베니스 아트 비엔날레 2015 리뷰, 도시 주변 전시장, 이탈리아

2015 년 5 월 9 일부터 11 월 22 일까지 지 아르디 니 델라 비엔날레와 아르 세 날레에서 열린 제 56 회 국제 미술전 (All the World ‘s Futures)이 공개된다. 120 주년을 기념하는이 전시회는 중앙관 (Giardini)에서 시작하여 Arsenale에서 계속되는 단일 일정을 구성합니다. 비엔날레는 그 자체의 역사를 바탕으로 해가 갈수록 많은 추억이 만들어 지지만, 특히 현대 미술 창작의 현상을 관찰 할 수있는 서로 다른 관점의 오랜 연속으로 진행됩니다.

Okwui Enwezor가 큐레이팅하고 Paolo Baratta가 의장을 맡은 la Biennale di Venezia가 주최 한 art Participations는 Giardini, Arsenale 및 베니스시의 역사적인 파빌리온에서 전시되었습니다. 53 개국에서 온 136 명 이상의 아티스트와 함께. 전시 된 작품 중 159 개가 올해 에디션을 위해 명시 적으로 실현되었습니다. 전시회에 처음으로 참가한 국가는 그레나다, 모리셔스, 몽골, 모잠비크 공화국, 세이셸 공화국입니다. 몇 년간의 부재 끝에 올해 다른 국가들 : 에콰도르, 필리핀, 과테말라.

44 국제 전시회 큐레이터가 승인하고 비영리 국내 및 국제 기관에서 홍보하는 부수적 이벤트는 베니스 시내 여러 장소에서 전시회와 이니셔티브를 제공합니다.

모든 세계의 미래
비엔날레는 예술과 인간, 사회, 정치 세계의 발전과의 관계를 관찰합니다. All World ‘s Futures는 외부 세계의 긴장이 예술가의 감성과 생명력과 표현력, 욕망과 내면의 노래에 어떻게 작용하는지 조사합니다. 오늘날 우리 앞에 놓인 세상은 깊은 분열과 상처, 뚜렷한 불평등과 미래에 대한 불확실성을 보여줍니다. 지식과 기술의 큰 발전에도 불구하고 우리는 현재 “불안의 시대”를 협상하고 있습니다.

전시회가 제기하는 주요 질문은 다음과 같습니다. 예술가는 이미지, 사물, 단어, 움직임, 행동, 텍스트 및 소리를 통해 어떻게 관객을 모으고, 반응하고, 참여하고, 말하기를 목표로 할 수 있습니까? 이 시대의 격변에 대한 감각? 간단히 말해서, 예술은 현재 상황에 어떻게 반응합니까?

따라서이 격년제는 “정세”를 재고해야하는 긴급함에서 시작됩니다. 모든 것을 포함하는 주제 인 현재의 복잡성을 인식하고 시간적 관점에서 다양한 콘텐츠를 결합하는 전시를 제안합니다. 과거와 현재의 작품과 함께 이번 행사를 위해 의뢰 된 작품과 언어를 함께 제공합니다. . 이 비전의 핵심은 현대 사회의 동시적이고 통시적인 비전을 제공하는 독서, 공연, 콘서트 및 연극 작품의 장면이었던 중앙 파빌리온의 아레나 공간입니다.

120 년의 비엔날레 역사를 배경으로 모든 것이 전시됩니다. 비엔날레가 예술, 건축, 무용, 연극, 음악, 영화에서 활발히 활동하고 있다는 사실을 감안할 때, 다양한 종류의 과거의 단편들이 구석 구석에서 발견 될 수 있습니다. 전시가 이러한 위험을 피하는 데 도움이되는 것은다면적이고 복잡한 현실입니다. 우리 역사의 큰 산은 해마다 성장합니다. 맞은 편에는 과거 비엔날레에서 보여지지 않았던 모든 것의 더 큰 산이 있습니다.

국립 관

알바니아 파빌리온 : 알바니아 3 부작 : 일련의 사악한 책략
티라나에 기반을 둔 Armando Lulaj의 “Albanian Trilogy : A Series of Devious Stratagems”는 기대하기 위해 뒤로 보냅니다. 2007 년 판에 전시 된 베니스 비엔날레의 낯선 사람이 아닌 Lulaj는 극작가, 작가, 비디오 감독으로서의 다양한 배경을 활용하여 분쟁 지역과 위험 지역을 조사합니다. 그의 견해로는 알바니아의 집단적 기억과 문화적 전통이 사라질 위험이 있습니다. 알바니아 사회 사에 대한 반성, 3 개의 뚜렷한 순간에 걸쳐 표현 된 단일 내러티브 코퍼스 : 알바니아 3 부작은 과거의 일종의 타임 캡슐로, 동시대에 허구와 다큐멘터리 자료를 제시하는 이상한 기념품과 트로피가 있습니다. 연상과 문서를 결합하여이 프로젝트는 알바니아 인이 아니라 국제적인 정체성을 구축하는 데 매우 중요한 역사적-정치적 단계에 집중합니다.

비엔날레를 위해 Lulaj의 고국 냉전 시대의 시각적 표현은 문제가 된 과거의 맥박을 두드리고 알바니아 역사를 현재 순간으로 가져 오기 위해 내재 된 내러티브를 재 작업합니다. 세 부분으로 구성된 시리즈는 It Wears as It Grows (2011)로 시작하여 인기있는 NEVER (2012)가 이어지고, 비엔날레를 위해 특별히 제작 된 Recapitulation (2015)으로 끝납니다. 3 개의 비디오와 기록 자료, 주인공이자 침묵의 증인 인 거대한 고래 골격, 홉스의 주권 원칙 인 거인 레비아탄의 화신이 전시되어 있습니다. Armando Lulaj Albanian Trilogy는 알바니아의 냉전 시대에 대한 수년간의 연구 결과, 특히 집단 기억과 역사적 경험의 상대적 주제에 대한 결론을 나타냅니다.3 개의 신화 적 주물이 바다, 공기, 땅을 상징하는 영화 3 부작으로 모였습니다.

안도라 파빌리온 : 내부 풍경. 대결
거대 인터넷 회사의 수직적 소프트 파워가 부과하는 거대한 수치 기억의 폭정이나 모든 데이터가 저장되어 기억 상실이 완전히 불가능한 상황에서 10 억 개인의 프라이버시 경계가 사라졌습니다. 화가 Joan Xandri의 설치는 배의 긴 뱃머리로 제시된 약 20 장의 그림을 지상에 똑바로 세우고 무질서하게 배치하고 종종 글꼴로 돌아가서 인접한 작품의 일부를 숨기며 우리가 한계를 숙고하고 이해하도록 초대합니다. 우리 모두는 이제 우리의 사생활이나 심지어 우리의 영혼을 보호하기 위해 가정해야합니다. 이렇게함으로써 그는 또한 관찰자가 자신의 상상력에 의해 두 번째 시각화로 끌어들이는 특이한 공간으로 우리를 이끌고, 여기서 흐름은 전통적인 회화의 코드를 의도적으로 흐리게하는 작업에서 영감을 얻습니다.

조각가 Agustí Roqué의 작품은 관중이 그와의 만남을 받아들이도록 의도 된 포스트 모던 정물의 기초 인 실제 초점이나 대칭의 중심이없는 수평을 향한 훌륭한 풍경처럼보아야합니다. 자신과의 대결과 정신적 게임을 할 수있는 공간을 통해 알려지지 않았습니다. Agustí Roqué는 정밀한 생산 시스템의 다양한 잠재력을 완전히 식별하면서도 자유를 보존 할 수있는 완전한 자율성을 지닌 작품을 세운 포스트 모더니즘에서 쉽게 움직입니다. 인사이드-인사이드 (Inside-Inside)라는 레이블로 분류 된 세 작품은 그가 오랫동안 자신의 창의적 에너지 전체를 바쳤던 공간에 대한 놀라운 작업을 명확하게 설명하고,조각품에 시공간 이벤트의 추가 대상을 제공합니다.

앙골라 파빌리온 : 여행 중
“여행 중”. 1975 년 포르투갈 독립 이후 40 년의 독립을 맞이한이 공동 전시회는 향후 몇 년 동안 실행 가능한 길을 열어주기 위해 국가 역사를 가로 지르는 여정을 시작합니다. 포르투갈이 앙골라에 50 년 동안 정착했던 시대 인 15 세기와 17 세기에 지어진 피 사니 궁전에서 개최되었습니다.이시기에는 거대한 해양 세력이 해외 제국을 확장하고있었습니다. “On Ways of Travelling”에서 알 수 있듯이 점령의 영향은 특히 전통과 현대를 조화시키는 방법과 같은 문제를 다루는 현대 앙골라에서 여전히 생생합니다. 과거의 충격적인 희망의 바람이 불고 있습니다.작품 선정은 Antonio Ole 주변의 신흥 예술가를 모으고 있으며,이 세대 간의 대화는 새로운 앙골라의 사회적, 문화적 발전에 대한 신선한 관점을 제공합니다.

젊은 세대가 더 밝은 미래를 만들기위한 노력을 이어 받아야한다는 강력한 추진력이 있습니다. 앙골라 저항의 상징 인 마체 테 (machete)는 놀라운 그림 표현을지지합니다. Délio Jasse는 기억, 퇴적 및 잊혀진 이유에 대한 연구를 사진 형식으로 보여줍니다. Nelo Teixeira는 나무가 기본 구조를 형성하고 객체 트루 베의 통합이 평행 내러티브를 강조하는 작업을 이어갑니다. 그리고 마지막으로 그의 미적 선택에있어 매우 절충주의적인 예술가 인 Binelde Hyrcan은 그의 최근 연구의 비디오와 설치를 제공합니다. Ole의 중앙 부분은 아프리카 도심 외곽의 슬럼프에 사용되는 두 개의 금속 시트 벽으로 만들어졌습니다. 인간의 저항과 생존은 그의 작품의 중심 주제입니다. 흙,빈 유리 병과 앙골라에서 수입 한 찢어진 천 조각이 통합 된 유리 병에 쌓여있어 임시 건물에 거주하는 사람들이 있음을 시사합니다. 근처에는 플라스틱 양동이를 쌓아 만든 두 개의 기념비적 인 조각품이 중력 법칙에 도전합니다.

아르헨티나 파빌리온 : 형태의 봉기
“형태의 반란”이라는 제목의 전시회는 여러 비엔날레에서 수상 경력에 빛나는 예술가 인 줄리오 르 파크, 안토니오 베르니, 레온 페라리를 회상합니다. 이 쇼는 신체 / 신체가 경험의 특권 영역 인 인간의 상태, 탈출하는 인물, 공간 및 물질과의 관계를 수정하여 긴장에 빠지고 넘어지는 모습을 반영합니다. 전시 된 23 개 중 다른 모든 작품은 컬러로되어 있으며 그의 작품을 감싸고있는 것처럼 보이는 특수하고 감싸는 수지가 있습니다. 죽음에는 시계와 그 위에 성적인 서비스를 제공하는 59 번 항목의 각인, 통지문이 있습니다. 그것은 21 세기 트랜스젠더에게 이식 된 그리스 예술의 경이로움입니다. 파빌리온 입구에는 받침대가 없기 때문에 사람의 눈에서 같은 거리에있는 조각품,사람들과 매우 강력한 대화를 생성합니다. 지역 수준을 초월하는 Juan Carlos Distéfano의 작품. 육체적, 시간적 경계를 무시하는 보편적 예술의 파노라마에서 일어납니다.

‘Mischievous Emma’는 그 이름을 지닌 매춘부 시리즈의 Spilimbergo에 대한 찬사입니다. 위대하지만 끔찍한 조각품입니다. 그것은 그녀의 빈 목과 검은 색을 빨고있는 슬리퍼를 가지고 죽음에 이르는 트랜스젠더의 모습에 관한 것입니다. 아래에는이 두 가지 색상의 바둑판 인 바닥이 있습니다. 폭력을 강하게 암시하는 ‘Los enluminados’는 두 손을 무릎을 꿇고기도하는 자세로 머리를 뒤로 젖히고 한 쪽을 바라 보는 폭력을 강하게 암시하며 전체 부문의 절대적인 무관심을 보여줍니다. 군사 독재 기간 동안 일어난 일과 관련하여 권력의. Distéfamo의 조각품은 케이블을 자르기 위해 플라이어를 사용하여 연이 꼬인 것을보고 가로등 기둥에 장착하는 작업자를 보여줍니다.그는 다른 사람들의 이익을 위해 자신을 제물로 삼는 사람의 은유로 감전사를 당할 위험이있는 연이 다시 날기를 원합니다.

아르메니아 파빌리온
황금 사자상 수상
아르메니아 파빌리온은 제 1 차 세계 대전 중 오스만 투르크에 의해 백만 명이 넘는 아르메니아 인을 학살 한 지 100 년을 기념합니다. 이 전시회는 “아르메니아 성”의 개념을 재고하고, 이러한 성찰을 정체성과 기억, 정의 및 화해의 개념으로 확장하고, 그 이름으로 많은 현대 투쟁이 여전히 진행되고 있습니다. 유럽, 미주 및 중동의 여러 국가에서 온 디아스포라. 설치 자체는 베네치아 남동쪽의 작은 섬에있는 아르메니아 메키 타리스트 수도원에서 이루어지며 바 포레 토로 접근 할 수 있습니다. 유럽 문학 및 종교 텍스트의 많은 중요한 작품이 처음이었습니다. 이 아름다운 섬에서 아르메니아어로 번역되었습니다.300 년의 역사에 걸쳐 정원, 이전 인쇄소, 회랑, 박물관 및 도서관이있는 산 라자로 수도원은 아르메니아의 독특한 문화 유산을 보존하는 데 도움이되었습니다.

“무장”, 집단 학살 생존자들과 그들의 조상들의 난민 디아스포라의 복잡하고 불규칙하게 구성된 자아 정체성. 파빌리온에 대한 예시적인 기여는 Nina Katchadourian과 Aram Jibilian의 기여를 포함합니다. 악센트 제거 (2005)에서 Katchadourian은 악센트 코치 (디아스포 릭 커뮤니티에서 많이 광고하는)의 서비스를 구매 한 다음 부모가 “자연스러운”영어를 말하도록 교육함으로써 선택 동화이면의 심리학을 조사합니다. 뉴욕의 사진 작가이자 사회 복지사 인 Jibilian은 유명한 아르메니아 화가 Arshile Gorky의 다가 적 유산을 조사하는 2008 ~ 15 년의 일련의 작품을 선보입니다. 꼼꼼하게 배열 된 이미지에서 Jibilian과 그의 가족은 겉으로 칠해진 가면을 쓰고 상징적으로 풍부한 공간에 거주합니다. Gorky처럼대량 학살 생존자에게 요구되는 자멸과 변장을 폭로하고 미래 세대의 작품에 대한 과거 비극의 유산에 의문을 제기합니다.

호주 파빌리온 : 피오나 홀 : 잘못된 길
“Wrong Way Time”은 세 가지 주요 분야 인 글로벌 분쟁, 금융 및 환경의 “광기, 악, 슬픔”에 초점을 맞추고 있습니다. “Wrong Way Time”은 어두운 공간에 들어서서 조명 된 물체가 그림자에서 나왔고, 칠해진 시계는 시간이 지나고 뻐근했습니다. 그을린 캐비닛은 지폐, 신문 및지도 책 모음으로 가득 차있었습니다. 정어리 깡통에서 복잡한 망치로 쳐진 주석 조각품이 빠져 나왔다. 조각 된 새의 둥지는 파쇄 된 지폐로 만들어졌습니다. “광기, 나쁨, 슬픔”이라는 주제를 탐구하는 수천 가지 요소를 모은 전시회. 피오나 홀은 그녀의 전시를 “우리 모두가 사는 곳에 대한 호기심과 애정으로 어둠과 혼돈의 상태를 조화시키려는 개인적인 시도”라고 설명합니다.

새로운 호 주관이 제 56 회 베니스 비엔날레 국제 미술 전시회에서 재개 장했습니다. 이 새롭고 우아한 건물은 베니스의 유산의 중요성을 존중하고 국제 무대에서 미래 세대를위한 호주 예술과 건축의 최고를 선보이며 국제적으로 호주 예술의 야심 찬 장을 나타냅니다. Collateral 전시회 인 Country는 호주 전역의 여러 아웃백 지역에서 온 원주민 및 토레스 해협 섬 주민 30 명의 작품을 선보였습니다. 이 전시회는 이탈리아 예술가 조르지아 세 베리가 호주에 1 년 반 동안 머물면서 대륙 전역의 예술 공간에 머물렀던 결과였습니다. 컨트리는 기억과 전통 사이의 연관성을 조사하면서 “호주 커뮤니티 전체에 걸쳐 서로 다른 문화의 용광로”를 다루었습니다.

오스트리아 파빌리온 : Heimo Zobernig
Zobernig는 페인팅, 비디오 및 설치를 통해 이러한 테마를 탐색했습니다. 독립된 작품을 보여주는 것 외에도 Zobernig는 본질적으로 민족주의적이고 경쟁적인 공간에서 예술을 창조하는 특별한 도전에 대한 제스처로 파빌리온 자체를 변경했습니다. Heimo Zobernig의 심의의 출발점 : 개인의 목소리가 최대의 관심을 끌기 위해 끊임없이 경쟁하는 국가 대표성을 기반으로 한 환경에 어떻게 적절하게 기여할 수 있습니까? 그러한 맥락에서 어떤 현상이 의미가 있습니까? 그리고 정확하게 그러한 목적을 위해 오스트리아 파빌리온은 고전적이고 현대적인 형식적인 언어로 이상적인 전시 공간을 제공합니다.

Josef Hoffmann과 Robert Kramreiter가 설계하고 1934 년에 지은 오스트리아 파빌리온은 고전적인 둥근 아치와 장엄한 시각적 축, 그리고 명확한 이성적인 형태와 현대적인 재료, 다른 한편으로 구조는 역사 성과 모더니즘 사이에서 이동합니다. . Zobernig는 파빌리온의 전체 바닥 공간에 그늘을 드리 우는 천장 아래로 맴돌고있는 것처럼 보이는 검은 기둥과 파빌리온의 다른 수준을 제거하는 검은 색 바닥 구조를 통해 건물의 역사적인 건축 요소를 시야에서 제거합니다. Zobernig의 복잡한 개입은 건축 공간과 자연, 안팎의 경계를 상대로합니다. 등각 투영 계획이 베를린에있는 Mies van der Rohe의 Nationalgalerie를 연상시키는 그의 건축 개입,정원과 안뜰의 뒷벽과 함께 예술의 표현 방식과 공간에서의 인간 존재에 대해 머무르고 반성 할 수있는 폐쇄 된 공간을 구성합니다.

아제르바이잔 파빌리온 : 선 너머
Vita Vitale과 Beyond the Line은 우리 행성의 운명에 대한 우려를 표현하는 국제 현대 예술가들을 모았습니다. 이번 전시회는 지난 세기 아제르바이잔 아방가르드의 독창적 인 예술을 예술 전문가들의 폭 넓은 청중에게 처음으로 선보입니다. 소련 시대에 아제르바이잔에서 공식적으로 인정받지 못한 예술가들의 고립은 총체적이었습니다. 예술가들은 영감을 얻기 위해 자신을 깊이 파고 들어야했지만 예술과 공예, 카펫 만들기에 대한 수세기의 아 제리 전통에서도 발견했습니다. Tofik Javadov, Javad Mirjavadov, Ashraf Murad, Rasim Babayev 및 Fazil Najafov는 모두 고유 한 재능의 대가이며 각자 고유 한 예술 관행을 계발했습니다. 그들은 깊은 문화적 영향을 표현하는 이미지로 묶여 있습니다.상징적 인 시각적 언어, 그리고 놀라운 정교함의 중동 국가 및 민속 스타일의 사용.

두 전시회는 과거와 미래를 고민하는 한 나라를 보여 주며, 20 세기 사회 및 산업적 변화가 자국과 세계에 미친 영향을 보여줍니다. Beyond the Line은 아제르바이잔의 역사에서 중요한 순간을 다시 방문하고 소련의 통치하에 침묵하거나 무시되었던 세기 중반 예술가들에게 그들의 목소리를 돌려줍니다. Vita Vitale을 통해 아제르바이잔은 지리적 경계를 넘어서 우리의 기술 발전과 그에 따른 소비주의의 증가로 인해 현재와 미래가 전 세계적으로 직면하는 생태 문제를 해결하는 국제 예술가 및 과학자를위한 플랫폼을 제공합니다. 두 전시회 모두 과거, 현재, 그리고 과거를 정의하는 사회 및 환경 문제에 대한 작가의 목소리의 중요성을 보여줍니다.그리고 아제르바이잔의 미래, 그러나 지구의 미래.

벨로루시 파빌리온 : 전쟁 증인 아카이브
War Witness Archive는 세계 대전에 대한 예술적 기억 목록입니다. 이 프로젝트는 전쟁, 갈등, 다른 인간의 고통, 고통, 미래에 대한 두려움의 목격자에 초점을 맞추고 있습니다. “커뮤니케이션 공간”은 20 세기의 전환점 인 1 차 세계 대전과 2 차 세계 대전의 사진 아카이브의 도움으로 만들어졌습니다. 이 프로젝트는 제 1 차 세계 대전 역사와 관련된 사진 아카이브 연구로 시작되었으며 현재 제 2 차 세계 대전 사진 아카이브와 대조적으로 발전하고 있습니다. 아카이브는 동시대의 기억에 저장된 과거 사건에 대한 증언을 수집하는 몸을 형성합니다. 2014 년 현대 미술관에서 열린 전시회는 WWA의 첫 번째 구체화가되었습니다. 이 프로젝트는 전통적인 사진 아카이브가 새로운 상태를 얻는 라이프 사이클을 계속합니다.메타 아카이브의 상태.

벨기에 파빌리온 :
“Personne et les autres”는 벨기에 예술가들의 개인전 또는 듀오 전시회를 선보였습니다. 개인전의 전통적인 형식에서 벗어나 여러 입장과 관점을 포함하도록 개방함으로써 국가 대표의 개념에 도전합니다. 이 전시회는 식민지 근대성 시대와 그 여파에서 유럽과 아프리카 간의 정치적, 역사적, 문화적, 예술적 상호 작용의 결과를 탐구합니다. 미지의 또는 간과 된 미시적 역사를 조사하고, 식민지 만남의 결과로 등장한 현대성의 대안 버전을 살펴보고, 수용된 식민지 계층 구조 외부 및 그에 대한 반응으로 펼쳐진 이야기를 이야기합니다. 이 프로젝트는이 기간 동안 제작 된 예술적, 문화적, 지적 등 다양한 형태에 대한 통찰력을 제공하는 것을 목표로합니다.

“Personne et les autres”에서 벨기에 예술가 Vincent Meessen과 그가 공동 작업자로 선택한 국제 예술가 그룹은 벨기에의 식민지 시대의 과거와 그것이 형성 한 미래를 바라 봅니다. 벨기에 미술 평론가이자 Situationist International (콩고 혁명에 영향을 미친 것으로 알려진 급진적 예술가 및 철학자 그룹)의 초기 멤버 인 André Frankin이 잃어버린 연극 대본의 이름을 딴이 전시회는 다음에 대한 새로운 이해의 필요성을 시사합니다. 식민주의가 예술과 노동에 미치는 영향. 그것은 유럽과 아프리카 사이의 예술적, 지적 교차 수분으로 표시되는 공유 된 아방가르드 유산을 조사함으로써 유럽 중심의 근대성 아이디어에 의문을 제기합니다. 이는 소위 “반 모더니티”라고 불리는 다원주의를 생성했습니다.

브라질 파빌리온 : 여기에 맞지 않을 정도로
“너무 많이 여기에 맞지 않는다”는 1960 년대와 70 년대 국가의 활동주의를 현대 브라질의 분열 된 사회적 현실로 재구성합니다. 1970 년대에 안토니오 마누엘의 개입은 감각주의를 위해 큐 레이트 된 정통 기사로 초현실적 인 헤드 라인과 의사 이미지를 산재했습니다. Manuel은 권위주의에 의해 폭력, 불안정 및 신체의 주제에 참여하는 브라질 예술가 세대를 대표합니다. André Komatsu와 Berna Reale는 모두 Manuel이 선택한 모티프를 떠올리게하는 작품을 만듭니다. Komatsu는 후기 자본주의의 찌꺼기 인 부서진 벽돌과 콘크리트 블록에서 기성품 조각을 만듭니다. 유출 된 페인트와 버려진 벽; 철거 작업으로 얼어 붙은 전동 공구. 도시에 거주하는 마누엘과 고마쓰와는 달리Reale는 더 먼 북부의 Pará 주 출신으로 범죄 전문가로서 다른 경력을 유지하고 있습니다. 그녀의 전문적인 경험은 그녀의 공연과 설치에 대한 정보를 제공하는데, 이는 현대 브라질 사회에 고유 한 범죄 성, 폭력 및 사회적 이질성 문제를 해결하기 위해 신체의 파괴적인 표현을 사용합니다.

캐나다 파빌리온 : Canadassimo
Canadassimo라는 거대한 몰입 형 설치물은 완전히 변형 된 Canada Pavilion을 통해 이상한 길을 제공합니다. 건물의 외관을 부분적으로 가리는 비계 아래 (전시회가 아직 공사 중이라는 인상을 남김) 아래에는 통조림 제품과 기타 생활 필수품을 판매하는 퀘벡 전역의 작은 이웃 편의점 중 하나 인 데파 누르의 입구가 있습니다. 이 일반적으로 혼란스럽고 허름한 상점 너머에는 로프트와 같은 생활 공간이 있습니다. 훨씬 더 체계적이기는하지만이 지역은 분명히 재활용 애호가의 보호 구역입니다. 다음은 BGL이 “스튜디오”라고 명명 한 곳으로, 페인트 방울로 덮인 깡통 더미를 포함하여 모든 종류의 수많은 물건으로 붐비는 곳입니다.이 기괴한 생활 / 업무 영역을 통과 한 관중들은 지 아르디 니의 멋진 전망을 제공하는 테라스에서 잠시 휴식을 취할 수 있습니다.

몰입 형 설치 및 공공 개입으로 유명한 캐나다 단체 BGL. 종종 도발적이고 비판적인 것으로 묘사되는 BGL의 관행은 자연, 현대 생활 방식, 경제 및 예술 시스템과 관련된 사회적, 정치적 문제를 동시에 제기하면서 사물의 세계를 탐험하기 위해 유머와 사치를 사용합니다. 조각과 공연뿐만 아니라이 집단의 작품에는 관중을 예상치 못한 상황에 빠뜨리고 자신의 행동에 의문을 제기하고 현실에 대한 견해를 수정하는 거대한 설치물이 포함됩니다. BGL은 주류, bricoleur, collectionneur 외부에 살고있는 한계 미학 및 한계 사람들에게 매료되었습니다. 재활용뿐만 아니라 일상적인 물건을 재사용하고 다른 것으로 변형합니다. 소비자 사회에서재활용은 사회에 의문을 제기하는 방법이됩니다.

칠레 파빌리온 :
“Poéticas de la Disidencia”(Poéticas de la Disidencia)는 두 명의 칠레 예술가, 사진 작가 Paz Errázuriz와 공연 및 비디오 예술가 인 Lotty Rosenfeld의 작품을 모았습니다. 칠레의 최근 정치 역사에서 영감을 얻은 세 여성은 정치적으로 격동적인 1970 년대에 발전한 칠레 활동가 세대를 대표합니다.이 세 여성은 아우 구스토 피노체트 장군이 살바도르 아옌데의 민주 정부를 살바도르 아옌데의 민주 정부를 전복시키고 자신의 거의 20 명을 강요했습니다. 1 년 동안의 군사 독재. 그러나 “Poéticas de la Disidencia”는 현재의 칠레에 초점을 맞추고 있으며, 독재 정권에서 민주 정부로의 전환을 모색하고 있습니다.

사진 작가 Paz Errázuriz는 1980 년대 산티아고를 탐색하여 피노체트의 엄격한 사회의 경계에있는 삶을 포착했습니다. 그녀의 서사시 사진 에세이 La manzana de Adán은 지하 복장 도착 자, 남성 매춘부, 공식적인 무시와 국가 폭력으로 인한 실존 적 압력에 직면 한 공동체의 초상화와 전기를 선보였습니다. 파빌리온의 큐레이터 인 Nelly Richard는 같은 세대의 저명한 문화 비평가입니다. 이 세 사상가의 공통된 초점은 칠레가 최근 역사에 의해 제기 된 문제를 해결하려는 의지를 나타냅니다. 이번 전시회는 권위 주의적 통치가 제기 한 권력, 부, 성별, 자유에 대한 질문에 대한 지속적인 관심을 보여준다.

중국 관 : 다른 미래
“시민의 미래”는 “기타 미래”라는 이해를 표현하고 모든 것이 사람과 미래를 가리키는 것입니다. 세상의 질서는 소수에 의해 결정되어서는 안되며, 시간이 지남에 따라 대중의 행동은 무의식적으로 보이는 운동 속에서 질서와 방향, 미래를 창조합니다. 디지털 기술과 미디어 기술의 발전은이 과정을 점점 더 촉진시키고 있습니다. 모든 개인이 세계의 미래에 미칠 수있는 영향은 점점 더 분명 해지고 있습니다. 일부 도로가 처녀지에 나타날 경우 도시 계획가 설계 및 작업자 건설의 결과 일 가능성이 적습니다. 반대로 그들은 겉보기에 무질서한 방식으로 대중이 자발적으로 밟는 긴 과정에서 형성 될 가능성이 더 큽니다.대중은 맹목적인 길로 향하는 지나가는 사람들이 아닙니다. 그들은 현명하고 활동적이며 자발적입니다.

Xu Bing, Qiu Zhijie, Ji Dachun 및 Cao Fei는 현재이 비엔날레의 여러 장소에서 그들의 작품을 발표하고 있습니다. Xu Bing은 1980 년대 후반 아방가르드 운동의 선도적 인 중국 현대 예술가 중 한 명입니다. Xu는 중국 전역의 건설 현장의 잔해에서 두 개의 인상적인 거대하고 웅장한 조각, “Phoenix Project 2015″를 만들었습니다. Qiu Zhijie는 비디오와 사진을 새로운 매체로 다루는 젊은 세대에 속합니다. 그의 프로젝트는 “역사 회람”이라는 제목으로 역사가 수시로 순환되는 방식에 대해 이야기합니다. 디스플레이는 매우 혼잡하고 이해하기 어렵지만 미학적으로 균형을 이룹니다. Ji Dachun은 그의 8 개의 그림에서 중국의 동서 얼굴의 다각적 인 관계를 보여주고, Cao Fei는이번 전시에서 최연소 작가 인 그녀의 영상 작품 ‘라 타운’을 선보인다. Cao는 중국에 대한 사회적 정치적 질문을 제기하려는 시도로 멀티미디어 작품으로 국제적으로 유명합니다.

크로아티아 파빌리온 : 떨림에 관한 연구 : 3 급
크로아티아 파빌리온은 Damir Očko의 마지막 두 편의 영화 TK (2014)와 The Third Degree (2015)의 시학을 확장합니다. 두 영화 모두 신체적, 사회적 존재로서 신체에 부과 된 사회적 제약에 의문을 제기하면서 우리 사회에 내재 된 기본 규범을 탐구합니다. The Third Degree에서는 3도 화상으로 인한 피부 흉터의 클로즈업 영상을 볼 수 있으며, 그 주변은 수정처럼 맑은 음표의 미세한 소리로 둘러싸여 있습니다. 크루 촬영을 반영하는 깨진 거울을 설치해 촬영 한 피부의 질감은 거의 추상적 인 요소가된다. 영화 세트의 맥락을 포함함으로써 The Third Degree는 일반적으로 보이지 않는 것을 드러내고 시청자를 예술적 발전에 통합시킵니다.

이 Untitled 방에는 파킨슨 병을 앓고있는 노인 인 영화 TK의 주인공 중 한 명이 그린 16 개의 그림 앙상블이 전시되어 있습니다. 각 그림은 Damir Očko가 쓴시에서 “In Tranquility …”이라는 단어로 시작하는 문장의 시작 부분을 읽습니다. 아티스트, 청중 및 전시회 간의 상호 의존성 개요를 분석하고 준비하는 Damir Očko는 시청자를 포함합니다. 그래서 그들은 예술적 과정에서 자신의 역할을 인식 할 수있었습니다. 문맥이 알려 준다면, 그것은 또한 오늘날 복잡한 세계의 증인이자 배우로서의 우리의 입장을 강화하는 메커니즘 인 새로운 종류의 수사를 만들기 위해 의미 론적 변화를 만들고 예술 제작의 내부 구조를 보여줌으로써 변형되기 때문입니다.

Cuba Pavilion : El artista entre la personalidad y el contexto
쿠바 파빌리온은 예술가의 상상력과 반사적 범위를 강조하며 개성의 독특한 극과 그들이 작업하는 맥락 사이에서 불안정하게 균형을 이룹니다. 파빌리온은 개인의 eidetic 및 식별 수하물에서 시작하여 사회 및 문화적 맥락뿐만 아니라 세계와 생활을 향한 경험으로 이어지는 대화와 내러티브 구조에 생명을 불어 넣는 예술가의 능력을 강조합니다. 정치 분야 및 정규화 된 분야. 전시는 작가가 생활하고 작업하는 다양한 개성과 맥락을 상상하고 반영하는 능력을 강조한다. El artista entre la personalidad y el contexto는 우리가 마이크로 시스템과 쿠바의 맥락뿐만 아니라 글로벌 공간에 대해서도 성찰하도록 이끈다.디지털 네트워크, 글로벌 경제 과정, 지리적 영역에서 관심있는 인류 학적 및 존재 론적 영역.

4 명의 쿠바 예술가 Luis Gómez Armenteros, Susana Pilar Delahante Matienzo, Grethell Rasúa, Celia-Yunior와 4 명의 국제적인 예술가 Lida Abdul, Olga Chernysheva, Lin Yilin 및 Giuseppe Stampone은 우리가있는 끝없이 취약한 지역 인 중간 공간을 상징적으로 나타냅니다. 여행을 떠날 것을 장려했습니다. 이 여정은 우리의 지각 시스템의 실질적인 변화, 도시 구조, 디자인 및 기술 갱신으로 인한 창의적 프로세스의 오염에 있습니다.이 모든 것이 쿠바에서는 먼 현실 시스템 일뿐입니다. 이 프로젝트는 한편으로는 자신의 아카이브의 힘, 본질적인 혁명적 이데올로기 적 흔적, 친밀감, 주관성을 무한한 입력 원으로 흡수하는 세대의 예술적 관행을 선택하고, 다른 한편으로는,사회적 현실을 가로 지르고 윤리적, 미학적 변화를 가로지 릅니다.

키프로스 파빌리온 : 영원히 이틀 후
“Two Days After Forever”는 고고학의 발명과 역사의 마스터 내러티브를 구축하는 데 중요한 역할을하는 출발점으로 삼습니다. 역사를 안무한다는 것이 의미하는 바를 성찰하기 위해, 여러 기둥을 탐색하고 논쟁되는 이데올로기의 부담에 무거워 진 현재에 존재합니다. 1960 년대와 70 년대는 키프로스 공화국의 주요 과도기였습니다. Christodoulos Panayiotou는 특히 문화 의식과 광경의 렌즈를 통해 국가 정체성의 공식적이고 우발적 인 구성에 초점을 맞추면서이시기의 기록 자료를 그의 국가 역사에서 조사하고 활용합니다.

다양한 전략을 활용하여 Panayiotou는 전통이 어떻게 형성되고 저자와 진정성이 지배되는지 질문합니다. 세심한 연출을 통해 작가는 근대성의 과장적이고 열망적인 구조와 일관성이없는 진보적 개념을 비판한다. 니코 시아의 고고학 박물관에서 빌린 고대 테세라 (tesserae)는 덧없는 예술 작품으로 재구성 된 후 키프로스에있는 고향으로 돌아가 전시가 끝날 무렵 익명의 유적지로 돌아갑니다. Two Days After Forever는 다양한 모드를 채택하고 있으며, 잠을 자고, 깨우고, 다른 시간성을 구현하는 전시입니다. 따라서 그것은 파빌리온과 그 너머에서 움직이는 인류학으로 나타나며 지중해 주변의 다양한 대중과 교류합니다.이 안무의 중심은 La Bayadère의 Death of Nikiya에 대한 Panayiotou의 변주곡으로, 고고학과 아라베스크의 궁극적 인 발레 적 위치를 전기와 역사적 상상을 결합하는 지속적인 공연을 통해 직접적인 대화에 담았습니다.

체코 및 슬로바키아 파빌리온 : 신격화
체코 분리 주의자 예술가 Alphonse Mucha의 기념비적 그림 Apotheosis of the Slavs : Slavs for Humanity를 바탕으로 한 “Apotheosis”. 데이비드는 원래 이미지의 흑백 재 작업으로 대표되는 Mucha의 작업을 전유하고 재 해석하는 현대 예술가 제스처의 위치에서 Mucha의 그림에 접근하며 동시에 구성의 개별 부분에 대한 미묘한 개입으로 강화 된 해체 행위를 구성합니다. 외경의 형태로. 인터 텍스트 크로스 오버가있는 설치의 요점은 빈 공간과 복도의 핵심 초점이있는 비좁은 공간에 참여하여 모든 범위의 흥미로운 정신적, 정서적 및 시각적 경험을 가진 적극적인 관람자입니다.관객에게 “지식과 기억의 고고학”에 빠져들게하는 도전을 제시합니다. 관람자 / 참가자는 동일한 차원의 거울 벽에 반사 된 재 해석 된 신격화를 만나고 그것의 일시적인 부분이된다.

거울은 관객에게 자기 성찰과 성찰의 가능성을 제공하기 때문에이 작업의 맥락에서 중요한 은유입니다. 명상과 장난기를 기반으로 한 설치는 수상자들이 지정 학적, 사회 문화적 문제를 한 세기가 넘는 시간에 고려하도록 동기를 부여하고 가정, 국가, 국가, 주, 국가, 국가 등의 개념에 대한 재평가와 관련된 질문을합니다. 체코 인과 슬라브 민족의 역사. 이런 식으로 Apotheosis는 광범위한 관계에서 세계의 과거와 현재를 참조하는 여러 심각한 정치, 경제, 사회 문화, 철학 및 사회 학적 문제에 대한 비판적 사고를 자극하는 시간별 설치물이됩니다. 지역 및 글로벌 문제가 교차하는 곳.

에콰도르 파빌리온 : Gold Water : Apocalyptic Black Mirrors
“Gold Water : Apocalyptic Black Mirrors”, 삶과 예술에 찬성하는 진정한 선언문. Maria Veronica는 새로운 비디오 오디오 폴립 티치 설치로 멀티미디어 풍경을 만들고, 그림, 비디오, 사진, 개체 및 사운드를 상호 관련된 시각적 기술로 통합합니다. 그녀가 말했듯이 물 요소가있는 “테크노 극장”에서 생명의 샘은 새로운 마음의 상태를 선포합니다. 그녀의 영상은 시청자의 충격과 비정상적인 투영 사이의 관계를 통해 새로운 경험을 창출하고, 예상치 못한 경험을 한 후 메시지가 신비하게 새겨 져 사물의 본질을 낯설게 배치하는 현실을 만들어내는 방식으로 한때 새로운 정체성을 제공하는 컨텍스트. 작가는 과장, 과장,산업의 중독과 표류는 자연의 중심에 침투하여 “물 진동 에너지”와 “금의 상징적, 역사적, 문화적 중요성”을 변화시킵니다.

이 프로젝트는 새로운 정체성을 가지고 있지만 최첨단 주방처럼 입방체 모양의 벽난로라는 강한 상징을 중심으로 지어졌습니다. 이 사실적인 구조의 관련성은 보편성에 있으며, 따라서 예술가는 자신을 잊는 과정에서 은유 적으로 인간성을 불러 일으키는 독창적 인 작품을 만들 수 있습니다. 레일에 움푹 패인 일련의 마이크로파 벽은 플라톤 동굴의 벽을 회상하는 잃어버린 낙원의 이미지를 보여줍니다. 여러 비디오는 물병 식물의 이미지를 보여줍니다. 금속 배경에 섞인 리듬은 새로운 은하처럼 열리고 변형되는 별을 생성합니다. 또 다른 비디오는 물과의 영원한 싸움에서 가상의 백열등 금을 보여주고 혼란을 불러 일으 킵니다. 경제 지표로서의 금은 아름다움의 약속으로 바뀝니다.

이집트 관 : 보이나요?
“Can You See?”는 시청자에게 도전합니다. 아티스트는 메시지를 눈에 잘 띄게 숨겼습니다. 평화라는 단어는 인간의 가독성을 압도하는 5 개의 3 차원 잔디 구조로 표시됩니다. 이 불확실한 텍스트 공간을 탐색하는 동안 뷰어는 부착 된 태블릿의 인터페이스를 통해 갤러리 공간에 겹쳐진 “증강 현실”에 더 직면하게됩니다. 이 가상 상호 작용은 시청자에게 긍정적이거나 부정적인 두 가지 내러티브를 선택할 수있는 옵션을 제공합니다. 이는 공간에서 펼쳐지며 PEACE라는 단어를 다양하고 때로는 충돌하는 장면으로 변경합니다.

흰색 MDF로 만들어지고 우주 잔디 바람으로 덮힌 좁은 길은 경사로, 가파른 낙차 및 통로를 만듭니다. 소수의 삼성 태블릿이 기업이 후원하는 “아트”쇼의 시각적 단서를 보여주는 방식으로 공간 전체에 스탠드에 설치되었습니다. Muzak 연극에서 “Meadow in Springtime”이라는 제목의 사운드 트랙. 태블릿에는 라틴 알파벳과 아랍어 문자로 “PEACE”라고 쓰여있는 가짜 잔디에 붙여 넣은 로고가 카메라에 표시되어 있습니다. 밝혀진 바와 같이 경사로와 경로는 위에서 보면 이와 동일한 휘장을 만듭니다.

에스토니아 파빌리온 : 작업에 적합하지 않습니다. 회장의 이야기
단편화 된 가상의 오페라로 묘사 된 “작업에 적합하지 않음. 의장의 이야기”,이 전시회는 아카이브 자료와 함께 전시 된 영상과 발견 된 물건이있는 멀티미디어 설치물이다. <체어맨 스 테일>은 1960 년대 동성애 행위에 대한 재판에서 소비에트 에스토니아 집단 농장 회장의 뒤를 이은 단편적인 가상 오페라이다. 전시회는 소비에트 에스토니아의 아카이브 자료와 오페라의 우아한 미학을한데 모았습니다.

Samma는 인터넷 속어 3에서 가져온 ‘일에 적합하지 않음’이라는 제목으로 강조된 유사한 전략을 채택하고 권력 조사를받는 모든 개인의 불안정한 직업 및 사회적 지위를 강조하기 위해 회장의 이야기에 적용했습니다. 또한 컴퓨터 용어는 우리를 역사와 그 차별, 불일치 및 모순에 대한 수동적 인 증인으로 만드는 미디어 사회의 만연한 성격을 나타냅니다. 성 소수자 인권에 대한 사회적 논쟁은 과거와 현재 모두 흔하게 볼 수있는 기본적인 인권 침해 문제를 가로 채고 있습니다. 이런 의미에서 회장의 이야기는 문화적, 사회적, 정치적, 종교적, 성적 및 인종과 같은 모든 종류의 차별에 대한 광범위한 비난에 대한 빙산의 일각이됩니다. 따라서,다시 한 번, 예술은 항상 차이의 공존을위한 것임을 상기시키기 위해.

핀란드 파빌리온 : 시간, 년, 오랜
IC-98은 파빌리온을 또 다른 시간적 차원의 지 아르디 니로 안내하는 방으로 바꾸어 놓았습니다. 깊은 시간이 찰나의 삶의주기를 통해 울려 퍼지기 시작하고 공간은 무한한 암흑 물질로 나타납니다. 생물 다양성뿐만 아니라 문화 다양성 세계에 대한 지식과 식민지 권력의 축소판으로서의 정원은 이제 나무 만이 살아갈 수있는 변화의 지배를받는 영역으로 나타납니다. IC-98 작업에서 서로 다른 시간 척도와 인과 관계의 얽힘이 시사 하듯이, 원 격론은 여기서 우리를 실패하고 미래의 지평이 흔들립니다. 나무는 땅을 물려받을 수 있지만 어떤 땅을 물어야합니다.

불확실한 좌표의 은유 적으로 충전 된 영역을 만드는 애니메이션과 설치물, 이러한 풍경은 자연과 기술, 탐색 및 착취, 기후 및 이동의 인터레이스 된 힘에 의해 형성됩니다. 시청자는이 세계로 초대됩니다. IC-98의 새로운 혼합 매체 설치는 아티스트의 말로 “인간 문명의 유물 위에 세워진 새로운 변이 된 풍경, 인간없는 세상을 보여주기 위해”Abendland의 작품 순환을 계속합니다. Hours, Years, Aeons는 권력의 회의실과 공공 공간의 경계에서 생태적 경계에 이르기까지 예술가의 장기적인 비판적 조사를 물질과 신화가 얼굴에 합쳐진 서사시적인 새 작품으로 요약합니다. 오늘의 지진 변화의.이것이 인류 세의 최종 결과를 다루는 것이 의미하는 바입니다.

프랑스 관 : 레볼루션
“Rêvolutions”는 소리, 빛, 움직임을 통해 끊임없이 진화하는 자연의 상태를 보여주는 실험적인 생태계입니다. Céleste boursier-mougenot은 프랑스 파빌리온을 광대 한 아치형 공간에서 반사와 후퇴를위한 키네틱 숲이 우거진 오아시스로 변형시킵니다. 인공물과 유기적 형태의 상호 작용을 통해 파빌리온은시와 명상 경험의 초현실적 인 생태계로 변모합니다. Boursier-Mougenot의 작업은 다 감각적 환경을 만들기 위해 종종 기술적 개입을 사용하여 관람객이 생생한 유기체와 같은 현상으로 묘사하는 경험적 세계와 직접 접촉하게하여 그 출현 조건과 현재의 상황과 분리 될 수 없습니다.

방문객들은 3 개의 기괴하고 떨리는 인공 나무에 의해 공간 안팎으로 안내되며,이 나무는 더 큰 패턴의 안무 동작을 형성하고 자신 만의 웅장한 소리를 생성합니다. 프랑스의 바람이 잘 통하는 파빌리온 한가운데에있는 나무가 움직이는 것을 한눈에 알지 못합니다. 파빌리온의 옆방에서이 인상적인 스코틀랜드 소나무를 보면 그 “춤”이 느껴집니다. 예술가이자 음악가 인 Céleste Boursier-Mougenot은 자연과 기술을 결합하여 매너리스트 정원의 “멋진 것들”에서 영감을받은 설치 (안무이기도 함)를 구상했습니다. 나무는 신진 대사, 수액 흐름 및 환경의 밝기와 그늘의 변화에 ​​따라 파빌리온 주위를 움직입니다.파빌리온 내의 디자인 요소와 가구는 관중에게 다양한 기준점을 제공하며, 구조물 자체는 이전 시리즈를 위해 설계된 인공 폼으로 부분적으로 흩어져 설치 소리에 반응하여 흐르고 확장됩니다.

조지아 파빌리온 : 크롤링 국경
“Crawling Border”는 조지아와 다른 소비에트 이후 국가들이 직면 한 현실이며 그 존재는 국가의 지정 학적 위치에 있습니다. 조지아의 파빌리온은이 현실을 최대한 강조하고 그 중 하나에 특정 개입을하는 것을 목표로합니다. 현대 미술을위한 가장 중요한 플랫폼. 이는 유럽의 현재 정치 환경에 일종의 불협화음을 가져 오는 정치적, 사회적 메시지 역할을하며, 주요 개념은 DNA 사슬 비유로 구성된 사건에 대한 이야기이며, 일반적인 환경에 존재하며 영향을 받기 전에 종종 눈에 띄지 않습니다. 외부 요인을 자극합니다 .Crawling Border는 주로 은밀한 방식으로 테두리를 그리는 것과 관련이 있으며 그 뒤에있는 많은 사람들의 개인적인 비극은 종종 우리의 관심을 피합니다.

조지아 파빌리온은 부용 그룹, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri와 Ei Arakawa 및 Sergei Tcherepnin, Gio Sumbadze의 전시회를 주최하는 가미카제 로지아의 형태를 취합니다. 이 전시회는 소비에트 마스터 플랜의 인프라 유산에 대한 임시 자유, 지역 자결 및 현대적 전유를 통합하기 위해 지배적 구조의 거부를 표명하는 그러한 비공식 건축의 창조를 살펴 봅니다. 이 전시회는 조지아 예술과 건축에서 비공식 성, 상향식 솔루션 및 자기 조직 개념의 비범 한 범위를 제시하는 것을 목표로합니다.

독일 관 : Fabrik
Fabrik은 상품이 아니라 이미지가 생산되는 공장을 암시합니다. 따라서 파빌리온 내에 노출 된 6 개의 작품은 이미지의 은유를 채택하여 현대, 세계화, 디지털 세계에서 사람, 아이디어 및 상품의 상호 연결과 순환을 표현합니다. “Fabrik”은 작업, 이주 및 반란 문제에 대한 네 가지 예술적 반응을 제시하며, 각 프로젝트는 지하에서 지붕까지 방대한 건물 내에서 자체 단계를 제공합니다. 독일 파빌리온은 예술과 아이디어를위한 역동적 인 공장 역할을하며, 역사, 기억 및 정체성을 반영하는 높은 천장 전시 공간의 역사적 사용을 계속합니다. 예술 제작에 대한 이러한 다양한 접근 방식을 결합하여독일 관은 필요한 사회적 논평을 불러 일으키기 위해 비주얼 미디어가 현실을 허구로 만드는 방식에 빛을 비추는 것을 목표로합니다.

Olaf Nicolai는 7 개월 동안 진행되는 전시 이벤트를 위해 옥상 공간을 차지하고 있으며, 여기서 배우들은 신비한 프로덕션 체인에서 안무를 맡았습니다. 그는 옥상을 잠재적 인 자유의 “헤테로 토피아”로 활성화합니다. Hito Steyerl의 비디오 설치 Factory of the Sun (2015)은 다큐멘터리와 가상 상상력 사이의 어딘가에 건설되었으며, 그녀의 참여적이고 이론적 인 접근 방식이 일반적입니다. 실제 정치적 이해 관계는 가상의 렌즈를 통해 전달되어 시각 문화와 이미지 순환의 미래를 생각합니다. Tobias Zielony는 베를린과 함부르크에있는 아프리카 난민의 사진을 이주에 대한 내러티브로 합성하는 사회 여백에 대한 사람들의 고조된 다큐멘터리 작업을 계속합니다. asmina Metwaly와 Philip Rizk의 영화 Out on the Street (2015)는 “2011 년부터 두 사람이 불안을 기록해온 이집트의 노동 계급 공동체를 배경으로 한 실험적인 실내 극장. 민영화 된 공장 내 권력 역학의이 사례는 전 세계적으로 착취와 자본주의 지배에 대한 우려를 제기한다.

영국 관 : 사라 루카스
사라 루카스의 개인전 “I Scream Daddio”는 그녀의 강렬한 불경스런 예술, 성별, 죽음, 섹스, 일상적인 물건에 사는 풍자에 대해 정의하는 주제를 재현하고 재창조합니다. 유머는 관습에 의해 제기 된 모순을 협상하는 것입니다. 어느 정도 유머와 진지함은 서로 바꿀 수 있습니다. 그렇지 않으면 재미 없을 것입니다. 또는 파괴적입니다. 이 최신 작품 그룹 전체에서 육체 (성적, 코미디, 장엄함)는 여전히 중요한 귀환 지점으로 남아 있으며 Lucas의 작품은 독특한 재치로 큰 주제에 계속해서 직면합니다. 이 외설스럽고 권한이 부여 된 뮤즈는 남성 미술사에서 여성 형태의 전통적인 객관화를 뒤집는 코러스 라인을 형성하는 동시에 루카스가 그녀의 경력을 통해 만든 불완전한 신체 캐스트를 회상합니다.You Know What (1998) 또는 CNUT (2004)와 같은

이번 전시의 작품으로는 기쁜 안식의 웅장한 인물 인 마라도나, 일부는 남자, 일부는 메이 폴, 일부는 사마귀가 전시 중앙에 두 장으로 서있다. 상징적 인 아르헨티나 축구 선수의 이름을 딴이 인물은 땅바닥에 쪼그리고 앉는다. 여성의 몸은 루카스의 초기 설치 이래로 등장한 일반 가정용 가구와의 조합을 통해 우아하게 애니메이션 된 단편적인 다리 쌍의 석고 조각 시리즈에 문자 그대로 더 있습니다. 다른 작품은 규모와 주제면에서 더 국내 적입니다. Lucas ‘Tit Cat 조각품 – 다시 채워진 스타킹으로 만든 모델에서 파생되었으며, 묶인 형태의 고양이와 늘어진 천체를 결합합니다. 아치와 뛰기, 꼬리는 다양하게 처지고 기르고,이 이상한 변성 생물은 Lucas의 예술이 실제 레지스터와 초현실 레지스터 사이를 미끄러지는 방식을 잘 보여줍니다.

그리스 파빌리온 : 동물을 보는 이유 아 그리 미카.
“동물을 보는 이유”라는 제목의 설치물 신고전주의 양식의 건물 안에 그리스 중부 도시 Volos의 동물 가죽 및 가죽 상점을 재현하십시오. AGRIMIKÁ는 우리를 “야생이 아니고 다른 모든 동물과는 다른”것으로 정의하는 인간의 인류 중심주의가 정치와 역사에서 경제와 전통에 이르는 일련의 우려를 불러 일으킨다 고 제안합니다. Papadimitriou의 관심사 인 AGRIMIKÁ는 Volos의 상점과 함께 가축화에 강하게 저항하는 동물입니다. 그들은 먹이와 포식자의 역할이 끊임없이 바뀌는 조건에서 인간과 공존합니다. 그러나 인간 사냥꾼은 보통 동물 먹이를 트로피로 삼습니다. 그럼에도 불구하고 이들은 대부분의 기본 우주론과 신화에 등장하는 동물입니다.

Volos의 작은 상점은 그리스 파빌리온 내부에 위치한 “objet trouvé”입니다. 가게의 현실은 현대 그리스 역사의 많은 부분을 목격하고 그것에 대한 비판적 태도를 유지 한 주인의 독특한 개성을 표현하고 문서화하는 것입니다. 시간과 장소에 따라 변하지 않는 Agrimiká 상점은 신고전주의 파빌리온의 주변 공간과 유사하며 그대로 남아 있습니다. 파빌리온은이 공간적 “오브 제트 트루 베”를 부과하고 드러내는 맥락을 만듭니다. 그리스 파빌리온의 “파괴 된”풍경에서 국내에서 살 수없는 동물 인 아 그리 미카는 처분 된 이들의 현대 우화의 매개체가됩니다. 우리를 둘러싼 타락에 대한 우리의 본능적 저항을 자극하려는 시도.인간과 동물의 관계에 대한 이러한 표현은 정치와 역사에서 경제와 전통, 윤리와 미학, 외국에 대한 두려움과 이해할 수없는 것에 대한 두려움, 그리고 우리 자신을 야생이 아닌 것으로 정의 할 수있게 해주는 심오한 인류 중심주의에 이르기까지 일련의 관심사를 촉발시킵니다. 다른 모든 동물과 다릅니다.

과테말라 파빌리온 : 달콤한 죽음
“달콤한 죽음”은 다양한 표현으로 현대 사회의 타락을 보여줍니다. 이번 전시는 현대 사회의 놀라운 표현이다. 작가들은 우리 사회의 다양한 환경에 영향을 미치는 타락의 본질을 포착했을뿐만 아니라이 느리고 참을 수없는 죽음을 아이러니로 표현했다. Garullo & Ottocento가 창조 한 베를루스코니의 시신을 나타내는 “The dream of Italians”는 투명한 유리관에 행복한 표정을 짓고 있습니다. 마치 백설 공주처럼 언젠가 깨어날 준비가되어있는 것처럼, 이것의 신성함과 대조를 이루고 있습니다. 인간과 이탈리아 정치 타락의 부인할 수없는 진실. 이탈리아의 죽음의 타락은 영화 산업에도 영향을 미치고 있습니다.루치노 비스콘티에게 헌정 된 조각품과 베니스에서의 죽음을 기념하여 이탈리아 영화 제작의 오래되고 잃어버린 우아함을 기념합니다.

박람회의 가장 극적인 부분은 과테말라 예술가들의 작품에 전념하는 부분입니다. Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (즉, 고환 없이는 교황이 될 수 없음) Mariadolores Castellanos의 상징적이고 신화적인 인물 인 여성 교황 Joan의 상징적이며 신화적인 인물, 상징적 인 이단과 남성에 의해서만 통치되는 종교적 신념의 약점. 타락과 죽음은 디즈니 캐릭터, 바비, 인형이 부정적인 의미를 갖는 왜곡되고 잃어버린 어린 시절의 표현으로 보여집니다. 큰 영향을 미치는 것은 Sabrina Bertolelli가 Memento Mori와 Vanitas의 방을 지배하고있는 거대하고 검은 해골이며, 요리의 죽음에 초점을 맞춘 마지막 전시회가 이어집니다. 그룹 “La Grande Bouffe”의 아티스트들은 새로운 요리 트렌드를 조롱합니다.분자 요리와 같은. 주요 작업 중 하나는 Luigi Citatella가 제안한 것으로 과테말라와 이탈리아와 같은 국가 간의 인상적인 식량 격차를 상징하는 마른 접시 앞에 아이를 보여주는 것입니다.

Holy See Pavilion : In Principio… la parola si fece carne
“태초에… 말씀은 육신이되었다”, 두 개의 기둥을 중심으로 구성되었습니다. 예수 그리스도의 하나님의 의사 소통 적 본질을 드러내는 초월적인 말씀; 그리고 말씀은 육신이되었으며, 특히 부상과 고통을 겪을 때 인류 안에 하나님의 임재를 가져 왔습니다. 그들의 뗄 수없는 단결은 변증 법적 역 동성을 만들어 내고, 불규칙하고, 타원형이며, 갑자기 가속되고, 급격히 느려지고, 대중처럼 예술가들에게 간청하고, 인류 자체의 뿌리에있는 조합에 대한 반성입니다. 선택한 주제, 사용 된 다양한 기술, 지리적 및 문화적 출처에 대한 현재 연구 여정의 조화에 비추어, 전시회를 위해 선택된 세 명의 젊은 예술가는 다양한 경험과 비전으로 다양한 배경에서 영향을받습니다. ,윤리와 미학.

헝가리 파빌리온 : 지속 가능한 정체성
“지속 가능한 정체성”은 우리 세계의 핵심 개념이 눈에 띄는 슬로건으로 축소 된 방법을 반영합니다. 큐레이터 컨셉은 베니스의 헝가리 파빌리온과 Cseke의 모바일 오브젝트를 기반으로합니다. 설치의 초점은 동작과 전자 장치가 만들어내는인지 공간입니다. 시청자의 머리 위에 매달린 PVC 호일 튜브가 교차하는 빛나는 운동 네트워크가있는 설치. 이 반투명 채널에는 팬이 경로를 통해 밀어내는 흰색 공이 포함되어 있습니다. 때때로 공은 만나고 충돌하여 인간의 이동 패턴과 때때로 유발하는 갈등을 모방합니다. 호흡하는 것처럼 팽창 및 수축되는 대형 호일 쿠션이 설치를 마구간에 접지시킵니다.유기 물질은 위의 열광적 인 운동 시스템에 대한 균형 잡힌 대위법 역할을합니다. Cseke와 Ábris Gryllus가 공동으로 제작 한 사운드 피스가 설치를 보완합니다.

인도네시아 파빌리온 : Voyage Trokomod
“Trokomod”라는 제목의 전시회에는 Heri Dono가 Bandung, West Java 및 Yogyakarta의 현지 건축가 및 장인과 함께 개발 한 특정 장소의 항해 테마 작품이 포함됩니다. 쇼의 중심 인 그리스 트로이 목마와 인도네시아 코모도 드래곤의 융합은 인도네시아 토종 파충류 모양의 대형 보트로, 금속 피부가 변색되어 식민지 시대의 금 채굴에 대한 논평입니다. 시청자들은 용에 들어가서 하얀 곱슬 머리 가발을 쓴 남자의 동상과 같은 서양의 유물을 잠망경으로 들여다 보며 이국적인 시선의 전통적인 동양 향 방향을 바꿀 수있었습니다.

이란 파빌리온 :이란 하이라이트
“위대한 게임”이라는 제목의이란 관은 중동 및 동남아시아의 예술가들의 작품으로 가득합니다. 이 전시회는 지역의 역사적, 정치적, 경제적, 종교적, 사회적 얽힘을 영감으로 삼아 일상적인 현실에 반응하고자하는 예술가 그룹을 제시합니다. 이란, 인도, 파키스탄, 아프가니스탄, 이라크, 중앙 아시아 공화국, 쿠르드 지역, 이들 국가의 지리적 영역은 실제로 역사적으로 독특한 영토이며, 그 운명은 역사적, 문화적 상황에 의해 불가분하게 연결되어 있다는 점을 고려합니다. XIX 세기 이후 아시아의 패권을위한 “위대한 게임”으로 알려 졌던 곳이 여전히 일어나고 있습니다. 정치적, 경제적, 종교적,그리고 사회적 상황은 또한 이러한 장소에서 생산 된 예술에서 표현과 해석을 찾습니다.

이번 전시회는이 지역에서 활동하고 특히 사회 정치적 문제를 잘 알고있는 40여 명의 예술가들의 작품을 통해 보여주고 자한다. 전시회는이 질문의 중심 성과 그것이 어떻게 국제 대중이 현대 미술의 언어를 통해 인식하고 재 확립하는지 보여줍니다. 그것은 이미 주요 국제 쇼에서 표현되었지만 모순의 얽힘을 직접 경험 한 사람들의 진정한 실존 적 어려움, 즉 세계화의 언어 적 결과가 될 수있는 정확한 거울 이미지에 의해 여전히 방해를 받고 있습니다. 그래서 이것은이 나라들의 예술에 대한 개요가 아닙니다. 적어도 지금은 그들 중 일부에게는 잘 알려져 있지만 진정한 개념적 “추력”입니다.미디어의 주인공으로 여겨지는 일상적이고 표면적 인 장소 중 하나로. 쇼에서 선택한 주제는 이러한 작품이 분석중인 문제에 가장 의미있게 접근하는 작품 중에서 선택되었음을 암시합니다.

이라크 파빌리온 : 보이지 않는 아름다움
“보이지 않는 아름다움”에는 이라크와 디아스포라 전역의 현대 예술가 5 명이 출연합니다. 작가들은 다양한 미디어에서 작업하고 파빌리온에는 전시를 위해 특별히 제작 된 신작과 오랜 시간의 방심 끝에 재발견 된 작품이 포함됩니다. 이번 전시회에는 이라크 북부 난민들이 그린 500 개 이상의 그림이 전시되었습니다. 세계적으로 유명한 예술가 Ai Weiwei는 비엔날레에서 시작되는 주요 출판물을 위해 이러한 그림을 많이 선택했습니다. “보이지 않는 아름다움”은 국가의 현재와 예술의 상태에 스며 든 예술적 실천의 진동을 기록하는 깨지기 쉬운 막과 같다.

“보이지 않는 아름다움”은 전시 된 작품에서 비정상적이거나 예상치 못한 주제와 국제 무대에서 이라크 예술가들의 불가피한 투명성을 모두 의미한다. 예술과 생존, 기록 보관, 치료 및 아름다움의 관계는 전시회에서 제기 된 많은 주제 중 하나입니다. 끝없이 해석 가능한 제목은 전쟁, 대량 학살, 인권 침해, 그리고 작년에 이시스의 부상을 겪은 국가가 생성 한 예술에 접근하는 다양한 방법을 드러내 기위한 것입니다. 최근에 Hatra, Nimrud 및 Nineveh의 수백 년 된 유적지 파괴와 Mosul Museum의 이벤트에서 본 Isis에 의한 이라크의 문화 유산의 체계적인 철거는 계속되는 예술가들에게 초점을 맞추는 것이 그 어느 때보 다 중요해졌습니다. 이라크에서 일합니다.

아일랜드 파빌리온 : 모험 : 수도
“어드벤처 : 아일랜드와 영국을 중심으로 신화에서 미니멀리즘으로의 여정을 추적하는 자본”이라는 제목이 붙었습니다. 조각, 비디오 및 아카이브 요소를 결합한 Adventure : Capital은 지폐 강신, 지역 공항의 공공 예술, 버려진 채석장, 코크의 들판 및 웩스 포드의 원형 교차로를 모아 개념을 탐구하는 스토리 텔링 여정에서 지금까지 린치의 가장 야심 찬 프로젝트였습니다. 인류 학적 관점을 통한 가치와 자본의 흐름.

Sean Lynch의 멀티미디어 업무는 아티스트와 스토리 텔러 사이에 위치합니다. 역사 가나 민족지 학자와 비슷하게 그는 기록되지 않은 이야기와 잊혀진 역사를 드러내며 자신의 작품을 통해 장소, 사건 및 인공물에 대한 대안 적 독서를 추출합니다. Lynch의 투영, 사진 및 조각 설치물은 아일랜드 Bardic 전통의 현대적 형태를 참조합니다. 아일랜드의 사회 문화 유산에 대한 잃어버린 이야기는 그의 예술적 실천을 통해 부활하고 새로운 형태를 부여 받았다.

이스라엘 파빌리온 : Tsibi Geva | 현재의 고고학
특정 장소의 설치물 인 이스라엘 파빌리온에는 창 덧문으로 덮인 벽과 유리 벽 뒤의 구석에 포장 된 발견 된 가정용 물건으로 구성된 대규모 작품이 포함됩니다. Tsibi Geva는 건물을 오래된 자동차 타이어로 감싸고 발견 된 건축 및 가정용 물건으로 가득 채웠습니다. 파빌리온의 외관은 이스라엘에서 수입 한 1,000 개가 넘는 중고차 타이어 격자로 덮여 있으며 서로 연결되어 창문을 포함한 구조물의 벽을 덮는 보호 층을 만들고 입구 만 노출시킵니다.

갤러리 구조에 직접 개입함으로써 Geva는 예술의 전통적인 경험 인 “내부”와 “외부”, “아트 워크”및 “갤러리 벽”을 지배하는 편안한 범주를 유사하게 약화시킵니다. “현재의 고고학”이라는 제목의 그 결과 공간은 Geva의 작품에 존재하는 정치적, 형식적, 실존 적, 공간적 모호함을 시각적 자극의 단일 위치에 집중시킵니다. 테라 초 바닥 타일, 체인 링크, 창문 및 격자 세공을 특징으로하는 그림과 타이어 및 시멘트 블록과 같은 발견되고 용도가 변경된 건축 자재를 사용하여 파빌리온 구조를 수정하여 내부에서 외부 표면으로 확장하여 물리적 특성의 배제 적 특성을 손상시킵니다. 벽. 위층에서는Geva는 삼각형 모양의 금속 케이지 내부에 포함 된 다양한 인공물을 특징으로하는 대규모 그림과 추가로 발견 된 개체 조각을 설치했습니다. 이들 각각은 금속 격자에서 다른 패턴을 특징으로하며 일부는 벽돌을 모방하고 다른 일부는 더 추상적으로 보입니다.

이탈리아 파빌리온 : Codice Italia
“Codice Italia”라는 제목의이 전시회는 이탈리아의 현대 미술을 가로 지르는 항해로, 공통된 “유전 코드”를 공유하는 일부 상수를 강조합니다. Codice Italia의 예술가들은 미디어를 재창조하는 동시에 기존의 도상 및 문화 자료를 문제가있는 방식으로 끌어들이는 것을 목표로합니다. 이 예술가들의 작업은 국제 예술 연구의 가장 대담한 결과와 조화를 이루지 만 현재의 독재를 피합니다. 이 전시회는 각 작가의 작품에 자율성을 제공하고 “방”으로 구성되어 있으며, 각각 하나의 예술 작품과 하나의 기억 아카이브를 보관합니다. 초대 된 작가들의 작품과 함께이 전시회는 Peter Greenaway의 경의를 표합니다.William Kentridge와 Jean-Marie Straub와 Davide Ferrario의 비디오 설치가 Umberto Eco의 기억에 대한 통찰력을 제공합니다.

일본 관 : 손에 든 열쇠
Chiharu Shiota의 설치물 인 “The Key in the Hand”라는 설치물은 두 개의 보트, 빨간색 실, 그리고 각각의 실이 열쇠에 부착 된 거대한 수의 열쇠로 구성되어 있습니다. 천장. 아티스트의 웹 사이트에서 국제 기부자들로부터 요청받은 엄청난 양의 얽힌 열쇠는 공간에 심령 에너지를 불어 넣어 개인의 기억을 일종의 글로벌 공유 기억에 집중시킵니다. 키의 풍부한 상징은 시청자가 집단 비극과 개인 드라마에서 새로운 연결과 불특정 기회의 알려지지 않은 낙관적 인 미래로 등장하는 Shiota의 개념적 경로를 따르도록 영감을줍니다.

열쇠는 우리 삶의 중요한 사람과 공간을 보호하는 친숙하고 매우 귀중한 것입니다. 또한 미지의 세계로의 문을 열도록 우리에게 영감을줍니다. 시오타 치하루는 일반인이 제공하는 키를 사용하며, 오랜 세월에 걸쳐 축적 된 다양한 추억과 추억이 담겨 있습니다. 공간에 작품을 만들면서 시오타 치하루에게 열쇠를 건네 준 모든 사람의 기억이 처음으로 내 기억과 겹쳐진다. 이러한 겹치는 추억은 비엔날레를 보러 온 전 세계 사람들의 추억과 결합되어 새로운 방식으로 소통하고 서로의 감정을 더 잘 이해할 수있는 기회를 제공합니다.

한국관 : 접는 공간과 비행 방법
“접이식 공간 및 비행 방법”은 급변하는 사회에서 예술가의 역할을 탐구합니다. 문경원과 전준호 작가는 한국에서 김석철과 프랑코 만 쿠소가 디자인 한 유리 벽을 특징으로하는 복잡한 건축물 인이 새로운 장소 별 작업을 선보이고 포스트 아포 칼립스 우주에 대한 비디오를 촬영했다. 이 작품은 물리적 거리에 대한 도교 개념과 시간과 공간 사이를 이동하는 초자연적 능력을 나타냅니다. 예술가가 상상하고 물리적 한계에 도전하는 방식으로 장애물과 생리학을 뛰어 넘어야하는 인간의 욕구에 관한 작품.

제목은 ‘축지법’과 ‘비행술’에서 유래 한 것으로 동양 문화에서 명상 수행의 매개체 일뿐만 아니라 육체로부터 심신이 완전히 해방 된 상태에 도달하는 수단으로 연구되어왔다. 한계와 자연의 힘. 이러한 상상의 어리 석음에도 불구하고 우리를 묶고있는 물리적,인지 적 장벽과 구조를 뛰어 넘고 자하는 인간의 욕망을 반영한다. 일부 과학 이론과 가설은 실제로 이러한 겉보기에 엉뚱 해 보이는 개념을 실현할 수있는 가능성을 뒷받침 해 왔지만, 대부분 비유와 환상의 영역에 남아있어 우리 주변의 세계를 변화시키려는 우리의 본질적인 열망을 잘 보여줍니다.

코소보 파빌리온 : 파란색에 대한 추측
“파랑에 대한 사색”, Flaka Haliti의 단독 발표, 국경, 민주주의, 자유 및 이동성의 의미를 반영합니다. 그녀의 접근 방식은 외모 체제와의 단절을 통해 세계 정치를 재구성하는 것입니다. 지평선의 은유는 동시에 가능성의 상징과 우리의 한계에 대한 수수께끼가 우리의 과거와 현재의 구조에 짜여져 있습니다.이 은유의 보편적 의미를 도출함으로써 작가는 특정 시공간적 맥락에서 지평선의 이미지 경제를 제거하고 그 타당성을 추측합니다. 영원한 진리로서의 사색을 통해 Flaka Haliti는 관찰자를 확장과 제한, 근접과 거리 사이에서 진동하는 중간 공간에 배치합니다.동시에 여러 시간적 차원을 열어 놓은 공간은 그 결과 지속적인 실현의 작업으로 경험됩니다.

전시 공간을 차지하는 장벽 같은 물체의 골격은 갈등의 구체화로서 국가와 지역 사이에 세워진 콘크리트 벽의 미학을 참고한다. Haliti의 설치는 기둥을 물질적 본질로 제거하고 본질적으로 국경 개념에 저항하는 요소와 병치함으로써이 특정 미학 체제를 비무장화하고 비 맥락화하는 것을 목표로합니다. 이 시나리오에서 수평선과 푸른 그림의 땅은 경계의 개념에 반하는 이미지를 만들고 새로운 관점을 높이는 도구 역할을한다. 요소와 생성되는 다양한 이미지의 상호 작용은 작업에 참여하는 시청자의 주관적인 경험을 허용하는 중간 공간을 만드는 아티스트의 방법입니다.

라트비아 파빌리온 : 겨드랑이
라트비아 파빌리온은 일상 생활에서 만나는 혁신적인 형태입니다. 시골 마당에 설치된 가정 실험실과 작업장을 닮은 차고에서이 사람들은 기술과 산업적으로 제조 된 제품의 세계에 대한 우리의 태도가 수동적 소비의 태도가 아니어야한다는 것을 증명합니다. “ARMPIT”, Katrīna Neiburga와 Andris Eglītis의 멀티미디어 아트 설치 작품. 이 취미를 위해 마련된 작업장에서 여가 시간을 다양한 메커니즘으로 땜질하는 경향이있는 독특한 지역 현상 인 “가라지 엘프”에 대한 비디오 스토리가 결합 된 건물 구조의 조각 시스템입니다.

Andris Eglītis는 차고 커뮤니티의 독특한 소우주를 즉석에서 캐스팅했습니다. 그것은 조각 된 건물 구조의 만화경 시스템으로, 현지 샨티 타운 건축의 조립식 건축 자재로 만들어졌습니다. 건물 구조는 Katrīna Neiburga의 비디오 내러티브와 결합되어 있습니다. 그녀의 차고 커뮤니티 구성원의 초상화는 새로 설치된 주거지의 상상 된 주민들로 상주하며, 수녀원과 땀 가게의 혼합을 상기시킵니다. Katrīna Neiburga는 일반적으로 사회 인류학 조사 예술, 멀티미디어 설치 및 시노 그래피에 사용하는 시간 기반 미디어와 함께 작업합니다. Andris Eglītis는 자신의 미디어 선택에서 전통을 지향하는 경향이 있습니다.그림과 새로운 조각 형태를 실험하려는 그의 욕망은 개념 기반 예술에 비해 신체 경험이 풍부한 연습으로서 건축 운동으로 전환하도록 이끌었습니다.

리투아니아 파빌리온 : 박물관
“박물관”이라는 제목의 프로젝트는 소비에트 점령 기간에 자리 잡은 리투아니아 미술사의 신화를 해체합니다. “박물관”이야기는 Dainius Liškevičius의 하이퍼 텍스트 1 인칭 내러티브로 논리적, 개념적, 공식적인 링크, 전시회에서 제시된 소비에트 시대의 정치적 항의 형식, 이러한 형식을 대표하는 역사적 인물, 예술가의 경력과 예술에서 나온 조각과 문화적 유물.

룩셈부르크 파빌리온 : Paradiso Lussemburgo. 필립 마르 키에 비츠
“Paradiso Lussemburgo”라는 제목의 작품은 파빌리온의 6 개의 방을 완전히 차지하는 광대 한 전체 극장의 형태를 취합니다. Filip Markiewicz는 룩셈부르크의 정신적 이미지를 현대 정체성에 대한 반성과 결합하여 제시합니다. 20 세기 초부터 룩셈부르크에서 기록 된 다양한 이민 물결은이 나라를 일종의 통합의 안식처로 여겨지게했습니다. 다시 말하지만, 일부 외국 언론인 조세 피난처 인 룩셈부르크의 이미지에 대한 강한 암시가 있습니다.이 주제는 여기에서 정면으로 다뤄졌지만 특정 아이러니도 있습니다.

무용, 공연, 디제잉, 독서, 건축 및 음악을 결합한 문화 엔터테인먼트의 장소 인 박물관, 크리에이티브 연구소, Paradiso Lussemburgo는 유럽 및 글로벌 맥락에서 룩셈부르크를 다양한 국적과 문화를 구성하는 국가 표본으로 제시합니다. 동일한 정체성이 결합됩니다. 그것은 비판적이고 정치적이며 환상적인 방식으로 복수적이고 복잡한 정체성의 외부 한계를 향한 여정입니다.

마케도니아 파빌리온 : 우리 모두가 홀로 있습니다
“We Are All In This Alone”이라는 제목의 Hristina Ivanoska와 Yane Calovski는 오늘날 동시에 발생하는 여러 사회 정치적 조건에 대한 믿음의 개념을 다룹니다. 이 프로젝트는 12 세기에 알려지지 않은 작가가 그린 Kurbinovo에있는 St. Gjorgi 교회의 프레스코 화 그림, Simone Weil, Luce Irigaray의 글, Paul Thek의 개인 메모 등 여러 복잡한 출처를 참조합니다. 1970 년대부터. 형식적인 미학과 문학적 출처의 표현에서 정치적 가치를 찾는 동안,이 작품은 믿음의 개념에 의문을 제기하면서 과거와 현재를 지속적으로 참여 및 분리하는 방식을 명확히 표현해야하는 특별한 시급함을 전달합니다.

형식적인 미학과 문학적 출처의 표현에서 정치적 가치를 찾는 동안,이 작품은 믿음의 개념에 의문을 제기하면서 과거와 현재를 지속적으로 참여 및 분리하는 방식을 명확히 표현해야하는 특별한 시급함을 전달합니다. Yane Calovski의 그림과 콜라주는 베를린의 Marzona 컬렉션에서 최근 발견 된 Paul Thek의 서신을 참조하여 자신의 작품을 제작, 생산 및 유지하면서 공동 제작의 이상주의에 대한 믿음을 유지하는 동안 생존의 어려움을 해결했습니다. 또한 언어를 생산해야한다는 평범한 진부함을 훨씬 뛰어 넘는 세부 사항에 숨겨진 시학의 가치를 언급하면서 Calovski는 문자 그대로 이미지를 종교적 상징으로 물리적 처리를 통해 획득 한 보이지 않는 아이콘을 그립니다.

모리셔스 파빌리온 : 한 시민으로부터 아이디어 수집
모리셔스 파빌리온은 모리셔스와 유럽 예술가 간의 대화를 기반으로 한 모리셔스 예술적 장면의 일부일뿐만 아니라 “지금의 예술”을 평가할 때 서양의 관습을 반영합니다. 서로의 미적 및 이데올로기 적 기준에 도전합니다. , 예술 이론과 실천, 식민 유산 및 식민 후 관계, 문화의 교육 및 정치화에 대해 논의합니다. 포용성과 차이에 대한이 간접적 인 접근 방식을 통해 각국의 저명한 예술가 13 명의 작업이 수행 한 모리셔스 파빌리온은 세계 예술계의 “온도를 측정”하고 많은 질문과 답변 외에도 제공 할 수 있습니다.

멕시코 파빌리온 : 자연 소유
“Possessing Nature”는 아키텍처, 인프라 및 글로벌 권력 간의 관계를 조사합니다. “Possessing Nature”는 여러 조사 점, 평 행성, 의도, 긴급 성 및 성찰 행위에서 시작되었습니다. Possessing Nature는 기능을 불러 일으키는 공학 장치로 인식되어 기념비적 인 조각품, 유압 시스템, 공명 실, 거울 및 운하로 자신을 표현합니다. (반대) 인프라의 한 부분으로, 물질 성과 역 동성, 오만함과 꿈의 한계라는 현대성의 두 가지 순간을 강조합니다. 변동하고, 흐르고, 떨어지고, 목욕하고, 넘쳐나는 것은 자연이기 때문에 연상 적입니다.

기념비적 인 조각품으로서 전시 공간에 긴장감을 불러 일으켜 억압 할 정도 다. 유압 시스템으로서 석호에서 끌어온 물의 압력을 사용하여 기념물 내부에 난류를 생성하여 입에서 물을 진정시킵니다. 이 물 거울은 표면에 투사되는 이미지를 수신하고 굴절시킵니다. 거울과 투영 사이에 생성되는 ‘물성’은 이미지의 질감에 대한 우려를 불러 일으켜 결국 자체 스펙트럼 특성을 격렬하게 방출합니다. 이 조각품은 기념비, 폐허, 유령으로서의 “배수 시스템”의 일부일뿐 아니라 모든 자연적이고 중요한 흐름을 주기적으로, 시간을 초월하여 소유물, 즉 처분 된 것으로 빼내는 상징적 행동으로서의 “배수”이기도합니다. 그러므로,자연을 소유하는 것은 상처, 덕트, 도랑입니다. 도시의 군사 중심에 놓인 배수 시스템은 물 속에 엎드려 있습니다.

몽골 파빌리온 : 기타 홈
몽골 파빌리온은 몽골 유목 생활의 유기적 재료로 작업하고 문화적 타자 성과 현대의 자연으로부터의 소외의 세계적 문제에 대한 질문을 제기하는 두 명의 예술가 Unen Enkh와 Enkhbold Togmidshiirev를 소개합니다. 유목민 및 몽골 인과 베니스의 관계에 대한 역사적 유산을 바탕으로 몽골 파빌리온은 두 가지 유형의 예술 프레젠테이션으로 구성됩니다. 모라 궁전의 좌식 파빌리온 공간과 유목민 파빌리온입니다. 새로운 세계화 시대는 첨단 기술과 대륙 간의 이동성이 특징이며 종종 자신의 소속에 대한 의문을 불러 일으 킵니다. 몽골 관은 ‘고향’이라는 다각적 인 개념을 통해 전 세계적인 이주 문제에 대응합니다.세계 어느 곳에서나 사람들과 문화 사이에 에너지를 공유하는 사이트입니다.

모잠비크 파빌리온 : 현대 모잠비크에서 전통과 현대의 공존
이질적인 문화의 나라, 모잠비크의 파빌리온. 예술과 영성의 관계를 설명하기 위해 전통과 현대의 오브제에 초점을 맞춘 현대 미술 제작 전시. 디스플레이는 머리 받침, 도기, 가면, 구슬 세공, 조각품, 동상, 바구니 및 신체 손상과 같은 문화적 생산 품목을 통합하여 문화적 정체성, 아름다움 및 지역 사회 구성원의 사회적 지위를 표현하는 데 사용됩니다. 그리고 특히 점술 의식에 사용되는 물건. 이번 전시는 전통 미술이 현대에 가지고있는 중요성과 지속적인 연관성을 강조하고 현재 문화 발전에서 그 역할을 탐구하는 것을 목표로한다. 이러한 전통적 대상에 대한 분석에서 점의 역할과 사회에서 점의 중심 위치를 명확히하는 것이 중요합니다.

물체의 영적 가치와 목적은 아프리카 인들에게 미학적 가치에 영향을 미칩니다. 이러한 대상은 개인을 조상과 연결하는 가족 가보이기 때문에 또는 역사적 중요성이 있기 때문에 사람들에게 중요 할 수 있습니다. 대상은 영성의 전달자가되는 것 외에도 개인을 문화적 과거와 연결하기 때문에 중요합니다. 주요 과제 중 하나는 현대 미술과 일상 생활의 중요한 구성 요소 인 전통 미술이 예술 운동의 영향을 받아 전 세계의 주류 예술 개념 내에서 자리를 차지하고 있다는 사실입니다. 인류의 미래를 향해 눈에 띄게 기능합니다.

네덜란드 파빌리온 : Herman de vries-모든 방법으로
“모든 방법으로”라는 제목의이 프로젝트는 유기 재료를 사용하고 더치 파빌리온, 흙 안료를 지 아르디 니로 재 설계하고 더 나아가 석호의 여러 위치로 재 설계했습니다. Herman de Vries가 고안 한 자연의 표현. 네덜란드 예술가의 최근 작품과 함께 파빌리온 하우스는 베니스시를 위해 특별히 제작 된 작품으로, 서식지, 탐험 생태계로 분석되었습니다. Natura mater는 Lazzaretto Vecchio에 있습니다. 현재 무인도는 한때 전염병이나 그에 따른 전염병 발생으로 고통받는 것으로 생각되는 사람들을 위해 격리 구역을 보관했습니다. 장미 꽃 봉오리, 습지 식물로 장식하십시오.

뉴질랜드 관 : 비밀의 힘
뉴질랜드 파빌리온을위한 Simon Denny의 프로젝트는 마르코 폴로 공항의 도착 구역과 Piazzetta San Marco에있는 Biblioteca Nazionale Marciana의 기념 비실이라는 두 공간으로 나뉘어졌습니다. 공항 설치는 에어 사이드 구역 내에 있습니다. Secret Power는 스노우 덴 이후 시대의 지식과 지리의 교차점을 다룹니다. 기술과 디자인이 담당하는 역할에 초점을 맞춰 지정 학적 공간을 설명하기 위해 현재 및 구식 언어를 조사합니다. 두 장소의 맥락과 역사는 Secret Power를위한 매우 생산적인 프레임 워크를 제공하며 작업을 통해 직접 참여했습니다.

Simon Denny는 Marco Polo 공항에서 터미널을 사용한 최초의 비엔날레 아티스트입니다. Denny의 설치는 국경을 넘나들며 상업 디스플레이, 현대 공항 인테리어 디자인, 지식의 가치에 대한 역사적 표현을 혼합합니다. Denny는 도착 라운지의 바닥과 벽에 걸쳐 도서관 장식 인테리어를 실제 크기로 복제하여 솅겐과 비 솅겐 공간 사이의 경계를 가로 지르는 두 개의 실제 크기로 복제했습니다. Marciana Library에서는 NSA 내부 고발자 Edward Snowden이 2013 년에 시작된 세계 언론에 미국의 극비 통신 감시 프로그램을 요약 한 PowerPoint 슬라이드 유출의 영향.이 슬라이드는 미국 정보 업무에서 뉴질랜드의 역할을 강조했습니다.미국 주도의 파이브 아이즈 동맹의 일원으로

노르딕 파빌리온 파빌리온 : 휴거
특정 시간에 음악가와 보컬리스트의 공연 세트 인 “휴거”와 시각, 음향 및 건축 적 신체를 통해 인체와 소리의 관계를 탐구하는 3 부작 간행물. , 국경, 심지어는 보이지 않는 것들까지 침투합니다. 역사를 통틀어 공포는 음악이 몸과 마음에 미치는 역설적 효과와 관련이 있으며 보상을 제공하는 제어 탈 중앙 화자로서의 힘과 관련이 있습니다. Camille Norment는 유리와 물 위의 손가락 터치에서 나오는 미묘한 음악과 12 명의 여성 목소리의 합창. 이러한 요소를 파빌리온 자체 내에서 결합하여 norment는 사운드의 역사, 현대적인 개념을 반영하는 몰입 형 다중 감각 공간을 만듭니다. 자음과 불협화음,그리고 베니스의 물, 유리 및 빛.

유리 아르 모니카 인 Antoinette는 처음에는 매혹적인 음악으로 사람들을 치료하는 것으로 유명했지만 나중에는 엑스터시 상태를 유도하고 여성의 성적 흥분을 불러 일으키는 것으로 여겨져 금지되었습니다. 성 및 마약과 유사한 상태를 유도 할 수있는 것으로 인식 된 음악은 여전히 ​​세계의 많은 사람들에게 제어되어야하는 경험으로 간주되며, 특히 여성의 신체와 관련하여 점점 더 제어 도구로 사용되고 있습니다. 특히 전쟁의 정당화 아래. 현대적 맥락에서 Norment는 소리의 역사, 동시대의 자음과 불협화음 개념, 베니스의 물, 유리 및 빛을 반영하는 다중 감각 공간을 만들어이 음악이 오늘날 제기하는 긴장감을 탐구합니다.작가는 많은 검열 된 “악마의”삼중 음과 유리 아르 모니카의 미해결 음표에 해당하는 목소리의 합창을 구성하고이 합창은 방문객을 “Rapture”에 몰입시킵니다.

페루 파빌리온 : 잘못 배치 된 유적
길다 만틸라 (Gilda Mantilla)와 라이 몬드 차베스 (Raimond Chaves)가 “잘못 배치 된 유적”이라는 제목의 제목은 문화적 차이를 끌어들이는 문제를 다루며, 국제 이동성과 사회적, 문화적, 이념적, 언어 적 “소속”에 필요한 번역 및 초 국가적 협상을 조율합니다. 페루에 대한 암시는 풍부합니다 : 콜럼버스 이전의 건축, 도시 확장, 타블로이드 저널리즘, 지하 경제, 최근 역사의 사건, 전통 음악, 광고판이 달린 고속도로, 심지어 지역 기상 조건 (리마의 보통 흐린 하늘). 그러나 예술가들에 의해 번역 된 이러한 암시는 모호한 인용이됩니다. 문화적으로 특정한 언급은 번역의 사각 지대 (정치적 의제, 기득권, 모호함)에 의해 배신됩니다.Mantilla와 Chaves는 다른 그룹의 사람들이 “자신의 것”이라고 생각할 수있는 문화, 역사, 전통은 항상 투쟁의 장소라고 제안합니다.

필리핀 파빌리온 : 세계 일주
Palazzo Mora의 필리핀 파빌리온은 Manuel Conde의 1950 년 영화 Genghis Khan과 미디어 아티스트 Jose Tence Ruiz 및 영화 감독 Mariano Montelibano III와 같은 현대 예술가의 작품 옆에 전시되어 있습니다. 이번 전시회는 “바다의 역사와 현재 세계와의 관계, 유산에 대한 주장, 광활하고 치열한 자연에 대한 민족 국가의 투쟁”에 대한 대화를 이끌어 낼 것을 약속합니다.

징기스칸과 접하는 호세 텐스 루이즈의 작품은 쇼알 작품에서 시에라 마드레를 언급합니다. Ruiz는 금속, 벨벳 및 나무의 집합체를 통해 떼의 양면 실루엣으로 스펙트럼 우주선을 연상시킵니다. 매니 몬 텔리 바노가 필리핀 서해에서 다중 채널 비디오 작품 A Dashed State를 선보입니다. 그것은 광대 한 공간을 가로 지르는 서사시와 라디오 주파수의 소리와 섬에서 겉보기에 사건이 발생하지 않는 삶의 방식의 삽화에 머물러 있습니다. 팔라완의 유리한 지점에서 보르네오와 남중국해의 문턱에서 그는 불가능한 조건, 즉 공통 바다를 만들고 국경과 가장자리가있는 곳, 우울함과 이주를 촬영합니다.

폴란드 파빌리온 : 할카 / 아이티. 18 ° 48’05 “N 72 ° 23’01″W
Joanna Malinowska와 Christian Tomaszewski가 표시 한 다문화 주제에 대한 참여는 열대 지방에 오페라를 가져 오려는 그의 미친 계획을 재검토하기로 결정했습니다. 무대로 결정된 오페라는 1858 년 바르샤바 초연 이후 폴란드의 “국가 오페라”로 간주되는 계급차에 의해 파괴 된 사랑의 비극적 인 이야기 인 Stanisław Moniuszko의 Halka였습니다.이 오페라의 역사적 배경은 1800 년대 초 나폴레옹이 그의 작품을 보냈습니다. 노예의 반란을 진압하기 위해 식민지 아이티로 군대를 투입합니다. 자신의 점령자인 프로이센과 오스트리아에 맞서 프랑스와 동맹을 맺으려는 폴란드 군단이 군대에 합류했습니다. 아이티 인들이 자유를 위해 싸우고 있다는 것을 깨달은 폴란드 군인들은 프랑스 군을 켜고 혁명을 도왔습니다.

Fitzcarraldo의 식민 낭만주의를 약화시키려는 시도에서 그들은 폴란드의 “국가 오페라”로 간주되는 “Halka”를 사람들이 거주하는 마을, 아이티, Cazale의 겉보기에 드물게 보이는 장소에서 공연함으로써 일련의 특정한 역사적, 사회 정치적 현실에 맞서기로 결정했습니다. 후손. 2015 년 2 월 7 일, 구불 구불 한 비포장 도로에서 랩한 현지 청중들에게 한 번만 공연 된 “Halka”공연이 공개되었습니다. 폴란드와 아이티 공연자들의 콜라보레이션 인이 행사는 나중에 베니스 비엔날레의 폴란드 파빌리온에서 대규모로 투영 된 파노라마로 선 보이기 위해 한 번의 테이크로 촬영되었습니다.

포르투갈 파빌리온 : 나는 당신의 거울 /시와 문제
João Louro의 “I ‘ll Be Your Mirror”프로젝트는 Velvet Underground의 노래 제목을 차용했습니다. 포르투갈 파빌리온을 위해 특별히 제작되었으며 Palazzo Loredan 도서관의 각 공간에 매우 잘 적응 된 작품은 João Louro가 항상 새로운 의미 론적 측면을 생성하고 우리의 시각에서 받아 들인 규범에 대한 의구심을 불러 일으키는 데 보여 주었던 우려를 강조합니다. 문화는 물론 관중의 역할을 참가자의 역할로 전환하여 발명 된 장소를 만들고 장면을 상상하고 우리가 가장 깊은 욕망과 열망을 키울 수있는 단어에 거주합니다. 이 작품에서 Louro는 시각적 언어와 그 표현 방법을 강조하고 해석을 예술 작품과 관객 사이의 소통의 한 형태로 간주합니다.느끼고, 반영하고, 교환하기 위해 새로운 사고 영역을 구성하려고합니다.

Louro는 그의 경력, 예술적, 문화적 신념, 그의 관심사 및 미적 및 사회 학적 결정에 대한 개요를 설정합니다. 미니멀리즘과 개념 미술에서 가져온 요소를 통해 Louro는 그의 독서, 음악 및 영화가 그의 길에 남긴 흔적에 따라 자신의 세계를 구축합니다. 이러한 흔적을 융합하여 그는 일종의 자서전, 개인 일기를 작성합니다. 여기에는 텍스트 나 사건이 의미로 가득 차 있습니다. 그는 이미지와 언어의 의미와 상징적 효율성에 대한 질문을 되풀이하며, 투명성 또는 지우기를 전략으로 사용하여 우리에게 접근이 거부되고 관중은 항상 작업의 일부임을 상기시켜줍니다. 작업은 거울과 같습니다. 관중에게 주요 역할을 부여합니다. João Louro ‘개념적 작업은 예술 작품 자체의 좁은 여백 밖을 반영하는 이미지의 한계와 표현력에 대한 질문이다.

Romani Pavilion : Adrian Ghenie : Darwin의 방
Adrian Ghenie의 최근 그림 전시 “Darwin ‘s Room”. Adrian Ghenie는 종종 초상화 또는 인테리어와 같은 변덕스러운 그림으로 유명하며, 브러시 추상화 패치로 장식합니다. Ghenie는 Charles Darwin의 성격과 그의 최고 가설 인 진화의 발전과 그에 따른 20 세기 왜곡에 대해 탐구합니다. 세 부분으로 구성된 전시회는 예술가가 Darwin으로 만든 일련의 자화상을 포함하여 Ghenie의 최근 출력물에 걸쳐 있습니다. 그의 그림에서 작가는 중력의 주요 역사적 인물을 제거하고 차례로 정의하고 안내하는 서사로서의 역사 자체의 유용성을 제거합니다.

“다윈의 방”이라는 제목은 위대한 영국의 자연 주의자의 일련의 초상화 (그리고 자화상을 가장 한 자화상)뿐만 아니라 확장 된»진화 연구실로서의 20 세기 역사에 대한 Ghenie의 탐구를 지칭합니다.« 과거와 미래의 역사를 우화 적으로 엮어내는 일환으로 생존과 지배를 위해 싸우는 중요한 아이디어. 전시 전체의 개념적 구성은 기억과 욕망, 격변과 광경으로 정의되는 현대 세계에 대한 작가의 비전을 기반으로합니다.

러시아 파빌리온 : 그린 파빌리온
러시아 관은 Irina Nakhova의 The Green Pavilion을 선보입니다.
화가이자 설치 예술가 인 Irina Nakhova는 사회주의 이데올로기와 이미지를 약화시키려는 운동 인 모스크바 (또는 러시아) 개념주의의 발전에 기여했습니다. Nakhova는 환경을 “Shchusev와의”콜라보레이션 “에서의 전체 설치”라고 설명합니다. 녹색으로 칠해진 파빌리온의 외관은 45 회 베니스 비엔날레 동안 생생한 외관과 빈 내부가 강조된 Kabakov의 Red Pavilion (1993)을 참조합니다. 러시아 포스트 모더니즘에 대한 색의 중요성과 모스크바 개념 주의자들의 중심이었던 공허의 개념, “공허에 매달려있는 것과 같은”.

Shchusev가 러시아 파빌리온을 5 개의 개별 공간으로 나눈 나 코바는 1980 년대 방 시리즈를 다시 방문하게되었고, 관객이 예술 실험에 적극적으로 참여했습니다. 나 코바는 “초 프리 마스트주의”색상, 녹색, 밝은 빨강 및 검정을 단호하게 사용합니다. 방 1에있는 인상적인 “조종사 머리”와 같은 독창적 인 비디오 사용; 파빌리온 아키텍처의 놀라운 조작, 파빌리온의 다양한 레벨 사이에 리드미컬 한 연결을 설정하고 동시에 방문객 사이에 리드미컬 한 연결을 설정하기 위해 천창을 닫습니다. 예를 들어 실제로 몰입감 있고 거의 물리적 인 경험을 제공합니다. 공공의. Kabakov의 비엔날레처럼 지역주의에서 국제 예술 현장으로 이동하는 러시아 현대 미술을 보여주기위한 Nakhova의 “그린 파빌리온 “은 다시 소련 시대 이후 러시아 예술가들의 세계적 위치를 바라 봅니다.

산 마리노 파빌리온 :
“우정 프로젝트 : 예술의 조각과 건축”이라는 제목의 산 마리노 파빌리온은 아테네 오 베네토 홀 내에 10 개의 조각품을 전시했습니다. 구조물은 슬래브에 새겨진 정맥과 함께 땅에 매달린 흰색 천 안에 표시됩니다. Enrico Muscioni와 Massimiliano Raggi는 중국 조각가 인 Fan Haimin, Fu Yuxiang, Min Yiming, Nie Jingzhu, Wu Wei, Wang Yi, Shen Jingdong, Zhang Hongmei, Zhang Zhaohong 및 Zhu Shangxi와 협력했으며 산 마리노 대학교.

세르비아 파빌리온 : UN Dead Nations
“유엔 데드 네이션스 (United Dead Nations)”라는 제목의이 설치물은 더 이상 존재하지 않지만 유령이 여전히 지리를 조절하고있는 국가에 초점을 맞추어 포스트 글로벌 시대에 국가의 개념이 무엇을 나타내는 지에 대한 대화를 구축하는 것을 목표로합니다. : 오스트리아-헝가리 제국, 오스만 제국, 소비에트 연방, 독일 민주 공화국, 유고 슬라비아 등. 그렇게함으로써 국가 개념이 구현하는 욕망과 갈등의 다면적 스펙트럼과 자연과 영속성에 대한 질문이 고려됩니다. 오늘날의 국가들이 부과되고 있습니다. UN Dead Nations는 부재 한 정치를 재현하고 사회적 현실이 형태와 이미지로 번역되는 공간 인 시각 영역 내에서 새로운 표현 관계를 열어 미적 예술 체제에서 대안 적 삶을 가능하게합니다.

Ivan Grubanov는 그의 그림 의식에서 죽은 깃발을 모델, 수단 및 재료로 사용하여 이미지 제작 과정을 강조합니다. 작가의 의도는 예술의 가치 틀에 의문을 제기하는 새로운 상징적 분야의 창조에 있으며, 동시에 죽은 국가의 재 확립 된 권위자들이 가시적 영역에서 계속 경쟁 할 수 있도록한다. 20 세기에 사회적, 정치적 격변으로 잃어버린 문화의 기억. 그의 모국을 유고 슬라비아에서 “세르비아”로 이름을 바꾼 것에서 영감을 얻은 것으로 추정됩니다. Grubanov는 깃발을 모으는 설치물에서 최근 해산 된 국가의 유산을 탐구합니다. 파빌리온 플로어에서 더럽고 구겨진쓸모없는 국가적 상징 더미는 정치적 혼란에 직면 한 정체성의 일시적인 본질을 탐구합니다.

세이셸 파빌리온 : 시계 태엽의 일몰
세이셸 파빌리온은 국제 사회에 그들이 모래 해변, 야자수 및 청록색 바다의 그림 완벽한 엽서 이상이라고 말합니다. 세이셸은 예술가를 통해 이야기가 전달되는 풍부하고 복잡한 문화입니다. George Camille은 수많은 두꺼운 산업용 케이블을 사용합니다. 각 케이블을 벗겨 내고 내부 배선을 어두운 케이스에서 분리하여 잎 모양으로 만듭니다. 이 멀티미디어 작업은 폐기, 재생 및 세이셸 현지에서 조달 한 자료를 사용합니다. Leon Wilma Lois Radegonde의 작품은 풍화 캔버스, ‘objets trouves’로 구성되어 있으며, 석유 얼룩, 태양 표백 및 썩어가는 지구, 모두 새겨지고 꿰매고 그을린 자국을 남깁니다. 미래를 추측하려면 자신의 역사를 이해해야합니다. .세이셸의 정체성은 빠른 속도로 재정의되고 있습니다. 종종 음소거되는 예술가들의 목소리는 문화의 풍부함과 복잡성에 새로운 빛을 비추고 있습니다.

싱가포르 파빌리온 : Sea State
Sea State는 영화, 사진 및 기록 자료를 통해 싱가포르와 바다와의 관계를 조사하는 예술가이자 전 올림픽 선원 Charles Lim이 2005 년에 시작한 프로젝트입니다. 국가를 물리적 인 것으로 생각할 때 우리는 땅덩어리를 상상합니다. 그러나 바다에 닿는 모든 나라의 진정한 경계는 땅의 가장자리가 아니라 물속입니다. 실제 국경과 상상 한 국경은 특히 싱가포르와 같은 섬의 경우 상당히 다릅니다. Sea State는 그 경계를 보이게합니다. 그것은 일반적으로 배경에 유지되는 것, 바다의 실제 깊이 및 불안한 해양 무의식을 전면에 불러옵니다.

이 프로젝트의 구조는 바다 상태를 측정하기위한 세계 기상기구의 코드에서 영감을 얻었으며,이 코드는 잔잔한 상태에서 보통 상태, 경이적인 상태에 이르는 다양한 상태를 숫자로 표시합니다. 싱가포르의 육지와 해상 경계에 대한 이해와 환경에 대한 통제권을 되 찾으려는 싱가포르의 추진력에 대해 질문하고 재정의하려고합니다. Charles Lim의 관행은 현장 조사와 실험, 공연, 그림, 사진 및 비디오를 통해 중재 및 정보를 제공하는 자연 세계와의 친밀한 관계에서 비롯됩니다. 그의 작품은 역동적 인 해안 생태를 가시화하여 글로벌 자본주의의 인프라가 해양 환경을 대체하는 것이 아니라 거주하고 변화시키는 방식을 보여줍니다. 급속한 글로벌 교류의 시대에바다 놀이의 초 국가적 공간은 자연과 문화 사이의 역동적 인 상호 작용을 주최하며 우리 시대의 많은 주요 불안을 구성합니다. 다양한 미디어와 학문을 수용하는 싱가포르 파빌리온은 우리를 최근까지 하나의 이론에 불과했던 장소로 안내합니다.

슬로베니아 파빌리온 : UTTER / 구현 된 희망의 존재를위한 폭력적 필요성
“UTTER / 희망의 실체화 된 존재를위한 폭력적 필요성”이라는 제목의 프로젝트는 시적 입장과 역동적이고 정치적인 존재로서의 작품을 창조하려는 Jaša의 목표의 핵심을 포괄합니다. 이 작품은 예술가와 그의 협력자, 대중을 하나로 묶는 공간 설치와 현장 공연으로 생각된다. 이 프로젝트는 설치, 생각을 반영하기 위해 활성화 된 건축 도면, 구체화 된 형태로 (재) 행해야 할 필요성을 표현하는 지속 가능한 공연으로 구성됩니다. 이러한 요소는 공존하고 얽혀 예술 작품의 필수 경험을 형성합니다. 이 프로젝트는 저항, 협력 및 희망의 세 가지 주요 주제에 중점을 둡니다. 각 테마의 정력적인 자세가 부분적으로 해결되었습니다.건축 쉘 내에서 수행 체의 장기적인 공존, 반복적 인 수행 동작의 공동 생성 및 조화 모멘트 생성을 통해. 시각적, 소리 및 성능의 다 성적 상황이 엄격한 주간 대본에 제출되었습니다.

슬로베니아에서 가장 다작하고 비판적으로 인정받는 현대 예술가 중 한 명인 JAŠA는 상황, 내러티브, 조각 및 공연에 대한 랩 소드 적 해석에 의해 주도됩니다. 물질과 내용에 대한 그의 연금술 적 연결을 통해 JAŠA는 공간을 경험으로 변환하여 시적이고 황홀한 잠재력을 향해 나아가게합니다. 그의 작품에서는 공생의 이데올로기를 기반으로 한 현장 별 설치, 지속되는 공연이 예술의 공동 경험을 현실로하는 비전에 반응하고 공식화하려는 그의 충동을 보완합니다. 반복적 인 기간 공연의 요구와 엑스터시를 고려할 때이 프로젝트는 체계적인 규율 행위입니다. 집단적 감성을 요구하는 것입니다. 지속적으로 반복되는 행동, 지식, 제스처 및 이러한 제스처를 의식으로 변환함으로써,공연자 그룹은시의 힘으로 공동체와 통일의 개념에 대한 전염병의 실현을 요구하는 반항적 인 힘을 소환합니다.

스페인 파빌리온 : 주제
스페인어 파빌리온은 Dalí 인터뷰와 단어, Dalí 주제를 탐구합니다. Dalí가 그의 작품으로 대표되지는 않았지만 주제로 존재했던 집단 프로젝트. 그것은 개념적으로 그와 서로 연결된 예술가들의 다른 목소리를 통해 달리를 드러낸다. 페르소나-주체의 관능미를 출발점으로 삼아 비일상적인 해석을 할 수있는 다른 주제들을 탐구한다. “기억의 끈기”에 대한 경의, 그의 작품보다는 그의 말과 인터뷰는 스페인 관에서 세 가지 프로젝트에 영감을 불어 넣었습니다. Dalí는 Salazar, Cabello / Carceller, Ruiz가 영화, 만화, 사물을 사용하여 아이콘의 사적 및 공공 영역을 재창조하는 개념이되었습니다. 파빌리온의 제목에서 알 수 있듯이 “주제”달리의 사회적 개념화를 반영 할뿐만 아니라 사회가 정체성을 창조하는 수단을 굴절시킨다.

Cabello / Carceller는 다중 정체성과 비정의 가능성을 중심으로 한 예술적 제안을 설계했습니다. 페미니스트 입장과 퀴어 이론에 뿌리를 둔 그들의 공연, 영화 및 설치 작업은 개인의 정체성과 정치적 투쟁에 대한 중요한 통찰력을 제공합니다. 달리의 정신은 전설적인 예술가의 자신의 신문에도 실려 있습니다. 스페인 파빌리온에서 Pepo Salazar는 순간과 유형을 혼합하고 모든 옵션이 가능한 프레임 워크를 만드는 원자화 된 창작물 인 자신의 특정 방식에 맞는 작업을 선보입니다. Dalí와 마찬가지로 Pepo Salazar는 관습을 어 기고 예술 분야에서 일하는 것이 의미하는 바에 대한 깊은 지식을 배양하여 예술적 행동의 범위를 확장합니다. 살라자르파빌리온 프로젝트는 살바도르 달리의 상상의 독립 선언과 자신의 광기에 대한 인간의 권리와 관련이 있습니다.

남아공 파빌리온 : 남은 것은 내일입니다
남아 프르 시아 파빌리온은 “내일은 남아있는 것”이라는 제목으로 권력, 자유, 시민 자유의 지역적 반복에 깊이 투자 한 예술가들의 작품을 선보입니다. 이 프로젝트는 남아프리카에서 최근의 중요한 작업을 대표 할뿐만 아니라 현대의 순간과 과거의 내러티브 사이의 관계에 대한 복잡하고 역동적 인 토론을 시작하고자합니다. 이 프로젝트는 단순히 우리 사회에 거울을 비추는 작품을 제시하거나 국제 청중에게 현지 시대 정신 주의적 감각을주기 위해 많은 잘못과 불의를 제공하는 것을 원하지 않았습니다. 예를 들어 공공 부문, 박물관 디자인 및 큐레이터, 건축 관행 등 일부 영역에서 우리는 과거에 가끔씩 과거에 살도록 강요했던 과거를 개별적으로 그리고 함께 참여했습니다.

미래의 길을 탐색하려면 과거에 대한 명확한 이해와 깊이있는 생각이 있어야합니다. South Afrcia의 과거는 복잡했습니다. 그들은 우리를 과거 (제국주의와 식민주의로부터)에서 등장했을뿐만 아니라 국가와 국가의 개념을 낳는 역사의 거대한 내러티브와는 다소 다른 관계의 집합체로 연결합니다. 이곳에서 작품을 선보인 예술가들은이 지형을 탐험합니다. 그들은 누가 들어오고 누가 나가는 지에 대한 깊은 가정에 문제를 가지고 있습니다. 그들은 심문을 받아야하는 소속에 대한 서술이 있다는 느낌을 가지고 있습니다. “느린”형태의 폭력은 우리를 안쪽에서 바깥쪽으로 잡아 먹고 있습니다. 그렇게함으로써 우리는 향수와 역사에 대한 신화적이고 박물관 학적 접근의 위험에 대해 경계하게되었습니다.우리는 인간으로서 우리의 실수로부터 배울 수없는 것처럼 보인다하더라도 과거가 중요한 참고 자료이자 무엇을해야하는지 아는 열쇠라는 생각을 버리지 않았습니다.

시리아 아랍 공화국 파빌리온 : Origini della civiltà
전시 “문명의 기원”은 현대의 변화하고 다양한 모습을 표현하는 자유로운 미적 표현 간의 대화 개발에 대한 지원을 반복합니다. 이 주제에 대응하기 위해 Pavilion은 시리아 Narine Ali, Ehsan Alar, Fouad Dahdouh 및 Nassouh Zaghlouleh, 이탈리아 Aldo Damioli, Mauro Reggio 및 Andrea Zucchi, 중국 Liu Shuishi, 스페인 Felipe Cardeña, Albania Helidon Xhixha의 작품을 선보입니다. , 및 Ukrain Svitlana Grebenyuk은 매우 다른 환경 및 역사적 환경에서 성숙했지만 국경을 극복 할 수있는 문체 적 지리학에 중점을 둡니다.

Helidon Xhixha는 또한 베네치아 해역으로 둘러싸인 빙산을 만들어 바닷물에 잠길 위험이 있습니다. 거울처럼 광택이 나는 스테인리스 스틸로 만들어져 도시와 물이 많은 환경을 반영합니다. Xhixha의 Iceberg (2015)는 해류와 바람의 움직임과 함께 흔들립니다. 이러한 움직임은 변화하는 빛과 날씨, 배와 사람의 흐름과 함께 빙산의 반사 표면이 거울처럼 지속적으로 이동하게합니다. 그러나 이러한 환상은 눈을 즐겁게하지만,이 작업은 또한 상기시켜주는 역할과 경고 역할을합니다. 결국 빙하가 녹아서 베니스가 세워진 물에 땅을 형성했습니다. 그리고 이제 우리의 환경 악화로 인한 기온 상승 덕분에빙하가 녹아 (다른 요인들 중에서) 도시와 그 도시의 예술적, 역사적 보물을지도에서 쓸어 버릴 위험이 있습니다.

스웨덴 파빌리온 : Lina Selander. 이미지 발굴 : 각인, 그림자, 유령, 생각
제목 “이미지 발굴 : 각인, 그림자 스펙터, 생각.” Selander의 영화 설치는 종종 역사적인 사건을 바탕으로하며, 그녀는 수 필적 접근 방식과 고고 학적 접근 방식을 모두 사용하여 개인 이미지와 공공 이미지가 기억 또는 역사를 정의하는 방식을 밝혀냅니다. Selander는 그녀의 개별 작품을 일종의 포괄적 인 메타 몽타주로 제시하는데, 이는 특히 공통점이 있기 때문에 개별 작품의 형식과 잘 어울립니다.

모든 작품은 표현, 기억, 대상, 각인 또는 표면과 그에 대한 우리의 관계와 같은 이미지의 상태를 중심으로 어떤 식 으로든 회전합니다. 그들은 역사적 사건의 공식적인 표현과 그것을 생성하는 시각적 언어 및 장치를 조사하여 여러 측면에서 역사가 기록 장치 및 기술의 역사임을 강조합니다. 또한, 작품은 자연의 이미지와 병치 된 체르노빌과 히로시마의 재난을 통해 현대성의 욕망과 실패와 관계를 공유하며 사진, 지질 및 핵 과정의 시각 효과를 교차 참조하여 새로운 퇴적물을 생성합니다. 의미의.

스위스 파빌리온 : 제품
“우리 제품”이라는 몰입 형 설치는 제품의 기술, 과학 및 개념적 개발에 동원 된 지식을 활성화하여 문화적으로 통합 된 예술의 의미를 전복시킵니다. 이 프로젝트는 빛, 색, 향기, 소리와 같은 비 물질적 요소와 호르몬, 심지어 박테리아와 같은 유기적 요소로 구성됩니다. Pamela Rosenkranz가 선택한 재료, 예를 들어 bionin, evian, necrion, neotene, silicone … 사람들은 실제로 구성되는 물리적 물질에 더 익숙합니다. 그러나 그들이 발산하는 겉보기에 순수하고 시대를 초월한 미적 특성은 생물학적 기반을 가지고 있습니다. Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom… 우리 제품, 가상 화학 및 생명 공학 제품의 성분입니다.감각, 중요한 기능, 심지어 우리의 고통을 덜어주기 위해 고도로 발전된 산업에서 만들어졌습니다. 그들의 과학적 및 산업적 이름은 끝없이 선언됩니다.

Rosenkranz는 스위스 파빌리온의 내부 공간을 플라스틱으로 분리하여 단색의 액체로 채 웁니다.이 색상은 현재 광고 산업에서 물리적으로 관심을 높이는 입증 된 수단으로 사용됩니다. 이동, 태양 노출 및 영양과 관련된 광범위한 자연사에서 파생 된 유럽 중심의 피부색은 건물 맨틀을 덮는 녹색 코팅과 대조됩니다. 외부 안뜰은 실내와 실외를 구분하는 인공 녹색 조명으로 조명됩니다. 생물학적으로 매력적 인 벽 페인트는 문화와 자연의 분리를 더욱 해소합니다. 설치는 예술과 상업 문화 모두에 의존하는 태고의 미적 반사를 적절하게하지만인지 적으로 방해가됩니다.

태국 파빌리온 : 지구, 공기, 불 및 물
많은 고전 세계관에서 네 가지 기본 요소가 모든 것이 구성되는 필수 구성 요소를 구성한다고 믿어집니다. 지구, 공기, 불 및 물. Tassananchalee의 개념은 세계가 얼마나 발전했는지와 “모든 세계의 미래”가 어떤 길을 택하든간에 생명의 기본 구성 요소는 영원하다는 것입니다. 혼합 미디어 그림을 통해 개념의 상상력을 발전시킨 Tassananchalee는 Earth, Air, Fire & Water에 대한 그의 상징을 대형, 수력 및 레이저 컷, 스테인리스 스틸, 알루미늄 및 네온 조명 조각으로 변형합니다. 빛과 그림자는이 작품에서 중심적인 역할을합니다. 앰비언트 및 틴트, 모양, 네온 등으로 조명이 비추는 레이저 및 하이드로 컷 요소 기호 구성은 투영되고 주조 된 금속판에 조사됩니다.태국 국립 관에 전시 된 대형 조각상은 시간과 세계에 대한 은유입니다. 고전적 요소는 오늘날 일반적으로 현대의 “물질 상태”와 비교되는 고대 철학적 개념과 관련이 있습니다. 고체 상태, 기체 상태, 플라즈마 및 액체 상태.

터키 파빌리온 : Respiro
“Respiro”(이탈리아어로 “breath”를 의미)라는 제목의 전시회는 아르 세 날레의 Sale d’ Armi를 보편적으로 인정받는 무지개 상징을 사용하여 변형의 개념을 탐구하고 인간 경험을 공유하는 멀티미디어 작품으로 가득 차 있습니다. 연약하고 흔들리는 색상의 선으로 만든 두 개의 대규모 사이트 별 네온 무지개는 자연, 영성 및 숭고함과 관련된 이미지를 묘사하는 일련의 36 개의 스테인드 글라스 창을 비 춥니 다. “Respiro는 지정학을 넘어 100 만년이 넘는 더 광범위한 맥락에 도달하고 우주의 창조와 시간의 시작으로 거슬러 올라갑니다. 최초의 마법의 빛의 중단 점 인 최초의 무지개로 거슬러 올라갑니다. A 명상적인 사운드 스케이프,Jacopo Baboni-Schilingi가 편곡하고 Sarkis의 그림에서 영감을 받아 무지개 색상을 “파티션 시스템”으로 묘사 한 작품에서 밤낮으로 설치를 진행합니다.

투발루 파빌리온 : 조수 횡단
“조수를 건너다”라는 제목으로 지구 기후 변화의 영향에 직면 한 작은 섬 국가들의 탄원을 반영합니다. 이것은 해수면 상승과 홍수를 일으키는 심한 폭풍의 증가로 나타나며 궁극적으로 태평양에 위치한 투발루와 같은 작은 섬 국가의 미래를 위협합니다. 이 프로젝트에는 침수 된 파빌리온이 있습니다. 그것은 투발루의 홍수와 베니스의 홍수를 연결합니다. 투발루 파빌리온 (Tuvalu Pavilion)에서 약간 가라 앉은 인도교를 건너면 방문객들은 하늘과 물로만 이루어진 상상의 공간, 꿈의 풍경을 발견하게됩니다.

투발루 파빌리온은 자연 환경을 나타내지 만 본질적으로 인공적인 환경을 나타내며 중국 대만 예술가 Vincent JF Huang의 작품입니다. 이 프로젝트는 하늘과 물로만 구성된 세계를 보여줍니다. 고대 중국의 장자 서 “자유롭고 쉬운 방랑”의 첫 번째 장은 펑이라는 거대한 새로 변하는 쿤이라는 거대한 물고기의 이야기에서 그러한 세계를 설명합니다. 펭이 날개를 치면 바다가 휘젓는 다. 펭은 엄청난 높이로 올라갑니다. 하늘은 파랗고 새가 내려다 보면 모두 파랗습니다. 좡 자서는 도교 철학의 기초 텍스트 중 하나입니다. 인류가 자연과 조화를 이루며 살면서 행복과 자유를 얻고 “자유롭고 쉬운 방랑”이되는 방법을 고민합니다.그러나 진실은 우리가 더 이상 자연에 따라 살지 않고 대신 많은 환경 재난에 직면하고 있다는 것입니다.

우크라이나 파빌리온 : 희망!
“희망!”이라는 제목의 우크라이나 파빌리온은 내부 정치 투쟁의 고통 속에있는이 불안정한 국가의 미래에 대한 낙관적 인 성명을 발표했습니다. 그러나 이러한 낙관주의와 유리 파빌리온 구조의 극적인 투명성은 내부에 전시 된 작품에 존재하는 도덕적 뉘앙스에 의해 문제가됩니다. 젊은 예술가들의 작품을 강조함으로써 우크라이나와의 깊은 개인적 헌신과 연대를 특징으로하는 동시에 분쟁에 대한 비판적이고 당파 적이 지 않은 태도를 드러내십시오. 이데올로기가 내러티브를 주도하는 대신 우크라이나 파빌리온은 예술을 비판적 힘으로 동원하여 반응에 소비되는 국가에 급진적 인 사려 깊음을 도입합니다.

아랍 에미리트 관 : 1980 – 현재 : 아랍 에미리트 전시회
아랍 에미리트의 파빌리온은 지난 40 년 동안 15 명의 에미리트 예술가가 만든 100 개의 그림, 조각품, 사진 및 기타 예술품을 특징으로합니다. Hassan Sharif는 Fluxus와 British Constructionism 운동에서 자신의 비유, 개념 및 자료를 차용하고 만들었습니다. 이 작품은 다채로운 상업용 플라스틱 및 기타 발견 된 물건을 충분히 사용합니다. 동물 모양의 알 사디의 조각품 인 이곳의 조각품은 그가 UAE를 여행하면서 발견 한 나무와 동물 뼈로 제작되었습니다. 인접한 vitrine에있는 그의 화려한 목걸이는 나무, 뼈, 도자기 파편 및 상업용 플라스틱을 사용합니다. Mohammed Abdullah Bulhiah의 금속, 바위 및 나무 조각품 중 일부는 우아한 단순함을 상기시킵니다.모두 250 제곱미터 공간에 교훈적인 연대기보다는 서로 대화하는 붐비는 작품 모음으로 설치됩니다.

미국 파빌리온 : 조안 조나스 : 그들은 말없이 우리에게 온다
선구적인 영상 및 퍼포먼스 아티스트 인 조안 조나스의 작품 “말없이 우리에게 온다”라는 설치 작품은 그림과 조각 요소가 포함 된 영상 설치를 통해 급변하는 상황 속에서 자연의 연약함을 불러 일으키고 자한다. 아이슬란드 작가 halldór laxness의 글과 자연 세계에 대한 그의 시적 묘사에 부분적으로 영향을받은 미국 관의 각 갤러리는 꿀벌이나 물고기와 같은 자연과 관련된 특정 주제를 다루며 출처의 귀신 이야기 조각을 통해 연결됩니다. 케이프 브르타뉴 어, 노바 스코샤의 구전 전통으로 한 갤러리를 다음 갤러리로 연결하는 비선형 내러티브를 형성합니다. 각 방에는 두 개의 비디오 프로젝션이 서로 대화하며, 하나는 공간의 주요 모티프를 나타냅니다.다른 하나는 유령 내러티브로, 전체적으로 계속되는 시각적 스레드를 만듭니다.

이 전시를 위해 특별히 무라노에서 손수 제작 한 조나스가 구상 한 독립형 잔물결 거울이 각 방에 배치되어 있습니다. 아티스트의 독특한 그림과 연, 그리고 그녀의 비디오에서 소품으로 사용 된 선별 된 개체와 함께. 이 다른 요소의 구성은 무대 세트의 감각을 만듭니다. 파빌리온의 원형 홀도 비슷한 거울로 늘어서 있으며, 오래된 베네치아 크리스탈 구슬이 천장 중앙에 매달린 샹들리에와 같은 구조에 매달려 있습니다. 전체적인 분위기는 움직이는 이미지가 교차하는 giardini pubblici 내에서 보는 사람과 미국 관의 맥락을 반영합니다. 이 프로젝트는 세계가 얼마나 빠르게 급격하게 변화하고 있는지에 대한 질문을 포함하지만 주제를 직접 또는 교훈적으로 다루지는 않습니다.아이디어는 소리, 조명, 어린이, 동물 및 풍경 이미지의 병치를 통해 시적으로 암시됩니다.

우루과이 관 : 글로벌 근시 II (연필 및 종이)
“글로벌 근시”(연필 및 종이)라는 제목으로 종이, 스티커 및 연필을 사이트별로 설치합니다. Marco Maggi의 그림, 조각 및 설치는 세상을 인코딩합니다. 회로 기판, 불가능한 도시의 공중 뷰, 유전 공학 또는 신경계를 암시하는 선형 패턴으로 구성된 그의 그림은 극소 및 해독 불가능의 시소러스입니다. Marco Maggi의 추상적 인 언어는 글로벌 시대에 정보가 처리되는 방식을 의미하며 그의 작업은 드로잉 자체에 도전합니다. 소형 논문은 퇴적물의 축적에 따라 정해진 특정 교통 규칙 및 구문에 따라 배포되거나 연결됩니다.

우루과이 파빌리온의 벽에는 이전 계획에 따라 글자 나 손글씨가없고 메시지가없는 종이 스킨이 느리게 표시되었습니다. 벽에 걸린 종이 스티커 군락은 Erco가 제공하는 맞춤형 조명 트랙과 대화로 들어갑니다. 무수히 많은 고화질 그림자와 극소량의 백열 투영은 시청자의 속도를 늦추는 것을 목표로합니다. 이 프로젝트는 드로잉 작업을 두 단계로 나눕니다. 첫 번째는 2014 년 뉴욕에서 10,000 개의 알파벳을 잘라 내고, 두 번째는 2015 년 봄 동안 파빌리온 벽에 미리 잘라낸 요소를 사용하여 작성하는 것입니다. 같은 방식으로 프로젝트는 두 가지 핵심 요소를 분리합니다. 그림, 연필, 종이를 두 개의 공간으로 만들었습니다. 메인 공간에 종이 그림을 그리고 첫 번째 방에 연필을 설치합니다.

짐바브웨 파빌리온 : 우분투 / 운 후의 픽셀 : 과거, 현재, 미래의 현대 사회의 사회적, 신체적, 문화적 정체성의 모든 측면을 탐구합니다.
제목은 “Ubuntu / Unhu의 픽셀”, 21 세기의 사회적, 문화적 정체성 탐구. 작품이나 예술이 만들어 질 때 그들은 개념을 계속 성장시키는 새로운 의미를 갖습니다. 전시 작품은 가벼운 터치와 거의 최소한의 느낌으로 통일되어 흰색이 지배적 인 배경이고 “그래픽”이 대부분의 작품에서 지배적 인 스타일로 통합되어 삶의 허점을 반추하고 생각하게한다. 작은 “l ‘과 자본”L “이있는 삶의 의식은 우분투가 파빌리온이라는 제목으로 강조한 짐바브웨 철학의 상당 부분입니다. 짐바브웨 파빌리온은 안정성과 자결의 길을 보여줍니다 미래에 대한 패러다임과 “All The World ‘s Futures”에 대한 사려 깊은 공헌.

Msimba Hwati의 10 편 시리즈는 모든 방문객이이 삶에서 우리가 누구인지 감사하게 만듭니다. 각 사진의 흑백 표현, 브랜드 원형 패치로 전달되는 각 작품의 유일한 색상과 차이, 초상화의 역사와 브랜딩 시대의 개인주의 상실, 소셜 미디어에 대한 혀의 혀 그리고 기술. Chazunguza의 “The Presence of the Past”는 한 방에있는 비디오와 다른 방에있는 인쇄 기반 작업 사이의 진동으로 짐바브웨 생활의 각색 된 비 네트를 제공합니다. 깨져 버린 Nyandoro의 캔버스, 그림이되는 그림과 설치가되는 그림 작업은 현재에 대한 반응이며, 어느 정도의 정상 성이나 관습을 거스르는 동시에 미래를 창조하기위한 탐구이기도합니다.컨벤션 준수를 요구하지 않고 희망을 줄 수 있습니다.

자료 이벤트

001 Inverso Mundus. AES + F
Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, 조직 : VITRARIA Glass + A Museum
중세 판화 Inverso Mundus는 정육점을 갉아 먹는 돼지, 교사를 처벌하는 어린이, 당나귀를 등에 메고있는 남자, 역할과 의상을 교환하는 남녀, 부자에게 장엄하게 자선을 베푸는 넝마를 입은 거지를 묘사합니다. 이 조각에는 악마, 키메라, 하늘을 날아 다니는 물고기, 낫을 사용하거나 닥터 역병의 가면 뒤에있는 죽음 그 자체가 있습니다.

Inverso Mundus에 대한 해석에서 중세 카니발의 터무니없는 장면은 현대 생활의 에피소드로 나타납니다. 캐릭터는 자신의 가면을 바꾸면서 터무니없는 사회적 유토피아의 장면을 연기합니다. 메트로 섹슈얼 청소부는 도시에 잔해물을 뿌립니다. 여성 심문 관은 IKEA 스타일의 기기로 남성을 고문합니다. 어린이와 노인은 킥복싱 경기에 갇혀 있습니다. Inverso Mundus는 키메라가 애완 동물이며 Apocalypse 엔터테인먼트가있는 세상입니다.

베니스의 카탈로니아 : 특이점
Cantieri Navali, 조직 : Ramon Llull 연구소
오늘 Raymond Williams가 자신의 유명한 텍스트 키워드에 대해 더 많은 항목을 결정했다면 반드시 “특이점”을 포함 할 것입니다. 이 용어는 인공 지능이 인간의 능력과 인간의 통제를 능가하는 순간을 의미합니다. 수학에서는 주어진 수학적 대상이 정의되지 않았거나 “잘 작동하는”지점 (예 : 무한하거나 미분 할 수 없음)을 설명합니다.

영화 감독 Albert Serra Juanola는이 개념을 그의 새 영화에서 출발점으로 삼는다. 세라의 영화는 세상을 인식하는 것이 단순히 마음의 존재의 결과가 아니라 행동하는 마음이라고 진술합니다. 영화를 특이점 조건과 연결한다는 것은 생각, 의지, 상상력이 세상, 사물, 사물과 같은 물질이 아니라 이미지, 감정, 생각이라는 개념에 대한 믿음을 키우는 것을 의미합니다.

변환. 재활용 그룹
Chiesa di Sant’Antonin, 조직 : 모스크바 현대 미술관
이 사이트 특정 설치는 정보 네트워크의 세계화와 신기술 숭배가 어떤면에서 기독교로의 역사적인 개종과 비교할 수 있음을 제안합니다. Recycle Group은 현대 생활 방식의 화제와 충격적인 측면을 설명하기 위해 자주 역사를 사용합니다.

현대 재료의 조각품과 얕은 부조는 잃어버린 문명의 유물과 같이 시간의 황폐화를 보여주는 고대 기념물의 모습을 자주 취합니다. 이 프로젝트의 형식과 구성은 전통적인 기독교 도상학의 영향을 받았지만 현대적인 모티프를 소개합니다. 전환은 기독교 계몽과 이전에 하늘에 있던 신성한 지식이 이제는 “구름”의 무형 공간에있는 디지털 기술 혁명 사이의 유사성을 제안합니다.

국가
Gervasuti 재단 Foundamentalis, 조직 : Gervasuti 재단
이탈리아 예술가 조지아 세 베리 (Giorgia Severi)가 호주 영토에 1 년 반 동안 머물면서 원주민 예술가 커뮤니티와 직접 접촉 한 결과 전시회입니다. 그녀의 여정에는 대륙 전역의 예술 공간에서 다양한 중간 기착이 포함되었습니다. 국가는 다른 문화의 용광로이며, 그 작품은 기억과 전통에 대한 조사입니다.

수공예에서 사운드 아트에 이르기까지 다양한 미디어를 배포하면서 우리는 인간과 자연 사이의 불안정한 균형을 고려하도록 초대 받았습니다.

단색화
Palazzo Contarini-Polignac, 조직 : Boghossian 재단
단색화는 1970 년대 초반에 생겨 80 년대까지 지속 된 한국의 예술 형식과 움직임을 묘사한다. 단색화는 서양 흑백 예술과 미니멀리즘과의 유사점을 공유하는 것으로 이해 될 수 있지만 역사적 배경, 미적 실천, 근본적인 사회적 비판 측면에서 둘 다 구별된다.

단색화는 과도한 색채를 제거하여 회화 적 유연성과 친 화성을 표현한다. 솔질하고, 뽑고, 페인트를 긁고, 캔버스 뒷면을 통해 유성 페인트를 밀어내는 것은 물리적 행위이며, 생산 과정의 요소이자 중요한 성능으로 나타나며 그림을 예측할 수 없게 만듭니다. 단색화의 배경은 끊임없이 변화하는 미적 가치와 사회 현상을 반영하는 활동주의와 정치 비평의 지속적인 역사를 고려하는 중요한 요소이다.

처분
Palazzo Donà Brusa, Organization : European Capital of Culture 브로츠와프 2016
2016 년 유럽 문화 수도 인 브로츠와프 (Wroclaw) 시가 주최 한이 전시회는 전쟁 후 이주민의 역사를 출발점으로 삼습니다. 이러한 역사적 맥락을 바탕으로 이주, 집을 잃고 새롭고 종종 적대적인 외국 장소에서 피난처를 찾는 현대적 차원을 탐구합니다.

폴란드, 우크라이나, 독일의 예술가들은 박탈의 보편적이고 시간적 차원과 그 심리적, 물질적 표현에 대한 인식에 의해 인도됩니다. 박탈과 엑소시즘과 관련된 박탈은 “우리”, “자신의 것”, 그리고 환영받지 못하는 “타인”의 구별을 암시합니다. 공간과 정체성 사이의 복잡한 관계를 분석하는 것은 이러한 손실과 소속에 대한 욕구입니다.

EM15는 Doug Fishbone의 레저 랜드 골프를 선물합니다
Arsenale Docks, 조직 : EM15
Leisure Principle은 라 비엔날레에서 EM15의 프리미어 프레젠테이션을 주도하는 큐레이터 테마로, 새롭게 의뢰 된 두 가지 예술적 결과물을 통해 나타납니다. .sun-screen.uk)는 일과 여가 사이에 존재하는 흐릿한 공간을 탐구하는 온라인 프로젝트입니다.

레저 원칙은 레저의 정의 원칙 중 하나 인 소비와이 소비가 우리의 정체성을 형성하는 방법을 통해 현재의 글로벌 경제 복잡성을 탐구하기위한 은유로 관광 및 무역의 개념을 고려합니다. EM15는 영국 이스트 미들랜드의 집단으로 Nottingham Trent University와 함께 Beacon Art Project, One Thoresby Street, QUAD 및 New Art Exchange로 구성되어 있습니다.

Eredità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia, 조직 : Istituto Nazionale di BioArchitettura-Sezione di Padova
이 이벤트는 베니스 리도에있는 Grande Hotel Ausonia & Hungaria의 아르누보 건물의 장식되지 않은 외관과 관련하여 영국 예술가 Joe Tilson이 만든 장식 과정의 표현을 통해 발전합니다.

재료 및 3 차원 도구가있는 주간 비전과 비디오 미디어 도구가있는 야간 비전이 있습니다. 나이트 비전 : 호텔 외관을 위해 제안 된 장식이 투영 된 멀티미디어 표현. 주간 비전 : 규모에 맞게 제작 된 두 개의 교훈적인 전시회. 외부 정원에는 무라노 유리 타일과 구조적 지지대가있는 12 제곱미터의 구조가 있으며, 이는 벽에 적용된 코팅의 원형입니다. 호텔 로비 옆에있는 유서 깊은 회의장에는 역사 문서, 스케치, 예술가의 그림, 계획 등이 전시되어 있습니다.

재창조 된 프론티어
Museo di Palazzo Grimani, 조직 : Tagore Foundation International
예전처럼 문화가 충돌하고 융합하는 세계화 현상은 예술가들에게 풍부하고 복잡한 영감의 원천을 제공합니다. Frontiers Reimagined는 문화적 경계의 개념을 탐구하는 44 명의 화가, 조각가, 사진 작가, 설치 예술가의 작업을 통해 이러한 문화적 얽힘의 결과를 조사합니다.

서구에서 아시아, 아프리카에 이르는 광대 한 지리적 풍경에서 온이 신흥 예술가들은 물리적 존재, 문화 간의 생활과 작업, 예술적 노력 모두에서 진정한 글로벌 관점을 공유합니다. 각각은 예술가가 문화 간 대화에 참여할 때 나타나는 지적 및 미적 풍부함을 보여줍니다.

글래스 스트레스 고티카
Fondazione Berengo, 조직 : 국립 에르미타 주 박물관
이 전시회는 무라노의 유리 마에스트로와 함께 작품을 만든 20여 개국의 50 명 이상의 초청 예술가들이 고딕을 테마로 한 유리로 만든 현대 미술 작품을 선보입니다. 이 작품은 세계에서 가장 오래되고 가장 유명한 박물관 중 하나 인 상트 페테르부르크에있는 에르미타 주 박물관의 영구 컬렉션에서 선택한 중세 유리 유물과 병치되어 있습니다.

Glasstress Gotika는 오늘날 사회의 모든 기술적 진보에도 불구하고 중세 아이디어가 어떻게 현대 의식에 눈에 띄지 않게 스며 들었고 고딕 개념이 현대 미술에 어떻게 영향을 미치는지 탐구합니다.

Graham Fagen : 스코틀랜드 + 베니스 2015
Palazzo Fontana, 조직 : 스코틀랜드 + 베니스
Fagen의 작업에 대한 야망과 그의 어휘의 복잡성은 그를 오늘날 스코틀랜드에서 일하는 가장 영향력있는 예술가 중 한 명으로 자리 매김했습니다. 그는 국가적, 사회적, 정치적 아이디어에 초점을 맞추기 위해시, 특정 음악 형식 및 연극 예술에 매료되었습니다.

작가, 연극 감독, 음악가 및 작곡가와 함께 일함으로써 그는 자신의 전문 지식, 지식 및 전문성을 활용할 수 있습니다. 이 새로운 작품에는 클래식 작곡가 Sally Beamish, 레게 가수이자 뮤지션인 Ghetto Priest, 음악 프로듀서 인 Adrian Sherwood의 공헌이 분명히 포함되어 있지만 Fagen의 저자는 결코 산만하거나 침식되지 않습니다. Fagen의 설치는 시청자를 안무가있는 경로로 안내합니다.

그리 샤 브루 스킨. 고고학자의 수집품
이전 Chiesa di Santa Caterina, 조직 : Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca ‘Foscari Venezia
소련 제국의 폐허 속에서 미래를 향한 여정. 고대 교회 내부의 고고 학적 발굴에서 나온 33 개의 대형 조각품 설치. 그것들은 최근 멸망 한 문명의 의사 유물입니다.

이 프로젝트에서 Bruskin은 소련의 원형 컬렉션 인 그의 그림 Fundamental’nyi leksikon (1985–1986)의 캐릭터를 사용합니다. 그는 피규어를 실물 크기로 재현 한 다음 조각품을 파괴하고 조각을 모아 청동으로 주조합니다. 그런 다음 그는 이미 묻혀있는 로마 제국의 폐허와 함께 3 년 동안 토스카나에 묻었습니다. 그는 마침내 그것들을 파 내고 이제 베니스가있는 흐린 물에서 조각상이 나옵니다. 현재 다양한 멸망 한 제국이 만난다.

베니스 비엔날레
현대 시각 예술 전시회 인 베니스 아트 비엔날레는 홀수 해에 격년으로 개최되기 때문에 소위 불린다. 세계의 다른 곳에서 모델이 된 오리지널 비엔날레입니다. 비엔날레 재단은 예술을 지원하고 다음과 같은 개별 행사를 조직하는 지속적인 존재를 가지고 있습니다.

La Biennale di Venezia는 1895 년에 설립되었습니다. Paolo Baratta는 2008 년부터 사장을 역임했으며 그 이전에는 1998 년부터 2001 년까지. 새로운 현대 미술 트렌드의 연구 및 홍보에 앞장서고있는 La Biennale은 전시회, 축제 및 연구를 조직합니다. 예술 (1895), 건축 (1980), 영화 (1932), 무용 (1999), 음악 (1930), 연극 (1934) 등 모든 특정 부문에서. 그 활동은 최근에 완전히 개조 된 현대 미술 역사 아카이브 (ASAC)에 기록되어 있습니다.

이 전시 모델은 표현의 다원주의로 이어졌습니다.이를 수용하기 위해 전시 공간은 여전히 ​​진행중인 아르 세 날레 지역의 야심 찬 복원을 포함하여 전략적 요구에 맞게 성장했습니다. 비엔날레 아르테는 현대 미술 전시의 세계적 리더로 인정 받고 있으며 참가국은 1999 년 59 개국에서 2015 년 89 개국으로 늘었습니다. 비엔날레 아르 키 테투라는 세계 최고로 인정 받았습니다.

베네토 지역과 그 밖의 지역에서 점점 더 많은 학교가 참여하면서 교육 활동과 가이드 방문을 통해 지역 사회와의 관계가 강화되었습니다. 이것은 새로운 세대에 창의력을 전파합니다 (2014 년에 3,000 명의 교사와 30,000 명의 학생 참여). 이러한 활동은 베니스 상공 회의소의 지원을 받았습니다. 대학 및 연구 기관과의 협력을 통해 특별 투어 및 전시회에 머무를 수도 있습니다. 2012 년부터 2014 년까지 3 년 동안 227 개의 대학 (이탈리아어 79 개, 국제 148 개)이 비엔날레 세션 프로젝트에 참여했습니다.

모든 분야에서 저명한 교사들과 직접 접촉하여 젊은 세대의 예술가들에게 더 많은 연구와 제작 기회가 주어졌습니다. 이것은 현재 무용, 연극, 음악, 영화 부문에서 운영되고있는 국제 프로젝트 비엔날레 대학을 통해 더욱 체계적이고 지속적이되었습니다.

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