전시 “포르투갈어 예술, 이유와 감정”의 전시는 19 세기 중반부터 1980 년대까지 세르파 핀토 윙 (Serpa Pinto Wing)에서 박물관의 모든 갤러리를 차지하는 시간적 아크의 대부분을 다루고 있습니다. 그것은 초상화에서부터 시작됩니다. 18 세기 주제는 예술가들에 의한 세대 대화에서는 거의 다루지 않았으며 미구엘 루피, 루치아노 프레 이레, 벨로 소 살가도, 두아 르트 파리 아, 마이 아, 콘스탄티노 페르난데스의 알려지지 않은 작품입니다.
낭만적 인 자연과 자연주의 사이의 친밀감과 영속성은 자연광의 느낌과 치료의 승화, 19 세기 후반의 그리운 상징주의, 뚜렷한 작품과 안토니오 파트 리오 (Antonio Patrício)와 호세 데 브리토 (José Brito) 최근 통합 된 레거시 Veloso Salgado의 미공개 그림 세트가 눈에니다.
아마데오 드 수자 카르도소 (Amadeo de Souza-Cardoso)의 국제 아방가르드와의 연계, 특히 그의 추상 론적 제안에 의해 표현 된 20 세기 초반 현대성의 감각은 20 세기 중반의 경쟁 운동과 폴라의 새로운 비 유적 매개 변수로 표현됩니다. 박물관의 주요 갤러리에있는 레고. 드물게 보여진 Emmérico Nunes, António Soares, Abel Manta, Bernardo Marques, Mily Podez, Jorge Barradas, Hein Semke, Jorge Oliveira 및 Jorge Vieira의 웅장한 콜라주가 공개됩니다.
이 백 오십년의 포르투갈 예술 여행은 작가에게 접근하고 거의 작품을 보여주지 않고 감정과 예술적 감성 사이의 맥락을 맥락화합니다. 큐레이터 제안은 가장 완전한 예술에서 연대 기적 경로, 연속성 및 변화, 좋아하는 것과 개념을 구별함으로써 19 세기부터 사회적, 정치적 의미와 현대적 존재 방식의 개념을 반영한다. 수집. 1911 년에 설립 된이 박물관의 이름을 정당화하는 현대와 다음 및 원본.
테마
포르투갈 미술 전시회. 그림, 그림, 판화, 조각, 사진 및 비디오로 구성된 이성과 감정은 7 개의 핵심과 19 세기 중반으로 나뉘어져 있으며 낭만적이고 자연스러운 초상화와 풍경이 있으며 2010 년까지 여행합니다.
“영혼의 거울”, “이미지의 힘”, “현대 문화”, “그림을 조심하십시오!”, “커뮤니케이션 및 경연의 형태”, “언어 및 실험”, “포스트 모더니즘”은 7 개의 핵심.
영혼의 거울
Columbano Bordalo Pinheiro, António Ramalho, Constantino Fernandes 또는 Veloso Salgado와 같은 예술가의 작품과 함께 미공개 작품, 즉 처음부터 예술가의 아버지의 초상화와 일본인의 초상화와 함께 19 세기 테마의 초상화에 중점을 둡니다. 두 번째부터.
이미지의 힘
초상화에서부터 자연과 극장, 세계의 무대로, 조각으로 시작하고 안토니오 마누엘 다 폰세카 (Antonio Manuel da Fonseca)의 결코 노출되지 않은 작품으로 시작되는 핵에서, 극장과의 연결은 예술에도 매우 존재합니다. 19 세기 근대의 유혹을 반영합니다.
현대 문화
미래의 미학을 소개하는 Sousa Lopes, Bernardo Marques, Antonio Soares, Abel Manta, Eduardo Viana 또는 Mario Eloy와 같은 일부 아티스트와 함께 모더니즘에 들어갑니다.
그림 조심!
Almada Negreiros는 열망의 정신에서 포르투갈 국토를 해방시키기 위해 A Reading, A Nap, Acrobats 및 Harlequins와 같은 그림에서 엄격하고 유동적 인 관찰 그림에 의해 제공되는 불경을 반대하는 특집 화가입니다. , 발레 또는 인테리어, 모두 20 세기 중반부터.
커뮤니케이션 및 경연의 형태
제 2 차 세계 대전이 끝날 무렵 페르난도 란 하스, 테레 자 데 아르 리아가, 안토니오 다 코스타, 베 스피라, 마리오 세사 리니, 호르헤 비에이라의 그림에서 추상화, 신실주의, 초현실주의와 같은 새로운 예술적 움직임이 콜라주로 나타납니다. 거의 알려진 초현실적 인 것, 또는 Alexandre O’Neill.
언어와 실험
1960 년대에서 1980 년대까지의 예술적 움직임에 대한 주제. 식민지 전쟁에 의해 지시 된 변화의 절박함에서 태어 났으며 1974 년 혁명으로 예술가들이 이미 예술계와 영화, 텍스트, Gulbenkian 장학금의 지원과 함께 파리, 런던 및 베를린에서의 시즌 경험의 결과.
Paula Rego, Lourdes Castro, João Vieira, Ana Hatherly, Eduardo Nery Jose Escada, Antonio Sena, Jorge Pinheiro 및 Jorge Martins와 같은 아티스트가 이러한 운동의 대표적인 아티스트입니다.
포스트 모더니즘
포스트 모더니스트들은 자기 반사성과 정체성, 모더니즘 건축의 디스토피아, 또는 사진을 실험적으로 사용하는 풍경 비평, 풍경이 허구가 아니라 다큐멘터리 룩과 현대 건축 작품을 비판하는 등 다양한 개념으로가는 길을 열어줍니다.
Julião Sarmento, Fernando Calhau, Victor Pomar, Nuno Cera, Paulo Catrica 및 Francisco Tropa는 전시회의 마지막 핵에 대표되는 예술가들입니다.
포르투갈 예술의 특징
포르투갈 예술의 동시대성은 60 년대부터 네오 뱅가드의 기본 저자의 작품을 통해 Estado Novo의 문화 정책에서 물려받은 근대 주의적 가치를 깨뜨리는 중대한 파열의 순간을 보여줍니다. 1974 년의 민주주의 혁명은 이후 수십 년 동안 포르투갈 예술의 실험적이고 이질적인 특성을 결정할 새로운 정치적, 사회적, 문화적 맥락의 시작을 의미합니다. 20 세기 말까지 20 년간의 예술적 파노라마는 국제적 장면에서 포르투갈 예술을 통합하면서 가장 유명한 국가 예술가들에 의해 예술적 관행의 자율성과 새로운 언어의 헌신으로 특징 지어 질 것이다.
국립 현대 미술관 (National Museum of Contemporary Art) 컬렉션은 1960 년대 이래로 포르투갈 예술에서 일어난 변화들을 보여주었습니다.
이벤트 및 여행
쿨 투르 (1962)
Kultur는 Joaquim Rodrigo의 가장 광범위하고 특징적인 생산에 대한 첫 번째 접근법입니다. 로드리고는 황토 배경에 이미 정의 된 이론 (빨간색, 노란색, 흰색 및 검은 색)의 4 가지 주요 색을 혼합하여 같은 색으로 표시하거나 영역을 채우거나 윤곽선을 디자인합니다.
이 작품은 지금까지만 인식되었던 국가 정치 생활에서 나온 에피소드를 암시하며 세계의 영역을 확대 한 회화와 시간을 구성하는 자연의 다양성에 의해 등록되었다.
형상은 도식적이고 합성 적이며 지형의 윤곽을 사용하여 Rodrigo의 초기 작업에서 이미 친숙한 2 차원 요소를 엄격하게 준수합니다. 서술은 또한 존재하며 평면 상에 분리되어 배치 된 시각적 표시의 관절을 추론한다. 지도 제작과의 친화력은 명확하며이 단계에서 Joaquim Rodrigo의 그림에 대한 우리의 이해를 구성하며, 이는 운동, 여행 또는보다 일반적으로 여행의 일부에 결합 된 작은 인식의 배열을 나타냅니다.
필연적으로 전체를 가리키는 풍경은 화가의지도 제작자가 사건으로 단수로 고립되어 있지만 끊임없이 추론 된 운동에 의해 수행되는 것으로 인식하는 여러 가지 힘의 영역 내에서 사라진다. 이 표지판은 수직 레이아웃 내 분포와 밀접한 관련이있는 다른 색상을 나타내며, 여기에서 그리고 지금부터 그림에 의해 생성 된 공간과 시간의 차원이 전개되는 절대치를 정의합니다.
산타 마리아 (1961)
이 작품의 제목에있는 이니셜은 산타 마리아 (Hantaque Galvão)가 포르투갈의 정치 상황에 대한 국제 사회의 관심을 끌기 위해 강탈 한 라이너 인 산타 마리아 (Santa Maria)의 이름을 암호화합니다. 이 그림은 포르투갈 예술에서 새로운 순간을 시작합니다.
이 에피소드는 엄격한 직교 그리드 내에 배열 된 표시에 의해 나레이션되고 광학 중심이 그림의 중심에 해당하는 교반 된 물-녹색 배경에 오케스트레이션되었습니다. Rodrigo는 입면도, 평면도 또는 단면에 그려진 모양에서 배경 위에 세 가지 기본 색상을 사용하여 정보를 효율적으로 합성합니다.
이미지는 그림이 에피소드의 글이나 이야기처럼 기능 할 수 있도록하는 의미있는 값을 가정하여 그림을 세상과 그 우연성에 열려있는 레지스터로 표시합니다. 그래픽 표시는 Joaquim Rodrigo의 작품의 서면 그림 문자 차원과 관련하여 다른 시각적 표시와 혼동됩니다.
아이러니와 환상
연인 (1965)
Rolando Sá Nogueira의 Os amorosos는 아이러니하고 분산 된 발화입니다. 이 그림은 예술에 의해 채택 된 개발과 소비에 의해 지시 된 새로운 방식과 전통적인 도덕적, 이념적 가치의 지속성 사이에서 포르투갈 문화와 사회 내에서 일어난 모순을 보여준다. 현대 생활에서 남은 액세서리와 엽서, 지느러미를 만지는 액세서리는 당시의 성적인 위선적 접근을 비난합니다.
목가적 인 사랑의 관계는 사진 이미지의 차이, 연관 및 전이, 그리고 다른 출처와 그림 요소로부터의 다양한 단편의 병치 및 누적 장애의 관계에 의해 조롱됩니다. 몸짓과 표현적인 성격으로,이 순서는 예술가 Rauschenberg와 Kitaj에 가깝습니다.
마퀴 (1993-2006)
이 작품은 다음과 같은 Oporto 인근 지역에서 수행 된 사진 연구의 결과입니다 : Contumil, Pasteleira, ilhas da Boavista e Lapa. 불법 건축이 일반적입니다. 도시와 교외의 주거지에 대한 물리적 부속서로서 불법적 인 천막을 널리 사용하는 것은 사회 학적 사고 방식을 말하고 있습니다.
이 작품에서 예술가 인 앙겔라 페레이라 (Angela Ferreira)는이 산업화 된 건축 자재를 활용하여 개념적이고 조각적인 의미를 부여합니다. 그렇게함으로써 작가는 일상적인 시민들이 만들어 낸 일반적인 국가 건축 특징의 아이러니를 강조한다.
시간의 본질에 관한 측면과 실제의 이미지에서의 동화 및 재미 있거나 환상적 인 매혹은 아티스트 René Bertholo가 개발 한 다른 메커니즘의 기초가됩니다. Tinguely의 즉각적인 영화 적 영향을 넘어서 Bertholo의 작품은보다 기술적이고 비평 적이며 아마도 Calder의 실제 메커니즘에 더 가깝습니다.
이 작업은 가상을 현실로 받아들이는 것을 조절함으로써 행동에 대한 인식을 활성화시키는 메커니즘을 개발합니다. 이 contraption은 애니메이션 풍경의 환상을 만들어서 온화한 심판을 행동으로 만듭니다. 콘크리트와 즉각적인 피사체 (보트)의 움직임을 구름의 눈에 띄지 않는 치수로 이동시킴으로써 기계적이고 목가적 인 시가 설치됩니다. 시간은 끊임없이 반영되어 진화하지 않고 스스로를 나타냅니다.
징후와 제스처
제목 없음 (1972)
이 편지는 글을 쓰는 대신 흰색 페이지의 표시로 확인됩니다. 그러나 제스처는 우리에게 읽히도록 주어진 것입니다. 생산 과정에서 신체의 작용은 João Vieira의 그림에 수행 차원을 더합니다. 제스처는 얼룩에 집중되어 더 이상 주걱이 넓고 확고하게 깨어나지 않습니다. 강조된 재료 일관성은 제스처에 기념비적 인 외관을 부여하고 공식적인 존재로 세워줍니다.
글자는 한도에 도달 한 자율 표시와 같이 채색되어 있습니다. 그것들은 컴포지션을 구성하고 운을 내며 회전과 반전을 채택하는 직교 그리드에서 구조를 구성하는 플라스틱 요소이며, 조합을 충분히 선택할 수 있습니다.
르네 베르 톨로의 캐스트 그림자 (1964)
1964 년과 그 다음 해에는 루르드 카스트로가 실루엣에 대한 탐구의 시작과 캔버스에 그려진 즉각적이고 특징적인 사진 포즈의 고립되고 동반 된 인물의 개요가 표시됩니다. 루르드 카스트로 (Lourdes Castro)는 실루엣의 그림자 외에 부재의 윤곽에 둘러싸는 윤곽선이 있어야한다고 말했다. 그들의 한계에 의해 정의되고 제목으로 식별되는이 인물은 그녀가 일상 생활을 공유 한 캐릭터의 갤러리를 형성합니다. 예술과 삶의 근접성은 순간의지도 제작처럼이 흔적을 통해 가능한 관계를 찾습니다.
딥 (1975)
안토니오 세나 (Antonio Sena)의 제품이 아닌 생산 과정을 읽게하는 나머지 움직임으로 인해 글의 표시는 읽을 수 있지만 해석 할 수없는 상태로 남아 있습니다. 글쓰기의 편차는 표현 적으로 만들어진 텍스처 표면에 예술가의 몸이 퍼져있는 제스처의 흉내낼 수없는 표식입니다.
기하 선형 트레이스 옆에있는 빈 공간에 흩어져있는 기호는 공간 밀도 세트를 발생시킵니다. 불투명 함 사이에서, 놀라움은 단어 Deep이 제목과 함께 미끼의 의미와 같은 역할을하는 단어 바다의 만남에 온다. 이름의 명목상의 힘은 발기 능력을 활성화시키고, 그것이 퇴적되는 모든 언급을 가져오고, 깊고 진한 파란색으로 수렴하는 유추 관계가없는 감각 세트.
포르투갈 국립 현대 미술관
국립 현대 미술관 (Museu do Chiado)은 세계 최초의 현대 미술관 중 하나입니다. 리스본의 역사적인 중심지에 위치한이 박물관은 19 세기 후반부터 현재까지 포르투갈 예술의 주요 컬렉션을 전시하고 있으며 현대 및 현대 포르투갈 예술의 이해와 즐거움을 위해 박물관을 반드시 방문해야합니다. 임시 전시회 프로그램은 박물관 활동의 전체 범위 내에서 매우 중요합니다. 역사 및 비판적 연구의 지속적인 연구에 따르면 컬렉션의 프레젠테이션은 시간적 또는 주제 적 세그먼트에서 주기적으로 갱신되지만 프로그램은 포르투갈 예술에만 국한되지 않습니다.
국립 현대 미술관-Museu do Chiado는 1911 년 5 월 26 일 정부의 법령에 의해 설립되었습니다. 그것은 옛 Museu Nacional de Belas-Artes를 이전의 모든 것에서 상속 된 Muscio Nacional de Arte Antiga로 나누면서 탄생했습니다. 1850 년 이전에 제작되어 팔라시오 다스 자넬 라스 베르 데스 (Palácio das Janelas Verdes)와 국립 현대 미술관 (National Museum of Contemporary Art)에 남아 있었다. 벨라 스 아 테스. 국가의 길이를 넓히는 박물관 네트워크를 만드는 것은 18 세기 인간 계몽 개념을 기반으로 한 프로젝트의 성취로 국가에 예술을 보호하고 표시하는 데 필요한 도구를 부여했습니다. 현대 미술관의 창립은
Convento de S. Francisco에있는 국립 현대 미술관 (National Museum of Contemporary Art)의 주택은 박물관에 대표되는 시대의 예술가들이 자주 방문하는 지역에 상징적으로 그리고 적절하게 위치해있었습니다. 그것은 낭만 주의자와 자연 주의자 전시회가 열렸던 큰 오래된 홀, 수녀원 별관을 차지했습니다.