초상화는 얼굴과 그 표현이 우세한 사람의 그림, 사진, 조각 또는 기타 예술적 표현입니다. 의도는 사람의 초상, 성격 및 심지어 분위기를 표시하는 것입니다. 이러한 이유로 사진에서 인물은 일반적으로 스냅 사진이 아니라 정지 된 위치에있는 사람의 구성된 이미지입니다. 초상화는 종종 화가 또는 사진 작가를 직접 보면서 뷰어와 주제를 가장 성공적으로 연결하는 사람을 보여줍니다.

프로필보기, 전체 얼굴보기 및 3/4보기는 인물의 세 가지 일반적인 지정으로 각 개인의 머리 부분의 특정 방향을 나타냅니다. 이러한 용어는 조각과 같은 입체적인 작품보다는 사진과 그림과 같은 2 차원 예술 작품에 더 큰 적용 가능성이있는 경향이 있습니다. 3 차원 아트 워크의 경우 뷰어는 일반적으로 주위를 이동하여 아트웍에 대한 방향을 변경할 수 있습니다.

초상화는 회화, 그래픽, 사진 예술 등의 작품으로, 의상과 특성 표현을 가진 사람을 비슷한 방식으로 표현하는 것을 목적으로합니다. 기간 초상화는 고전 기간에있는 프랑스에있는 조각품에 적용했다.

이 용어는 동물의 표현에 거의 적용되지 않지만, 동물은 초상화에 나타난 것처럼 승마 초상화에서와 같이 표현 된 사람의 특징 인 부록처럼 나타납니다.

역사
개인을 보여주기 위해 명확하게 의도 된 대부분의 초기 표현은 지배자의 것이고, 피사체의 개별적인 특징보다는 이상적인 예술적 관습을 따르는 경향이 있지만, 관객의 외모에 대한 다른 증거가 없을 때 평가하기가 어렵다. 그럼에도 불구하고, Akhenaten과 다른 이집트의 파라오와 같은 많은 주제가 그들의 독특한 특징으로 인식 될 수 있습니다. 28 명의 살아남은 작은 동상 인 구아 (Gudea), 수 메리아의 라가시 (Lagash) 통치자 c. 기원전 2144 – 2124 년, 일부 개성과 일관된 모습을 보여줍니다.

통치자가 아닌 사람들의 가장 오래 살아남은 초상화 중 일부는 이집트의 파엄 (Fayum) 지역의 건조한 기후에서 살아남은 그레코 – 로마 장례식 초상화입니다. 이 조각들은 프레스코 화를 제외하고는 살아남은 고전적인 세계에서 유일한 그림들입니다. 그러나 많은 조각품과 동전에 관한 초상화가 더 잘 해왔습니다. 인물의 모습은 상당히 다르지만 상당히 이상적이며 모두 비교적 젊은 사람들을 보여주기 때문에 인생에서 색칠했는지 여부가 불확실합니다.

초상화의 예술은 고대 그리스, 특히 시인이 개성 있고 현실적인 초상화를 요구하는 로마 조각에서 번성했습니다. 4 세기 동안, 초상화는 그 사람이 어떻게 생겼는지에 대한 이상화 된 상징에 찬성하여 퇴각하기 시작했습니다. (로마 황제 콘스탄틴 (Constantine I)과 테오도시우스 (Theodosius I)의 초상을 그들의 작품과 비교한다. 초기 중세 시대의 유럽에서 개인의 표현은 대부분 일반화되어있다. 중세 후기, 무덤 기념물, 기증자 초상화, 조명 원고의 축소판, 그리고 패널 페인팅에서 개인의 외모에 대한 진정한 초상화가 다시 등장했습니다.

페루의 모체 문화는 인물을 제작 한 몇 안되는 고대 문명 중 하나였습니다. 이 작품은 해부학 적 특징을 정확하게 묘사합니다. 묘사 된 개인은 다른 기호 나 이름에 대한 서면 참조 없이도 인식 할 수 있었을 것입니다. 묘사 된 개인은 지배 엘리트, 사제, 전사 및 심지어 장인의 일원이었습니다. 그들은 삶의 여러 단계에서 대표되었습니다. 신의 얼굴도 묘사되었습니다. 지금까지 여성의 초상화는 발견되지 않았습니다. 특히 머리 장식, 헤어 스타일, 바디 장식 및 얼굴 페인팅의 세부 묘사에 중점을 둡니다.

서양에서 가장 유명한 초상화 중 하나는 Leaard da Vinci의 그림 인 Mona Lisa로, Lisa del Giocondo의 그림입니다. 세계에서 가장 오래된 것으로 알려진 초상화는 2006 년 Angoulême 근처의 Vilhonneur 동굴에서 발견되었으며 27,000 년 전으로 추정됩니다.

초상화 장르
자화상
작가가 자신의 초상을 만들면 자기 초상화라고 부릅니다. 식별 가능한 예는 후기 중세 시대에 많았습니다. 그러나 그 정의가 확장된다면, 첫 번째는 파라오 아카 헨 (Akaraaten)의 조각가 바크 (Bak)가 자신과 그의 아내 타 헤리 (Taheri c)를 대표하여 조각 한 것입니다. 기원전 1365 년 그러나 자화상은 동굴 벽화, 가장 초기의 대표적인 예술, 그리고 문학이 이제 잃어버린 몇 가지 고전적 사례를 다시 기록 할 것으로 보인다.

공식 초상화
공식 초상화는 중요한 성격, 특히 왕, 대통령 및 주지사의 기록 및 보급을 사진으로 찍은 것입니다. 그것은 일반적으로 국가, 주 또는 시정촌의 깃발, 대통령 줄무늬 및 문장과 같은 공식적인 색상과 기호로 장식되어 있습니다. 또한 이벤트, 제품 및 회의의 이미지로서의 의미가 있습니다.

인물 사진
인물 사진은 전 세계에서 인기있는 상업 산업입니다. 많은 사람들이 전문적으로 가정의 초상화를 집에서 사용하거나 졸업식이나 결혼식과 같은 특정 행사를 기념하기 위해 특별한 초상화를 사용하는 것을 즐깁니다. 사진의 새벽부터 사람들은 초상화를 만들었습니다. 19 세기 중반의 다가레 타입 (daguerreotype)의 인기는 주로 저렴한 초상화에 대한 요구 때문이었습니다. 스튜디오는 전 세계 여러 도시에서 생겨 났으며 일부는 하루에 500 개 이상의 플레이트를 만들었습니다. 이 초기 작품의 스타일은 30 초 노출 시간과 회화 적 미적과 관련된 기술적 인 어려움을 반영했습니다. 피사체는 일반적으로 평범한 배경에 앉아 있었고 오버 헤드 창문의 부드러운 빛과 거울로 반사 될 수있는 것이 무엇이든 조명을받습니다.

사진 기술이 개발됨에 따라 대담한 사진가 그룹이 그들의 재능을 스튜디오에서 전쟁터로, 대양을 넘어 원격 황야로 가져갔습니다. William Shew의 Daguerreotype Saloon, Roger Fenton의 Photographic Van, Mathew Brady의 What-it-it? 왜건은 현장에서 인물 사진 및 기타 사진을 제작하는 기준을 설정합니다.

정치
정치에서 지도자의 초상화는 종종 국가의 상징으로 사용됩니다. 대부분의 국가에서 중요한 정부 건물에 국가 원수 초상화가 등장하는 것은 일반적인 프로토콜입니다. 조셉 스탈린, 아돌프 히틀러, 마오 쩌둥 등의 지도자의 초상을 과도하게 사용하면 성격 숭배가 될 수 있습니다.

문학
문학에서 초상화라는 용어는 사람이나 사물에 대한 서면 설명이나 분석을 의미합니다. 서면 초상화는 종종 깊은 통찰력을 제공하며 피상적 인 것 이상의 분석을 제공합니다. 예를 들어, 미국의 작가 Patricia Cornwell은 잭 더 리퍼의 인격, 배경 및 가능한 동기에 관한 살인자의 초상화와 그의 살인 사건에 대한 언론의 보도 및 그의 범죄에 대한 후속 경찰 조사라는 책을 썼습니다 .

기법과 실습 :
잘 수행 된 초상화는 (작가의 관점에서) 주제의 내적 본질 또는 문자 그대로의 유사성을 보여줄 것으로 기대된다. 아리스토텔레스가 말했듯이, “예술의 목적은 사물의 외양이 아니라 내적 의미를 제시하는 것이지 외부의 방식과 세부 사항이 아닌 진정한 현실을 구성한다.” 예술가는 사진의 사실주의 또는 피사체를 묘사 할 때 인상주의 유사성을 위해 노력할 수 있지만 신체적 특징을 과장하여 특성을 드러내려고 시도하는 풍자 만화와는 다릅니다. 에드워드 번 존스 (Edward Burne-Jones)는 “인물화와 인격적 인면에서 표현이 허용되는 유일한 표현은 일시적이거나 일시적이거나 우발적 인 것이 아니다”라고 명시 적으로 묘사하고있다.

대부분의 경우, 이것은 심각한, 닫힌 입술 쳐다 본다. 약간의 미소를 초월한 것은 역사적으로 매우 드물다. 또는 찰스 디킨스 (Charles Dickens)가 말했듯이 “초상화 페인팅에는 두 가지 스타일이 있습니다 : 진지하고 능글 맞은 웃음.” 이러한 한계를 감안하더라도, 조용한 위협으로부터 온화한 만족에 이르기까지 모든 종류의 미묘한 감정이 가능합니다. 그러나 입이 상대적으로 중립 인 상태에서 눈과 눈썹을 통해 표정을 많이 만들어야합니다. 저자이자 예술가 인 고든 C. 아이 마르 (Gordon C. Aymar)는 “눈은 주제에 관해 가장 완전하고 신뢰할 수있는 정보를 찾는 곳이다. 그리고 눈썹은 무한한 변이와 조합으로 “거의 혼자서, 궁금해하고, 동정하고, 공포에 떨고, 냉소, 집중력, 권위, 불만과 기대를 등록 할 수 있습니다.”

초상화 페인팅은 프로필, “3/4보기”또는 “4 분의 1보기”뿐만 아니라 제목 전체 길이, 반 길이, 머리 및 어깨 (또는 흉상이라고도 함) 또는 머리를 나타낼 수 있습니다. 전체 얼굴 “, 빛과 그림자의 방향이 다양합니다. 때때로, 예술가는 Anthony van Dyck의 “Charles I의 트리플 초상화”와 같이 여러보기가있는 인물을 만들었습니다. 피사체의 앞이 전혀 보이지 않는 몇 개의 인물 사진이 있습니다. 앤드류 와이어트 (Andrew Wyeth)의 크리스티나 월드 (Christina ‘s World, 1948)는 그녀의 뒤를 관객에게 향한 장애 소녀의 포즈가 예술가의 해석을 전달하기위한 배치와 통합되는 유명한 예이다.

초상화의 “three-quarter view”의 또 다른 예제 (이 경우 사진)는 Portrait 기사에서 찾을 수 있습니다.

가능한 다른 변수들 중 피검자는 옷을 입거나 누드 될 수 있습니다. 실내 또는 외; 서있는, 앉아서, 기대고; 심지어 말 장착. 초상화 그림은 개인, 부부, 부모 및 자녀, 가족 또는 동료 그룹이 될 수 있습니다. 오일, 수채화 물감, 펜 및 잉크, 연필, 숯, 파스텔 및 혼합 매체를 포함한 다양한 매체에서 만들 수 있습니다. 예술가는 Pierre-Auguste Renoir의 Mme와 같이 다양한 색상 팔레트를 사용할 수 있습니다. Charpentier와 그녀의 아이들, 1878 또는 Gilbert Stuart의 George Washington (1796)의 초상화와 마찬가지로 주로 흰색 또는 검정색으로 제한됩니다.

때로는 인물의 전체 크기가 중요한 고려 사항입니다. Chuck Close의 박물관 전시용으로 제작 된 막대한 인물 사진은 가정에 적합하도록 설계된 대부분의 인물과 크게 다르며 고객과 쉽게 여행 할 수 있습니다. 종종 예술가는 최종 인물 사진이 찍히는 위치와 주변 장식의 색상 및 스타일을 고려합니다.

초상화를 만드는 데는 상당한 시간이 필요하며 일반적으로 여러 번 앉아 있어야합니다. 한 극단적 인 상황에서 Cézanne은 자신의 주제에서 100 편 이상 앉아 있다고 주장했다. 반면에 고야는 하루 종일 앉아있는 것을 선호했습니다. 평균은 약 4입니다. Portraitists들은 때로 Sir Joshua Reynolds와 같이 시터가 선호하는 자세를 선택할 수있는 드로잉이나 사진의 포트폴리오를 시터에게 제시합니다. 한스 홀 베인 (Hans Holbein)과 같은 일부 사람들은 얼굴을 그리기 만하고 나머지 사람들은 시터없이 끝내게됩니다. 18 세기에는 완성 된 초상화를 고객에게 전달하는 데 일반적으로 약 1 년이 걸렸습니다.

시술자의 기대와 분위기를 관리하는 것은 초상화 작가에게 심각한 우려입니다. 시인 자의 외모에 대한 초상화의 충실함에 관해서 초상화 인의 경우 일반적으로 일관된 접근 방식을 취합니다. Joshua Reynolds 경을 찾은 고객은 아첨하는 결과를 얻는 것을 알았고 Thomas Eakins의 시터는 현실적인 비할 데없는 초상화를 기대하고있었습니다. 일부 주제는 강한 선호도를, 다른 것들은 아티스트가 완전히 결정하도록합니다. 올리버 크롬웰 (Oliver Cromwell)은 그의 초상화가 “이 모든 거칠기, 여드름, 사마귀, 그리고 모든 것을 당신이 보는 것처럼 보일 것을 유명하게 요구했습니다. 그렇지 않으면 나는 그것을 위해 결코 돈을 쓰지 않을 것입니다.”

시술자를 편하게하고 자연스러운 포즈를 장려 한 후에 작가는 시터의 본질에 대한 자신의 개념을 충족시키는 여러 가지 가능성 중에서 한 가지 표정을 찾고 자신의 주제를 연구합니다. 피사체의 자세는 또한 의상과 마찬가지로 시위자의 정서적 및 육체적 상태를 나타 내기 위해 신중하게 고려됩니다. 시터를 계속 참여시키고 동기를 부여하기 위해 숙련 된 예술가는 종종 즐거운 태도와 대화를 유지합니다. 엘리자베스 비제 – 르 브룬 (Risabeth Vigée-Lebrun)은 동료 아티스트들에게 여성을 아첨하고 그들의 모습을 보완하여 앉아있을 때 협력을 얻도록 권고했습니다.

초상화의 성공적인 실행의 핵심은 인간의 해부학을 숙달하는 것입니다. 인간의 얼굴은 비대칭이며 숙련 된 초상화 예술가는 이것을 좌우의 미묘한 차이로 재현합니다. 아티스트들은 설득력있는 초상화를 만들기 위해 기본 뼈와 조직 구조에 대해 잘 알고 있어야합니다.

복잡한 구성의 경우, 아티스트는 먼저 연필, 잉크, 숯 또는 오일 스케치를 완료 할 수 있습니다.이 스케치는 보모의 사용 가능 시간이 제한되어있는 경우 특히 유용합니다. 그렇지 않으면 연필, 숯 또는 얇은 기름으로 캔버스에 거친 모양이 그려집니다. 대부분의 경우 얼굴이 먼저 완료되고 나머지는 나중에 완료됩니다. 많은 위대한 초상화 예술가들의 스튜디오에서 주인은 머리와 손만을 할 것이고, 의복과 배경은 주요 견습생이 완성 할 것입니다. 예를 들어, 조셉 반 아켄 (Joseph van Aken)과 같은 특정 품목을 다루는 외부 전문가조차도있었습니다. 과거의 일부 예술가들은 포즈와 옷을 만들고 실행하는 데 도움이되는 인물이나 인형을 사용했습니다. 시터 주변에 배치 된 상징적 인 요소 (표지판, 가사 개체, 동물 및 식물 포함)의 사용은 종종 주제의 도덕적 또는 종교적 성격을 가진 회화, 또는 간병인의 직업, 관심사, 또는 사회를 나타내는 기호로 그림을 인코딩하는 데 사용되었습니다 지위. 배경은 완전히 검은 색이나 내용물이 없거나 사회자 또는 레크리에이션 환경에 앉아있는 전체 장면 일 수 있습니다.

자화상은 대개 거울을 사용하여 만들어지며, 완성 된 결과는 거울상의 초상화입니다. 이는 초상화을 입은 사람과 아티스트가 서로 마주하는 경우에 일어나는 일을 되돌립니다. 자화상에서 오른쪽 손으로 그린 ​​아티스트는 예술가가 신중하게 이미지를 수정하거나 페인팅하는 동안 두 번째 반전 미러를 사용하지 않는 한 왼손에 브러시를 들고있는 것처럼 보입니다.

때로는 클라이언트 또는 고객의 가족이 결과 초상화에 만족하지 않으며 아티스트는 비용을 지불하지 않고 커미션을 다시 만지거나 커미션을 철회하거나 철회해야하며 실패의 굴욕감을 겪습니다. 자크 – 루이 데이비드 축하 초상화 마담 Récamier, 거창하게 인기있는 전시회, 존 싱어 Sargent의 악명 높은 마담 X 초상화 존 Trumbull의 전체 초상화, 트 렌튼에서 일반 조지 워싱턴,위원회에 의해 거부되었다 마찬가지로, 참석자에 의해 거부되었다 그것을 위임 한 사람. 유명 인사 인 길버트 스튜어트 (Gilbert Stuart)는 한 번 고객의 불만에 대해 아내의 초상화에 대해 “당신은 감자를 가져 왔고 복숭아를 기대합니다!”라고 반박했습니다.

그러나 성공적인 초상화는 고객의 평생에 걸친 감사를 얻을 수 있습니다. 발타자 백작은 라파엘이 아내를 창조 한 초상화에 너무나 기뻤고, “당신의 이미지 … 혼자만해도 내 기쁨을 가볍게 할 수 있습니다. 그 이미지는 내 기쁨이며, 나는 미소를 지으며 기쁨입니다.”