로마 예술

로마 예술은 고대 로마와 로마 제국 영토에서 만들어진 시각 예술을 말합니다. 로마 예술은 로마의 기초 (기원전 753 년에 따르면, 고고학에 의해 부분적으로 확인 된 전통적인 연대기에 따르면)에서 서부 제국이 무너질 때까지 고대 로마 영토에서 생산 된 예술이다 (기원 서기 476 년). 미술사 학자 xixth 세기가 그리스를 흉내 내면서 모방하는 것을 비판하고 제국의 영향을받는 지역에서 새로운 영향을 발견하면서 그리스 예술과 접하게되었습니다.

로마 예술에는 건축, 회화, 조각 및 모자이크 작업이 포함됩니다. 금속 세공, 보석 조각, 상아 조각 및 유리에있는 사치품은 현대 시대의 경미한 형태의 로마 예술로 간주되기도하지만, 반드시 현대인에게는 해당되지 않았을 수도 있습니다. 로마인들은 아마도 조각품을 가장 높은 예술 형식으로 생각했지만, 그림 그리기도 매우 높이 평가되었습니다. 두 형태는 매우 대조적 인 생존율을 보였으며 BC 1 세기 경부터 살아남은 매우 큰 조각상이 있었지만 이전에는 거의 없었지만 그림은 거의 없었으며 아마도 현대인들은 고려하지 않았을 것입니다 최고 품질의

고대 로마의 도자기는 사치품이 아니었지만, 테라시길 라타 (Terra sigillata)에서 방대한 양의 “세련된 도자기”는 최신 취향을 반영한 구호로 장식되었으며, 사회에서 많은 사람들에게 합리적인 가격으로 세련된 물건을 제공했습니다. 로마 동전은 중요한 선전 수단이었으며, 엄청난 숫자로 살아 남았습니다.

로마 제국이 몰락 한 후에도 로마 예술은 비잔틴 예술과 중세 기독교 예술에서 계속되고 있습니다. 그는 르네상스 예술가들에게 고전주의와 신고전주의 파에 강한 영향을 미쳤다. 이 예술은 초상화, 모자이크, 극장을 개발하고 열탕, 흉상, 수로 및 개선문으로 혁신합니다. 로마 회화에는 4 개의 시대가 있습니다.

소개
고대 로마 예술가들에 대한 전통적인 견해는 그들이 종종 빌려 왔으며 그리스 전례 (오늘날 알려진 그리스 조각의 대부분은 로마 대리석 사본 형태 임)를 복사 한 것이지만, 최근의 분석에 따르면 로마 예술은 매우 높은 것으로 나타났습니다 그리스어 모델에 크게 의존하고 에트루리아 (Etruscan), 네이티브 이탤릭 (Italic), 심지어 이집트 시각 문화까지 포함하는 창의적인 페이스트리. 문체 절충주의와 실제 적용은 로마 예술의 많은 특징입니다.

고대 로마의 예술에 관한 가장 중요한 역사가 인 플리 니 (Pliny)는 조각, 풍경, 인물화, 장르 회화와 같은 거의 모든 형태의 예술이 그리스 시대에 진보했으며, 어떤 경우에는 로마보다 진보되었다고 기록했다. 그리스 벽 예술과 인물의 유적은 거의 없지만 그리스 조각과 꽃병 그림은이를 잘 보여줍니다. 로마 예술가들은 디자인이나 실행의면에서이 형태를 능가하지 않았을 것입니다. 잃어버린 “골든 에이지”의 또 다른 예로서, 그는 극소수의 예술가를 능가하는 Peiraikos를 인용했습니다 … 그는 이발소와 신발 가게의 마구간, 당나귀, 채소 등을 그렸습니다. 저속한 주제의 화가라고 불리지 만이 작품들은 모두 유쾌합니다. 그들은 다른 많은 예술가들의 가장 큰 그림보다 높은 가격에 팔렸습니다.” 형용사 “vulgar”는 원래 정의에서 “common”을 의미합니다.

로마 예술의 그리스 선구자는 전설적이었습니다. 기원전 5 세기 중반에 가장 유명한 그리스 예술가는 그의 벽화로 유명한 Polygnotos와 chiaroscuro의 창시자 인 Apollodoros입니다. 고대 그리스의 전설에 따르면 사실적인 기술의 개발은 Zeuxis와 Parrhasius에게 비롯되었습니다. 그들은 고대 그리스 전설에 따르면 한때 그들의 재능, 역사의 최초의 트롬 프 로일 그림에 대한 bravura 표시에서 경쟁했다고합니다. 조각에서 Skopas, Praxiteles, Phidias 및 Lysippos가 가장 중요한 조각가였습니다. 로마의 예술가들은 복사 할 고대 그리스 예술이 많았던 것으로 보인다. 예술 무역은 제국 전역에서 활발히 이루어졌고 그리스 예술 유산의 대부분은 책과 가르침을 통해 로마 예술에 들어갔다. 예술에 관한 고대 그리스 논문은 로마 시대에 존재했지만 현재는 잃어버린 것으로 알려져 있습니다.

그리스 예술의 많은 로마 사본은 또한 그리스 예술가들이 그리스 예술에 대해 가지고 있었던 존경과 아마도 그 희귀하고 높은 품질에 대해 말합니다. 로마인들이 사용하는 많은 예술 형태와 방법 – 높고 낮은 구호, 독립형 조각, 청동 주조, 꽃병 예술, 모자이크, 카메오, 코인 아트, 고급 보석 및 금속 세공, 장례 조각, 투시도, 풍자 만화, 장르 및 인물 그림, 풍경화, 건축 조각 및 트롬 프 로일 그림 – 모두 고대 그리스 예술가들에 의해 개발 또는 개선되었습니다. 한 가지 예외는 어깨를 포함하지 않은 로마 흉상입니다.

전통적인 머리와 어깨 흉상은 에트루리아 또는 초기 로마 양식 일 수 있습니다. 1,900 년 후 르네상스 예술가들이 사용했던 거의 모든 예술적 기법과 방법은 고대 그리스 예술가들에 의해 입증되었습니다. 유색과 수학적으로 정확한 관점은 예외입니다. 그리스 예술가들이 그들의 사회에서 높은 존경을받는 곳에서, 대부분의 로마 예술가들은 익명이며 상인으로 간주되었습니다. 고대 그리스처럼 로마 예술의 위대한 주인에 대한 기록은 없으며 실제로 서명 된 작품도 없습니다. 그리스인들이 위대한 예술의 미학적 특성을 숭배하고 예술적 이론에 대해 광범위하게 글을 쓰는 경우, 로마 예술은 장식적이고 지위와 부를 나타내는 것으로, 학자와 철학자들의 주제는 아닌 것 같습니다.

로마 도시들이 권력과 인구면에서 그리스 도시 국가들보다 훨씬 더 크고, 일반적으로 덜 지방적인, 고대 로마의 예술은 더 넓고 때로는 더 실용적인 목적을 취했다는 사실에 부분적으로 기인한다. 로마 문화는 많은 문화를 흡수했으며 정복 된 사람들의 길을 대부분 견뎌냈습니다. 로마 예술은 의뢰, 전시 및 소유되었으며 그리스 시대보다 더 많이 사용되었습니다. 부유 한 로마인들은 더 물질적이었다. 그들은 예술로 벽을 장식하고 장식용 물건으로 집을 장식했으며 고급 보석으로 장식했습니다.

기원 350 년부터 500 년까지의 제국 후기의 기독교 시대에는 벽화, 모자이크 천장 및 바닥 작업, 장례 조각이 번창 한 반면 원형과 패널 그림의 풀 조각품은 사라졌으며 종교적인 이유로 인해 대부분 사라졌습니다. 콘스탄틴이 제국의 수도를 비잔티움 (콘스탄티노플으로 명칭 변경)으로 옮길 때, 로마 예술은 동부 제국의 영향을 받아 후기 제국의 비잔틴 양식을 만들어 냈습니다. 로마가 5 세기에 약탈 당했을 때, 장인들은 동부 수도로 이주하여 일자리를 찾았습니다. 콘스탄티노플에있는 아야 소피아 교회 (Hagia Sophia Church)는 약 1 만 명의 노동자와 장인을 고용했으며, 유스티니아누스 황제 (527-565 CE)에 의해 로마 예술의 마지막 폭발로 라벤나시에서 산 비탈 레 대성당의 유명한 모자이크를 만들도록 명령했다. .

예술가의 사회학

스포트라이트의 스폰서
로마 사회는 기원전 v 세기로부터 이익을 얻은 발전을 결코 알지 못했습니다. 광고, 그리스 예술가. 그들의 최고는 평생 동안 인정되었고, 유명한 작품을 남기고 그들의 업적에 그들의 이름을 붙였습니다. 그의 자연사, 특히 XXXV라는 책에서 Pliny the Elder는 수십 명의 예술가 이름을 인용하고, 학교별로 분류하고, 독창성을 구별하고, 그들에 대한 일화를 이야기합니다. 그들은 Fabius Pictor와 Pacuvius를 제외하고 거의 독점적으로 그리스 예술가입니다. 전자에 대한 불확실성은 다음과 같이 드러난다 : “작가”는 “화가”화가 “”이지만, 그것은 그리스도 이전의 3 세기 로마 고위 치안 관들에게 공통적이다. Fabius Pictor는 Salus 사원을 그렸던 화가 또는 치안 판사입니까? Pliny의 텍스트는 그것을 완벽하게 보여줍니다.

말하기의 예술
이 익명 성은 로마 예술가들의 평범함으로 인한 것이 아닙니다. 그것은 문화적, 사회적, 역사적 원인에서 추구되어야한다. 이러한 원인 중 첫 번째는 로마인들에게있어 문학은 예술의 첫 번째 작품이며, 소성적인 성취 이전에는 아름답습니다. 젊은 로마인의 교육은 우선 언어, 언어, 추론 및 산술에 대한 학습입니다. 언어에 대한 이러한 취향은 엘리트들 사이에서 정치가 차지하는 곳에서 나옵니다. 전장 (유명한 harangue 또는 adlocutio)에서도 말하고, 주장하고, 논쟁하는 방법을 알고 경력을 쌓습니다. 연설의 연속이 담긴 장례식의 캅사 동상을 포함하여 너무 많은 동상이 있다면, 그것은 웅변 예술과 음악적이지만 거의 똑같다는 것은 천재의 높이를 고려한 것입니다.

비교적 겸손한 상태
로마 사회에서 “아티스트”라는 단어는 오늘날과 같은 의미가 없으며, “창조자”보다 더 “직공”을 의미합니다. 헬레니즘 그리스 예술에 이미 존재하고 로마 예술가 / 장인이 차지한 멋진 모델을 복사하는 습관은 물을 흐릿하게 만듭니다. 이것들이 결코 동일한 사본은 아니지만, 주요 작품에 대한 변형이나 변형 일지라도, 고대로부터의이 접근법은 장인 / 예술가의 지위를 떨어 뜨리는 데 도움이되었으며, 그의 표현은 분명히 사라졌습니다. 마지막으로, 오늘날 예술가를 특징 짓는 예술적 성찰, 지적 및 민감한 작품은 종종 만족 스럽지만 전혀 요구되지는 않았습니다.

현대의 의미에서 예술 작품은 따라서 부가 가치가 낮은 작품 일 뿐이며, 이는 파버가 만든 재료보다 가치가 거의 없습니다. 따라서 노동은 저렴했습니다. 그녀는 “예술적”이라고 묘사 할 수없는 가장 낮은 작업에 대해서만 타당했습니다. 반면에 예술가 / 장인은 때때로 자유로 워진 사람, 종종 자유로 워진 사람, 매우 자주 외국인이었습니다. 기원전 1 세기에. AD에는 전쟁 포로로 로마에 도착한 예술가들의 예가 있습니다. 301 년에, 큰 벽 표면의 화가 인 그림 문자 parietarius는 그의 음식 외에 75 데 나리를 얻습니다. 복잡한 장면의 화가 인 pictor imaginarius는 같은 조건에서 150 데 나리을 얻습니다. 바닥을 만드는 모자이크 제작자는 50 데니어, 금고 또는 벽의 모자이크 제작자, 60 데니어를 얻습니다. 대리석 재단사 (조각가?)는 60 데 나리를 얻습니다. 목수는 철공, 빵 굽는 사람, 쇼 푸니에, 죽는 사람과 같이 50 데 나리를 얻습니다. 이 모든 것은 대중 연설 교수 (250 데 나리) 또는 재판을 요구하는 변호사 (1000 데 나리)와 아무 관련이 없습니다.

그러나 고객은 최고의 예술가와 가장 재능이 적은 예술가를 잘 구별 할 수 있습니다. 어떤 평판이 그들을 포위하고, 패션은 유리한지 아닌지, 그들의 서비스는 높은 가격에 도달 할 수있었습니다. 분명히, 제국의 측근은 최고에 의지했다. 이들은 때때로 헬레니즘 방식으로 작품에 서명을 붙였습니다. 이것은 루브르 박물관의 마르셀 루스 박물관, 아우구스투스의 조카와 사위의 장례식 초상화, 마커스 클라우디우스 마르셀 루스의 사례입니다. 이 작품의 거대한 질은 후원자가 황제와의 근접성에 대해 의심의 여지가 없습니다. 동물은 그 속성이 아닙니다. 오히려 Iulii가 후손이라고 주장하는 Venus와 관련이 있습니다. 그러므로 그것은 신성과의 친밀함과 정당성의 표시를 상징적으로 상기시켜 줄 것입니다. 등딱지에서 우리는 그리스어로 읽습니다.

환경에 적응
장례식 부문을 제외하고 플라스틱 예술은 무엇보다도 장식, 장식으로 간주됩니다. Cicero의 서신은 이것을 잘 보여줍니다. 최고의 아테네 마스터의 동상을 가져 와서 팔레스 트라를 장식하는 문제는 아닙니다. 준비 및 레이아웃이 필수적입니다. 예술에 대한 로마의 관점은 건축가의 관점이라는 인상을 받았습니다. 고고 학적 발견 (예 : 북의 바 베이 (Bavay))에서는 후원자가 그리스 걸작에서 복사 한 조각상을 재정적으로 주저하지 않고 예기치 않은 그룹을 만들거나 (의미가 없음) 단위로 간주 된 그룹을 파기하는 것을 망설이지 않는다. 기원전 2 세기 Cyzicus의 동전에 알려진 춤. AD -in은 새로운 의미를위한 공간을 떠나지 않고 장소를 장식하려고합니다.

경제적 요인
또 다른 요인은 강력한 예술적 성격의 출현, 특히 조각에서 분명한 것을 방해합니다. 로마보다 그리스에서 워크샵의 노동 분담이 극단으로 진행된 것으로 보입니다. 우리는 오랫동안 Via Labicana의 Augustus가 분명히 보여 주듯이 대리석으로 얼굴을 조각하는 것과 toga로 몸을 조각하는 것은 거의 같은 손으로 떨어질 수 없다는 것을 오랫동안 알고있었습니다. 그러나 머리카락 조각을 돌보는 것은 덜 재능 있거나 더 전문화 된 팔을 위해 마련된 것 같습니다. Horace가 그의 서신에서 Pisons에게 과장한다고 확신하지는 않는다. “Emilian 서커스 근처에서, 오직 한 명의 예술가 만이 못을 만드는 법을 알고 청동에서 머리카락의 유연함을 모방하며 불행한 예술의 완성을 모방한다 그는 결코 전체를 할 수 없기 때문입니다.

이 노동 분업은 헬레니즘 시대에 스케치 된 실습과 함께 진행되지만 제국에서 광범위하게 사용됩니다. 일반적으로 얼굴, 해골 모자 및 뒷머리-여러 조각의 대리석을 결합하여 머리를 만드는 법은 일반적으로 얼굴에 붙어 있거나 문을 닫았습니다. 함께. 스피커 중 하나가 실수를한다면 쉽게 “수리”할 수 있다는 것이 문제입니다. 손의 작은 크기 때문에 비용이 많이 드는 원재료를 가능한 많이 절약하기 위해서입니다. 작품.

무료이며 저렴한 예술 작품
결론적으로, 고객 뒤에있는 예술가들의 소거가 로마 예술의 기회가 아닌지 궁금 할 것이다. 첫째, 그것은 “민주화”에 대해 말할 수없는 예술의 실제 일반화를 허용했다. 심지어 가장 먼 지방, 심지어 금융 또는 지적 엘리트가 아닌 외국 에서조차도 예술은 특권 카테고리의 인구를 위해 예약 된 것으로 간주되지 않습니다. 대중에게 공개 된 “갤러리”(예 : 아트리움 리베르 타티스 (Atrium Libertatis))의 존재 외에도 겸손한 주택, 지하실까지도 종종 프레스코 화로 장식되었습니다.

다른 한편으로, 다수의 고객과 그들이 적절한 예술적 질문에 거의 관심이 없다고 느꼈다는 사실은 확실히 예술가 / 장인의 자유의 한계를 증가시켰다. 로마 예술의 창의성, 다양성 및 자발성은이 상황에 달려있었습니다. 우리는 고객의 프린지가 석관 정면에 조각 된 장면의 학문적 성격에 거의 신경 쓰지 않았다고 가정 할 수 있습니다. 그녀가 활자체 (사냥의 장면, 헤라클레스의 작품, 뮤지 스 대학 …)를 기뻐한다면, 그녀는 혁신, 작은 세부 사항, 많은 안도의 매력을 만드는 문체 적 접촉을 보거나 비판하려고하지 않았습니다. 모자이크, 많은 은화.

페인트 등
로마 그림의 광대 한 몸통에서 우리는 이제 살아남지 못하거나 시대의 마지막 부분에서만 그렇게 많은 문서화 된 유형을 가진 생존 포켓이 거의 없습니다. 가장 잘 알려진 가장 중요한 포켓은 폼페이, 헤르쿨라네움 및 인근의 다른 지역의 벽화로, 부유 한 해변 휴양지 거주자가 기원전 79 년 베수비오 산의 치명적인 분화 이전에 한 세기 정도 벽을 장식 한 방법을 보여줍니다. August Mau로 시작하는 현대 미술 역사가들에 의해 일련의 날짜가 매겨진 스타일이 정의되고 분석되어 정교함과 정교함이 증가합니다.

기원 3 세기부터 400 년경에 우리는 로마의 카타콤바 (Catacombs of Rome)에서 많은 그림을 얻었습니다. 매장 실에서, 아마도 폼페이에서 가장 큰 집보다 다소 겸손한 사회적 환경에서 사용되었습니다. 로마에있는 네로의 많은 궁전 인 도무스 아우 레아 (Domus Aurea)는 석굴로 살아남 았으며, 우리는 그 스타일로 벽면 페인트의 최고급 품질을 대표 할 수 있고 스타일에있어 상당한 혁신을 나타낼 수있는 예를 제시합니다. 로마와 다른 곳에서 살아남은 페인트 칠한 방에는 다른 많은 부분이 있으며, 이는 벽 페인팅에 대한 지식의 격차를 메우는 데 다소 도움이됩니다. 로마 이집트에는 Fayum 미라 초상화, 로마의 중산층에 의해 미라의 바깥쪽에 나무의 흉상 초상화가 추가되어 있습니다. 그들의 매우 뚜렷한 지역 특성에도 불구하고 그들은 아마도 초상화를 완전히 잃어버린 그린 초상화에서 로마 스타일을 널리 대표 할 것입니다.

4 세기와 5 세기에 로마로 수입 된 그리스 그림이나 그 기간 동안 이탈리아에서 행해진 나무 그림은 남아 있지 않습니다. 요약하면, 샘플의 범위는 약 900 년의 로마 역사에서 약 200 년으로, 그리고 주 및 장식용 회화로 제한됩니다. 이 벽화의 대부분은 secco (“건조한”) 방법으로 이루어졌지만 일부 프레스코 화는 로마 시대에도 존재했습니다. 일부 로마 그림은 초기 그리스 작품의 개조 또는 사본이라는 모자이크와 몇 가지 비문이 있습니다. 그러나 혼란스러워하는 점은 비문이 복제 된 고대 그리스 원본이 아닌 로마 시대의 이민 그리스 예술가의 이름을 기록 할 수 있다는 사실입니다. 로마인들은 고대 그리스인들과 비교할만한 비유적인 꽃병 그림의 전통이 전혀 없었습니다.

다양한 주제
로마 회화는 동물, 정물, 일상 생활의 장면, 인물 사진 및 일부 신화적인 주제와 같은 다양한 테마를 제공합니다. 헬레니즘 시대에는 시골의 즐거움을 불러 일으켰으며 목자, 무리, 소박한 사원, 시골 산악 풍경 및 시골집의 장면을 대표했습니다. 에로틱 장면도 비교적 일반적입니다. 200AD 이후 제국 후기에는 이교도 이미지와 혼합 된 초기 기독교 테마가 지하 벽에서 살아 남았습니다.

풍경과 풍경
그는 그리스 미술과 비교하여 로마 회화의 주요 혁신은 풍경의 개발, 특히 원근법을 통합 한 것이었지만 1,500 년 후에 진정한 수학적 관점이 개발되었다. 표면 질감, 음영 및 채색이 잘 적용되지만 스케일 및 공간 깊이는 여전히 정확하게 렌더링되지 않았습니다. 일부 풍경은 자연의 순수한 장면, 특히 꽃과 나무가있는 정원, 다른 건물은 도시 건물을 묘사 한 건축 풍경이었습니다. 다른 풍경에는 ​​오디세이의 가장 유명한 장면 인 신화의 에피소드가 표시됩니다.

전통적인 관점에서, 고대 동양의 예술은 풍경화를 단지 민간 또는 군사 이야기 장면의 배경으로 만 알고 있었을 것입니다. 이 이론은 Franz Wickhoff에 의해 변호되며 논쟁의 여지가 있습니다. 플라톤의 크리 티아 (107b–108b)에서 풍경 묘사에 대한 그리스 지식의 증거를 볼 수 있습니다.
… 우리가 화가들이 처형 한 신성과 인체의 초상화를 보면, 구경꾼의 견해로 피실험자를 모방하는 데 따르는 어려움의 어려움과 관련하여, 우선 우리는 지구와 산과 강과 숲과 하늘 전체와 관련하여 존재하고 움직이는 것들과 관련하여, 우리는 사람이 작은 정도의 모양으로도 그들을 나타낼 수 있다면 만족합니다 …

정물
로마의 정물 대상은 종종 환상 주의적 틈새 또는 선반에 배치되며 과일, 살아있는 동물 및 죽은 동물, 해산물 및 조개를 포함한 다양한 일상적인 물건을 묘사합니다. 물로 채워진 유리 병의 주제의 예는 능숙하게 칠 해졌고 나중에 르네상스와 바로크 시대에 자주 칠해진 동일한 주제에 대한 모델로 사용되었습니다.

초상화
Pliny는 로마 초상화 예술의 감소하는 상태에 대해 불평했다. “세로를 통해 사람들의 정확한 모습을 전달했던 초상화의 그림은 완전히 사라졌습니다. 무지가 예술을 파괴했습니다.”

그리스와 로마에서 벽화는 예술로 간주되지 않았습니다. 조각 이외에 가장 유명한 예술 형식은 패널 페인팅, 즉 나무 패널의 온도 또는 박력있는 페인팅이었습니다. 불행히도, 나무는 부패하기 쉬운 재료이기 때문에 그러한 그림의 아주 적은 예, 즉 c.의 Severan Tondo만이 살아 남았습니다. 주후 200 년, 일부 관공서의 매우 일상적인 공식 초상화, 로마 이집트 출신의 유명한 Fayum 미라 초상화, 그리고 거의 확실하게 가장 현대적인 품질이 아닙니다. 초상화는 얼굴에 매장 된 미라에 붙어 있었으며 거의 ​​모든 것이 분리되었습니다. 그들은 일반적으로 한 사람을 묘사하며, 머리 또는 머리와 가슴을 정면에서 봅니다. 배경은 항상 단색이며 때로는 장식 요소가 있습니다. 예술적 전통의 관점에서 이미지는 이집트의 것보다 그리스-로마 전통에서 더 많이 파생됩니다. 그것들은 예술적 품질에는 가변적이지만 놀랍도록 현실적이며, 다른 곳에서 널리 퍼져 있지만 살아남지 못한 유사한 예술을 나타낼 수 있습니다. 유리에 그려진 몇 가지 초상화와 후기 제국의 메달은 살아남 았으며, 동전 초상화와 마찬가지로 일부는 매우 사실적인 것으로 간주됩니다.

금 유리
금 유리 또는 금 샌드위치 유리는 두 개의 융합 유리 층 사이에 디자인으로 금박 층을 고정시키는 기술로 헬레니즘 유리에서 개발되어 서기 3 세기에 부활되었습니다. 페인트가 추가 된 3 세기의 매우 훌륭한 초상화 그룹을 포함하여 매우 작은 디자인이 거의 없지만, 약 500 가지 생존의 대부분은 와인 컵이나 안경의 컷 오프 바닥 인 원형이며 로마의 지하 묘지의 무덤을 박격포에 눌러 장식하십시오.

그들은 주로 4 세기와 5 세기에 시작되었습니다. 많은 이교도와 몇 가지 유대인의 예가 있지만 대부분은 기독교인입니다. 그것들은 원래 결혼이나 새해와 같은 축제 행사에 선물로 주어 졌을 가능성이 있습니다. 예술적으로는 비교적 정교하지 않지만 그들의 도해 법은 많은 연구를 거쳤습니다. 그들의 주제는 카타콤 브 그림과 비슷하지만 더 많은 인물 사진을 포함하여 차이가 있습니다. 시간이 지남에 따라 성도들의 묘사가 증가했습니다. 로마에서 1 세기 중반에 모자이크에 금 테세라에 동일한 기술이 사용되기 시작했으며 5 세기에는 종교 모자이크의 표준 배경이되었습니다.

초기 그룹은 “기독교 시대부터 살아 남기 위해 가장 생생한 초상화들 중 하나입니다. 그들은 엄밀한 선미와 우울한 강도로 우리를 응시하고”고품질 로마 초상화가 페인트로 달성 할 수있는 것에 대한 최고의 생존 표시를 나타냅니다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 (Metropolitan Museum of New York)의 Gennadios 메달은 파란색 유리 위의 알렉산드리아 초상화의 훌륭한 예이며, 대부분의 후기 로마의 예보다 다소 복잡한 기술과 자연 주의적 스타일을 사용합니다. 지역 방언 기능을 보여주는 그리스어 비문과 함께. 그는 아마도 음악 경쟁에서 승리를 축하하기 위해 작품을 받았거나 위임 받았다. 이집트의 그리스 문자가 새겨진 가장 유명한 알렉산드리아의 초상화 메달 중 하나 인 나중에 브레시아의 중세 초창기 젬마 타에 장착되어 경건한 황후와 고딕 양식의 여왕 Galla Placida와 그녀의 아이들을 보여 주었다는 잘못된 생각으로; 실제로 중앙 인물 복장의 매듭은 이시스의 신봉자를 표시 할 수 있습니다.

이것은 3 세기 AD로 거슬러 올라간 14 개 작품 중 하나이며, 모든 개인화 된 세속적 인물 사진입니다. 메달에 대한 비문은 그리스의 알렉산드리아 방언으로 작성되었으므로 로마 이집트 출신의 가족을 묘사 할 가능성이 큽니다. 메달은 또한 Fayum 미라 초상화와 같은 동시대 로마-이집트 작품의 다른 작품과 비교되었습니다. 이것과 같은 작은 부분의 세부 사항은 렌즈를 사용해서 만 달성 할 수 있다고 생각됩니다. 카타콤 브의 이후 안경은 특징, 헤어 스타일 및 옷이 모두 전형적인 스타일을 따르는 초보적인 수준의 초상화를 가지고 있습니다.

장르 장면
로마 장르 장면은 일반적으로 여가 시간에 로마인을 묘사하며 도박, 음악 및 성적인 만남을 포함합니다. 일부 장면은 여가에서 신과 여신을 묘사합니다.

개선문
기원전 3 세기부터 Pliny (XXXV, 22)에서 알 수 있듯이 Triumphal Paintings라는 특정 장르가 등장했습니다. 이 작품들은 군사적 승리 후 승리 작을 보여 주며 전쟁의 에피소드를 대표하며 지역과 도시를 정복 한 그림이었습니다. 캠페인의 요점을 강조하기 위해 요약 맵이 작성되었습니다. 요세푸스는 베스파시아누스와 디도의 예루살렘 자루 때에 실행 된 그림을 묘사합니다.

또한 단조 금과 상아가 그들 모두에 고정되어있었습니다. 전쟁의 많은 닮은 꼴과 여러 가지 방법과 다양한 개념으로 가장 생생한 인물 사진을 제공합니다. 행복한 나라가 낭비한 것을 보았고, 적의 전대가 살해되었다. 그들 중 일부는 도망 갔고 일부는 포로 상태에 빠졌습니다. 기계에 의해 전복되고 파멸 된 큰 고도와 크기의 벽을 가진 것; 가장 강력한 요새가 취해졌고 언덕 위의 꼭대기에 인구가 많은 도시의 성벽과 벽에 쏟아지는 군대가있었습니다. 도살과 적의 간구로 가득 찬 모든 곳에서 더 이상 반대의 길로 손을들 수 없었습니다.

또한 성전으로 보내진 불이 여기에 대표되었으며 집들이 전복되어 주인에게 넘어졌습니다. 하천은 또한 크고 우울한 사막에서 나온 후 떨어지고, 경작 된 땅으로 떨어지지 않았으며, 사람을 위해 마실 수 없었습니다. 소, 그러나 모든면에 여전히 불에 땅을 통해; 유대인들이이 전쟁 중에 겪은 일과 관련이 있었기 때문입니다. 이제이 표현들의 솜씨는 사물을 건축하는 데 아주 훌륭하고 활기 차며, 마치 실제로 존재했던 것처럼 그것을 보지 못했던 것과 같은 일을 보여주었습니다. 이 대회의 모든 사람들의 상단에는 도시의 지휘관과 그가 취한 방식이 배치되었습니다.

이 그림들은 사라졌지 만 군사 석관, 티투스 아치 및 트라야누스 기둥에 새겨진 역사적 부조의 구성에 영향을 미쳤을 것입니다. 이 증거는 풍경화의 중요성을 강조하며 때로는 원근법 계획으로 향하는 경향이 있습니다.

Ranuccio는 또한 로마에서 발견 된 가장 오래된 그림을 Esquiline Hill의 무덤에서 묘사합니다.

4 개의 중첩 된 섹션으로 칠해진 명확한 배경의 역사적 장면을 설명합니다. Marcus Fannius와 Marcus Fabius와 같은 여러 사람들이 확인되었습니다. 이것들은 다른 인물들보다 더 큽니다 … 왼쪽의 두 번째 구역에는 타원형 벽으로 둘러 싸인 도시가 있으며, 그 앞에는 타원형 버클러와 깃털 달린 헬멧이 장착 된 큰 전사가 있습니다. 그 근처에는 창으로 무장 한 짧은 튜닉의 남자가 있습니다 …이 두 주위에는 창으로 무장 한 짧은 튜닉의 작은 병사들이 있습니다 … 낮은 영역에서 타원형 버클러가있는 전사와 깃털 달린 헬멧은 다른 헬멧보다 크게 표시되며, 그 헬멧은 아마도 Samnites라고 생각할 수 있습니다.

이 에피소드는 정확히 찾아 내기가 어렵습니다. 라 누치 오의 가설 중 하나는 기원전 326 년 삼니 테스와의 2 차 전쟁 중 영사 파비우스 막시무스 룰 리아 누스의 승리를 언급한다는 것입니다. 그들의 중요성에 비례하는 크기를 가진 인물의 표현은 일반적으로 로마이며, 평안의 구호에서 발견됩니다. 이 그림은 승리의 그림의 초기 단계에 있으며, 기원전 3 세기 초에 무덤을 장식하기 위해 달성되었을 것입니다.

조각
초기 로마 예술은 그리스 예술과 이웃 에트루리아 예술에 영향을 받았으며 그리스 무역 파트너의 영향을 크게 받았습니다. 에트루리아 스페셜티는 테라코타에서 실물 크기의 무덤에 가까웠으며, 일반적으로 그 기간에 식당에서 포즈를 취한 한 팔꿈치에 꽂힌 석관 뚜껑 위에 놓여있었습니다. 확장하는 로마 공화국이 그리스 영토를 정복하기 시작하면서 처음에는 남부 이탈리아와 파르티아를 제외한 전 헬레니즘 세계가 공식화되고 귀족적인 조각품이 주로 헬레니즘 스타일의 확장이되었으며 특히 로마의 요소는 다루기 힘들었다. 특히 그리스 조각의 많은 부분이 로마 시대의 사본에서만 살아 남기 때문에 서로 얽히게됩니다. 기원전 2 세기 경, “로마에서 일하는 대부분의 조각가들”은 그리스인이었습니다. 종종 고린도 (BC BC 146)와 같은 정복에 노예가되었고 조각가들은 그리스인이었으며, 종종 노예인데, 그 이름은 거의 기록되지 않았습니다. 전리품이나 강탈이나 상업의 결과로, 수많은 그리스 조각상들이 로마로 수입되었으며, 사원들은 종종 재사용되는 그리스 작품으로 장식되었습니다.

번성 한 중산층 로마인의 무덤 기념비에서 네이티브 이탈리아 스타일을 볼 수 있습니다.이 초상화는 종종 초상화 흉상을 특징으로했으며 초상화는 로마 조각의 주요 강점입니다. 대가족의 장례식에서 행렬에 입히고 다른 방식으로 가정에 전시 된 조상 가면 전통에서 생존은 없지만 생존 한 많은 흉상은 아마도 같은 가족의 무덤에서 나온 조상 인물을 대표해야합니다. Scipios의 무덤 또는 도시 외곽의 묘소. 루시우스 주니 우스 브루투스 (Lucius Junius Brutus)의 유명한 브론즈 헤드는 매우 다양한 데이트를 거쳤지만, 선호하는 브론즈 매체에서 공화국에서 이탈 릭 스타일의 매우 드문 생존으로 간주됩니다.

영사들의 동전에도 이와 같이 엄밀하고 강력한 머리가 보이고, 제국 시대에는 동전과 제국 주위에 파열 된 흉상이 지방 도시의 성당에 배치되어 황제 선전의 주요한 시각적 형태였다. Londinium조차도 로마에있는 Nero의 30 미터 높이의 Colossus보다 훨씬 작지만 현재는 거의 거대한 Nero 조각상을 가지고있었습니다. 성공적인 자유민 (기원전 20-20 년경) 인 Eurysaces Baker의 무덤은 “plebeian”스타일의 특이한 예인 프리즈를 가지고 있습니다. 제국의 초상화는 블라 카스 카메오 (Blacas Cameo)와 아우구스투스의 다른 초상화와 같이 초기에 헬레니즘 화되고 매우 이상화되었습니다.

로마인들은 일반적으로 역사나 신화에서 나온 그리스의 영웅적 착취 작품들과 경쟁하려고 시도하지 않았지만, 초기부터 구호 물자에서 역사적 이야기를 만들어 내고, 위대한 로마의 승리의 기둥에서 그 주위로 계속되는 이야기가 부각되었습니다. 기원전 113 년 (기원전 113 년)과 마르쿠스 아우렐리우스 (193 년)는 로마에서 살아남으며, 아라 파치 스 ( “평화의 제단”, 기원전 13 년)는 가장 고전적이고 세련된 공식적인 그리스-로마 스타일을 나타내며 스퍼 롱가 조각 가장 바로크. 로마 후기 일부 공공 조각품은 때때로 소련 사회주의 현실주의를 예상하는 거대하고 단순화 된 스타일을 개발했습니다. 다른 주요 사례 중에는 콘스탄틴의 아치와 안토니누스 피우스 기둥의 기저부에서 초기에 재사용 된 구호 (161)가 있습니다.

실버 워렌 컵, 유리 리큐 거스 컵, 젬마 아우 구스 티아, 곤자가 카메오, “프랑스의 위대한 카메오”와 같은 대형 카메오와 같이 모든 형태의 고급 소형 조각품은 계속 애용되었으며 품질은 매우 높을 수 있습니다. 훨씬 더 많은 인구 집단을 위해, 도자기 그릇과 작은 인형의 성형 구호 장식이 대량으로 생산되었으며 종종 상당한 품질로 생산되었습니다.

2 세기 후반의 “바로크 (baroque)”단계를 거친 후, 3 세기에 로마 예술은 고전 전통의 조각품을 크게 버렸거나 단순히 생산할 수 없게되었으며, 그 원인에 대한 논의는 여전히 많이 남아있다. 가장 중요한 제국 기념물조차도 이제는 은혜를 희생하면서 힘을 강조하는 간단한 작곡으로 거친 정면 스타일의 울퉁불퉁하고 큰 눈을 가진 인물을 보여주었습니다. 대조는 로마의 콘스탄틴 315 년 아치에서 유명하게 묘사되어 있으며, 새로운 스타일의 섹션과 다른 곳에서 가져온 이전의 풀 그레코 로마 스타일의 원형과 새로운 수도의 4 개의 Tetrarchs (c. 305)가 결합되어 있습니다. 베니스의 콘스탄티노플. 에른스트 키칭 거는 두 기념물에서 같은 “누구의 비율, 각 운동,

이 스타일의 혁명은 기독교가 로마 국가와 대다수의 사람들에 의해 채택 된시기 바로 이전에, 큰 종교 조각상이 끝났으며, 이제는 유명한 조각들처럼 황제들에게만 사용 된 큰 조각상들이 있습니다. 콘스탄틴의 거대 곡예 동상과 4 ~ 5 세기 Barletta의 거상. 그러나 부유 한 그리스도인들은 Junius Bassus의 석관에서와 같이 석관에 대한 구호를 계속하여 위탁했으며, 특히 상아에서 아주 작은 조각상은 영사관의 형태로 건축되었습니다.

전통적인 로마 조각은 초상화, 역사적 구호, 장례식 구호, 석관 및 고대 그리스 작품의 사본의 다섯 가지 범주로 나뉩니다. 초기 고고학자들의 신념과는 달리,이 조각들 중 다수는 Veii의 아폴로 (Villa Givlia, Rome)와 같은 큰 다색 테라코타 이미지 였지만, 많은 조각품의 표면은 시간이 지남에 따라 닳아 없어졌습니다.

서사 구호
그리스 조각가들은 전통적으로 신화적인 우화를 사용하여 군사적 착취를 묘사했지만 로마인들은 더 다큐멘터리 스타일을 사용했습니다. 트라야누스 기둥에서와 같이 전투 장면에 대한 로마의 구호는 로마의 힘을 찬미하기 위해 만들어졌지만 군사 의상과 군사 장비를 직접 표현합니다. 트라야누스의 칼럼은 트라야누스가 현대 루마니아에서 행한 다양한 Dacian 전쟁을 기록합니다. 그것은 로마의 역사적 구호의 가장 위대한 예이자 고대 세계의 위대한 예술적 보물 중 하나입니다. 650 피트 이상의 나선형 길이를 가진이 전례없는 업적은 현실적으로 렌더링 된 개인 (2,500 명 이상)뿐만 아니라 풍경, 동물, 배 및 연속적인 시각적 역사의 다른 요소들, 즉 다큐멘터리 영화의 고대 선구자입니다. 그것은 기독교 조각의 기초로 채택되었을 때 파괴에서 살아 남았습니다. 서기 300 년 이후의 기독교 시대에 문 패널과 석관 장식은 계속되었지만 크기가 큰 조각품은 사라졌으며 초기 교회에서 중요한 요소로 보이지는 않았습니다.

사소한 예술

도자기와 테라코타
로마인들은 소위 “미성년자 예술”또는 장식 예술 분야에서 예술의 전통을 물려 받았습니다. 이 중 대부분은 사치 수준에서 가장 인상적으로 번성했지만 종교적 및 세속적 인 많은 테라코타 인형은 저렴한 가격으로 생산되었으며 테라코타의 더 큰 캄파 나 구호가 계속되었습니다. 로마 예술은 고대 그리스인의 방식으로 꽃병 그림을 사용하지 않았지만 고대 로마 도자기의 그릇은 종종 세련된 구호로 세련되게 장식되었습니다. 판매 된 수백만 개의 소형 오일 램프 생산자들은 경쟁사를 이기기 위해 매력적인 장식에 의존 한 것으로 보이며, 풍경과 초상화를 제외한 로마 예술의 모든 주제는 미니어처에서 발견됩니다.

유리
고급 예술에는 다양한 기술에 멋진 로마 유리가 포함되어 있었으며, 많은 소규모 유형이 로마 대중의 비율에 비해 합리적이었습니다. 영국 박물관의 Lycurgus 컵이 빛을 통과했을 때 색이 변하는 유리의 거의 독특한 예인 케이지 컵 또는 diatreta와 같은 가장 화려한 유리의 경우에는 분명히 그렇지 않았습니다. . 오거스틴 포틀랜드 화병은 로마 카메오 유리의 걸작품으로,이시기에 가장 인기있는 큰 새겨진 보석 (블라 카스 카메오, 젬마 오거스타, 프랑스 그레이트 카메오)의 스타일을 모방했습니다.

모자이크
로마 모자이크는 4 세기 말 기독교인들이 새로운 대형 교회의 벽에 큰 종교적 이미지로 사용하기 시작했던 시대가 끝날 때까지 종종 매우 큰 규모의 작은 예술품이었습니다. 초기 로마 예술 모자이크는 주로 바닥, 구부러진 천장, 그리고 젖게 될 내 외벽에 사용되었습니다. 나폴리의 알렉산더 모자이크 (Alexander Mosaic)에있는 헬레니즘 그림의 유명한 사본은 원래 폼페이의 바닥에 놓였다. 이것은 대부분의 로마 모자이크보다 훨씬 높은 품질의 작업이지만, 아주 작거나 미세한 테세라에있는 정물 대상의 아주 훌륭한 패널도 살아 남았습니다.

로마인들은 현장에 놓인 대부분 4mm 이상의 테세라 (tesserae)가있는 정상적인 오푸스 테 셀라 툼 (plaus tessellatum)과 작업장에서 오프 사이트로 생산되어 완성 된 사이트로 가져온 작은 패널을위한 더 미세한 오공 질을 구별했습니다. 패널. 후자는 이탈리아에서 기원전 100 년에서 주후 100 년 사이에 발견 된 헬레니즘 장르였다. 대부분의 서명 된 모자이크는 그리스어 이름을 가지고있어 예술가들이 대부분 그리스인으로 남아 있음을 시사합니다. Palestrina의 기원전 2 세기 말 나일강 모자이크는 인기있는 닐로 틱 풍경 장르의 매우 큰 예이며, 로마의 4 세기 검투사 모자이크는 전투에서 몇 개의 큰 인물을 보여줍니다. 오르페우스의 모자이크는 종종 매우 커서 빌라에서 가장 좋아하는 주제였으며 오르페우스의 음악 연주에 의해 길 들여진 사나운 동물들도있었습니다.

금속 세공
금속 가공은 고도로 개발되었으며 유리를 자주 마시면서은을 먹지 않았으며 가구, 보석류 및 작은 인형에 정교한 주물을 넣은 부자들의 가정의 필수 부분이었습니다. 지난 200 년 동안, 제국 후기의 더 폭력적인 가장자리에서 발견 된 많은 중요한 자료들이 로마의 은판에 대한 훨씬 더 명확한 생각을 우리에게주었습니다. Mildenhall Treasure와 Hoxne Hoard는 모두 영국 동부 앵글리아 출신입니다. 고급 로마 가구의 생존은 거의 없지만 세련되고 우아한 디자인과 실행을 보여줍니다.

동전과 메달
로마 동전 중 최고의 그리스 동전의 예술적 최고점에 도달하는 사람은 거의 없지만 로마 숫자 연구 결과와 제국 도해 법의 발전을위한 중요한 원천을 형성하는 아이콘과 비문은 수많은 숫자로 살아남습니다. 초상화. 그들은 제국의 변두리에 야만인들이 그들 자신의 사본을 만들면서, 제국 전체의 농촌 인구와 그 너머로 침투했습니다. 제국에서 귀금속의 메달은 작은 판에서 제국 선물로 생산되기 시작했습니다. 동전은 동전과 유사하지만 일반적으로 실행이 더 크지 만 더 미세합니다. 동전의 이미지는 처음에는 그리스 스타일을 따르며 신과 상징이 있었지만 공화국의 죽음에 먼저 Pompey와 Julius Caesar가 동전에 나타났습니다. 황제 나 그의 가족의 초상은 황실 주화의 표준이되었습니다. 이 비문은 선전에 사용되었으며, 나중에 제국에서 군대는 수혜자로 황제에 합류했습니다.

건축물
로마 미술이 가장 큰 혁신을 가져온 것은 건축 분야였습니다. 로마 제국은 매우 넓은 지역으로 확장되어 도시화 된 많은 지역이 포함되어 있었기 때문에 로마 엔지니어들은 콘크리트 사용을 포함하여 대규모 도시 건설 방법을 개발했습니다. 판테온과 콜로세움과 같은 거대한 건물은 이전의 재료와 방법으로 건설 된 적이 없었습니다. 근동에서 수천 년 전에 콘크리트가 발명되었지만 로마인들은 요새에서 가장 인상적인 건물과 기념물로 사용을 확장하여 재료의 강도와 저렴한 비용을 활용했습니다. 콘크리트 코어는 석고, 벽돌, 석재 또는 대리석 베니어로 덮여 있었고 장식용 단색 및 금 도금 조각품이 종종 추가되어 힘과 부의 눈부신 효과를 냈습니다.

이러한 방법 때문에 로마 건축은 건축의 내구성에있어 전설적입니다. 많은 건물들이 여전히 서 있고 일부는 여전히 사용되고 있으며, 대부분의 건물은 기독교 시대에 교회로 개조되었다. 그러나 많은 폐허가 대리석 베니어에서 벗겨져 콘크리트 코어가 노출 된 상태로 남아있어 콘스탄틴 대성당과 같이 원래 외관에서 크기와 웅장 함이 다소 감소 된 것으로 보입니다.

공화당 시대에 로마 건축은 그리스와 에트루리아 요소를 결합하고 둥근 사원과 곡선 아치와 같은 혁신을 일으켰습니다. 로마 제국이 초기 제국에서 자라면서 최초의 황제는 팔 라틴 언덕과 인근 지역에 웅장한 궁전을 짓기 위해 빈민가의 도매 레벨링을 시작했습니다. 이는 엔지니어링 방법과 대규모 디자인의 발전이 필요했습니다. 로마 건물은 포럼으로 알려진 상업, 정치, 사회 그룹으로 지어졌으며, Julius Caesar의 포럼은 처음이자 나중에 추가되었으며 포럼 로마 넘이 가장 유명했습니다.

로마 세계에서 가장 큰 경기장 인 콜로세움 (Colosseum)은이 포럼의 끝에서 80 년경에 완공되었습니다. 50,000 명이 넘는 관중을 가졌으며 그늘을위한 철회 가능한 직물 덮개가 있었고 거대한 검투 대회와 모의 해군 전투를 포함하여 거대한 안경을 쓸 수있었습니다. 이 로마 건축의 걸작은 로마의 엔지니어링 효율성을 보여주고 3 개의 건축 질서 – Doric, Ionic 및 Corinthian을 모두 통합합니다. 대부분의 로마 시민들에게는 그다지 유명하지는 않지만 덜 중요하지만 중요한 것은 5 층짜리 인 슐라 또는 도시 블록으로 수만 명의 로마인들을 수용 한 아파트 건물과 같은 로마인이었습니다.

트라야누스 (98-117 AD)와 하드리아누스 (117-138 AD)의 통치 기간 동안 로마 제국이 가장 큰 규모에 이르렀고 로마 자체가 예술적 영광의 절정에 이르렀습니다. , 집회소, 정원, 수로, 목욕탕, 궁전, 파빌리온, 석관 및 사원. 로마의 아치 사용, 콘크리트 건축 방법의 사용, 돔의 사용은 아치형 천장의 건축을 모두 허용하고 “황금 시대”의 궁전, 대중 목욕탕 및 대성당을 포함하여 이러한 공공 장소 및 단지의 건축을 가능하게했습니다. 제국의. 돔 건축의 대표적인 예는 판테온, 디오 클레 티안 욕장 및 카라칼라 욕장을 포함합니다.

천장의 높이는 건물의 내경과 정확히 일치하여 거대한 구를 포함 할 수있는 인클로저를 만듭니다. 이 웅장한 건물들은 브루넬레스키 (Brunelleschi)와 같은 이탈리아 르네상스 건축가들에게 영감을주는 모델이되었습니다. 콘스탄틴 시대 (306-337 AD)에 로마에서 마지막으로 훌륭한 건축 프로그램이 열렸습니다. 콜로세움 근처에 세워진 콘스탄틴 아치 건축은 근처 포럼에서 석재를 재활용하여 다양한 믹스를 만들어 냈습니다. 스타일.

아치를 기반으로 한 로마 수도교는 제국에서 흔했으며 대도시 지역으로 물을 운반하는 데 필수적이었습니다. Pont du Gard (3 층의 아치를 갖춘)와 Segovia의 수로와 같이 서있는 석조 유적은 특히 인상적입니다. 세고비아 수로는 디자인과 건축의 품질에 대한 음소거 증거입니다.