 네부 오니 아트는 애비뉴 마티 뇽 파리 갤러리 공간에서 병렬 쇼를 열었습니다.

컬렉션
Fontana의 작품은 전 세계 100 개가 넘는 박물관의 영구 컬렉션에서 찾을 수 있습니다. 특히, Pietre 시리즈의 예는 암스테르담의 Stedelijk 박물관, 파리 퐁피두 센터, 뉴욕의 현대 미술관, 로마의 Galleria Nazionale d’ Arte Moderna, 현대 미술관 Villa Croce에 보관됩니다. 제노아와 아인트호벤 반 Abbemuseum. 폰타나의 보석은 보스턴 미술관의 영구 컬렉션에 포함되어 있습니다.

미술 시장
이탈리아의 학자 Enrico Crispolti는 2006 년 Fontana의 그림, 조각 및 환경에 대한 2 권의 카탈로그 라니 손을 편집했습니다. 2013 년 Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini 및 Silvia Ardemagni는 Fontana의 논문에 대한 3 권의 카탈로그 raisonné를 포함하여 5,500은 시간 순서대로 작동합니다.

Fontana가 그의 아내를 위해 헌신하고 항상 Teresita로 알려 졌던 한 번의 슬래시로 희귀하고 큰 진홍색 작품으로 2008 년 Christie ‘s London에서 670 백만 파운드 (11.6 백만 달러)를 가져와 예술가의 경매 기록. Anna-Stina Malmborg Hoglund와 Gunnar Hoglund의 컬렉션에서 Fontana의 Concetto Spaziale (1965)은 2015 년 Sotheby ‘s London에서 슬래쉬 페인팅에 대한 새로운 기록을 세웠습니다. Fontana의 타원형 캔버스는 훨씬 더 유명합니다. Sotheby ‘s는 2008 년에 1,300 만 파운드의 La Fine di dio (1963)라는 제목의 Concetto spaziale이라는 작품을 판매했습니다. Fontana의 베니스 서클의 일부인 Grand Canal의 Festival은 2008 년 뉴욕의 Christie ‘s에서 700 만 달러에 판매되었습니다.

전시회
아르헨티나에서 태어난 Lucio Fontana는 1920 년대부터 밀라노에 살면서 스튜디오를 설립했습니다. 그의 예술 경력을 통해 Lucio Fontana는 세라믹 조각에서 그림, 조각에서 공간 환경에 이르는 다양한 작품을 만들었습니다.

20 대와 30 대
20 대에, 당시의 비유적인 성격을 가진 그의 작품은 개인 고객을위한 조각품 제작을 중심으로 진행되었다 ( “Busto femminile”[Female bust], 1931). 이 작품들은 “시뇨 나 세 두타”(Young Woman Seated, 1934)와 같은 작품들과의 공모전에 참여하면서이시기에 더 복잡하고 실험적인 작품들을 다루었지만 다소 작았습니다.

Busto femminile (1931 년)
시뇨 리나 세 두타 (1934)

공간 환경
지난 몇 년간 건축가들과의 그의 강력한 협력은 예술가에게 결정적이고 중대한 영향을 미쳐서 제 2 차 세계 대전 후에 “공간 환경”을 설계하기 시작했습니다. 1951 년 9 번째 밀라노 트리엔날레로 취임 한 “Struttura al Neon”(네온 구조)과 1956 년 Procchio의 Hotel del Golfo에 대한 “Soffitto Spaziale”(공간 천장)이 그 예입니다.

IX Triennale di Milano에 의한 Struttura al neon (1951)

콘 세티 스파 지 알리
그의 유명한 “Concetti spaziali”(공간 개념)에서 예술가가 일련의 구멍과 깔끔한 ​​절단을 한 흑백 캔버스에서 Fontana는 전통적인 회화의 한계를 뛰어 넘어 무한한 공간적 차원을 열었습니다.

아테 사 콘 체토 스파 지 알레 (1960)
콘 체토 스파 게일 (1956)
Concetto spaziale, 라 바라 델 마리나 리오 (1957)
콘 체토 스파 게일 (La notte) (1956)
콘 체토 스파 게일, 아테 제 (1959)

밀라노에서 20 세기의 박물관
밀라노의 Museo del Novecento는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario)와 밀라노의 인접한 왕궁 (Royal Palace)에 상주하는 20 세기 예술 작품을 상설 전시합니다. 박물관은 왕궁 2 층에 위치하고 1998 년에 문을 닫았 던 이전 시민 예술 박물관 (CIMAC)의 컬렉션을 흡수했습니다.

피아자 델 두오모 (Piazza del Duomo)에있는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario) 안에 위치한 Museo del Novecento는 20 세기 이탈리아 예술의 발전을 촉진하는 4 천 개가 넘는 작품을 소장하고 있습니다.

Museo del Novecento는 20 세기 예술 지식을 널리 알리고 밀라노 시가 오랜 세월 동안 물려받은 소장품에 대한보다 포괄적 인 통찰력을 제공하기 위해 2010 년 12 월 6 일에 설립되었습니다. 주요 전시 활동 외에도 박물관은 20 세기 이탈리아 문화 예술 유산의 보존, 조사 및 홍보에 적극적으로 참여하여 더 많은 사람들에게 도달하려는 최종 목표를 가지고 있습니다.

Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian 및 Picasso를 포함한 외국 예술가의 싱글 룸 하우징 작품 외에도 박물관에 전시 된 작품의 대부분은 이탈리아 예술가입니다. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi 및 Ardengo Soffici의 작품으로 주요 섹션이 이탈리아 미래 학자에게 바쳐졌습니다. 주세페 펠리 짜 다 볼 페도의 대형 캔버스 Il Quarto Stato (1902)도 방 안에 전시되어 있습니다.

박물관의 다른 섹션은 Giorgio de Chirico, Lucio Fontana 및 Morandi와 같은 개별 아티스트에게 바쳐졌습니다. 추상주의, 아르테 포 베라 (Arte Povera), 노베 켄토 이탈리아 노 (Noveecento Italiano), 포스트 인상파와 현실주의, 풍경과 기념비 예술과 같은 장르를 포함하여 20 세기의 예술 운동에 관한 섹션도 있습니다.