로맨틱 음악

로맨틱 음악은 18 세기 후반 또는 19 세기 초반에 시작된 서양 고전 음악의 시대입니다. 그것은 낭만주의, 18 세기 후반에 일어난 유럽 예술 및 문학 운동과 관련이 있으며 특히 낭만주의 음악은 독일의 낭만주의 운동을 지배했습니다.

낭만주의 시대에 음악은 당시의 문학적, 예술적, 철학적 주제를 다루면서 표현력이 풍부하고 프로그래밍 적으로 표현되었습니다. 유명한 초기 낭만파 작곡가로는 베토벤 (베토벤의 작품은이 기간과 이전의 고전을 모두 포함한다), 슈베르트, 슈만, 쇼팽, 멘델스존, 벨리니, 베를리오즈 등이있다. 19 세기 후반에 오케스트라의 크기와이 앙상블에 사용 된 악기의 다이나믹 레인지 및 다양성이 크게 확장되었습니다. 또한 공공 콘서트는 콘서트가 주로 귀족을 위해 지불하고 귀족을 위해 공연했던 초기시기와 달리 도시 중산층 사회의 핵심 부분이되었습니다. 브루크너, 요한 슈트라우스 2 세, 브람스,리스트, 차이 코프 스키, 드보르자크, 베르디, 바그너 등의 유명한 작곡가가 있습니다. 1890 년에서 1910 년 사이에 말러, 리차드 슈트라우스, 푸치니, 시벨리우스 등 3 곡의 작곡가는 중간 낭만파 작곡가의 작업을 기반으로 더욱 복잡하고 종종 더 긴 음악 작품을 창작했습니다. 19 세기 후반 음악의 두드러진 특징은 Dvořák, Sibelius, Grieg와 같은 인물들에 의해 예시되는 민족주의적인 열정이다. 다른 유명한 후기 세기 인물에는 Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff 및 Franck가 포함됩니다.

로맨틱 음악은 종종 서로 다른 스타일로 나뉘어져 종종 서로 대조됩니다. 일찍부터 새로운 독일과 고전 부분 사이의 구분이있었습니다. 새로운 독일 작풍은 이전 음악을 가진 명확한 틈에 의해 표시되었다. 이 표현에서 더 감정적이었고 종종 소위 프로그램 음악으로 특징 지어졌습니다. 즉 음악은 프로그램을 따랐거나 문학 작품이나 예술 작품에서 영감을 받았습니다. 그 반대의 스타일은 좀 더 고전적 이었기 때문에 모차르트, 베토벤, 하이든과 오래된 가드의 영감을들을 수 있었다. 대개 절대 음악이 많았습니다. 즉 음악 자체가 다른 예술 형식과 섞여서는 안됩니다.

또 다른 구별은 오페라에 갔다. 처음에는 오페라가 Gioachino Rossini의 자손으로 특징 지어졌으며, 예쁜 아리아가 종종 만화 오페라 나 그랜드 오페라를 지배하여 자연적 또는 사회적 세력, 대조 및 분위기와 맞서 싸웠습니다. 또한 독일의 오페라는 초자연적 인 존재, 악마, 중세의 초점과 독일의 사가 및 공공 신문과의 전쟁이 지배했던 1821 년 Jegerbruden으로부터 이미 강렬한 낭만적 인 방향으로 발전하기 시작했습니다. 리차드 바그너가 등장했습니다. 그는 또한 Gesamtkunstwerk의 아이디어를 창안했다. 오페라의 모든 부분, 가수에서 오케스트라, 대본, 무대 조형술, 협조에 이르기까지 강력한 메시지를 전한다. 바그너는 오케스트라를 이전 오페라보다 훨씬 더 많이 사용했고, 모든 것을 가장 잘 매치시킬 수 있도록 그 이야기를 직접 썼다. 그의 명확한 반대는 유명한 연극,시 또는 소설을 기반으로 한 오페라를 제작하고 노래와 선율에 초점을 맞춘보다 단순한 오케스트레이션에 초점을 맞춘 주세페 베르디 (Giuseppe Verdi)였다. 그러나 베르디는 심지어 바그너의 오페라를 팔 길이로 유지하면서도 드라마의 중요성에 영향을 받았다. 로맨스가 끝나갈 무렵에는 현재와 그 도전에 대한 훨씬 더 현실적인 오페라, 특히 챔피언 인 자코모 푸치니 (Giacomo Puccini)와 함께 진실 된 오페라가되었습니다. 이것은 오페라에 대한 와그너 (Wagner)와 베르디 (Verdis)의 아이디어의 시너지 효과였습니다.

교향곡에서도 Hector Berlioz와 Franz Liszt에서 영감을 얻은 음악과 그들의 프로그램 음악 (Bedruich Smetana, Anton Bruckner와 Pjotr ​​Tsjajkovsky)과 절대 음악에 중점을 둔 Mendelssohn과 Schumann 지지자들 사이에는 명확한 구별이있었습니다 (John Brahms , Antonín Dvořák 및 Gustav Mahler)에 대한 정보를 제공합니다. 교향곡은 부분적으로 바그너의 음악에 대한 아이디어로 끌어 들여졌습니다. 프로그램 음악의 팬들은 바그너에 의해 더 자주 영감을 얻었으며, 절대 음악을 따르는 사람들은 훨씬 회의적이었습니다.

로맨틱 음악은 발레의 발달이었고, 새로운 스타일은 operetta가 등장했고, Viennese Valley는 allemannseie가되었고 많은 뮤지션들이 등장하여 콘서트 게임의 수준을 높였다. 오케스트라는 성장하고 지휘자는 더 중요하게되었다. 이전의시기에 이미 전진 해 온 피아노는 많은 가정에서 지배적이었고, 다양한 연주회와 노래 연주의 주요 도구로서 지배적이었습니다.

형질
낭만주의에 기인 한 특성 :

자연에 대한 새로운 선입견과 자연에 대한 항복;
과거와의 매혹, 특히 중세와 중세 기사의 전설.
신비스럽고 초자연적 인 방향으로의 전환, 종교적이고 단순한 무시 무시한 것;
무한한 것에 대한 갈망;
멀리 떨어진 곳의 신비한 의미, 이상하고 멋진, 이상하고 놀라운;
야행성, 유령, 무서운 및 무서운 것에 초점;
환상적인보고와 영적인 경험;
국가 정체성에 대한 새로운 관심;
극한 주관주의에 중점을 둔다.
자서전에 대한 관심;
뮤지컬 수식 및 규칙에 대한 불만.

그러나 그러한 목록은 시간이 지남에 따라 번성하여 “대칭 현상의 혼돈”을 가져 왔고, 그 피상적 인 것으로 비판 받았고, 매우 다른 여러 가지를 의미하여 중대한 의미가 없었습니다. 그 속성은 또한 너무 모호한 것으로 비난 받았다. 예를 들어, “유령과 초자연”의 특징은 모차르트의 돈 조반니 (Don Giovanni)와 스트라빈스키 (Stravinsky)의 1951 년 레이크 진보에 똑같이 적용될 수 있습니다 (Kravitt 1992, 93-95).

음악에는 Beethoven의 죽음 이후의 음악 구조와 형식에 비교적 명확한 구분선이 있습니다. 베토벤이 ‘낭만적 인’작곡가 이건 아니건간에 그의 작업의 폭과 힘은 고전 소나타 형태와 실제로 교향곡, 소나타 및 현악 4 중주의 구조가 고갈되었다는 느낌을 불러 일으켰다. Schumann, Schubert, Berlioz와 다른 초기 낭만파 작곡가들은 대체 방향을 연구하는 경향이 있었다. 낭만주의 음악의 몇몇 특성은 다음을 포함한다 :

전통적인 클래식 장르와 함께 노래주기, 녹턴, 콘서트 etude, 아라베스크와 rhapsody 같은 새로운 또는 이전에 그렇게 일반적인 음악 구조의 사용. 프로그램 음악은 다소 일반적인 것이되었다.
전통적 지배보다는 오히려 토닉에서 서브 존나 또는 대안 키로의 이동에 기반한 고조파 구조 및보다 정교한 고조파 진행의 사용 (바그너 및리스트는 실험 진행으로 알려져 있음).
음악적 관심을 유지하기 위해 멜로디에 중점을 둡니다. 고전 시대는 종종 단편적이고 단편적인 주제의 자료를 사용했으나 낭만주의 시대는 더 길고 완전히 정의되고보다 만족스러운 주제를 더 많이 사용하는 경향이있었습니다.
대규모 오케스트레이션에 의해 지원되는 ppp에서 fff까지와 같은 더 넓은 범위의 역 동성을 사용합니다.
더 큰 음조 범위 사용 (exp. 피아노의 가장 낮은 음과 가장 높은 음을 사용);

낭만적 인 음악의 형태
교향곡
루드비히 반 베토벤 (Ludwig van Beethoven)이 최고 수준까지 연주 한이 교향곡은 많은 작곡가들이 헌신 한 가장 유명한 형태가되었습니다. 가장 보수적 인 베토벤 모델 : Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann 또는 Johannes Brahms. 다른 사람들은이 틀을 뛰어 넘는 상상력을 형상이나 정신으로 보여줍니다. 가장 대담한 것은 헥터 베를리오즈입니다.

마지막으로, 일부는 교향곡을 통해 이야기를하는 것 이상의 의미를 갖습니다. 프란츠리스트 (Franz Liszt)와 같은 사람들은 보통 하나의 무브먼트로 구성되고 주제, 성격 또는 문학적 텍스트에서 영감을받은 새로운 음악 장르 인 교향곡시를 만들 것입니다. 교향곡 시가 leitmotif (예를 들어, 주인공을 식별 할 수있는 음악 모티프) 주변에 연결되어 있기 때문에 교향곡 프로그램으로 음악에 더 가깝게 만드는 것입니다.

거짓말
이 음악 장르는 낭만적 인시기에 피아노쪽으로 피아노 포르테가 진화하면서 나타났습니다. 거짓말은 주로이 악기와 함께하는 성악입니다. 노래는 낭만적 인시에서 끌어오고이 스타일은 감정의 소리를 최대한 가깝게합니다. 리드의 가장 유명한 작곡가 중 한 명인 프란츠 슈베르트 (Franz Schubert)는 <왕의 제국의 왕>과 함께 로버트 슈만 (Robert Schumann), 요하네스 브람스 (Johannes Brahms), 휴고 늑대 (Hugo Wolf) 또는 구스타프 말러 (Gustav Mahler)라는 거짓말 장르에 빠져있다.

콘체르토
5 명의 피아노 협주곡 (특히 5 위)과 바이올린 협주곡으로 낭만적 인 협주곡을 시작한 사람은 베토벤이었다. 그의 예에는 많은 작곡가가 뒤 따릅니다. 협주곡은 위대한 오케스트라 편곡의 레퍼토리에서 교향곡과 경쟁합니다.

마지막으로, 협주곡은 작곡가가 바이올린의 Niccolò Paganini와 피아노의 Frédéric Chopin 또는 Franz Liszt와 같은 그들의 기교를 드러내도록 허용합니다.

낭만적 인 음악의 보컬 요소
낭만적 인 시대는 더 이상 훌륭한 성악의 세기가 아니 었습니다. 일련의 아카펠라 작곡가들이 아직도 존재하고 있으며, 멘델스존과 브람스와 같이 정교하고 세련되어 16 세기에 상상할 수없는 조화와 색채 효과를 얻었습니다. 이것은 아카펠라 풍의 화려한 시대였습니다. 특히 독일에서는 이러한 정교함을 달성하기위한 수단이 민족주의 나 당파 활동의 표현이 되었기 때문에 순전히 예술적 이유로 충동을 빚지 않았던 남성을위한 합창 작곡 이었지만 나머지 보컬 기반 데모 사용하지 못하게되었다. 낭만주의 위대한 챔피언은 잠시 동안 교회를위한 작곡을 생각하지 않았고 따라서 성경 구절을 듣는 데 기여했습니다.

Schumann의 El paraíso y la peri와 같은 연극이 씌어졌습니다. 브람스는 독일어 레퀴엠을 썼다. 대중과 다른 종교 작품들도 쓰여졌다. Schubert의 Ave Maria는 노래와 피아노를 위해 거짓말을했습니다.

계측 및 규모
다른 기간과 마찬가지로 계측기는 해당 기간의 음악 요구 사항에 맞게 조정되었습니다. 헥터 베를리오즈 (Hector Berlioz)와 같은 작곡가는 이전에 들어 본 적이없는 방식으로 작품을 구성하여 관악기에 새로운 주목을했습니다. 표준 오케스트라의 크기가 커졌고 피콜로와 잉글리시 호른과 같은 악기가 포함되어 있었으며이 악기는 전에는 아주 가끔 사용되었습니다. 말러는 그것을 해석하는 데 필요한 오케스트라와 합창곡에 의해 “천 부의 교향곡”으로 알려진 그의 8 번째 교향곡을 썼다.

더 큰 오케스트라를 필요로하는 것 외에도 낭만주의의 작품은 더 길어졌다. 고전주의의 작곡가 인 하이든 또는 모짜르트의 전형적인 교향곡은 약 20 ~ 25 분 동안 지속될 수 있습니다. 이미 초기 Romanticism으로 간주됩니다 베토벤의 세 번째 교향곡은 약 45 분 정도 지속됩니다. 그리고이 경향은 Anton Bruckner의 교향곡에서 특히 증가하여 Mahler의 경우 최대 수준에 도달했으며 교향곡은 1 시간 이상 지속 된 교향곡 (1 번째와 4 번째의 경우처럼)으로 1 시간 이상 지속 된 교향곡으로 이루어졌습니다. 절반 (세 번째 또는 여덟 번째와 같음).

반면 낭만주의에서는 거장 기악가의 중요성이 커졌다. 바이올리 니스트 Niccolò Paganini는 19 세기 초반의 음악 스타 중 한 명이었습니다. Liszt는 주목할만한 작곡가가되는 것 외에도 피아노 연주자였으며 매우 유명했습니다. 거장의 공연 도중, 그들은 연주하는 음악보다 더 눈에 띄었다.

이들은 낭만주의에서 나타나는 몇몇 계기이다 :

바람

콘트라 파트 (Contrafagot) : 바순의 바순 (Bassoon)의 종으로서 보통 바순의 옥타브 무덤으로 소리가납니다.

색소폰 (Saxophone) : 여러 개의 건반과 나무와 지팡이 노즐이 달린 곡선 형 금속 U 자 모양의 원뿔형 튜브로 구성된 관악기. 다양한 크기가 있습니다.

영국 경적 : 관악기, 오보에보다 더 크고 진지한 악기.

Tuba : 관악기 풍성하고 진지한 관현악의 관악기.

건반

피아노 : 고전주의에 이미 존재했지만, 피아노는 낭만주의의 위대한 도구입니다. 그것은이 악기의 여러 주자 인 작곡가에게 가장 뛰어난 표현력을 허용합니다.

간략한 연대기
낭만주의의 고전적인 뿌리 (1780-1815)

문학에서 낭만주의는 Sturm und Drang이라고 불리는 독일 운동으로 1770 년대 또는 1780 년대에 시작되었다고 종종 말합니다. 그것은 주로 셰익스피어, 민속 무용담, 실제 또는 가상, 그리고 호머의시에 의해 영향을 받았다. 괴테 나 쉴러와 같은 작가들은 스코틀랜드의 로버트 번트 (Robert Burnstranscribed)가 대중 음악의시를 쓰는 동안 자신의 관습을 근본적으로 바꿨다. 이 문학 운동은 독일 오페라에서의 모차르트 작품, 상업 작품에서 사용되는 노래와 멜로디의 선택, 그리고 예술적 표현에서의 폭력의 점진적인 증가를 포함하여 고전 시대의 음악에 다양한 방식으로 반영되었습니다. 그러나 “낭만주의와 혁명”을 고수하는 대부분의 작곡가들의 능력이나 관심은 왕실 재판소에 대한 의존으로 인해 제한되었습니다. 모차르트의 피가로 (Le nozze di Figaro) 시사회의 예가 혁명적 인 이유로 검열되었다.

순전히 음악적 용어로도, 낭만주의는 근본적인 실체를 고전적 실천의 구조에서 취했다. 이시기에는 작곡과 해석의 기준이 향상되었고 음악가의 표준 형식과 앙상블이 만들어졌습니다. 이유를 놓치지 않고 ETA Hoffmann은 “3 명의 낭만적 인 작곡가”를 Haydn, Mozart 및 Beethoven에게 불렀습니다. 고전주의의 가장 중요한 내부 흐름 중 하나는 색도 및 고조파 모호성의 역할입니다. 가장 중요한 고전 작곡가들은 모두 고조파 모호성과 진정한 음조를 확립하지 않고 다른 음조 사이에서 빠르게 움직이는 기술을 사용했습니다. 저조파 혼돈의 가장 잘 알려진 예 중 하나는 The Haydn Creationof의 시작입니다. 그러나 이러한 모든 여행에서 긴장은 관절 섹션, 지배적 인 또는 상대적으로 중요한 전진으로의 움직임 및 질감의 투명성에 기반을 두었습니다.

1810 년대까지는 색역과 작은 음조의 결합이 결합되어 더 넓은 음역을 얻기 위해 더 많은 음조로 이동하려는 욕구와 더 넓은 오페라 범위에 대한 필요성이 결합되었습니다. 베토벤은 나중에 운동의 중심 인물로 간주되었지만 Muzio Clementi 나 Louis Spohrthey와 같은 작곡가들은 주제에 더 많은 유채음을 넣을 시간의 맛을 더 잘 표현했습니다. 더 많은 색깔에 대한 욕망과 구조를 유지하려는 고전적인 욕구 사이의 긴장감은 음악적 위기를 초래했습니다. 한 가지 대답은 공식 모델이없는 경우에도 텍스트가 구조를 부여 할 수있는 오페라로 이동하는 것이 었습니다. ETA 호프만은 그의 음악적 비판으로 유명 해졌고, 그의 오페라 어딘지나 (Uteinae, 1814)는 근본적인 음악 혁신을 선보였다. (차이 코프 스키의 1869와 혼동하지 말 것). 이 위기에 대한 또 다른 반응은 야행성과 같은 일부 새로운 것들을 포함하여 더 짧은 형식을 사용하여 얻었습니다. 고조파 강도 자체만으로 음악을 앞으로 옮길 수있었습니다.

Joseph Villegas (1815-1850)의 첫 낭만파 작곡가
19 세기의 두 번째 10 년 동안 멜로디에서 색도의 더 두드러진 사용과 더 조화로운 표현의 필요성과 함께 새로운 음악 소스로의 변화는 눈에 띄는 문체 변화를 가져 왔습니다. 이러한 변화의 동기가 된 이유는 단순히 뮤지컬뿐만 아니라 경제적, 정치적, 사회적으로도 발생했습니다. 무대는 새로운 포스트 나폴레옹 유럽 환경과 이야기 할 수있는 새로운 세대의 작곡가를위한 자리였습니다.

첫 번째 그룹의 작곡가는 대개 베토벤, 루이 스포어, ETA 호프만, 칼 마리아 폰 웨버, 프란츠 슈베르트로 분류됩니다. 이 작곡가들은 18 세기 후반과 19 세기 초반의 콘서트 라이프가 극적으로 확장되는 과정에서 자랐습니다.이 스타일은 그들의 스타일과 기대를 형성 시켰습니다. 많은 사람들이 베토벤을 따라하거나, 적어도 열망하는 모델로 맞이했다. Muzio Clementi의 반음계 멜로디와 Rossini, Cherubini, Spontini, Mehul의 오페라도 영향을 미쳤다. 동시에, 성장하는 중산층 가정의 수요를 충족시키기 위해 대중시에서의 음성 및 피아노 곡 구성은 작곡가를위한 새롭고 중요한 출처가되었습니다.

이 낭만파 작곡가의 가장 중요한 작품은 아마 슈베르트 (Weber)의 오페라, 특히 오베론 (Oberon), 데 프레이 쉬츠 (Der Freischütz)와 유란 떼헤 (Euryanthe)의 노래와 교향곡이었습니다. 당시 슈베르트의 작품은 제한된 관객 앞에서 만 해석되어 점차 눈에 띄는 영향력을 발휘할 수있었습니다. 반대로, 존 필드의 작품은 피아노와 춤에 작고 독특한 작품을 작곡 할 수 있었기 때문에 부분적으로 만났다.

낭만주의 작곡자의 다음 집단은 Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin 및 Hector Berlioz를 포함합니다. 그들은 19 세기에 태어 났으며 곧 훌륭한 가치를 지닌 작곡을 시작했습니다. 멘델스존은 특히 조숙한데 그가 20 세가되기 전에 현악 4 중주와 현악 오케스트라를 작곡했다. Chopin은 etudes (연구)와 두 개의 피아노 협주곡을 포함하여 피아노 음악에 전념했습니다. 베를리오즈는 앞서 언급 한 판타스틱 심포니 (Fantastic Symphony)의 베토벤 (Beethoven)이 사망 한 후 처음으로 주목할만한 교향곡을 작곡 할 것이다. Liszt는 오케스트라 음악을 작곡했지만 피아노 기술 혁신으로 유명합니다. 그의 탁월한 연구는 더 많은 기교가 필요한 작품 중 하나입니다.

동시에 지금은 “낭만적 인 오페라”로 알려진 파리와 북부 이탈리아 사이의 강한 연관성이 확립되었습니다. 대중적인 문학에 근거한 리브레토와 함께 프랑스 오케스트라 기교, 이탈리아 보컬 라인 및 극적인 힘의 조합은 오페라 현장을 계속 지배하는 규범을 수립했습니다. Vincenzo Bellini와 Gaetano Donizetti의 작품은이시기에 대단히 인기가있었습니다.

낭만주의의 중요한 부분은 베토벤이나 모차르트의 소나타와 같이 인기있는 주제, 즉 짧은 곡과 더 긴 곡의 즉흥 연주가 포함 된 피아노 협주곡 (또는 ‘프란츠리스트’의 ‘리사이틀’)이 널리 보급되었다는 점입니다. 베토벤의 가장 주목할만한 작품 중 하나는 나중에 로버트 슈만 (Robert Schumann)과 결혼하는 클라라 비크 (Clara Wieck)였다. 당시 기차와 증기 덕분에 제공되었던 새로운 여행 시설을 통해 Liszt, Chopin 및 Thalberg와 같은 선량한 피아니스트의 팬이 생길 수있었습니다. 이 콘서트는 그 자체로 사건으로 변형되었습니다. 유명한 바이올린 거장 인 니콜로 파가니니 (Niccolò Paganini)는이 현상의 개척자였습니다.

1830 년대 말과 1840 년대 말 사이에 Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer 및 젊은 주세페 베르디 (Giuseppe Verdi)와 같은이 세대의 결실이 공개되었습니다. 콘서트 프로그램은 파리 음악원 (Paris Conservatoire)과 법원 음악에서 볼 수있는 고전적인 장르가 지배적 이었기 때문에 로맨티시즘은 당시의 가장 중요한 음악 장르가 아니 었음을 주목하는 것이 중요합니다. 이것은 규칙적인 계절을 지닌 심포니 오케스트라와 같은 특정 기관의 등장으로 변하기 시작했으며 Felix Mendelssohn 자신이 추진 한 유행입니다.

리차드 바그너 (Richard Wagner)는 처음으로 성공적인 오페라를 제작했으며, “뮤지컬 드라마”의 개념을 확장하는 새로운 방법을 모색하기 시작했습니다. 바그너는 자신을 혁명가라고 부르고 싶었고 그의 돈주머니와 당국에 끊임없이 문제가 있었다. 동시에 그는 프란츠리스트 (Franz Liszt)와 같이 “미래의 음악”을 만드는데 헌신 한 비슷한 아이디어를 가진 음악가들로 둘러 쌌다.

일반적으로 문학적 낭만주의는 1848 년에 끝났으며, 그 해에 일어난 혁명은 유럽 역사상의 이정표가되었거나 적어도 예술과 음악의 국경에 대한 인식에서 나타났습니다. “리얼리즘”이데올로기의 출현과 파가니니, 멘델스존, 슈만과 같은 인물의 죽음과 Liszt의 무대에서의 은퇴로 새로운 세대의 음악가가 나타났습니다. 어떤 이들은이 세대가 낭만적 이라기보다는 빅토리아 여야한다고 주장한다. 사실, 19 세기의 마지막 해는 늦은 낭만주의로 묘사되는 경우가 많습니다.

늦은 낭만주의 (1850-1870)
19 세기 후반에 도착하면서, 나폴레옹 시대 이후에 시작된 많은 사회적, 정치적, 경제적 변화가 확인되었다. 전신과 철도는 유럽을 훨씬 더 통했다. 세기의 시작의 가장 중요한 출처 중 하나였던 민족주의는 정치적, 언어 적 요소로 구체화되었다. 청중을 중산층으로 둔 문학은 소설이 주요 문학 형식으로 부상하는 것을 포함하여 서적 출판의 주요 목적이되었습니다.

19 세기 전반의 많은 인물들은 은퇴했거나 사망했다. 다른 많은 사람들은 콘서트 라이프에서 더 큰 규칙 성을 활용하고 재정적 및 기술적 인 자원을 이용할 수있는 다른 길을 따랐습니다. 지난 50 년 동안 피아노 액션 듀얼 배기 (더블 절벽), 밸브가있는 관악기 및 바이올린과 비올라의 억제 (턱받이)를 비롯한 다양한 계측 기술 혁신이 새로운 표준에서 출발했습니다. 음악 교육의 증가는 피아노 음악 및보다 정교한 음악 콘서트를위한 더 넓은 청중을 창안했습니다. 온실과 대학 설립과 함께 음악가들이 자신의 자원에 의존하는 기업가가 아닌 교수로 안정적인 경력을 쌓을 수있는 가능성이 열리게되었습니다. 이러한 변화의 합은 교향곡, 콘서트 및 교향곡시의 거대한 파도, 파리, 런던 또는 이탈리아와 같은 많은 도시와 국가에서 오페라 시즌의 확장으로 볼 수 있습니다.

늦은 로맨틱시기에는 대중 음악 (민속 음악)과 특정 국가의시와 관련된 소위 “민족주의”장르가 등장했다. 독일어 또는 이탈리아 음악의 개념은 이미 음악 역사에서 널리 확립되었지만 19 세기 말부터 러시아의 하위 종 류가 탄생했다 (Mikhail Glinka, Musorgski, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky 및 Borodin). 체코 어, 핀란드어 및 프랑스어. 많은 작곡가들은 자신들의 고향 민족의 언어와 문화와 관련된 오페라 나 음악을 작곡하기 위해 자신들의 목표에서 명백하게 민족주의 자였다.

포스트 낭만주의 (1870-1949)
19 세기 후반과 20 세기 초반의 움직임은 오케스트라의 열정과 교향곡의 발전에서의 불균형에 의해 낭만주의와 다른 것으로 간주 될 수 있으며 리차드 바그너를 능가하는 강렬한 색채가 특징입니다. 포스트 낭만주의 작곡자에서는 낭만주의 문화의 손실을 가져 오는 우울증이 관찰됩니다.

이 스타일의 가장 대표적인 작곡가는 Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler 및 Richard Strauss였습니다.

로맨틱 뮤지션
사회와 세계에 대한 태도로 베토벤은 낭만적 인 운동의 모델이되었고, 동시에 위험한 모델이되었습니다. 그것은 “예술가”라는 개념에 대한 패러다임으로 낭만적 인 시대를 제공 한 것은이 작품의 모습이었습니다. 이것은 사회에 직접적인 봉사, 즉 노래, 교회의 오르간 연주자, 성가대의 가수, 연극 오케스트라의 감독 및 긴 등을 빌려주는 “음악가”의 아이디어를 사라지게하지 않았습니다.

로버트 슈만 (Robert Schumann)이 그의 작업 카니발 (Carnival)에서 음악적으로 말했듯이 낭만적 인 무대가 “예술가”와 “철학자”의 대립을 야기했다는 것이 분명하다. 베토벤은 교향곡, 오라토리오, 실내악, 합창단과 가사, 모든 종류의 오페라, 심지어 오페라까지도 상상력이 넘치는 사람들, 미래와 영원한 사람들을 위임받은 사람없이 구성되었습니다.

낭만적 인 음악가의 고립은 그의 성격과 그의 작품의 성격에 소급 적용하지 않고서는 발생하지 않았다. 1800 년 이전에는 모든 작품이 즉각적인 평가를 받아야했습니다. 전통의 구식 습관의 편차가 과도 할 경우, 한 명 이상의 작곡가가 자신의 경험을 통해 배울 수있는 기회가 있었기 때문에 위험으로부터 자유롭지 않았습니다. 이것은 Monteverdi, Gluck 또는 Haydn의 경우입니다.

반면 독창성에 대한 경쟁은 규칙보다 더 예외적이었다. 그래서, 세대들은 서로 성공했습니다. 로맨틱 뮤지션은 전통에 입각하여 독창성을 피하는 것뿐만 아니라 박해를 받았을뿐만 아니라 작업이 선입견을 갖을수록 더 많은 기대감을 불러 일으켰습니다.

로맨틱 음악, 19 세기의 음악은 가장 다양한 성격의 계승으로 가득 찬 것처럼 보이며 일련의 프로필이 이전 세기보다 훨씬 더 차별화되고 차별화되었습니다. 자신의 궤적을 명확하게 추적하는 것은 매우 어려운 작업입니다. 진화.

20 세기의 낭만주의 (1901 년 이후)
19 세기에 태어 났으며 20 세기로 계속 구성된 많은 작곡가들은 세르게이 라흐마니노프, 자코모 푸치니, 리차드 스트라우스, 커트 아트터 버그를 포함한 이전의 음악 시대와 명백하게 관련이있는 형식을 사용했습니다. 반면에 나중에 모더니스트로 확인 된 많은 작곡가들은 이고르 스트라빈스키 (Igor Stravinsky, 그의 발레는 주목할만한 발레), 아놀드 berg베르그 (Gurrelieder), 베라 바르톡 (Béla Bartok)과 같은 낭만적 인 스타일로 초기 작품에서 썼다. 블루 비어드 성). 그러나 19 세기 말의 어휘와 음악 구조는 거기서 멈추지 않았습니다. Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt 및 Sergéi Prokófiev는 1950 년 이후 계속해서이 장르의 구성을 계속했습니다.

네오 클라스 시즘이나 atonal 음악과 같은 새로운 트렌드가 낭만적 인 장르의 탁월함에 의문을 제기했지만, 음조에 초점을 맞춘 색채 어휘 사용에 대한 관심은 가장 중요한 작품에 남아있었습니다. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakovich, Malcolm Arnold 및 Arnold Bax는 현대적이면서도 현대적인 작곡가로 여겨졌지만 종종 낭만적 인 경향을 보여주었습니다.

낭만주의는 1960 년경에 수사학적이고 예술적인 분위기에 이르렀다. 모든 것은 전위가 전위적인 장르의 장르 또는 신 고전적 요소의 어떤 유형으로 미래가 형성 될 것이라고 모든 것을 나타냈다. Hindemith가 낭만적 인 뿌리에서 더 눈에 띄는 스타일로 되돌아 오는 동안, 많은 작곡가는 다른 방향으로 움직였다. 보수적 인 학문 계층 구조가 있었던 소련이나 중국에서만 낭만주의가 자리를 잡은 것처럼 보였다. 그러나 1960 년대 후반에 낭만적 인 표면을 가진 음악의 부활이 시작되었습니다. George Rochberg와 같은 작곡가는 Nicholas Maw와 David Del Tredici와 같은 다른 사람들이 동행 한 프로젝트 인 Gustav Mahler를 기반으로 한 일련의 musicto 모델에서 나왔습니다. 이 운동은 종종 신 낭만주의라고 불리며 John Corigliano의 첫 번째 교향곡과 같은 작품을 포함합니다.

낭만적 인 장르가 살아 남았고 심지어 번영했던 또 다른 지역은 사운드 트랙에 있습니다. 나치 독일에서 탈출 한 최초의 이민자 중 다수는 말러 또는 비엔나에서 제자들과 함께 공부 한 유대인 작곡가였습니다. 작곡가 인 맥스 스타이너 (Max Steiner)의 <바람과 함께 사라진 영화>의 점수는 바그너의 리트 모티브와 말러 오케스트라의 사용 예입니다. 헐리우드의 황금 시대의 영화 음악은 크게 Korngold와 Steiner, Franz Waxman과 Alfred Newman에 의해 구성되었습니다. 알렉산더 노스, 존 윌리엄스, 엘머 번스타인이 작곡 한 영화를위한 차세대 작곡가는 20 세기 말에 더 익숙한 영화를 만들기 위해 오케스트라 음악 구성에서이 전통을 이끌어 냈습니다.

낭만주의의 음악적 형태
뮤지컬 낭만파 시대는 1770 년에서 1910 년까지 지속되어 가장 많이 사용되는 악기는 피아노였습니다. 악기 음악 분야에서 그의 주요 유산은 베토벤의 교향곡에서 가장 강력한 표현과 보편적 의미를 지닌 소나타였습니다.

낭만적 인 교향곡에서의 길
맨 처음부터 낭만 주의자들은 교향곡 형식에 관해 편안한 태도를 취했다.

이 무렵에는 이미 순수 구조의 찬송가처럼 들리는 최고 중력의 모델 인 Eroica가 발표되고 편집되었습니다. 어떤 악기도 그룹 내에서 부과되지 않으며 모든 사람들이 지구 심포니 목적에 기여하는 구성입니다.