공공 예술은 일반적으로 외부의 모든 사람이 접근 할 수있는 실제 공개 영역에서 상연 될 의도로 계획되고 실행 된 모든 미디어의 예술입니다. 공공 예술은 큐레이터, 시운전 기관 및 공공 미술 실무자들 사이에서 예술계 내에서 중요하며, 사이트 특수성, 지역 사회 참여 및 공동 작업의 실무 관행을 의미합니다. 공공 미술은 공개적으로 접근 가능한 건물을 포함하여 공공 장소에서 전시되는 예술을 포함 할 수 있지만 종종 그렇게 간단하지는 않습니다. 오히려 콘텐츠와 청중의 관계, 예술이 말하는 것과 누구에게 말하고 있는지, 물리적 위치보다 중요하지 않은 경우와 마찬가지로 중요합니다.

기관 정의
제도적 정의에 따르면, 공공 예술은 일반적으로 옥외에 있고 모든 사람이 접근 할 수있는 공공 장소에서 발표되기 위해 계획되고 실행 된 조각품, 아마도 기념비적 인 건축물, 회화 등 예술가들의 다년간의 업적을 의미합니다. 대중에게 공개. 기념비와 동상은 아마도 가장 오래된 형태이며 공식적으로 공인 된 공공 예술에서 가장 잘 보일 수 있지만,이 용어는 도시 가구를 장식하고 도시 공간을 장식하기 위해 고안된 모든 이니셔티브를 포함 할 수 있습니다.

제도적 관점에서, 지속적인 성과와 일시적인 행동을 구분할 필요가있다. 전자에 대한 자금은 투자이며 후자에 대한 자금은 운영 비용입니다. 프랑스에서는 공공 예술의 개념이 법에 존재하지 않으며, 일시적인 목적을위한 공공 기금은 문화 활동의 제목으로 분류됩니다. 퀘벡에서 공공 예술은 법으로, 물질적 인 업적을 의미하며 다년생이거나 그렇지 않습니다.

공공 공간을 대상으로 한 작품은 요소 및 기물 파손의 영향을 피하기 위해 내구성이 있고 유지하기 쉬운 재질로 구성되는 경우가 많습니다. 일부 작품은 일시적으로 더 많은 일시적인 자료로 구성 될 수 있습니다. 다년생 작품은 때로는 건물과 부지의 창출과 개조로 통합되며보다 일반적으로는 도시 계획 과정에 통합됩니다.

기관 공공 예술은 이웃 공간의 소유주와 공공 행정관의 허가 또는 협력하에 설립된다.

범위
쉐어 크라우스 나이트 (Cher Krause Knight)는 “예술의 대중성은 청중과의 교환의 질과 영향에 달려있다. 대중들에게 예술은 지역 사회 참여의 기회를 확장 시키지만 특별한 결론을 요구할 수는 없다”면서 사회적인 아이디어를 소개하지만 대중을위한 공간을 남겨둔다 최근 공공 예술은 점점 넓어지고 도전적인 예술 분야로, 그리고 우리의 ‘공공 영역 (public realm)’이라고 불릴 수있는 훨씬 더 넓은 범위에서 점점 더 범위와 적용 범위가 확대되기 시작했다. 이러한 문화적 개입은 종종 사회에서의 ‘장소’또는 ‘복지’에 대한 지역 사회의 감각을 창조적으로 끌어들이는 것에 대응하여 실현되었습니다.

기념물, 기념물 및 시민 조각상은 아마도 공식적으로 승인 된 공공 예술의 가장 오래되고 가장 명백한 형태 일 수 있습니다. 그러나 건축 조각과 심지어 건축 자체가 더 널리 퍼져 공공 예술의 정의를 충족한다고 할 수 있습니다. 공식적으로 승인을받지 않고 제작되고 설치되는 독립적 인 작품은 거의 모든 도시에서 보편적으로 사용됩니다. 또한 자연 환경에 설치되며 조각과 같은 작품을 포함 할 수도 있고, 불안정한 암석 균형이나 색연필의 일시적인 실례와 같이 수명이 짧을 수도 있습니다. 일부는 수 중에서 설치되었습니다.

영원한 작품은 때로는 건물 및 부지 조성 또는 리모델링시 건축 및 조경과 통합되며 특히 영국의 새로운 도시 밀턴 케인즈 (Milton Keynes)에서 개발 된 프로그램입니다. 공공 예술은 물리적 인 대상에만 국한되지 않는다. 춤, 거리 극장 및시조차도 공공 예술을 전문으로하는 지지자가 있습니다.

이 분야에서 일하는 일부 예술가들은 옥외 사이트가 제공하는 자유를 갤러리에서 실현 불가능한 초대형 작품, 예를 들어 리차드 롱 (Richard Long)의 3 주간 산책 인 “The Path is the Line”이라고 부릅니다. 비슷한 예로, 조각가 인 Gar Waterman은 코네티컷 주 뉴 헤이븐 (New Haven)에있는 도시 거리를 가로 질러 거대한 아치를 만들었습니다. 가장 중대하고 비판적인 찬사를받은 지난 30 년 동안의 작업 가운데 Christo, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Andy Goldsworthy, James Turrell 및 Antony Gormley의 작품이 환경에 반응하거나 통합합니다.

Michelangelo, Pablo Picasso, Joan Miró와 같은 최고의 예술가들로부터 Claes Oldenburg와 Pierre Granche와 같은 공공 예술을 전문으로하는 사람들까지 공공 예술을 만드는 예술가들은 은밀한 개입을하는 익명의 예술가들에게 이르기까지 다양합니다.

아프리카의 케이프 타운 (Cape Centre)에서는 아프리카 공공 예술 축제 (Centre Public Art Festival)를 감염시킵니다. 큐레이터의 임무는 도시 공간을 흔들어주고 도시 사용자가 새롭고 기억에 남는 방식으로 도시 풍경을 볼 수있게하는 시각 예술 작품이나 공연 예술 작품 또는 예술적 개입 등 공공 미술을위한 1 주일간의 플랫폼을 만드는 것입니다. Infatinging the City Festival은 공공 예술이 공공 장소의 모든 사람들에게 자유롭게 접근 할 수 있어야한다고 믿습니다.

공공 예술의 역사
1930 년대에는 19 세기 기념물에 의해 암시 된 국가 상징주의의 생산은 선전 목표 (미국 연방 프로젝트, 미국, 문화청, 소비에트)의 장기 국가 프로그램에 의해 규제되기 시작했다. 루즈 벨트 대통령의 뉴딜 정책과 같은 프로그램은 대공황 때 공공 예술의 발전을 촉진 시켰지만 선전 목표를 세웠다. 뉴딜 예술 지원 프로그램은 미국 문화에 대한 민족적 자부심을 기르는 동시에 문화가 형성되었다고 말하는 경기 둔화를 피하기위한 것입니다. 문제는 있지만, FAP와 같은 뉴딜 프로그램은 모든 사람들이 예술에 접근 할 수 있도록함으로써 예술가와 사회의 관계를 변화 시켰습니다. 뉴딜 프로그램 Art-in-Architecture (AiA)는 오늘날에도 여전히 사용되고있는 공공 예술 기금을위한 구조 인 예술 프로그램을위한 비율을 개발했습니다. 이 프로그램은 모든 정부 건물의 총 건설 비용의 1 %의 절반을 현대 미국 미술을 구매할 수있는 구조로 제공했습니다. 아이 아 (AiA)는 미국의 공공 미술을 대중이 진정으로 소유해야한다는 원칙을 확고히했습니다. 그들은 또한 특정 지역 공공 예술에 대한 욕구의 합법성을 확립했다. 문제가되는시기에는 초기 공공 예술 프로그램이 현재의 공공 예술 개발의 토대를 마련합니다.

공공 예술에 대한이 개념은 대중 공간에 대한 시민권 운동의 주장, 1960 년대 말의 도시 재생 프로그램과 예술적 개입 간의 동맹 및 조각 관념의 개정에 이은 1970 년대에 근본적으로 변한다. 이러한 맥락에서 공공 예술은 공공 공간에서 공식적인 국가 역사를 장식하고 시각화하는 것 이상의 위상을 획득하여 공공 이익의 영역에서 사이트 건설 및 개입의 한 형태로서의 자치권을 얻습니다. 공공 예술은 대중에 대해 훨씬 더 많은 것이되었습니다. 이러한 시각의 변화는 같은 해에 뉴욕의 공공 예술 기금 (Public Art Fund, 1977)과 미국과 유럽의 여러 도시 또는 지역 미술 프로그램 비율과 같은 도시 문화 정책 강화로도 나타납니다. 그 위에, 공공 예술 담론을 국가 차원에서 지방 차원로 재 중심화하는 것은 1960 년대 이래로 현대 미술 관행에서 나타나는 제도적 전시 공간에 대한 현장 별 회전 및 비판적 입장과 일치한다. 예술 작품 제작과 그것이 만들어지는 사이트 사이에 가장 깊고 관련성 높은 연결 고리를 만드는 의지는 다른 방향을 제시합니다. 1969 년 울프 보스 텔스 (Wolf Vostells) 고정 교통량이 쾰른에서 발생했습니다.

토지 예술가들은 원격 경관 상황에서 대규모의 프로세스 지향적 인 개입을 결정한다. 스폴 레토 축제 (Spoleto Festival) (1962)는 중세 도시 스폴 레토 (Spoleto)에서 야외 조각 박물관을 만들고 독일 뮌스터 (Munster)시는 1977 년에 10 년마다 도시의 공공 장소에서 미술을 기획하는 큐레이터 행사를 시작합니다 (Skulptur Projekte Münster). ‘태도가 형성 될 때’라는 그룹 쇼에서 Michael Heizer와 Daniel Buren의 개입으로 공공 장소에서 전시 상황이 확장됩니다. 도널드 저드 (Donald Judd)와 같은 미술가들의 작품과 고든 매타 클라크 (Gordon Matta-Clark)의 해직 된 도시 건축물에 대한 임시 개입에서 건축 학적 규모가 나타난다.

환경 공공 예술
1970 년대와 1980 년대 사이에, 미화와 생태 문제는 공공 예술 관행에서 커미션 동기와 예술가가 가져온 중대한 초점으로 나타난다. Land Art의 개념적 구조와 도시 환경을 자연과 다시 연결하려는 의지를 담고있는 개인적인 Romantic retreat 요소는 Wheatfield – A Confrontation (1982), Agnes Denes 미국인 예술가 Joseph Beuys의 7000 Oaks (1982)와 마찬가지로 두 프로젝트는 녹색 도시 디자인 과정을 통해 생태 인식 제고에 초점을 맞추고 Denes는 맨해튼 시내와 Beuys에 2 에이커의 밀밭을 심어 게릴라 또는 공동체 정원에서 독일 카셀에서 현무암 덩어리와 결합 된 7,000 그루의 오크를 심습니다. 유행. 최근 몇 년간, 버려진 로트를 녹색 지역으로 전환하려는 녹색 도시 재생 프로그램은 공공 예술 프로그램을 정기적으로 포함합니다. 이것은 하이 라인 아트 (High Line Art, 2009)의 사례로서, 뉴욕시에서 철도의 일부를 전환 한 하이 라인 (High Line)에 대한 위임 프로그램입니다. 2012 년 Gleisdreieck은 베를린의 철도역을 부분적으로 재구성 한 도시 공원으로 2012 년부터 야외 현대 미술 전시회를 개최합니다.

1980 년대에는 큐레이터 프로그램으로 조각 공원을 제도화했습니다. 1930 년대로 거슬러 올라가는 공공 및 민간 야외 조각 전시회 및 컬렉션은 뉴욕의 퀸즈 (Queens)에있는 노구치 (Noguchi) 정원과 같은 경험을 박물관 박물관에 전시하기 어려운 대형 조각 양식을 만들기위한 목적으로 만들었지 만, 예술 작품과 그 장소 사이에 영구적 인 관계가 필요함을 명시한다.

이 라인은 또한 텍사스의 Chinati Foundation (1986)을위한 Donald Judd의 프로젝트에서 개발되었으며 대규모 설치의 영구적 인 성질을 주장하며, 이는 작업을 재 위치시킬 때 파괴 될 수 있습니다. 1985 년 판사 인 Edward D. Re의 재판을 통해 미국 예술가 인 Richard Serra의 “Art-in-Architecture”프로그램에 의해 Manhattan ‘s Federal Plaza에 위촉 된 기념비적 인 개각 작업 인 Richard Serra의 기울어 진 아크 (Tilted Arc)도 공공 예술 사이트에 대한 토론에 기여했다. -특성. 리차드 세라 (Richard Serra)는 재판을위한 그의 방어선에서 다음과 같이 주장했다. “기울어 진 아크는 특정 장소 (Federal Plaza)를 위탁 받아 설계되었습니다. 사이트 특정 작업이므로 재배치 할 수 없습니다. 일을 제거하는 것은 일을 파괴하는 것입니다. ” 기울어 진 아크 주변의 예심은 공공 예술에서 사이트 특이성에 의해 수행되는 필수적인 역할을 보여줍니다. 그 위에, Edward D.Re 판사가 재판에 제기 한 논거 중 하나는 Serra의 개입과 예술 평론가 Douglas Crimp의 증언으로 대표되는 예술 공동체의 지원에 대한 Federal Plaza 사용자 커뮤니티의 편협함입니다. 두 경우 모두 관객은 공공 장소에서 예술적 개입의 주요 요인으로 자리 매김한다. 이러한 맥락에서 공공 예술의 정의는 대중 문제 (민주주의, 시민 의식, 통합)에 초점을 맞춘 예술 프로젝트를 포함한다. 지역 사회와 관련된 참여적인 예술적 행동; 공공 기관이 위임하거나 예술 기금을 위탁 한 예술 프로젝트, 또는 지역 사회가 참여할 수 있습니다. Re는 Serra의 개입과 미술 평론가 Douglas Crimp의 증언으로 대표되는 예술 공동체의 지원에 대한 Federal Plaza 사용자 커뮤니티의 편협함입니다. 두 경우 모두 관객은 공공 장소에서 예술적 개입의 주요 요인으로 자리 매김한다. 이러한 맥락에서 공공 예술의 정의는 대중 문제 (민주주의, 시민 의식, 통합)에 초점을 맞춘 예술 프로젝트를 포함한다. 지역 사회와 관련된 참여적인 예술적 행동; 공공 기관이 위임하거나 예술 기금을 위탁 한 예술 프로젝트, 또는 지역 사회가 참여할 수 있습니다. Re는 Serra의 개입과 미술 평론가 Douglas Crimp의 증언으로 대표되는 예술 공동체의 지원에 대한 Federal Plaza 사용자 커뮤니티의 편협함입니다. 두 경우 모두 관객은 공공 장소에서 예술적 개입의 주요 요인으로 자리 매김한다. 이러한 맥락에서 공공 예술의 정의는 대중 문제 (민주주의, 시민 의식, 통합)에 초점을 맞춘 예술 프로젝트를 포함한다. 지역 사회와 관련된 참여적인 예술적 행동; 공공 기관이 위임하거나 예술 기금을 위탁 한 예술 프로젝트, 또는 지역 사회가 참여할 수 있습니다. 공공 예술의 정의에는 공공의 문제 (민주주의, 시민권, 통합)에 중점을 둔 예술 프로젝트가 포함된다. 지역 사회와 관련된 참여적인 예술적 행동; 공공 기관이 위임하거나 예술 기금을 위탁 한 예술 프로젝트, 또는 지역 사회가 참여할 수 있습니다. 공공 예술의 정의에는 공공의 문제 (민주주의, 시민권, 통합)에 중점을 둔 예술 프로젝트가 포함된다. 지역 사회와 관련된 참여적인 예술적 행동; 공공 기관이 위임하거나 예술 기금을 위탁 한 예술 프로젝트, 또는 지역 사회가 참여할 수 있습니다.

1990 년대의 새로운 장르 공공 예술 : 반 (反) 기념물과 기념 관행
1990 년대에 이러한 새로운 관행과 공공 장소에서의 예술적 존재의 명확한 차별화는 대체적 정의를 필요로하며, 그 중 일부는 더욱 구체적이다 (문맥 예술, 관계 예술, 참여 예술, 대화 예술, 공동체 기반 예술, 활동가 예술), “새로운 장르 공공 예술”과 같은보다 포괄적 인 것.

이런 방식으로 공공 예술은 사회적 개입 역할을합니다. 예술가들은 1970 년대까지 시민 행동주의에 전적으로 참여했으며 많은 사람들은 공공 예술에 대한 다원주의 접근법을 채택했다. 이 접근법은 결국 “새로운 장르 공공 예술”로 발전했으며, Suzanne Lacy는 “정체성 정치와 사회 활동에 연결되는 다양한 관객을위한 사회적으로 참여하고 상호 작용하는 예술”이라고 정의합니다. 이전의 공공 예술처럼 사회 문제를 은유 적으로 논의하기보다는 “새로운 장르”의 실무자는 미적 매력을 유지하면서 소외 계층에게 명시 적으로 권한을 부여하기를 원했습니다. “Sculpture Chicago”의 메리 제인 제이콥 (Mary Jane Jacob) 큐레이터는 1993 년 여름 새로운 장르 공공 예술의 원리를 따르는 “Culture in Action”프로그램을 개발하여 관객 참여 예술, 특히 전통적인 미술관에 참여하지 않은 관객들과의 만남. 논쟁의 여지가 있지만 Culture in Action은 지역 사회 참여와 개입주의 대중 예술을위한 새로운 모델을 도입하여 “새로운 장르”를 넘어 섰습니다.

초기 그룹은 공공 예술을 사회 개입의 수단으로 사용했습니다. 1960 년대와 70 년대에, 예술가 집단 인 Situationist International은 물리적 개입을 통해 “일상 생활과 그 기관의 가정에 도전했다”는 작품을 창안했다. 사회적 개입에 관심이있는 또 다른 예술가 집단 인 게릴라 걸 (Gerilla Girls)은 1980 년대에 시작되어 오늘날에도 계속되고 있습니다. 그들의 공공 예술은 잠재 성 차별주의를 드러내고 미술계의 남성 권력 구조를 해체하기 위해 노력합니다. 현재 그들은 예술계의 인종 차별, 노숙자, 에이즈, 강간 문화에 대해서도 언급하고 있으며, 모든 사회 문화적 이슈가 더 큰 세계 경험을 다룬다.

예술가 Suzanne Lacy의 말로 “새로운 장르 공공 예술”은 전통적 미디어와 비 전통적 미디어를 모두 사용하여 광범위하고 다양한 잠재 고객과 소통하고 삶과 직접 관련된 문제에 대해 상호 작용하는 시각 예술입니다. 그녀의 입장은 공공 예술을 위임하는 조건, 사용자와의 관계, 그리고 청중의 역할에 대한 다양한 해석에 대해 숙고해야 함을 의미합니다. 한스 하케 (1970 년대 이후)와 프레드 윌슨 (1980 년대 이후)과 같은 예술가들의 제도적 비판 관행에서 작품의 대중성은 여론과 공공 영역에서 논란이되고있는 차별적 인 박물관 정책이나 불법 법인 행위.

공공 영역에서 대중의 관심사가 눈에 띄는 이슈를 만드는 것은 또한 공식 역사의 이데올로기를 타깃으로하는 반 (反) 기념비 철학의 기초에있다. 한편으로 Jenny Holzer, Alfredo Jaar의 프로젝트 Es usted feliz와 같은 기관 내러티브에 일반적으로 헌신하는 공공 장소에서 친밀한 요소를 도입하는 것? / 행복하니? 와 펠릭스 곤잘레스 – 토레스 (Felix Gonzales-Torres)의 빌보드 이미지. 다른 하나는 도시 기념물에 대한 크 르지 스토프 워디 츠코 (Krzysztof Wodiczko)의 비디오 투영이나 반대 기념물 (1980 년대)과 캐서필러 트랙 (1969 년)의 클레 스 올덴 부르크 립스틱 (오름차순) 건물과 같은 기존 공공 조각 및 기념관의 부조화 -1974), 거대한 하이브리드 팝 개체 – 립스틱 -베이스는 캐터필라 트랙이다. 예일 대학의 건축학 학생 협회에 의해 위임 된 후자는 1 차 세계 대전 기념관 앞 캠퍼스에 위치한 대규모 조각품입니다. 1982 년 마야 린 (Maya Lin) , 베트남 참전 용사 기념관 건설을 완료했으며, 베트남 전쟁에서 사망 한 미국 시민의 이름을 59,000 개 나열했다. 린은이 작업을 위해 설치 장소 바닥에 부상과 같은 컷이있는 경우가 아니라면 손실을 설명하기 위해 이미지를 만들지 않고 죽은 자의 이름을 나열하도록 선택합니다. 컷과 사이트 / 비 사이트 로직은 1990 년대 이래 현대 기념관에서 반복되는 이미지로 유지됩니다. Yale에 건축술에있는 고위 학생이, 베트남 전쟁에서 죽은 미국 시민의 59,000의 이름을 목록으로 만드는 베트남 재향 군인 기념관의 건축을 완료 할 당시. 린은이 작업을 위해 설치 장소 바닥에 부상과 같은 컷이있는 경우가 아니라면 손실을 설명하기 위해 이미지를 만들지 않고 죽은 자의 이름을 나열하도록 선택합니다. 컷과 사이트 / 비 사이트 로직은 1990 년대 이래 현대 기념관에서 반복되는 이미지로 유지됩니다. Yale에 건축술에있는 고위 학생이, 베트남 전쟁에서 죽은 미국 시민의 59,000의 이름을 목록으로 만드는 베트남 재향 군인 기념관의 건축을 완료 할 당시. 린은이 작업을 위해 설치 장소 바닥에 부상과 같은 컷이있는 경우가 아니라면 손실을 설명하기 위해 이미지를 만들지 않고 죽은 자의 이름을 나열하도록 선택합니다. 컷과 사이트 / 비 사이트 로직은 1990 년대 이래 현대 기념관에서 반복되는 이미지로 유지됩니다.

또 다른 기념 전략은 사상자에 대한 책임이있는 분쟁의 기원에 초점을 맞추는 것이다.이 줄에서 Robert Filliou는 자신의 기념관 (1970)에서 유럽 국가들로 하여금 기념탑을 교환하도록 제안한다. 에스더 샤 레브 – 게르 ​​즈 (Esther Shalev-Gerz)와 조켐 게르츠 (Jochem Gertz)는 함부르크의 독일 도시 파시즘에 대한 기념비 (Memorial for Fascism, 1983)를 만들었다. Thomas Hirschhorn과 같은 다른 사람들은 Spinoza (1999), Gilles Deleuze (2000) 및 Georges Bataille (2002)와 같은 사상가들에게 헌정 된 불안정한 반 (反) 기념비를 지역 공동체와 공동으로 구축합니다.

큐레이터 공공 예술 프로젝트
이 선에서, 1990 년 아티스트 Francois Hers와 Xavier Douroux 중재자는 감독관이 큐레이터 중재자와 공동으로 프로젝트 컨텍스트에서 작업하는 사용자 커뮤니티 인 “Nouveaux commanditaires”프로토콜을 시작합니다 예술가와. Nouveaux commanditaires 프로젝트는 공공 예술에서의 사이트 특이성에 대한 아이디어를 지역 사회 기반의 것으로 확장시키고, 따라서 공동체 공간을 생산하는 관행과 예술적 개입 사이의 “선별 된”연결의 필요성을 암시한다. 이것은 프로젝트의 실현에 공동체, 예술가 및 시운전 기관을 모으는 커미셔닝 시스템에 기반한 두 알라 (Douala’art) 프로젝트 (카메룬, 1991)의 경험 컨텍스트이다.

다른 한편으로, “현장 특유의”개념은 비엔날레 및 기타 문화 행사에 첨부 된 선별 된 공공 예술 프로그램의 보급에 비추어 1990 년대에 재검토된다. 두 가지 사건은 특히 후속 공공 예술 프로그램의 문맥 적, 이론적 배경을 설정합니다 : 과거의 장소; 정상적인 상황에서 과거와 현재의 조건을 중복하여 여러 번 읽음으로써 재 해석. 첫 번째 프로젝트 인 Places with Past는 프로젝트 지향 큐레이터 환경에서 “도시 사이트 및 조각”의 병렬 배치를 테스트하려고 시도합니다. 비슷하게, On Taking on …은 사이트 특정 성과 프로젝트 지향 문화 사이의 연결을 구축하지만, 동시에 타이틀에 이미 다른 도시 및 역사적 현실과 새로운 방식의 예술적 개입 방식을 프로그래밍 방식으로 연결합니다. On Taking on …이 동시에 예술 개입과 전시의 현장 특유성에 대해 행동하는 동안, 과거의 장소는 벽 패션이없는 박물관의 공공 미술 컬렉션의 추세를 재검토하고 갱신합니다. 이 후자의 요점은 비엔날레 및 문화 행사의 보급 및 개장 후에 나타나는 “빌바오 효과”와 “목적지 문화”의 맥락에서 도시 마케팅 전략의 결과로서 1990 년대와 2000 년대에 발전 할 것입니다 빌바오 구겐하임 미술관

공공 예술의 도시 컬렉션에서 특정 추세는 공공 조명의 새로운 정책과 관련하여 발전합니다. 아시아와 세계에서 가장 높은 벽화는 독일인 아티스트 Hendrik Beikirch에 의해 한국인의 상당 부분을 대표하는 어부의 단색 팔레트를 보여줍니다. 2013 년에는 공공 배달부에서 조직하여 한국 부산에서 색칠했습니다.

온라인 문서
지역 및 공공 예술의 온라인 데이터베이스는 웹 기반 데이터의 개발과 함께 1990 년대와 2000 년대에 나타났습니다. 온라인 공공 미술 데이터베이스는 지역 또는 국가 또는 선택적 일 수 있습니다 (조각 또는 벽화로 제한됨). Smithsonian American Art Museum의 American Art Archives와 같은 일부 국가의 온라인 데이터베이스는 데이터베이스에 공개 미술 작품을 포함 할 수 있지만 그와 같이 분류하지는 않습니다.

온라인 공개 미술 데이터베이스
2006 년 공공 장소에서의 공공 예술 프로젝트는 로스 앤젤레스, 남부 캘리포니아 및 하와이 지역의 광범위한 지역에 대한 공공 예술의 광범위한 온라인 데이터베이스를 만드는 최초의 비정부기구 중 하나였습니다. 이 프로젝트는 활동적이며 데이터베이스에는 공공 예술 기능 또는 구성 요소가 포함 된 기념물, 기념물, 명소 및 관광 명소뿐만 아니라 조각, 벽화, 동상, 대중 교통 역 예술 등 모든 형태의 영구적 인 임시 예술 작품이 포함됩니다.

비활성 온라인 프로젝트
1992-1994 년, Heritage Preservation은 설문 조사 프로젝트 Save Outdoor Sculpture!에 자금을 지원했으며, SOS! 국제 모스 부호 조난 신호 “SOS”를 참조. 이 프로젝트는 SIRIS 데이터베이스에서 사용할 수있는 미국 내 3 만 개 이상의 조각품을 문서화했습니다. 이 프로젝트는 더 이상 활성화되지 않았습니다.

2009 년부터 WikiProject Public Art는 전세계의 공공 미술을 문서화하기 위해 노력해 왔습니다. 이 프로젝트는 학계에서 초기 관심을 받았지만 주로 학생의 기여에 의존했습니다. 상태는 현재 알 수 없습니다.

2012 년에 Alfie Dennen은 Big Art Mob 프로젝트를 다시 시작했으며 영국의 공공 예술을지도 작성하여 전 세계지도 작성에 집중했습니다. 개장 당시이 사이트에는 12,000 개 이상의 공공 예술 작품이 매핑되어 있으며 2012 년 5 월 5 일부터 600 개 이상의 새로운 작품이 매핑되었습니다. 이 데이터베이스 웹 사이트는 더 이상 사용하지 않습니다.

상호 작용하는 공공 예술
공공 예술의 일부 형식은 관객의 참여를 적극 권장합니다. 예를 들면, 온타리오 과학 센터 앞의 주요 건축 중심지와 같은 실제 과학 박물관에 설치된 공공 예술을들 수 있습니다. 이 영구적으로 설치된 작품은 대중이 언제든지 연주 할 수있는 악기 (유압 폰) 인 분수입니다. 대중은 물 분사를 차단하여 조각 내부의 다양한 소리 생성 메커니즘을 통해 물을 강제로 차단함으로써 작업과 상호 작용합니다. Birrarung Marr, Melbourne의 Federation Bells는 악기로서의 공공 예술 창작물이기도합니다. 최초의 영구 대형 대화 형 공공 예술은 1980 년 미시간 주 디트로이트의 짐 팔라스 (Jim Pallas)가 빛의 세기 (Century of Light)

Rebecca Krinke의지도 인 Joy and Pain과 What should be sould는 대중의 참여를 유도합니다. 지도에서 방문자는 즐거움과 고통의 장소를 쌍둥이 도시의지도에 금색과 파란색으로 칠합니다. 말할 필요가있는 무엇에 그들은 낱말을 쓰고 벽에 둔다. Krinke는 존재하고 상호 작용의 본질을 관찰합니다. 네덜란드 예술가 인 Daan Roosegaarde는 대중의 성격을 탐구합니다. 아인트호벤의 인터랙티브 작품 인 크리스털은 공유하거나 도난 당할 수 있습니다. 크리스탈은 수백 개의 개별 소금 결정 중 하나가 상호 작용할 때 빛을냅니다.

영화의 광범위한 틀과 영화와의 관계, 그리고 영화의 역사. 디지털 아트 공간에서 미디어 및 영화 작품을 고려해 볼만한 가치가있는 ‘공공 예술’의 추가 유형이 있습니다. Ginette Vincendeau와 Susay Hayward는 런던 대학과 유럽 고등 교육 기관에서 영화를 소개 한 프랑스 영화 : 텍스트와 컨텍스트 (Text and Contexts)에서 영화는 실제로 예술 형식이며, 영화는 또한 높은 예술. 또한, 시립 지역과 기념물의 역사에서 영화와 공공 공간의 맥락은 영화의 아버지, Georges Méliès, 그리고 1896 년 영화로 더 일반적으로 알려진 영화를 발명 한 Lumière 형제에게 거슬러 올라갈 수 있습니다 ,

디지털 공공 예술
디지털 공공 예술과 전통 공공 예술은 창조와 전시에 새로운 기술을 사용합니다. 디지털 공공 예술을 구별하는 것은 잠재 고객과 명시 적으로 상호 작용할 수있는 기술적 능력입니다. 이러한 공공 예술 방법론은 관객, 사이트 및 결과와의 관계를 어떻게 형성하는지에 대한 관점에서 디지털 커뮤니티 아트 작품 (Socially Engaged New Media Art 또는 “SENMA”라고도 함)과 다릅니다. 커뮤니티를 기반으로 한 디지털 작품에서 이러한 쟁점들은 명확한 행동 과정, 작업 또는 관계의 집합이 아닌 대화 적 과정을 통해 진화합니다.

예술에 대한 비율
공공 예술은 일반적으로 공간을 소유하거나 관리하는 정부 또는 회사의 허가와 협조를 얻어 위탁 받거나 취득합니다. 일부 정부는 공공 예술의 창작을 적극적으로 권장합니다. 예를 들어 예술에 대한 비율 정책을 구현하여 새 건물에서의 예술 작품 예산 책정을 권장합니다. 일반적으로 도시 개선 프로젝트의 총 비용의 1 ~ 2 %는 작품을 위해 할당되지만 금액은 장소에 따라 크게 다릅니다. 예술을 위해 돈을 분배하기 전에 관리 및 유지 보수 비용을 회수하는 경우가 있습니다 (예 : 로스 앤젤레스시). 많은 로케일은 프로젝트 관련 커미션을 주장하기보다는 일시적인 프로그램 및 문화적 성격의 공연에 자금을 제공하는 “일반 기금”을 가지고 있습니다. 유럽 ​​국가의 대다수 인 호주, 아프리카의 몇몇 국가들 (남아공과 세네갈)과 미국의 많은 도시들과 국가들은 미술 프로그램에 대한 퍼센트를 가지고있다. 미술 정책의 비율은 지방 자치 단체의 모든 자본 개선 프로젝트에 적용되지 않습니다.

1959 년 필라델피아에서 처음으로 예술에 대한 퍼센트 법안이 통과되었습니다.이 요구 사항은 다양한 방식으로 구현됩니다. 퀘벡 주정부는 예술 및 건축 통합 정책을 유지하여 예술에 대한 예산을 약 1 % 줄이는 새로운 공적 자금 건물에 대한 예산을 요구합니다. 뉴욕시는 20 백만 달러를 초과하는 금액의 1 %의 2 분의 1 이상을 소유 한 공공 건물에서 예술 작품을 배분할 것을 요구하는 법률을 제정했습니다. 도시. 뉴욕에있는 커미션의 최대 배분은 다음과 같습니다.

대조적으로, 토론토시는 공공 예술을 위해 건설 비용의 1 %를 상한없이 설정해야한다고 규정하고 있습니다 (경우에 따라 자치 단체와 개발자가 최대 금액을 협상 할 수도 있음). 영국에서 예술에 대한 퍼센트는 지방 당국에 대해 임의적이며, 실제로 ‘계획 이익’으로 알려진 106 조항의 광범위한 조항에 따라이를 이행합니다. 실제로는 협상 가능하며 드물게 1 %에 이릅니다. 전혀 구현되지 않습니다. 예술 계획에 대한 퍼센트는 아일랜드에 존재하며 많은 지방 당국에 의해 널리 시행되고있다.

Arts Queensland, Australia는 주정부와 큐레이터 자문위원회가 제공하는 예산으로 ‘예술 + 장소’를위한 새로운 정책 (2008)을 지원합니다. 그것은 2005 년부터 2007 년까지의 ‘예술 내장’을 대체합니다. 호주 캔버라는 공공 예술을 위해 2007 년부터 2009 년까지 자본 작업 프로그램의 1 퍼센트 (연말 포함)를 2011 년에서 12 월까지 778,000 달러에 제공했다.

공공 예술과 정치
공공 예술은 종종 정치적 목적으로 사용되었습니다. 이것에 대한 가장 극단적이고 광범위하게 논의 된 발현은 전체주의 체제 내에서의 선전으로서의 예술의 사용과 동시에 반대 의견의 동시 억압과 결합되어있다. 조셉 스탈린의 소비에트 유니온 (Soviet Union)과 마오 쩌둥 (Mao Zedong)의 중국 문화 혁명에서 볼 수있는 예술 접근법이 대표적이다.

로마의 이야기 상 (Talking statues of Rome)은 여전히 ​​계속되는 16 세기의 정치적 표현의 전통을 시작했습니다. 공공 예술은 또한 종종 정치 체제의 선동적인 욕구를 논박하는 데 사용됩니다. 아티스트들은 대중 매체와 관련된 문화적 방해 전파 기술을 사용하여 게릴라 스타일의 적응으로 재 해석하여 대중과 관련된 사회적, 정치적 문제에 대해 의견을 나눕니다. 예술가들은 기존 문화를 조작하여 사람들이 세상과 관계를 맺는 방식을 바꿔 정치적 관심사를 둘러싼 사회적 상호 작용을 촉진하기 위해 문화 재밍을 사용합니다. Adbusters 잡지는 인기있는 디자인 캠페인을 조작하여 문화 재밍을 통해 현대 사회 및 정치 문제를 탐구합니다.

더 열린 사회에서 예술가들은 종종 공공 미술이 자신의 아이디어를 홍보하거나 시청자와 무관 한 접촉 수단을 마련하는 데 유용하다고 생각합니다. 임시 설치 및 성능 부분의 경우처럼 예술이 의도적으로 일시적 일 수 있습니다. 그러한 예술은 자연스러운 품질을 가지고 있습니다. 당국의 동의없이 도시 환경에서 특색있게 전시됩니다. 시간이 흐르면서, 이런 종류의 예술은 공식 인정을 얻습니다. 예를 들어 Keith Haring의 초기 작품 (뉴욕시 지하철 광고 포스터 소지자의 허락없이 실행 됨) 및 Banksy의 작업과 같이 낙서와 “게릴라”공공 예술 사이의 경계가 흐려지는 상황을 예로들 수 있습니다. 북 아일랜드의 벽화와 로스 앤젤레스의 벽화는 종종 갈등의시기에 반응했습니다.

파이낸싱
일부 저자의 경우 공공 예술은 주 또는 지역 사회의 기금으로 정의됩니다.

공공 예술이 공공 장소에 설치되어 있다고 생각하는 저자의 경우, 기념비 설치와 마찬가지로 후원 또는 공공 가입의 경우 비공개가 될 수 있습니다. 기업들은 공공 예술에 자금을 지원하여 월스트리트의 불에 대항하는 두려움없는 소녀의 설치와 관련된 새로운 논쟁을 불러 일으킬 수 있습니다. 이 예시적이고 복잡한 경우,시 당국은 규제 역할 만 담당하고 당사자는 법원에 중재를 요청합니다.

일부 정부는 예상되는 감각 중 하나 또는 그 이상으로 대중 미술로 이어지도록 격려하지 않고 적극적으로 예술 창작을 장려합니다. 새로운 건물의 건설 비용의 일부를 예술에 투자하는 의무는 발기인이 공공 예술에 자금을 제공하는 것을 강요하지 않습니다. 기금은 사적이며 작품은 공공 장소가 아닌 집단적으로 전시 될 수 있습니다. 예술에 대한 예산 조항에도 똑같이 적용됩니다.

일부 국가에서는 건설 비용의 1 %를 예술로 할당하는 것이 원칙이지만 위치에 따라 금액이 크게 다를 수 있습니다. 프랑스에서는 공공 건축물 창작과 관련된 저작물을 조달하기 위해 1951 년에 1 %의 예술성이 제정되었습니다. 퀘벡 주 공공 기금을 지원하는 건물의 예산은 1960 년대 이래 예술에 대해 1 %를 유지해야합니다. 9. 뉴욕에서는 최초 2,000 만 달러 중 절반 이상 (그리고 절반 이상)을 시 소유의 공공 건물. 토론토에서는 법에 따라 건설 예산의 최소한 1 %가 공공 예술을 위해 배정되어야합니다. 영국의 경우, 금액은 지방 당국의 재량에 달려 있습니다.

미학
대중의지지를 얻으려는 정부는 특별한 교육없이 접근 할 수있는 전통적인 예술적 관습과 과정을 사용하여 공공 장소에서 기념비적 인 작품을 제작하도록 장려했다. 멕시코 혁명의 결과로 생겨난 멕시코 벽화; 동구권 정부는 공공 예술에 사회주의 리얼리즘을 부과한다.

예술 분야의 제도에 의문을 제기하는 운동은 또한 파열과 참신을 선호하는 예술 분야에서 발생하는 미학에 도전했다. 예술을 추구하지 않는 청중의 감상을 원할 때 그들은 만화, 보도 도면 및 일러스트레이션을 일반적으로 드러내는보다 접근하기 쉽고 더 일반적인 형태를 가장 자주 사용합니다.

반대로 정부 기관은 구매 정책과 발표를 통해 현대 미술의 흐름을 대중에게 알릴 수 있습니다. 그러나 전반적으로 공공 질서를 수여하는 과정은 몇 가지 우려 사항을 해결하고 몇 가지 관리 서비스에 관한 것입니다. 미적 기준은 작업장의 목적에 따라 다르며, 공공 도로에 설치되거나 박물관에 전시됩니다.

일부 아티스트는 공공 장소에서의 프리젠 테이션을 활용하여 고전 작품에 비해 너무 큰 대형 작품을 제작합니다. 예를 들어, 길은 3 주간의 하이킹으로 구성된 Richard Long의 작품입니다. Gar Waterman은 New Haven의 거리에 걸쳐 10 미터 높이와 길이의 거대한 아치를 만들었습니다. Christo와 Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell, Antony Gormley와 같은 아티스트는 환경에 반응하거나 통합합니다.

논쟁
공공 예술은 때때로 논란의 여지가 있음을 증명합니다. 이것에 기여하는 요인은 다양하다 : 도발하려는 예술가의 욕망, 대중의 다양한 성격, 공공 기금의 적절한 사용 문제, 공간 및 자원, 공공 안전 문제.

디트로이트의 하이델베르그 프로젝트는 1986 년 창립 이래 수십 년 동안 화려한 모습을 보였기 때문에 논쟁의 여지가있었습니다.
Richard Serra의 미니멀리스트 작품 인 Tilted Arc는 1989 년 뉴욕의 폴리 광장 (Foley Square)에서 제거되었습니다. 사무원들이 작업 일과가 조각에 의해 방해를 받았다고 불평 한 후였습니다. 공청회 심리에서 계속해서 작품을 전시하지 못하도록 판결했습니다.
빅터 파스 모어 (Victor Pasmore)의 영어 신도시 피터 리 (Peterlee) 신도시에있는 아폴로 파빌리온 (Apollo Pavilion)은 지역 정치인 및 기타 단체들에게 마을 지배 구조와 자원 배분에 대해 불만을 표시했습니다. 예술가들과 문화 지도자들은 2003 년 Baltic Center for Contemporary Art와 함께 예술가 인 Jane과 Louise Wilson과 비디오 작품을 설치하는 작업에 대한 명성을 되찾기위한 캠페인을 시작했습니다.
런던의 이스트 런던에있는 레이첼 위트레더트 (Rachel Whiteread)의 대규모 1993-94 년 작업은 몇 달 후에 지방 의회에 의해 파괴되었습니다. 예술가와 그 대리인은 작업에 대한 일시적인 허가 만 받았다.
이스트 런던의 카나리 워프 (Canary Wharf) 근처에있는 피에르 비반트 (Pierre Vivant)의 신호등 (Traffic Light) 트리는 1998 년에 건설되었을 때 자동차 운전자들로부터 혼란을 야기 시켰습니다. 그러나이 작품이 유명 해지자 브리튼의 자동차 운전자를 대상으로 한 조사에서 영국에서 가장 인기있는 원형 교차로로 선정되었습니다.
더 러햄 카운티 체스터 – 레 – 스트리트에 세워진 거대한 팽창성 미로 인 Maurice Agis의 Dreamspace V는 2006 년 강한 여성의 바람이 불어 닥친 계단을 깨뜨린 채로 2 명의 여성을 죽이고 3 살짜리 소녀를 심각하게 부상당했습니다. 공기, 30 명의 사람들이 안에 갇혀있다.
16 톤의 Seth Wulsin의 방대한 2006 년 작업에는 부에노스 아이레스의 구형 교도소와 함께 작동하는 원자재의 철거가 포함됩니다. 프로젝트를 수행하기위한 승인을 얻기 위해, Wulsin은 감옥, 인권 단체 및 군대의 전 수감자들뿐만 아니라 지방, 도시 및 국가 정부 기관들의 네트워크에 관여해야했습니다.

지속 가능성
대중 예술은 그 본성에 의해 디자인 도전에 직면 해 있습니다 : 주변 환경에서 이미지를 가장 효과적으로 활성화하는 방법. “지속 가능성”의 개념은 도시의 인식 된 환경 적 결핍에 대응하여 발생합니다. 1980 년대부터 유엔에 의해 추진 된 지속 가능한 발전에는 경제적, 사회적, 생태적 측면이 포함된다. 지속 가능한 공공 예술 작품에는 도시 재생 및 해체 계획이 포함됩니다. 지속 가능성은 많은 환경 계획 및 엔지니어링 프로젝트에서 널리 채택되었습니다. 지속 가능한 예술은 대중의 개방 공간에 대한 요구에 부응하기위한 도전입니다.