르네상스 음악

르네상스 음악은 르네상스 시대에 유럽에서 녹음되고 연주되는 보컬 및 기악입니다. 음악 사학자들 사이의 합의는 중세 시대가 끝나고 1400 년경에 시작하여 바로크 시대의 시작과 함께 1600 년경에 끝나기 시작하여 음악 르네상스가 시작된 지 약 100 년 후인 르네상스는 다른 분야에서도 잘 알려져 있습니다. 다른 예술에서와 마찬가지로이시기의 음악은 초기 근대를 정의하는 발달에 크게 영향을 받았다. 고대 그리스와 고대 로마의 문학과 예술 유산의 회복; 증가 된 혁신과 발견; 상업 기업의 성장; 부르주아 계급의 부상; 그리고 개신교 개혁. 이 변화하는 사회에서 공통된, 통일 된 음악 언어, 특히, 가장 큰 주인이 Josquin des Prez 인 프랑코 플랑드르 학교의 다성 음악 스타일 (동시에 여러 개의 독립적 인 멜로디 라인이있는 음악을 의미)이 나왔습니다.

1439 년에 인쇄기가 발명 됨으로써 더 넓은 지리적 규모와 더 많은 사람들에게 음악 및 음악 이론 텍스트를 저렴하고 쉽게 배포 할 수있게되었습니다. 인쇄술을 발명하기 전에 기록 된 음악과 음악과 음악 이론 텍스트는 손으로 복사해야했기 때문에 시간과 비용이 많이 들었습니다. 부르주아 계급의 출현으로 음악에 대한 오락과 교육받은 아마추어들의 여가 활동이 증가했다. 유럽 ​​전역에 샹송, 모셋, 대중의 보급은 16 세기 후반에 Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis와 같은 작곡가의 작업에서 절정에 달했던 유체 스타일로의 다성 음악 연습의 통일과 일치했다. 윌리엄 버드. 지역의 많은 교회와 대성당에서 번성 한 음악 교육 시스템과 함께 저지대의 상대적인 정치적 안정과 번영은 많은 수의 가수, 기악가 및 작곡가의 훈련을 허용했습니다. 이 음악가들은 유럽 전역, 특히 교회와 귀족 재판소가 작곡가, 연주자 및 교사로 그들을 고용 한 이탈리아 전역에서 높은 관심을 보였습니다. 인쇄기가 인쇄 된 음악을 보급하기 쉬워지면서 16 세기 말에 이탈리아는 베니스, 로마 및 기타 도시가 음악 활동의 중심이되는 북부 음악의 영향을 흡수했습니다. 이것은 백년 전의 상황을 되돌 렸습니다. 오페라, 가수가 악기와 함께하는 극적으로 무대 장르는 피렌체에서 이번에 발생했습니다. 오페라는 고대 그리스의 음악을 부활시키기위한 고의적 인 시도로 개발되었습니다 (OED 2005).

음악은 중세의 제약에서 점점 자유 로워졌고 범위, 리듬, 조화, 형식 및 표기법에서 더 많은 다양성이 허용되었습니다. 다른 한편, 대위법의 규칙은 특히 불협화음의 치료와 관련하여 더욱 제한적으로되었다. 르네상스 시대에 음악은 개인적인 표현의 수단이되었습니다. 작곡가들은 성악을 그들이 설정 한 텍스트에 대해 더 표현할 수있는 방법을 발견했습니다. 세속 음악 (비 종교 음악)은 신성한 음악에서 기술을 흡수했으며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 유럽 ​​전역에 퍼져있는 샹송 (chanson)과 마드 리갈 (madrigal)과 같은 인기있는 세속적 인 형태. 법원은 가수와 악기 연주자 모두 거장을 연기했습니다. 음악은 또한 자체적으로 존재하는 인쇄 된 형태로의 가용성으로 더욱 자급 자족했습니다. 르네상스 시대에 새로운 형태로 개발 된 바이올린, 기타, 류트 및 건반 악기를 포함한 많은 친숙한 현대 악기의 전구체 버전. 이 악기는 음악적 아이디어의 진화에 대응하도록 수정되었으며 작곡가와 음악가가 탐험 할 수있는 새로운 가능성을 제시했습니다. 바순과 트롬본 같은 현대 목 관악기와 금 관악기의 초기 형태도 나타났습니다. 음색의 범위를 넓히고 기악 앙상블의 사운드를 높입니다. 15 세기 동안 완전한 3 화음 (3 화음)의 소리가 보편화되었고 16 세기 말에 교회 모드의 체계가 완전히 무너지기 시작하여 기능적인 음조 (노래와 뮤지컬 “키”를 기반으로 한 곡)는 앞으로 3 세기 동안 서구의 예술 음악을 지배하게 될 것입니다.

르네상스 시대부터 보컬 및 기악 작품과 보컬 / 기악 작품을 포함하여 주목할만한 세속적이고 신성한 음악이 계속 남아 있습니다. 르네상스 시대에는 수많은 음악 스타일과 장르가 번창했습니다. 이들은 대중, motets, madrigals, chansons, 동반 노래, instrumental 춤, 그리고 많은 다른 사람을 포함하여 20 및 21 세기에 만들어진 녹음에 들릴 수 있습니다. 20 세기 후반부터 수많은 초기 음악 앙상블이 형성되었습니다. 르네상스 시대의 음악을 전문으로하는 초기 음악 앙상블은 역사적인 악기의 현대적인 복제물을 사용하고 음악가가 시대에 사용되었다고 생각하는 노래 및 연주 스타일을 사용하여 콘서트 투어 및 녹음을합니다.

개요
초기 르네상스 유럽 미술 음악의 가장 두드러진 특징 중 하나는 세 번째와 반전의 간격에 대한 의존도가 증가한 것이고, 여섯 번째 (중세와 세 번째와 여섯 번째는 불협화음으로 간주되어 완벽한 간격 만이 자음으로 취급되었습니다 : 완벽한 넷째 완벽한 다섯째, 옥타브, 그리고 조화). Polyphony – 동시에 수행되는 여러 독립 멜로디 라인의 사용은 매우 독립적 인 목소리 (보컬 음악과 악기 음악 둘 다)로 14 세기 내내 점점 더 정교 해졌습니다. 15 세기의 시작은 작곡가가 종종 멜로디 파트의 매끄러움을 위해 노력하면서 단순화를 보여주었습니다. 이것은 음악의 보컬 범위가 크게 증가했기 때문에 가능했습니다. 중세 시대에는 좁은 범위에서 잦은 부품 횡단이 필요했기 때문에 서로 다른 부분을 구별하기 위해 더 큰 대비가 필요했습니다. 르네상스 음악의 모달 (음계와는 반대로, “음악 키”라고도 함, 이후의 바로크 음악 시대에 개발 된 접근법, 약 1600-1750)은 증가 된 사용으로 인해 끝나갈 무렵에 시작되었습니다 다섯 번째 또는 네 번째 루트 동작 (자세한 내용은 “다섯 번째 원”참조). 코드 근음이 4 분의 1 간격으로 움직이는 코드 진행의 예는 C 메이저의 핵심 인 “D minor / G Major / C Major”(이들은 모두 3 화음, 3 음표 화음). D 마이너 코드에서 G 메이저 코드로의 이동은 완벽한 네 번째 간격입니다. G 메이저 코드에서 C 메이저 코드로의 이동 또한 완벽한 네 번째 간격입니다. 이것은 나중에 바로크 시대의 음조의 특징 중 하나로 발전했습니다.

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다 (Fuller 2010) :

음악은 모드를 기반으로합니다.
4 가지 이상의 독립적 인 멜로디 파트가 동시에 연주되는 풍부한 질감. 이러한 인터 웨이빙 멜로디 라인은 폴리포니 (polyphony) 라 불리는 스타일로 르네상스 음악의 특징 중 하나입니다.
음악적 질감의 멜로디 라인을 대조하는 것이 아니라 혼합합니다.
하모니는 음악의 부드러운 흐름과 화음의 진행에 더 큰 관심을 두었습니다.
동시 발음의 발달은 음악적으로 중세 시대의 르네상스 시대를 상징하는 악기의 주목할만한 변화를 가져 왔습니다. 그것의 사용은 전체 보컬 범위 (Montagu n.d.) 전반에 걸쳐 혼합 될 더 큰 앙상블과 악기 세트를 사용하도록 장려했다.

장르
르네상스 시대에 사용 된 주요 전례 (교회 기반) 음악 형식은 대중 음악과 motets이었으며, 특히 성스러운 음악의 작곡가가 비 종교적 음악 형식을 채택하기 시작하면서 (madrigal과 같은) 종교적 사용. 15 세기와 16 세기의 대중은 두 가지 종류의 근원을 사용했다. 단일 음색 (단일 멜로디 라인)과 다성 음악 (multiple, independent melodic lines)이 있으며, 두 가지 주요 형태의 정교화가있다. 1500은 작곡가가 다른 목소리 나 부분이 다른 목소리 나 부분에 의해 수행되는 멜로디 및 / 또는 리듬 모티프를 모방 한 음악을 쓰는 “퍼베이시브 모방”의 새로운 스타일입니다. 네 가지 주요 유형의 대중이 사용되었습니다 :

칸 투스 버터 스 질량 (테너 덩어리)
칸 투스 / 모조 덩어리
바꿔 치기 덩어리
모방 질량 (패러디 질량)
대중은 일반적으로 그들이 빌린 출처에 의해 표제를 붙였다. Cantus firmus mass는 일반적으로 성가와 보통 테너에서 그리고 대부분 다른 음색보다 더 긴 음표 값에서 가장 가까운 동일한 모노 포닉 멜로디를 사용합니다 (Burkholder n.d.). 다른 신성한 장르는 마드 리얼 정신 주의자와 우등생이었다.

그 기간 동안 세속적 인 (비 종교적인) 음악은 다양한 형태로 다양하게 분포되었지만 다양성의 폭발을 가정 할 때 조심해야합니다. 인쇄가 음악을 널리 보급했기 때문에이 시대에서 훨씬 더 오래 살아 남았습니다 중세 후기의 대중 음악의 풍부한 상점은 잃어 버렸을 것입니다. 세속 음악은 교회와 무관 한 음악이었습니다. 주요 유형은 독일 독어, 이탈리아 frottola, 프랑스 chanson, 이탈리아 madrigal 및 스페인 villancico (Fuller 2010)입니다. 다른 세속적 인 음성 장르는 포함했다 caccia, 론도, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta 및 류트 노래. motet-chanson과 세속적 motet과 같은 혼합 된 형식도 등장했습니다.

순수 악기 음악에는 레코더 나 바이올 및 기타 악기를위한 음악, 다양한 앙상블을위한 춤이 포함되었습니다. 일반적인 수단 장르는 토카타, 서곡, 리서 커와 캔 조나였습니다. 기악 앙상블 (또는 때로는 노래 부르기)으로 연주되는 춤은 바스 단가 (it.bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva 및 lavolta가 포함되었습니다. 많은 장르의 음악이 류트, 비유 엘라, 하프 또는 키보드와 같은 솔로 악기로 준비 될 수 있습니다. 이러한 준비를 intabulations이라고 불렀습니다 (Intavolatura, Ger. Intabulierung).

이 기간의 끝 무렵에는 모노, 마드 리갈 코미디, 인터 메디 오 같은 초기 오페라의 선구자가 들려 왔습니다.

이론과 표기법
마가렛 벤트 (Margaret Bent)에 따르면 : “르네상스 표기법은 우리의 현대 표준에 의해 규범에 미치지 못하며, 현대적 형태로 변환 될 때 원래의 개방성을 과장하고 왜곡시키는 규범적인 무게를 얻는다”(Bent 2000, 25 쪽). 르네상스 작곡은 개별 부분에서만 표기되었습니다. 점수는 매우 드물었고 바브 라인은 사용되지 않았습니다. 참고 값은 일반적으로 오늘날 사용되는 값보다 큽니다. 박자의 기본 단위는 semibreve 또는 전체 음표였습니다. Ars Nova (중세 음악 참조) 이후의 사례와 같이 각 breve (이중 전체 음)에 대해 두 개 또는 세 개가있을 수 있으며 이는 현대 “측정”과 동일하게 간주 될 수 있습니다. 그것은 그 자체로 음표 값이었고 측정 값은 아닙니다. 상황은 이렇게 생각할 수 있습니다. 현대 음악에서 4 분 음표가 8 분 음표 또는 3 분의 2 음표와 같을 수있는 규칙과 동일합니다.이 음표는 “삼중 항”으로 쓰여집니다. 똑같은 계산에 따라, 두 번째 또는 세 번째로 가장 작은 노트 인 “미니”(현대 “절반 음표”와 동일)가 각 세미 브리 브에있을 수 있습니다.

이러한 다양한 순열은 breve-semibreve 관계의 수준에서 “완벽 / 불완전한 tempus”, semibreve-minimal의 수준에서 “완벽 / 불완전한 prolation”이라고 불렸고 서로 가능한 모든 조합으로 존재했습니다. 3 대 1은 “완벽한”, 2 대 1은 “불완전한”이라고 불렀습니다. 단일 노트가 다른 특정 노트보다 선행하거나 뒤따를 때 값이 반감되거나 배가 될 수있는 규칙이 존재했습니다 (각각 “불완전”또는 “변경됨”). 검정 노트 헤드가있는 노트 (예 : 4 분 음표)는 자주 발생하지 않았습니다. 백색 mensural 표기법의이 발달은 약한 종이가 단단한 noteheads를 기입하기 위하여 요구 된 찰상을보다 적게 견딜 수 있었기 때문에, 종이의 증가한 사용의 결과일지도 모른다 (자몽보다는); vellum에 쓰인 이전 시간의 표기법은 검은 색이었다. 다른 색깔들, 채워진 음표들은 주로 앞서 말한 불완전 함이나 변경을 시행하고 다른 일시적인 리드미컬 한 변화를 요구하기 위해 일상적으로 사용되었습니다.

우연한 것 (예 : 노트를 변경하는 샤프, 플랫 및 원주민 추가)은 오늘 기타 가족 악기 (표)에 대한 특정 운지법 에서처럼 특정되지 않았습니다. 그러나 르네상스 뮤지션들은 2 인자 대위법에 대해 고도의 훈련을 받았을 것이고 우발적 사고가 기록되지 않아도 악보를 올바르게 읽는 데 필요한 기타 정보를 소지했을 것입니다. 따라서 “현대의 표기법이 무엇을 요구 했습니까? 대위법에 정통한 가수에게 표기없이 완벽하게 드러났습니다. ” 가수는 다른 부분을 염두에두고 수식을 계산하여 자신의 부분을 해석하고, 함께 노래 할 때 뮤지션은 다른 음악가의 결정에 비추어 평행 한 옥타브 및 평행 한 5도를 피하거나 지각 부분을 변경합니다 ( Bent 2000, p.25). 원래의 실천가들이 실수로 어떤 일을했는지에 대한 많은 정보를 얻은 것은 여러 가지 뽑아 낸 도구에 대한 현대적인 집계를 통해서입니다.

특정 이론가에 대한 정보는 Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Giessffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius 및 Pietro Cerone을 참조하십시오.

초기 기간 (1400-1470)
초기 르네상스 시대의 주요 작곡가들도 중세 후기 스타일로 썼으며, 과도기적 인물이다. Leonel Power (약 1370s 또는 1380s – 1445)는 중세 후기 및 초기 르네상스 음악 시대의 영국 작곡가입니다. John Dunstaple과 함께 그는 15 세기 초반에 영어 음악의 주요 인물 중 한 사람이었습니다 (Stolba 1990, 140 쪽, Emmerson and Clayton-Emmerson 2006, 544). 파워는 올드 홀 원고 (Old Hall Manuscript)에서 가장 잘 대표되는 작곡가로, 15 세기 초부터 영어 음악의 유일한 손상되지 않은 출처 중 하나입니다. 권력은 주제별로 통일되고 연속적인 연주를 목적으로 한 미사 경의 분리 된 움직임을 설정 한 최초의 작곡가 중 하나였다. 올드 홀 필사본은 매리 안티 폰인 Alma Redemptoris Mater에 기초한 그의 질량을 포함하고 있습니다. Alma Redemptoris Mater는 멜로디 장식품이없는 각 동작의 테너 음성에서 말 그대로 표현됩니다. 이것은 그에게 귀속 될 수있는 대중적 순환의 유일한 순환 설정이다 (Bent n.d.). 그는 매스 사이클, 파편, 단 하나의 움직임과 다양한 다른 성스러운 작품을 썼다.

John Dunstaple (또는 Dunstable) (약 1390-1453)은 후기 중세 시대와 초기 르네상스시기의 대위법 음악의 영국 작곡가였습니다. 그는 15 세기 초에 활동적이었던 Power의 가장 현대적인 작곡가 중 한 명이었으며 영국뿐만 아니라 대륙에서, 특히 Burgundian School의 발전 스타일에서 널리 영향을 받았습니다. Dunstaple이 대륙의 음악 어휘에 미치는 영향은 엄청났습니다. 특히 그의 (기인하는) 작품의 상대적 부족을 고려할 때. 그는 Burgundian School의 음악에서 전에 들어 보지 못한 것을 소유 한 것으로 인정 받았으며 시인 Martin Le Franc가 Le Champion des Dames에서 사용한 용어 인 “contenance angloise”( “영어 표정”)입니다. Le Franc는 그 스타일이 Dufay와 Binchois에 영향을 미쳤다 고 덧붙였다. 플랑드르 작곡가이자 음악 이론가 인 Tinctoris는 Dunstaple이 영감을 얻은 “새로운 예술”을 강조하면서 Dunstaple이 가진 강력한 영향력을 재확인했습니다. Tinctoris는 Dunstaple을 스타일, 그 “원천 및 원산지”의 본질과 기원으로 환영했습니다.

마틴 르 프랑 (Martin le Franc)이 정의하지는 않았지만, 그 논쟁의 여지가 많은 부분은 3 중음의 하모니 (3 개의 화음)를 사용하는 Dunstaple의 스타일 적 특징에 대한 참고 였을 것입니다. 그가 Bedford 공작과 함께 대륙에 있었다고 가정하면 Dunstaple은 프랑스의 fauxbourdon에 소개되었을 것입니다. 3 음과 6 음을 사용하여 자신의 음악에서 우아한 하모니를 만들었습니다 (세 번째 음정의 예는 음표 C와 E이고 여섯 번째 음정의 예는 음표 C와 A입니다). 이를 종합 해 볼 때, 이들은 초기 르네상스 음악의 특성을 정의하는 것으로 간주됩니다. 이러한 특성 중 많은 것은 영국에서 유래하여 세기 중반 경에 부르고뉴 학교에서 뿌리를 내릴 수 있습니다.

Dunstaple의 작품의 수많은 사본이 이탈리아어와 독일어 사본에서 발견 되었기 때문에 유럽 전역에 그의 명성이 널리 퍼져 있었음에 틀림 없다. 그에게 기인 한 작품 중 50 개만이 생존한다. 그 중 2 개의 완전한 질량, 3 개의 연결된 질량 섹션, 14 개의 개별 질량 섹션, 12 개의 완전한 등률 성 모토 세트 및 7 개의 Marian antiphons 설정 (예 : Alma redemptoris Mater and Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple은 cantus firmus로서 단일 멜로디를 사용하여 대중을 구성한 최초의 사람 중 한 명입니다. 이 기법의 좋은 예가 그의 Missa Rex seculorum입니다. 그는 세속적 인 (비 종교적) 음악을 썼다고 믿어 지지만, 현지어로는 어느 정도의 확실성을 지닌 노래가 그에게 귀속 될 수 없습니다.

Oswald von Wolkenstein (ca. 1376-1445)은 초기 독일 르네상스의 가장 중요한 작곡가 중 한 명이다. 그는 잘 쓰여진 멜로디와 여행, 신, 섹스라는 세 가지 테마로 가장 잘 알려져 있습니다.

Gilles Binchois (약 1400-1460)는 네덜란드 계의 작곡가로, Burgundian 학교의 초기 멤버 중 한 명이며 15 세기 초의 가장 유명한 작곡가 중 한 명입니다. 동시대 학자 Guillaume Dufay와 John Dunstaple의 동시대 인물들보다 종종 순위가 높았지만, 그의 작품은 인용 후에도 인용되어 빌린 후 원작으로 사용되었습니다. Binchois는 [누구로부터?] 훌륭한 멜로디스트로 간주되며, 노래하고 기억하기 쉬운 신중한 모양의 선을 씁니다. 그의 곡은 그의 죽음 이후 수십 년 동안 사본에 등장했으며, 종종 나중에 작곡가들에 의해 질량 구성의 원천으로 사용되었습니다. 그의 음악 대부분은 그의 신성한 음악조차도 간단하고 윤곽선이 분명하고 때로는 고행자 (스님)처럼 보인다. Binchois와 이전의 (14 세기) 세기의 극단적 인 복잡성 간의 더 큰 대조는 상상하기 어려울 것입니다. 그의 세속적 인 노래의 대부분은 론도 (roondaux)로, 세기 중 가장 흔한 노래 형식이되었습니다. 그는 드문 형태로 글을 쓰는 경우는 거의 없었으며, 멜로디는 일반적으로 그들이 설정 한 운율 체계와는 독립적입니다. Binchois는 법원을 위해 음악을 썼다. 사랑과 기사의 세속적 인 노래는 기대를 충족시키고 그를 고용 한 부르고뉴 공작의 취향을 만족 시켰고 분명히 그에 따라 그의 음악을 분명히 좋아했다. 그의 현존하는 세속 음악의 약 절반은 Oxford Bodleian Library에서 발견됩니다.

Guillaume Du Fay (ca. 1397-1474)는 초기 르네상스 시대의 프랑코 플랑드르 작곡가였다. Burgundian School의 중심 인물 인 그는 15 세기 중엽에 유럽의 대표 작곡가로 동시대의 사람들에 의해 평가 받았다 (Planchart n.d.). Du Fay는 대중, motets, Magnificats, 찬송가, fauxbourdon의 단순한 노래 설정, 신성한 음악 분야의 론 폰, ballades, virelais 및 기타 몇 가지 샹송 형식의 대부분의 일반적인 형식으로 구성되었습니다. 세속적 인 음악의 영역. 비록 세속적 인 음악의 일부, 특히 더 낮은 부분을 위해 악기가 확실히 사용되었지만 그의 살아남은 음악은 특별히 악기 적이다. 그의 신성한 음악은 모두 보컬입니다. 악기는 거의 모든 작품에서 실제 연주의 목소리를 강화하는 데 사용되었을 수 있습니다. 7 개의 매스 매스, 28 개의 개별 매스 무브먼트, 매스 프로 서저에 사용 된 성가의 15 개 설정, 3 개의 매그 니 피츠, 2 개의 베네딕토 도미노 설정, 15 개의 안티 폰 설정 (6 개는 마리안 안티 폰), 27 개의 찬송가, 22 개의 모토 츠 (more isorhythmic) Du Fay의 젊음에서 “3 분의 1″의 종지로 끝나는 문구가있는보다 선율적이고 감각적 인 고음색의 부분 필기구에 어울리는 14 세기 스타일의 정교하고 잔잔한 14 세기 스타일)과 그에 따른 87 명의 샹송이 생존했습니다.

중간 기간 (1470-1530)
1470 년대 초, 음악은 인쇄기를 사용하여 인쇄되기 시작했습니다. 음악 인쇄는 음악이 퍼지는 방식에 큰 영향을주었습니다. 인쇄 된 음악은 손으로 직접 쓴 것 또는 손으로 복사 한 것보다 훨씬 넓은 지역과 청중에 도달했을뿐만 아니라 훨씬 저렴했습니다. 또한 16 세기에는 유명한 제작자의 전통이 많은 도구를 위해 개발되었습니다. 이 제작자들은 그들의 기술의 주인이었다. 예를 들어 뉘른베르크 (Nuremberg)의 넵 셀 (Neuschel) 족들은 나팔을 사용합니다.

15 세기가 끝나갈 무렵, 다성 음악은 (Johannes Ockeghem과 Jacob Obrecht의 대중에서 잘 드러나 듯이) 다시 한 번 더 복잡해지면서 그림의 세부 묘사의 증가와 상호 관련이있는 것으로 여겨 질 수있다. 시간. 오케 케헴 (Ockeghem)은 특히 대위법과 정성을 다룬 캐논을 좋아했습니다. 그는 질량, 미사 prolationum을 구성, 모든 부분은 하나의 음악 라인에서 정식으로 파생됩니다. 차세대 초기 10 년 동안 두 개의 semibreves-to-a-breve의 tactus에서 느낀 음악 (현대의 박자표를 생각해보십시오)은 세 개의 semibreves-to-a-breve와 공통점을 갖기 시작했습니다. 그 이전에 우세했던 것처럼

16 세기 초반, Josquin des Prez와 그의 동시대 인 Franco-Flemish School에서의 작업에서 어느 정도 볼 수 있듯이 단순화를 향한 또 다른 추세가 있었고, 나중에 G. P. Palestrina의 추세에서 볼 수 있습니다. Palestrina는 부분적으로 Trent의 협의회에 협조했다. Trent의 협의회는 청중의 텍스트에 대한 이해를 방해한다고 생각되어 지나치게 복잡한 동시 발음을 저지했다. 16 세기 초의 프랑코 플레밍 작곡가들은 오케 케헴의 세대의 캐 노닉 및 기타 정체성 놀이의 복잡한 체계에서 벗어나 모조의 포인트와 듀엣 또는 트리오 섹션을 향해 5 및 6 보이스로 성장했습니다.

만기 (1530-1600)
베니스에서 약 1530 년부터 약 1600 년까지 인상적인 퐁퐁 스타일이 개발되어 유럽이 그 당시까지 구성된 가장 위대하고 가장 경건한 음악을 성악가, 황동 및 현악기의 여러 성가대와 함께 바실리카 산 마르코 디 베네치아 (베네치아 학교 참조). 이러한 여러 차례의 혁명은 독일에서 시작하여 스페인, 프랑스, ​​영국으로 옮겨 가면서 앞으로 몇 십 년 동안 유럽 전역으로 퍼져 나갔고, 바로크 시대의 음악 시대로 거듭나 기 시작했습니다.

로마 학교는 르네상스 시대 초기와 바로크 시대 초기에 걸쳐 로마에서 주로 교회 음악을 작곡 한 그룹이다. 많은 작곡가들은 바티칸과 교황 예배당에 직접 연결되어 있었지만 몇몇 교회에서 일했다. 문체 적으로 그들은 종종 베네치아 작곡가 학교와 대조를 이룬다. 동시 적 운동은 훨씬 진보적이었다. 지금까지 로마 학교의 가장 유명한 작곡가는 Giovanni Pierluigi da Palestrina입니다. 대중과 motets의 다작 작곡가로 잘 알려져있는 동안, 그는 또한 중요한 madrigalist이었다. 반혁명 기간 동안 카톨릭 교회의 기능적 요구를 지배적 인 음악 스타일과 결합시키는 그의 능력은 그에게 지속적인 명성을주었습니다 (Lockwood, O’Regan 및 Owens n.d.)

1588 년부터 1627 년까지 영국에서 음악 마드 리갈의 짧고 강렬한 꽃 피는 영국 Madrigal School로 알려져 있습니다. 영어 madrigals은 아카펠라, 주로 스타일이 가볍고 일반적으로 이탈리아 모델의 사본이나 직접 번역으로 시작되었습니다. 대부분 3 ~ 6 음색이었습니다.

Musica reservata는 16 세기 후반 아카펠라 보컬 음악의 스타일 또는 연주 연습으로 이탈리아와 남부 독일을 중심으로 정교하고 독점적이며 성적인 텍스트의 강렬한 감정 표현을 포함합니다.

악기
르네상스 시대에는 많은 악기가 탄생했습니다. 다른 것들은 이전에 존재했던 도구의 변형 또는 개선이었다. 일부는 현재까지 살아 남았습니다. 다른 것들은 사라졌고, 진정한 악기에서 그 시대의 음악을 연주하기 위해서만 재창조되었다. 현대와 마찬가지로 악기는 황동, 현악기, 타악기 및 목관 악기로 분류 될 수 있습니다.

유럽의 중세 계기판은 흔히 혼자서 사용되었는데 종종 무인 항공기가있는 경우가 종종 있었고 때로는 부분적으로 사용되었습니다. 13 세기 초부터 15 세기 초까지는 haut (시끄 럽고 날렵한 실외 악기)와 bas (조용하고 친밀한 악기)로 구분 된 악기가있었습니다 (Bowles 1954, 119 et passim). 악기의 두 그룹 만이 앙상블의 두 가지 형태로 자유롭게 연주 할 수 있습니다 : 코넷과 새콤, 타 보르와 탬버린 (Burkholder n.d.).

16 세기 초 악기는 목소리보다 덜 중요한 것으로 간주되었습니다. 그들은 춤과 성악에 동원되었습니다 (Fuller 2010). 기악은 보컬 음악에 종속되었고, 레퍼토리의 상당 부분은 보컬 모델에서 파생되거나 다양한 방식으로 사용되었습니다 (OED 2005).

장기
르네상스 시대에는 교회의 대형 기관에서부터 작은 장소에 이르기까지 다양한 종류의 기관이 사용되었고, 법관 (regal)이라고 불리는 갈대 기관에 사용되었습니다.

놋쇠
르네상스 시대의 금 관악기는 전통적으로 전문가들에 의해 연주되었습니다. 연주 된 일반적인 황동 악기 중 일부는 다음과 같습니다.
슬라이드 트럼펫 (Slide trumpet) : 오늘날의 트롬본과 유사하게, 몸체 부분이 슬라이딩되는 대신 마우스 피스 근처의 몸체의 작은 부분과 마우스 피스 자체가 고정되어 있다는 점을 제외하면 오늘날의 트롬본과 유사합니다. 또한 신체는 S 자형 이었기 때문에 다루기 힘들었지 만 가장 일반적으로 사용되는 느린 댄스 음악에 적합했습니다.
코넷 (Cornett) : 나무로 만들어졌으며 레코더처럼 연주되었습니다. (한쪽 끝을 불고 손가락을 바깥쪽으로 움직이면서) 트럼펫처럼 컵 마우스 피스를 사용합니다.
트럼펫 : 초기 트럼펫에는 밸브가 없었으며 배음 계열에있는 톤으로 제한되었습니다. 그들은 또한 다른 크기로 만들어졌다.
Sackbut (때로는 sackbutt 또는 sagbutt) : 15 세기 중반에 슬라이드 트럼펫을 대체 한 트롬본 (Anon. n.d.)의 다른 이름입니다 (Besseler 1950, passim).

문자열
가족으로서, 끈은 신성한 것과 세속적 인 많은 상황에서 사용되었습니다. 이 가족 구성원은 다음과 같습니다.

Viol : 15 세기에 개발 된이 악기는 일반적으로 6 개의 현을 가지고 있습니다. 그것은 보통 활로 연주되었습니다. 그것은 스페인의 비슈 엘라 (이탈리아의 비올라 다 마노 (viola da mano))와 비슷한 구조적 특성을 지니고있다. 그것의 주요 분리 특성은 그것의 더 큰 크기이다. 이것은 뮤지션이 첼로와 비슷한 방식으로 바닥이나 다리 사이에 쉬도록 자세를 바 꾸었습니다. vihuela와의 유사점은 날카로운 허리 컷, 비슷한 프렛, 등받이, 얇은 갈비 및 동일한 튜닝이었다. 이런 방식으로 연주 할 때, “팔에”연주되는 바이올린과 구별하기 위해 “viola da gamba”라고도합니다 : 바이올린 다 브라 치오는 바이올린 가문으로 발전했습니다.
Lyre : 그 구조는 작은 하프와 비슷하지만, 뽑히지 않고 plectrum으로 연주됩니다. 그 문자열은 시대에 따라 4, 7, 10에서 수량이 다양했습니다. 왼손이 원하지 않는 음을 침묵시키면서 오른손으로 연주했습니다. 새로운 가사는 활로 연주되도록 수정되었습니다.
아일랜드어 하프 : 스코틀랜드 게 일어의 클라 사르 스크 (Clàrsach) 또는 아일랜드어의 클라리 시악 (Cláirseach)이라고도하며, 중세 시대에는 아일랜드와 스코틀랜드에서 가장 인기있는 악기였습니다. 아일랜드 역사상의 중요성 때문에 기네스 레이블에서도 볼 수 있으며 아일랜드의 상징이기도합니다. 연주 될 곡은 대개 뽑아 낸다. [설명이 필요하다] 무릎에서 바닥까지 놓을 수있는 풀 사이즈 하프 곡과 크게 다를 수있다.
Hurdy-gurdy : (바퀴 피들이라고도 함). 현이 지나가는 바퀴에 의해 소리가납니다. 그 기능은 기계식 바이올린의 기능과 비교 될 수 있습니다. 즉, 나비 (바퀴)가 크랭크로 회전한다는 것입니다. 독특한 사운드는 주로 음향이 백파이프와 비슷한 일정한 음조를 제공하는 “드론 스트링”덕분입니다.
Gittern and Mandore :이 악기는 유럽 전역에서 사용되었습니다. 만돌린 및 기타를 포함한 현대 악기의 선두 주자.

충격
일부 르네상스 타악기에는 삼각형, 유태인의 하프, 탬버린, 종소리, 심벌라, 럼블 냄비 및 다양한 종류의 드럼이 포함됩니다.

탬버린 : 탬버린은 프레임 드럼입니다. 프레임을 둘러싸고있는 피부는 모조 피지 (Vellum)라고 불리며 너클, 손가락 끝 또는 손으로 표면을 치거나 박자를냅니다. 또한 악기를 흔들어 탬버린의 딸랑 딸랑 또는 펠렛 벨 (만약 그 중 하나가있는 경우)이 “clank”와 “딸랑 거리는 소리”를내는 것을 허용함으로써 연주 될 수 있습니다.
유태인의 하프 (Jew ‘s harp) : 입 모양을 사용하여 소리를 내고 다른 모음을 입으로 발음하려고하는 악기. 악기의 혀의 구부러진 끝의 루프는 다른 음조를 만들어내는 진동의 다른 스케일로 뽑아냅니다.

목관 악기 (항공기)
목 관악기 (aerophones)는 파이프 내에서 진동하는 공기 기둥을 통해 소리를냅니다. 파이프의 구멍은 플레이어가 공기 기둥의 길이를 조절할 수 있도록하여 피치를 조절합니다. 공기 기둥을 진동시키는 여러 가지 방법이 있으며, 이러한 방법으로 목관 악기의 하위 범주를 정의 할 수 있습니다. 선수는 플루트처럼 입 구멍을 통해 날아갈 수 있습니다. 현대 클라리넷이나 색소폰처럼 단일 리드가있는 마우스 피스로 변환합니다. 또는 오보에 또는 바순과 같이 이중 리드. 이 세 가지 음색 생성 방법은 모두 르네상스 악기에서 찾을 수 있습니다.

Shawm : 전형적인 동양의 shawm은 열쇠가 없으며 7 개의 손가락 구멍과 엄지 손가락 구멍이있는 길이입니다. 파이프는 또한 가장 일반적으로 목재로 만들어졌으며 많은 사람들이 조각과 장식품을 가지고있었습니다. 그것은 르네상스시기의 가장 유명한 더블 리드 악기였습니다. 그것의 화려한, 피어싱, 그리고 종종 귀 먹은 소리 때문에 드럼과 트럼펫과 거리에서 일반적으로 사용되었습니다. To play the shawm a person puts the entire reed in their mouth, puffs out their cheeks, and blows into the pipe whilst breathing through their nose.

Reed pipe: Made from a single short length of cane with a mouthpiece, four or five finger holes, and reed fashioned from it. The reed is made by cutting out a small tongue, but leaving the base attached. It is the predecessor of the saxophone and the clarinet.
Hornpipe: Same as reed pipe but with a bell at the end.
Bagpipe/Bladderpipe: Believed by the faithful to have been invented by herdsmen who thought using a bag made out of sheep or goat skin would provide air pressure so that when its player takes a breath, the player only needs to squeeze the bag tucked underneath their arm to continue the tone. The mouth pipe has a simple round piece of leather hinged on to the bag end of the pipe and acts like a non-return valve. The reed is located inside the long mouthpiece, which would have been known as known as a bocal, had it been made of metal and had the reed been on the outside instead of the inside.
Panpipe: Employs a number of wooden tubes with a stopper at one end and open on the other. Each tube is a different size (thereby producing a different tone), giving it a range of an octave and a half. The player can then place their lips against the desired tube and blow across it.
Transverse flute: The transverse flute is similar to the modern flute with a mouth hole near the stoppered end and finger holes along the body. The player blows across the mouth hole and holds the flute to either the right or left side.
Recorder: The recorder was a common instrument during the Renaissance period. Rather than a reed, it uses a whistle mouthpiece as its main source of sound production. It is usually made with seven finger holes and a thumb hole.