초상화 그림

초상화 그림은 인간 대상을 묘사하려는 의도 인 회화의 장르입니다. ‘초상화 그림’이라는 용어는 실제 그린 초상화를 나타낼 수도 있습니다. Portraitists은 공무원이나 사적인 사람들을 위해 커미션으로 작품을 만들거나 주제에 대한 감탄이나 애정으로 영감을받을 수 있습니다. 인물은 흔히 기억뿐만 아니라 중요한 주 및 가족 기록입니다.

역사적으로, 초상화 그림은 1 차로 부자이고 강력했던 것을 기념했다. 그러나 시간이 지남에 따라 중산층 후원자는 가족 및 동료의 초상화를 위임하는 것이 더 일반적이되었습니다. 오늘날 초상화 그림은 정부, 기업, 단체, 클럽 및 개인에 의해 의뢰됩니다. 페인팅 외에도 인물 사진은 에칭, 리소그래피, 사진, 비디오 및 디지털 미디어와 같은 다른 미디어에서도 제작할 수 있습니다.

역사:
고대 세계
초상화의 뿌리는 선사 시대에 발견 될 가능성이 있지만, 오늘날까지도 이러한 작품 중 거의 생존하지 못합니다. 비옥 한 초승달의 고대 문명의 예술에서는, 특히 이집트에서, 통치자 및 신의 묘사는 풍부하다. 그러나 이들 대부분은 매우 양식화 된 방식으로 이루어졌으며 대부분 석재, 금속, 점토, 석고 또는 크리스털로되어 있습니다. 이집트의 초상은 적어도 14 세기 BC Akhenaten시기까지는 상대적으로 거의 비슷하게 보이지 않았다. 중국의 유명인 초상화 그림은 기원전 1000 년으로 거슬러 올라간다. 기존 중국어 인물은 약 1000 년경 광고로 돌아갑니다.

문학적 증거를 통해 우리는 고대 그리스의 회화에는 작가의 찬사가 믿어 지기만하면 매우 정확한 인물화가 포함되어 있지만 그려진 예는 아직 남아 있지 않다는 것을 압니다. 통치자의 조각 된 머리와 소크라테스와 같은 유명한 인격체는 어느 정도 살아남습니다. 헬레니즘적인 통치자의 동전 흉상과 마찬가지로 그리스의 초상화는 훌륭한 초상을 만들어 낼 수 있으며, 주제는 상대적으로 거의 아첨이없는 것으로 나타났습니다 – 소크라테스의 초상화는 왜 못생긴 것에 대한 명성을 얻었습니다. 알렉산더 대왕의 계승자들은 자신의 머리에 (신분화 된 인물로) 동전을 넣고 곧 자신의 동전을 사용하기 시작했습니다.

로마 인물화는 에트루리아 인과 그리스 인 모두의 초상을 받아 들였고 로마의 정치뿐만 아니라 조상 초상화의 종교적 사용과 관련된 매우 강력한 전통을 발전 시켰습니다. 로마의 통치하에 있었던 이집트 출신의 Fayum 초상화, Alomb 무덤과 Severan Tondo의 몇몇 생존자들도 분명히 로마 스타일보다는 그리스 스타일을 반영하는 지방 제작물이지만 우리는 많은 것을 포함하여 조각 된 머리가 풍부합니다. 중산층 무덤의 개성화 된 인물, 수천 가지 동전 인물 사진이 있습니다.

중세
대부분의 초기 중세 초상화는 처음에는 대부분 로마 모자이크로 된 교황의 초상화와 조명 된 사본으로, 작가, 신비 주의자, 과학자, 조명가, 음악가 Hildegard of Bingen (1152)의 자화상을 예로들 수 있습니다. 현대의 동전과 마찬가지로, 비슷한 시도는 거의 없었다. 돌 무덤 기념물은 로마네스크 시대에 퍼졌습니다. 1350 년에서 1400 년 사이에 마스터 테오 도릭 (Master Theodoric)의 찰스 4 세 (Charles IV)와 같은 프레스코 벽화와 판화에서 세속적 인 인물이 다시 나타나기 시작했고 인물화는 또 다시 명백한 형상이되었습니다. 세기말이 지나면, 작은 나무 패널 위에 그려진 현대인의 첫 번째 석유 초상화가 부르고뉴와 프랑스에서 처음으로 프로필로 등장하고 다른 시각에서 나타납니다. 캘리포니아의 Wilton Diptych. 1400은 리처드 2 세 (Richard II of England)의 생존 패널 초상화 중 하나입니다. 초상화의 주역 인 일란 반 이크 (Jan van Eyck), 로버트 캉팽 (Robert Campin), 로저 반 데와 이덴 (Rogier van der Weyden) 기증자의 초상화가 현재로 보여지기 시작하거나 주된 성스러운 장면에 참여하기 시작했으며, 더 많은 사적인 법원 이미지에서 피조물은 성모 마리아와 같은 중요한 인물로 나타났습니다.

르네상스
르네상스는 초상화의 역사에서 전환점을 기록했습니다. 고대 그리스와 로마의 고전 문화에서 자연적으로 관심이없고 부분적으로는 관심을받지 못했던 인물 (그림과 조각 모두)은 르네상스 사회에서 중요한 역할을 맡았으며 대상으로 평가되었으며 세상의 성공과 묘사를 묘사합니다. 지위. 회화는 일반적으로 균형, 조화 및 통찰력의 새로운 수준에 도달했으며, 가장 위대한 예술가 (Leonardo, Michelangelo 및 Raphael)는 법원 및 교회의 중요한 종업원에게 상인 자격보다 훨씬 높은 곳에있는 “천재”로 간주되었습니다.

다양한 형태의 초상화에서 나온 많은 혁신이이 비옥 한 시대에 발전했습니다. 초상화의 축소가 전통적으로 시작되었는데, 사진의 시대까지 빛을 발하는 미니어처의 화가들의 기술을 계승하면서 인기를 얻었습니다. 고대의 메달리온에서 영감을 얻은 프로필 초상화는 특히 이탈리아에서 1450 ~ 1500 년 사이에 인기를 얻었습니다. 양면 이미지가있는 메달은 르네상스 시대 초기에 양면 그림의 유행에 영감을 불어 넣었습니다. 아폴로 벨베데레 (Apollo Belvedere)와 같은 고전적 조각품은 르네상스 초상화가들에 의해 사용 된 포즈의 선택에 영향을 미쳤다.

북유럽 예술가들은 세속적 인 주제에 대한 현실적인 초상화를 이끌어 냈습니다. 이탈리아와 스페인의 화가들은 여전히 ​​온도를 사용하는 반면, 15 세기의 북부 예술가들의 훨씬 더 사실적이고 세부적인 부분은 부분적으로는 붓놀림과 기름 색으로 가능한 효과 때문이었습니다. 기름 기술을 개발하는 최초의 화가 중에는 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)가 있었다. 오일 색상은 더 많은 텍스처와 두께의 그레이드를 생성 할 수 있으며 점점 더 두꺼운 레이어를 추가함으로써 더 효과적으로 계층화 될 수 있습니다 (화가가 ‘엎질러 진 것 (fat over lean)’으로 알려져 있음). 또한 유채색이 더 천천히 건조되기 때문에 아티스트가 얼굴 세부 정보 변경과 같이 쉽게 변경할 수 있습니다. Antonello da 메시나는 석유를 이용하는 최초의 이탈리아 인 중 한 명이었습니다. 벨기에에서 훈련받은 그는 1475 년경 베니스에 정착했으며 조반니 벨리니 (Giovanni Bellini)와 북부 이탈리아 학교에 큰 영향을주었습니다. 16 세기에 유럽 전역에서 매체로서의 석유가 널리 퍼져 의류와 보석류의 화려한 렌더링이 가능하게되었습니다. 또한 이미지의 품질에 영향을 미치는 것은 나무에서 캔버스로 바뀌 었습니다. 이탈리아에서 16 세기 초반부터 시작하여 다음 세기 동안 북유럽으로 퍼졌습니다. 캔버스는 목재보다 더 좋은 균열에 견디고, 안료를 더 잘 함유하고, 준비가 덜 필요합니다. 그러나 처음에는 나무보다 훨씬 더 희소했습니다.

초기에 북유럽 사람들은 그 모습을 포기하고 현실적인 볼륨과 원근법의 초상화를 만들기 시작했습니다. 네덜란드에서는 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)가 초상화를 쓰는 인물이었다. Arnolfini Marriage (1434, 내셔널 갤러리, 런던)는 서양 미술의 랜드 마크로서, 풍부한 색상과 섬세한 디테일로 아름답게 장식 된 전장 커플 초상화의 초기 예입니다. 그러나 마찬가지로 중요하게도, 그것은 혁명적 인 예술이었던 van Eyck이 개척 한 새로 개발 된 유화 기술을 선보이며 유럽 전역에 퍼졌습니다.

Lucas Cranach, Albrecht Dürer, Hans Holbein of Younger 등 유수의 독일인 초상화 작가들이 모두 유화 기술을 마스터했습니다. 크라 나치 (Cranach)는 당시부터 인기를 얻고있는 실물 크기의 전신위원회를 페인트 한 최초의 예술가 중 한 명이었습니다. 그 당시 잉글랜드에는 1 등상의 초상화 화가가 없었으며 홀 베인 (Holbein)과 같은 예술가는 영국 후원자에게 수요가있었습니다. 영국에서 처음으로 중요한 후원자 인 Thomas More (1527) 경의 그림은 거의 사진의 사실주의를가집니다. 홀베 인 (Holbein)은 헨리 8 세 (Henry VIII)를 비롯하여 왕실에 큰 성공을 거두었습니다. 듀러 (Dürer)는 탁월한 기안자이자 풀 페이스 페인팅을 비롯하여 일련의 자화상을 만드는 최초의 메이저 예술가 중 한 명입니다. 그는 또한 자신의 초상화 그림 몇 개를 자신의 종교 그림에 담았다. 뒤러는 열세 살 때 자화상을 만들기 시작했습니다. 나중에 렘브란트는 그 전통을 증폭시킬 것입니다.

이탈리아의 Masaccio는보다 현실적인 관점을 채택하여 프레스코 화를 현대화하는 길을 열었습니다. 필리포 리피 (Filippo Lippi)는 예리한 윤곽선과 구불 구불 한 선들을 개발하는 길을 닦았으며 그의 눈동자 라파엘 (Raphael)은 그의 기념비적 인 벽화로 이태리에서 훨씬 더 높은 수준으로 사실주의를 확장했다. 이 기간 동안 약혼 초상화가 인기를 얻어 Lorenzo Lotto의 특별한 명물이되었습니다. 초기 르네상스 시대에는 인물화가 일반적으로 작았으며 때로는 힌지 또는 슬라이딩 뚜껑으로 덮여있었습니다.

르네상스 시대에는 특히 피렌체와 밀라노 귀족이 더 현실적인 표현을 원했습니다. 설득력있는 전체 및 3/4 견해를 만들기위한 도전은 실험과 혁신을 자극했습니다. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci 등의 예술가들은 전통적인 종교 및 고전 과목에 초상화를 추가하여 그에 맞게 기술을 확장했습니다. 레오나르도 (Leonardo)와 피사 넬로 (Pisanello)는 세속적 초상화에 우화적인 상징을 추가 한 최초의 이탈리아 예술가 중 한 명입니다.

서양 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나 인 Leonardo da Vinci의 그림 인 Mona Lisa는 Florence와 Tuscany의 Gherardini 가족 인 Lisa del Giocondo와 부유 한 피렌체의 실크 상인 Francesco del Giocondo의 아내입니다. 유명한 “Mona Lisa smile”는 얼굴에 미묘한 비대칭 성을 적용한 훌륭한 사례입니다. 그의 노트에서, Leonardo는 초상화 그림의 빛의 자질에 대해 조언합니다.

어두운 방의 출입구에 앉아있는 사람들의 얼굴에는 빛과 그림자의 은총이 아주 많이 추가됩니다. 어두운 곳에서는 관찰자의 눈이 그늘의 그림자 부분을 보게됩니다. 공기가주는 더 큰 광채로 얼굴의 밝게 빛나는 부분을보십시오. 이 그림자와 빛의 증가로 얼굴은 더욱 안도가됩니다.

Leonardo는 Verrocchio의 학생이었습니다. 화가 협회 (Guild of Painters) 회원이 된 후, 그는 독립위원회를 수락하기 시작했습니다. 그의 완성 된 예술적 산출량은 비교적 적지 만 그의 광범위한 관심과 과학적 사고에 따라 드로잉과 예비 연구 결과는 엄청납니다. 그의 다른 기억에 남는 초상화는 고귀한 여성들 인 Ginevra de ‘Benci와 Cecilia Gallerani의 초상화를 포함합니다.

라파엘의 살아남은 인물 사진은 레오나르도보다 훨씬 많으며 다양한 포즈, 조명 및 기술을 선보입니다. 혁신적인 혁신을 창출하는 대신 라파엘의 위대한 업적은 르네상스 예술의 진화하는 흐름을 강화하고 개선하는 것이 었습니다. 그는 특히 그룹 초상화의 전문가였다. 그의 걸작 인 아테네의 학교는 고대 철학자들처럼 레오나르도 (Leonardo), 미켈란젤로 (Michelangelo), 브라만테 (Bramante), 라파엘 (Raphael) 등의 초상화를 포함하는 가장 중요한 그룹 프레스코 화 중 하나입니다. 그것은 예술가의 첫 번째 그룹 초상화가 아니 었습니다. 수십 년 전 Paolo Uccello는 Giotto, Donatello, Antonio Manetti, Brunelleschi 등의 그룹 초상화를 그렸습니다. 그가 눈에 띄게 상승하면서, 라파엘은 교황의 가장 좋아하는 초상가가되었습니다. 많은 르네상스 예술가들이 열심히 초상화위원회를 받아 들였지만, 라틴계 경쟁자 인 미켈란젤로 (Michelangelo)는 시스틴 예배당 (Sistine Chapel)의 거대한 임무를 대신 수행 한 몇몇 예술가들을 거부했다.

약 1500 년 베니스에서 Gentile Bellini와 Giovanni Bellini가 초상화 그림을 지배했습니다. 그들은 국가의 주요 관리들로부터 가장 높은 위임을 받았다. Bellini의 Doge Loredan 초상화는 르네상스의 가장 훌륭한 초상화 중 하나로 여겨지며, 새로 도착한 유화 기법에 대한 예술가의 숙달을 보여줍니다. 벨리니 (Bellini)는 유럽에서 처음으로 예술가 중 한 사람이기도하지만 거의 데이트하지는 않았다. 16 세기 후반 티티 앙은 왕실의 다양한 주제와 포즈를 확장함으로써 특히 많은 역할을 담당했습니다. 티치아노는 아마도 최초의 훌륭한 어린이 초상화 작가 였을 것입니다. 티치 아노가 전염병에 시달린 후 Tintoretto와 Veronese는 이탈리아의 매너리즘으로의 전환을 돕는 베네치아 예술가가되었습니다. 매너 니스트들은 Agnolo Bronzino와 Jacopo da Pontormo의 작품 에서처럼 물질적 풍부함과 우아하게 복잡한 포즈를 강조하는 많은 뛰어난 초상화에 기여했습니다. 브론 지노 (Bronzino)는 메디치 (Medici) 가족을 묘사 한 명성을 얻었습니다. 그의 대담 무쌍한 Cosimo I ‘Medici의 초상화는 갑옷을 입은 단호한 통치자에게 자신의 극한의 권리를 뚫어지게 조심스럽게 조심스럽게 보여 주며, 대부분의 왕실 그림과는 대조적으로 그들의 시터를 양심적 인 주권자로 보여줍니다. 12 년 동안 베니스에서 훈련 한 엘 그레코 (El Greco)는 스페인에 도착한 후 외모의 현실을 감소시키는 관점에서 시터의 “내면의 시선”을 강조하면서 더 극단적 인 방향으로 나아갔습니다. 16 세기 이탈리아 최고의 초상화 작가 중 한 명은 Cremona 출신의 Sofonisba Anguissola로 개인 및 그룹 초상화에 새로운 차원의 복잡성을 심어주었습니다.

프랑스의 법원 초상화는 플랑드르 출신의 예술가 Jean Clouet이 1525 년경 프랑스의 Francis I을 화려하게 묘사했을 때 시작되었습니다. Francis 왕은 후대에 프랑스에 살기 위해 레오나르도 다 빈치를 초대 한 예술가들과 예술가들에게 훌륭한 후원자였습니다. 모나리자는 레오나르도가 죽은 후 프랑스에 머물렀다.

바로크 식과 로코코 식
바로크 시대와 로코코 시대 (각각 17 세기와 18 세기)에 인물 사진은 더욱 중요한 지위와 지위의 기록이되었습니다. 강력한 법원의 세속적 지도자가 점차 지배하는 사회에서 부유 한 인물 사진은 중요한 인물의 권위를 확인하는 수단이었습니다. 플랑드르 화가 인 안소니 반 다이크 (Anthony van Dyck) 경과 피터 폴 루벤스 (Peter Paul Rubens)는 이런 유형의 초상화를 가졌으며 얀 베르메르 (Jan Vermeer)는 주로 중산층의 초상화를 실내에서 찍고 실내에서 촬영했습니다. 루벤스의 결혼식 옷차림에서의 첫 부인 (1609)의 초상화는 부부 초상화의 거장의 예입니다. 루벤스의 명성은 그의 예술을 넘어서서 확장되었습니다. 그는 코트니, 외교관, 미술 수집가 및 성공적인 사업가였습니다. 그의 스튜디오는 그 당시의 가장 광범위한 작품 중 하나였으며 초상과 더불어 정물, 풍경, 동물 및 장르 장면의 전문가를 고용했습니다. 밴 Dyck는 2 년간 거기 훈련했다. 영국의 찰스 1 세는 처음에 루벤스를 고용 한 후 반 디크를 법원의 화가로 데리고 와서 기사단과 법원 지위를 부여했습니다. Van Dyck은 루벤스의 생산 방법과 비즈니스 기술뿐만 아니라 그의 우아한 태도와 외모도 수정했습니다. 기록 된 바와 같이, “그는 항상 훌륭하게 갔고, 화려하고 장엄한 장비를 가지고 있었고, 그의 고향에 너무나 고귀한 테이블을 유지했으며, 소수의 왕자는 더 이상 방문하지 않았고, 더 나은 serv’d를하지 못했습니다.” 프랑스에서는 히아신도 리가 우드 (Hacinthe Rigaud)가 5 명의 프랑스 왕의 초상을 그린 로열티의 놀라운 연대기 작가와 거의 같은 방식으로 지배했습니다.

르네상스 예술의 혁신 중 하나는 다양한 감정을 동반하는 표정 렌더링 개선입니다. 특히 네덜란드의 화가 렘브란트 (Rembrandt)는 인간의 얼굴에 대한 많은 표현을 탐구했다. 특히 그의 초상화에서 가장 많이 자화상을 쓴 사람 중 한 명으로 묘사되었다. 인간의 얼굴에 대한 이러한 관심은 이탈리아 볼로냐에서 16 세기 후반 Carracci 가문의 화가가 운영하는 Carracci Academy에 최초로 등장한 캐리커처의 창조를 촉진했습니다 (Annibale Carracci 참조).

그룹 초상화는 바로크 시대, 특히 네덜란드에서 엄청난 숫자로 제작되었습니다. 유럽의 나머지 지역과 달리 네덜란드 예술가들은 사실상 존재하지 않는 귀족이나 그런 이미지를 금지 한 칼뱅주의 교회로부터 어떤 커미션도받지 못했다. 대신,위원회는 시민 단체 및 기업 단체에서 왔습니다. 네덜란드 화가 프란스 할 스는 자신이 속한 시민 경비원의 초상화를 포함하여 자신의 그룹 초상화를 생생하게 표현하기 위해 생생한 컬러의 브러쉬 선을 사용했습니다. 렘브란트는 그러한위원회와 정물화와 정물화 및 풍경화를지지했던 부르주아 고객들에 의한 예술에 대한 전반적인 인식에서 크게 이익을 보았다. 또한, 그 당시 네덜란드에서 처음으로 중요한 예술 및 딜러 시장이 번창했습니다.

렘브란트는 많은 요구로 chiaroscuro와 같은 비 전통적인 구성과 기술을 실험 할 수있었습니다. 그는 Caravaggio와 같은 이탈리아의 주인에 의해 개척 된 이러한 혁신을 시연했으며, 특히 유명한 Night Watch (1642)에서 주목할 만하다. 튤립 박사 (1632)의 해부학 교재는 렘브란트가 회화의 중심에 관심을 끌기 위해 밝은 빛으로 시체를 목욕시키는 동시에 회화와 배경이 검은 색으로 합쳐지는 그룹 회화의 숙달의 또 다른 훌륭한 예입니다 외과 의사와 학생의 얼굴은 두드러진다. 렘브란트가 자신의 이름으로 서명 한 최초의 그림이기도합니다.

스페인에서는 디에고 벨라 스케 (Diego Velázquez)가 가장 유명하고 수수께끼 같은 단체 초상화 중 하나 인 라스 메니 나스 (1660)를 그렸다. 그것은 스페인 왕실의 예술가와 아이들을 기념하고, 시터는 거울 속의 반사로서 만 보이는 왕 커플입니다. 주로 장르 화가로 시작한 벨라스케스는 필립 4 세의 궁정 화가로서 급속히 발전하여 인물화에 뛰어 났으며, 특히 그룹 초상화의 복잡성을 확장 시켰습니다.

풍부하고 복잡한 장식에 특히 관심이있는 로코코 예술가는 세련된 초상화의 주인공이었습니다. 드레스와 질감의 세부 사항에 대한 그들의 관심은 프랑소와 바우처 (François Boucher)의 유명한 초상화의 퐁파두두 (Madame de Pompadour)가 실크 가운을 입은 모습으로 입증 된 것처럼 세속적 인 재산에 대한 증거로 초상화의 효능을 증가 시켰습니다.

영국 학교의 최초의 주요 원주민 초상화 화가는 토마스 게인즈 버러 (Thomas Gainsborough)와 조슈아 레이놀즈 경 (Sir Joshua Reynolds)이었으며, 이들은 또한 주제를 눈길을 사로 잡는 방식으로 전문적으로 다루었습니다. Gainsborough의 Blue Boy는 파란색 의상이 반짝 반짝 빛나는 효과를 내기 위해 매우 긴 브러시와 얇은 유채기로 페인트되어 가장 유명하고 유명한 초상화 중 하나입니다. Gainsborough는 또한 그의 주제에 대한 그의 정교한 배경 설정으로 유명했습니다.

영국의 두 예술가는 조력자를 사용하는 것에 반대 의견을 갖고있었습니다. Reains는 Gainsborough가 거의 사용하지 않았지만 정기적으로 (때로는 그림의 20 %만을 사용) 정기적으로 사용합니다. 때로는 의뢰인이 초상화 작가 인 Peter Lely (영국의 van Dyck의 후계자)의 리차드 뉴 데이트 (Richard Newdegate) 경의 초상화가 “처음부터 끝까지 손을 내밀어 끝낼 것”이라고 약속했던 것처럼 작가의 서약을 뽑아 내기도합니다. 레이놀즈 (Reynolds)는 플랑드르의 주인에 의해 사용 된 정확도와는 달리, “모든 은혜와 모든 형상의 정확한 유사성을 관찰하는 것보다 일반적인 공기를 취하는 데 더 많은 요소가있다” . ” 또한 영국에서 유명해진 윌리엄 호 가스 (William Hogarth)는 자신의 초상화에 유머 감각을 도입하여 감히 전통적인 방법을 사용하지 않았습니다. 그의 “자화상과 퍼그 (Pug with Self-portrait)”는 분명히 자신의 애완 동물을 유머러스하게 받아들이는 것보다 분명합니다.

18 세기에는 특히 초상화의 분야에서 여성 화가가 새로운 중요성을 얻었습니다. 주목할만한 여성 예술가로는 프랑스 화가 Élisabeth Vigée-Lebrun, 이탈리아 파스텔 아티스트 Rosalba Carriera 및 스위스 예술가 Angelica Kauffman이 있습니다. 또한 사진의 발명가가되기까지의 세기 동안 엄청난 정밀도로 그려진 소형 인물 사진들은 종종 금이나 법랑 로켓으로 싸여있었습니다.

미국의 John Singleton Copley는 세련된 영국 방식으로 교육을 받았으며 Samuel Adams와 Paul Revere의 매우 사실적인 사진을 특히 잘 평가하는 등 풀 사이즈 및 소형 인물의 대표적인 화가가되었습니다. Copley는 또한 인물화를 학문적으로 존경받는 역사 그림의 예술과 병합하려는 그의 노력으로 주목할 만하다. 그는 그의 유명한 군인 초상화의 초상화로 시도했다. 1,000 점이 넘는 초상화를 그린 길버트 스튜어트 (Gilbert Stuart)도 유명했으며, 특히 초상화를 그리는 것으로 잘 알려져 있습니다. 스튜어트는 조지 워싱턴 만의 복제품 100 장 이상을 그렸다. 스튜어트는 Copley보다 신속하게 작업하여 부드럽고 세부적인 브러쉬 스트로크를 사용하여 과목의 본질을 파악했습니다. 때로는 클라이언트를 위해 여러 버전을 만들어서 원하는 사람을 선택하도록 할 수 있습니다. Stuart는 그의 장밋빛 뺨 음색으로 “육체는 천국의 다른 물질과 같지 않습니다. 그것은 슬픔없이 오래된 마호가니의 모든 부드러움과 광택이없는 실크 – 머서의 가게를 자랑스럽게 생각합니다.” 식민지 시대의 다른 저명한 초상화가는 존 스미 베리, 토마스 설리, 랄프 얼, 존 트럼 불, 벤자민 웨스트, 로버트 페케, 제임스 필, 찰스 윌슨 필, 렘브란트 필이었다.

19 세기
18 세기 후반과 19 세기 초반에 신고전주의 예술가들은 최신 유행을 주제로 한 전통을 이어 갔다. 그 당시의 여성들은 고대 그리스와 로마 의류 스타일에서 파생 된 투명한 가운을 의미했다. 아티스트들은 질감과 얼굴과 팔다리의 단순한 원형을 정의하기 위해 지시광을 사용했습니다. 프랑스 화가 자크 – 루이 데이비드 (Jacques-Louis David)와 장 오귀스트 도미니크 잉그레스 (Jean-Auguste-Dominique Ingres)는이 초안과 같은 기법과 성격에 대한 예리한 시선으로 탁월한 재능을 보였습니다. 데이비드 (David)의 학생 인 잉그레스 (Ingres)는 피사체의 후면을 시뮬레이션하기 위해 피사체 뒤에 거울이 그려져있는 초상화로 유명합니다. 그의 제국 왕좌에 앉은 나폴레옹의 초상화는 리갈 초상화의 힘입니다. (아래 갤러리 참조)

19 세기 전반기에 일했던 낭만적 인 예술가들은 활발한 브러시 스트로크와 극적이고 때로는 변덕스러운 조명을 사용하여 고무적인 지도자, 아름다운 여성, 불안한 주제의 초상화를 그렸습니다. 프랑스의 예술가 Eugène Delacroix와 Théodore Géricault는이 유형의 특히 훌륭한 목마를 묘사했습니다. 폴란드에서 로맨틱 한 시대의 예술가 중 주목할만한 삽화로는 말 타기 초상화를 연습 한 Piotr Michałowski (1800-1855)가 있습니다. 또한 주목할만한 것은 Géricault의 일련의 정신 환자 (1822-1824)입니다. 스페인어 화가 인 Francisco de Goya는 La maja desnuda (c. 1797-1800)와 Charles IV의 유명한 법원 초상화를 포함하여 시대를 탐험하고 자극적 인 이미지를 그렸습니다.

구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet)와 같은 19 세기 현실주의 예술가들은 중류층과 중산층을 묘사 한 객관적인 초상화를 만들었습니다. 낭만주의를 드러내는 쿠르베 (Courbet)는 다양한 분위기와 표현 속에서 자신을 보여주는 몇 가지 자화상을 그렸다. 다른 프랑스 현실 주의자들은 그의 동시대 인물들의 많은 풍자 만화를 제작 한 Honoré Daumier를 포함한다. Henri de Toulouse-Lautrec은 제인 에이브릴 (Jane Avril)을 비롯한 유명 연예인을 연대기로 기록하여 움직였습니다. 프랑스 화가 Édouard Manet은 현실주의와 인상주의 사이를 오가는 중요한 과도기적 예술가였다. Stéphane Mallarmé의 그림이 그의 과도기적 스타일의 좋은 본보기 인 뛰어난 통찰력과 기법을 지닌 초상화 작가였습니다. 그의 현대 에드거 드가 (Edgar Degas)는 주로 현실 주의자였으며 그의 그림 인 Bellelli Family의 초상은 불행한 가족과 그의 가장 훌륭한 초상화 중 하나를 통찰력있게 표현한 것입니다.

미국의 토마스 에이킨 스 (Thomas Eakins)는 최고의 초상화 화가로 군림 해왔다. 직장에서의 외과의뿐만 아니라 운동 선수와 음악가의 초상화로 특히 새로운 차원의 솔직함을 느낄 수 있었다. “Edith Mahon 여사의 초상화”와 같은 많은 초상화에서, Eakins는 대담하게 슬픔과 우울의 감정을 전달합니다.

실재론 자들은 대부분 1870 년대 인상주의 자에게로 향했다. 부분적으로 빈약 한 소득으로 인해 많은 인상주의 자들은 가족과 친구들을 모델로 삼아 모델을 만들었고 옥외 또는 밝은 실내에서 친밀한 그룹과 단일 인물을 그렸습니다. 반짝 반짝 빛나는 표면과 풍부한 페인트 물감으로 유명한 인상주의 자의 초상화는 대단히 친밀하고 호소력이 있습니다. 프랑스의 화가 클로드 모네 (Claude Monet)와 피에르 오귀스트 르누아르 (Pierre-Auguste Renoir)는 개별 시터와 그룹의 가장 인기있는 이미지를 만들었습니다. 르노와르 (Renoir)와 마찬가지로 프랑스에서 훈련을 받고 프랑스에서 일한 미국의 예술가 인 메리 카삿 (Mary Cassatt)은 어머니와 아이들의 매력적인 그림을 통해 오늘날에도 인기가 있습니다. 포스트 고 인상파 인 폴 고갱 (Paul Gauguin)과 빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh)는 모두 알고있는 사람들의 초상화를 그린 것으로 색이 소용돌이 치다. 그들은 똑같이, 더 이상 그렇지 않은 경우에도 강력한 자화상을 축하합니다.

Sargent는 세기의 변화에 ​​대해서도 다루었지만 인상주의와 후기 인상주의를 거부했다. 그는 색채가 돋보이는 대부분 현실적인 기법을 사용하여 시대의 가장 성공적인 초상화 화가였습니다. 그는 개인이나 단체 초상화, 특히 상류층 가족에게 똑같이 적합했습니다. Sargent는 피렌체, 이탈리아에서 미국 부모에게 태어났습니다. 그는 이탈리아와 독일, 그리고 파리에서 공부했습니다. Sargent는 van Dyck으로 시작하는 영국의 초상 초상화의 마지막 주요 지수로 간주됩니다. 해외에서 훈련받은 또 다른 저명한 초상화가는 윌리엄 메릿 체이스 (William Merritt Chase)였다. “여성 Sargent”라고 불리는 미국 사회 화가 세실리아 보 (Cecilia Beaux)는 프랑스의 아버지에게서 태어 났으며 해외에서 공부하고 전통적 방법을 고수하면서 성공을 거두었습니다. 그의 무성한 기술에 대한 Sargent와 비교 된 또 다른 초상화 작가는 Degas와 Whistler의 친구 인 이탈리아 태생의 파리 출신 예술가 인 Giovanni Boldini였다.

미국 태생의 국제 주의자 인 제임스 애보트 맥닐 휘슬러 (James Abbott McNeill Whistler)는 유럽의 예술가들과 잘 어울리 며 뛰어난 초상화도 그렸습니다. 가장 유명한 “회색 및 검정색의 예술가의 어머니”(1871)는 “휘슬러의 어머니”라고도합니다. 자신의 음조 풍경과 마찬가지로 초상화가있는 휘슬러는 시청자가 자신의 그림에서 형식과 색상의 고조파 배열에 집중하기를 원했습니다. 휘파람 부는 정복 된 팔레트를 사용하여 의도 한 효과를 내고 색상 밸런스와 부드러운 색조를 강조했습니다. 그가 말했듯이, “음악은 소리의시이며,시는시를 그리는 것이고, 주제는 소리의 조화 또는 색의 조화와 아무 관련이 없습니다.” 폼과 컬러 또한 세잔의 초상화의 중심이었고, 안드레 데라 인 (André Derain)과 앙리 마티스 (Henri Matisse)의 초상화를 훨씬 더 극한의 컬러와 브러쉬 스트로크 기법으로 지배했습니다.

19 세기의 사진 개발은 초상화에 큰 영향을 주었고 이전에는 회화에 도움이되었던 이전의 카메라 외피를 대신했습니다. 많은 현대인들이 포토 스튜디오에 몰려 들었고 사진을 “예술의 적”으로 선포했지만 Baudelaire는 사진의 솔직함과 권력에 매료되었다. 값싼 대안을 제공함으로써 사진 촬영은 인물 사진의 가장 낮은 수준을 훨씬 능가했습니다. Thomas Eakins와 Edgar Degas와 같은 일부 현실주의 예술가들은 카메라 촬영에 열의를 보였고 그것이 작곡에 도움이된다는 것을 알게되었습니다. 인상파 작가들로부터 초상화 화가들은 사진과 효과적으로 경쟁하기 위해 초상화를 재 해석하는 수많은 방법을 발견했습니다. Sargent와 Whistler는 카메라가 포착 할 수없는 효과를 내기 위해 기술을 확장하기 위해 자극받은 사람들 중 하나였습니다.

20 세기
20 세기 초반의 다른 예술가들도 초상화의 레퍼토리를 새로운 방향으로 확장했습니다. Fauvist 아티스트 인 Henri Matisse는 피부색에 자연스럽고 화려하지 않은 색상을 사용하여 강력한 인물 사진을 제작했습니다. Cézanne는 자신의 초상화에서 매우 단순화 된 형태에 의존하면서 색의 병치를 강조하면서 세세한 것을 피했습니다. 오스트리아 구스타브 클림트의 독특한 스타일은 비잔틴 모티브와 금색 페인트를 인상적인 초상화에 적용했습니다. 그의 제자 인 오스카 코 코쉬 카 (Oskar Kokoschka)는 비엔나 상류층의 중요한 초상화 작가였다. 다문화 스페인어 작가 인 파블로 피카소 (Pablo Picasso)는 주인공의 입체파 렌더링을 비롯한 여러 초상화를 그렸습니다. 주인공의 초상은 일반 캐리커처의 범위를 훨씬 뛰어 넘는 정서적 성명을 달성하기 위해 크게 왜곡되었습니다. 프랑스 인상파와 관련된 20 세기로 접어 든 뛰어난 여성 초상화 화가는 Olga Boznańska (1865-1940)였다. 표현주의 화가들은 지금까지 만들어진 가장 잊혀지지 않은 심리적 연구의 일부를 제공했습니다. 오토 딕스 (Otto Dix)와 맥스 벡만 (Max Beckmann)과 같은 독일 작가들은 표현주의 초상화의 주목할만한 사례를 만들어 냈습니다. 베크만은 자화상을 많이 쓴 사람으로 최소한 27 명을 배출했다. Amedeo Modigliani는 형태와 색깔에 대한 엄격한 연구에 찬성하여 “내면의 사람”을 가치 저하시킨 그의 길쭉한 스타일로 많은 초상화를 그렸습니다. 이를 달성하기 위해 그는 보통 표현력이 풍부한 눈과 눈썹을 검은 색 슬릿과 단순한 아치의 지점까지 덜 강조했습니다.

영국 미술은 20 세기 초기에 주목할만한 초상화를 그렸던 Vorticists에 의해 대표되었다. 다다 (Dada) 화가 인 프란시스 피카 비아 (Francis Picabia)는 독특한 방식으로 수많은 인물 사진을 찍었습니다. 또한 Tamara de Lempicka의 초상화는 유선형 곡선, 풍부한 색상 및 선명한 각도로 성공적으로 아트 데코 시대를 점령했습니다. 미국에서는 Robert Henri와 George Bellows가 1920 년대와 1930 년대 미국 현실 주의자 학교의 훌륭한 초상가였습니다. Max Ernst는 1922 년 “All Friends Together”라는 그림을 사용하여 현대적인 동료 초상화의 예를 제작했습니다.

1930-2000 년의 초상화 그림 개발에 크게 기여한 것은 러시아 작가들이 주로 현실주의와 비 유적 그림의 전통에서 일하는 것이었다. 그 중에는 Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov 등이 있습니다.

1940 년대와 1950 년대에 유럽 (러시아 제외)과 아메리카 대륙의 초상화 제작은 일반적으로 추상화 및 비 형상 예술에 대한 관심 증가로 인해 감소했습니다. 그러나 한 가지 예외는 미국의 현실주의 초상화 화가로 발전한 Andrew Wyeth였다. 와이어트 (Wyeth)의 현실주의는 명백하지만, 그의 그림의 색조와 분위기에 부차적이다. 이것은 “Helga”그림으로 알려진 그의 획기적인 그림으로 잘 알려져 있습니다. 주요 예술가가 한 명을 가장 많이 찍은 인물입니다. (이웃 인 Helga Testorf에 대한 247 개의 연구, 입은 채색과 누드, 다양한 환경에서의 기간 1971-1985 년).

1960 년대와 1970 년대에는 초상화의 부활이있었습니다. Lucian Freud (지그문트 프로이트의 손자)와 Francis Bacon과 같은 영국인 예술가들은 강력한 그림을 제작했습니다. 베이컨의 초상화는 악몽 같은 음질로 유명합니다. In May 2008, Freud’s 1995 portrait Benefits Supervisor Sleeping was sold by auction by Christie’s in New York City for $33.6 million, setting a world record for sale value of a painting by a living artist. Many contemporary American artists, such as Andy Warhol, Alex Katz and Chuck Close, have made the human face a focal point of their work. Warhol’s painting of Marilyn Monroe is an iconic example. Close’s specialty was huge, hyper-realistic wall-sized “head” portraits based on photographic images. Jamie Wyeth continues in the realist tradition of his father Andrew, producing famous portraits whose subjects range from Presidents to pigs.