분개 한 해부 터 MAMAC은 현대 사회 문제에 기반을 둔 미술사에 대한 적극적인 새로운 독서에 전념하고 있습니다. 특이한 인물의 강조와 새로운 이야기의 제작. 자연과의 관계와 예술가가 생태 문제를 다루는 방식은 프로그램에서 제기 된 주요 주제 중 하나입니다.
가이드 투어, 워크숍, 예술가 또는 연구원과의 만남, 스토리 텔링 투어, 강의 또는 프로젝션, 댄스 방문, 콘서트, 공연 및 이벤트, 더 많은 청중에게 현대 미술의 접근성을 높이고 다양한 분야의 예술가들을위한 놀이터로 박물관을 변화시킵니다. 박물관 팀은 일년 내내 회사, 협회, 학생, 사회 복지사와 네트워크를 구축하여 박물관을 재창조하는 특정 프로그램과 방법을 발명합니다.
2018 년 전시회
Auguste-Dormeuil, 내가 다시해야한다면
1968 년에 태어난 Renaud Auguste-Dormeuil은 1990 년대 중반부터 공공 및 정치 분야에서 구상 된 이미지가 어떻게 만들어 지는지 의문을 제기 해 왔습니다. 가시성 / 비 가시성, 빛 / 어둠, 기억 / 잊기, 우리가 알고있는 것 / 우리가 알고 있다고 생각하는 것, 보여주지 않고 불러 일으키기, 말하지 않고 말하는 것… 모두 이미지의 흐름을 구성하는 코드를 형성하는 그의 작품을 이해하는 마커입니다. 작가의 초기 집착은 본질적으로 새로운지도 제작에 초점을 맞추었지만, 그의 작업은 수년 동안 더 은유적이고 수행적인 방향으로 바뀌 었습니다. MAMAC과 공공 장소에서 경험의 집합체로 디자인 된 그의 현대 미술관 전시는 전시 기간 동안 설정된 일련의 인프라와 공연의 형태를 취했다.
Cosmogonies, Au Gré des Éléments
요소를 소환하고, 우주의 구성 요소를 묶는 보이지 않는 관계를 포착하고, 침식, 각인, 결정화 과정을 이해하고, 태양의 화상을 드러냅니다. 1960 년대 초부터 요소를 지배하는 것에 대한 공상을하거나 창조적 인 겸손으로 놀던 지 여부 일이 일어나게하는 것, 또는 그 사이 어딘가에 여러 세대의 예술가들이 자연과 그 표현으로 바뀌 었습니다. 바람, 빛 또는 꽃가루를 “수집”하기 위해 시작한 이러한 예술가 수집가의 접근 방식은 자연 현상을 포착하고, 재료의 다양한 상태를 탐색하거나, 표면적으로 파악하기 어려운 요소를 꼼꼼하게 관찰하는 데 초점을 맞춘 실험에서 비롯됩니다.
“자연의 순간적 상태”, 토지 예술 및 “작업중인 힘”에 매료 된 Arte povera를 포착하기위한 Yves Klein의 실험은 예술계와 자연계 사이의 이러한 공모의 핵심적인 순간으로 보입니다.이 실험을 최신 상태로 유지하기 , 전시를 위해 선정 된 작품들은 다양한 세대의 예술가들을 통해 자연에 의해 “보조 된”형태의 출현과 무상에 대한 찬가를 보여준다. 그들은 환경 문제에 대한 현대 토론의 다양성을 반영하면서 자연 과정에 대한 지속적인 매력을 강조하고 캡처합니다. 자연 질서의 취약성에 대한 예리한 인식에 힘 입어이 관행은 환경에 대한 탄원과 우주의 비밀스러운 삶을 듣고 감지하려는 호소를 암시 적으로 설명합니다.
Michel Blazy, 타임 라인
Michel Blazy는 1966 년 4 월 24 일 리비에라의 풍경 아래에서 태어 났으며 오늘날 그의 세대에서 가장 독창적 인 프랑스 인물 중 한 명입니다. Low Tech 효과와 실험을 통해 작가는 집에있는 정원에서 슈퍼마켓에 이르는 요소를 사용하여 생활을 관찰하고 함께 작업합니다. 이러한 작은 진화적이고 일시적인 활동은 영원한 변화 속에서 미생물의 민감한 탐사를 드러냅니다.
그는 Galerie des Ponchettes에서 벽화, 폐허 및 자연 식물이 문자 그대로 시간의 흐름을 경험할 수있는 즐거움의 정원과 같은 몰입 형 환경 설치물을 상상했습니다. 토마토 퓨레와 같은 폼페이 안 레드로 뒤덮인 갤러리의 아치는 한천으로 만든 푸른 하늘과 대조되어 조토의 그림을 떠올리게합니다. 이 벽화의 중앙에는 식물이 자연적으로 생기는 숯 원이 있었다. 소성 된 목재의 무광택 블랙이 녹지의 광채와 신선함과 대조를 이루어 재생의 아이디어를 강조했습니다. 알루미늄 호일, 벽돌, 자연적인 초목으로 자란 하드 드라이브로 덮인 Anrique 조각, 이끼로 덮인 옷은 건축 규모에 따라 그려진이 색채, 후각 및 감각적 풍경을 완성합니다.
Irene Kopelman 성장, 얽힘, 매듭, 코일 풍경
1974 년 아르헨티나 코르도바에서 태어난 Irene Kopelman은 아르헨티나와 암스테르담 사이에 살고 있습니다. 그녀는 살아있는 세계의 메커니즘에 대한 이해를 찾기 위해 전 세계의 뛰어난 생태계를 탐구합니다. 각각의 새로운 비오토프는 민감한 (풍경, 규모, 움직임을 느끼는) 특정 몰입 형 모험을 구성합니다. 시각적 (요소의 얽힘 및 상호 의존성) 및 지적 (현장에서 과학 팀과 함께 기록 및 측정 도구를 발견하고 이러한 생태계의 생명 자체와 대규모 역할을 이해).
그의 관찰 단계에서 추상화의 가장자리에 일련의 가느 다란 그림 또는 구아 슈가 만들어지며 조각난 모티프가 풍경의 많은 샘플을 연상시킵니다. 이 “모티브에 관한”작업과 “포스트 네이처”조사의 관행은 18 세기와 19 세기의 자연 주의자들의 탐구를 언급합니다. 호기심의 캐비닛과이 발견시기에 탄생 한 광물과 식물 종의 여러 판자에 매료 된 작가는 지식의 탐구와 건설, 자연 현상의 식별과 방법 론적 시행 착오의이 시대에 의문을 제기하면서 현대 생태 문제.
종종 그녀는 광활함, 둘러싸는 성격 및 사막, 정글, 빙하 등 세계 성을 파악할 수없는 상대적인 무능력으로 인해 극단적 인 풍경에 고의적으로 집중했습니다.이 광대 함에서 그녀는 매번 선험적으로 겸손한 요소를 분리했습니다 (리첸 스). , 나뭇잎, 남극 대륙에서 보트를 항해하는 동안의 단순한 선 등), 마치 우주를 구성 요소와 움직임으로 더 잘 복원하고 생태계의 취약성을 강조하는 것처럼. MAMAC에서 그녀는 프랑스에서 처음으로 2014 년 파나마의 열대 우림에서 제작 된 시리즈 인 Project Vertical Landscape, Lianas를 발표했습니다. Bocas del Toro에서 만든 맹그로브에 대한 일련의 그림과 전시회를 위해 특별히 만든 일련의 “Banian tree”그림을 기반으로 한 두 개의 큰 그림.
Crab Pellets 시리즈의 18 개의 그림은 “Cosmogonies, au gré des éléments”전시회에서도 전시되며 현대 갤러리에 직접 반영됩니다. 그녀의 다음 연구 분야는 해양 생물에 초점을 맞출 것입니다. 세계의 과학 공동체와 함께 새로운 별자리를 그릴 수있는 기회는 무엇보다 먼저 Observatoire Océanologique de Villefranche-sur-Mer와 Université Côte d’ Azur와 함께 MAMAC은이 새로운 탐험에서 아티스트와 함께 할 것입니다.
춤의 발명 : 뉴욕 주드 슨 안과 주변 1959 – 1970
1960 년대에 Judson Memorial Church (뉴욕 워싱턴 스퀘어에 있음)는 예술 실험의 주요 중심지이자 뉴욕 시내의 많은 예술가들의 주요 공연 공간이되었습니다. 공연은 시각 예술, 음악,시, 연극 및 무용을 혼합하고 실제로 무용으로 간주 될 수있는 개념을 확장합니다. 안무가 Anna Halprin과 Merce Cunningham, 예술가 Claes Oldenburg와 Allan Kaprow, 작곡가 John Cage와 La Monte Young과 같은 당시의 주요 인물들의 작업에 이어, 많은 Judson 댄서들이 처음으로 실험적인 안무 수업에 함께 모였습니다. 작곡가 로버트 던.
이 전시회는 오늘날까지도 현대 무용과 시각 예술에 큰 영향을 미치고있는 “저드슨”을 엿볼 수있는 기회를 제공했습니다. 영화, 기록 사진, 하루살이를 통해 Judson에서 신체의 다양한 움직임을 기록하려고 시도합니다. 문제는 여전히 남아 있습니다. 작품을 어떻게 전시 할 것인가? 60 년 후, 그 대부분이 즉흥적이고 원래의 공연에 특화되어 있습니까? 활동가이자 게릴라 아트 액션 그룹의 공동 창립자 인 존 헨드릭스가 1966 년 저드슨 갤러리를 다시 열었을 때, 그것은 급진주의와 학제 간 협력의 장소로 다시 부상했습니다. 1970 년에는 베트남 전쟁에 반대하는 예술가들의 언론의 자유 방어와 문화적 영역에서 반인 종주의, 반식민주의, 페미니스트, 퀴어 행동주의의 지속적인 발전이 이루어졌습니다.
Bernar 베네. 개념적 연도 1966-1976
1966 년에 젊은 예술가 Bernar Venet은 니스를 떠나 뉴욕으로 이주하여 수학, 천체 물리학 및 나중에 다른 많은 과학 분야 및 기타 분야를 예술 영역에 도입하는 예술 혁명을 시작했습니다. 1970 년에 그는 유럽과 세계를 휩쓸었던 초기 운동 인 개념 미술의 주요 조명 중 하나로 명성을 쌓았습니다. 1966 년에서 1976 년까지의 기간은 Venet의 직관과 체계적인 비전이 그를 상징적 신세대를 향한 멈출 수없는 길로 설정 한 눈 부시고 풍성한시기였습니다. 예술은 그 자체의 정의와 출현 과정의 경계를 넘어서고 그 이후로 매우 현대적인 그것은 예술과 정보 흐름의 비 물질화 문제를 다른 어떤 예술보다 더 많이 다루었 다. 이 기간은 또한 Bernar Venet의 시작을 표시했습니다.
이번 전시회는 베르나르 베네의 컬렉션에서 선정 된 미니멀리즘과 컨셉 아트의 주요 작품을 전시하는 MAMAC의 최상층까지 확장되며, 이번 10 년의 지적 예술적 풍경과 당시의 우정을 반영합니다. 1971 년 이후 처음으로이 작품에 대해 알려진 바가 거의없는이시기는 주요 회고전의 주제이다. 150 개가 넘는 작품과 문서를 수집하며 대부분이 처음으로 공개됩니다. 이 10 년 간의 전시 및 연구와 병행하여 MAC Lyon 메이저 쇼는 작가의 전체 작품을 회고하는 Bernar Venet : 2019 – 1959를 제공합니다.
2019 년 전시회
Adrien vescovi. Mnemosyne
MAMAC에서 Galerie des Ponchettes를 인수하도록 초대 한 Vescovi는 그의 그림 실험을 통해 거의 감각적 인 감각 산책을 만들었습니다. 갤러리의 각진 디자인에 따라 다양한 높이에 매달린 그림은 방문객이 걸어 다닐 수 있도록 평행과 수직으로 공간을 강조합니다. 예술가가 따뜻한 루시 옹 황토와 모로코 토양 및 향신료에서 추출한 색상은 캔버스를 주입하여 네덜란드의 한 공원에서 몇 달 동안 시원한 빛과 악천후에 노출되었습니다. Ponchettes를 위해 그는 마침내 새로운 작곡으로 독립된 캔버스를 조립하여 회화의 역사에 흔적을 남긴 남북 운동을 연주했습니다.
Adrien Vescovi는 식물 또는 광물 달인으로 자신의 색상을 만들어 자신이 작업하는 다양한 지리적 위치를 반영하는 “풍경 에센스”를 만듭니다. 그의 캔버스를 바람, 달빛, 햇빛 및 산화 현상에 노출함으로써 원시 형태 또는 음영이 발생합니다. 작가가 엮어 염색 한 로프는 그림 사이에 거친 곡선을 그렸고, 덩굴처럼 아치 사이로 얽히고 솟아 오르며 그림의 선과 평면을 뒤집어 놓았다. 이상한 달인 냄비에 베스코 비가 만든 소재 / 색상이 점진적으로 주입되었습니다.이 실내 산책에 대한 반응은 외부의 큰 아치에 그려진 그림이었습니다. 바다를 향하고 태양, 바람, 비,전시 기간 동안 캔버스는 유성의 기억으로 가득 차 있었다.
Op Art가 영화에 전기를 불어 넣을 때, Devil in the Flesh
Nice Biennial of Arts 2019의 일부 : “The Cinema Odyssey. La Victorine은 100 년이되었습니다”. 1960 년대 초, 키네틱 아트는 인식을 불안정하게하고 예술을 대중화시키는 이중 신조로 유럽에서 그 명성을 얻었습니다. 빛의 속임수 그림, 전동식 조명 부조, 어지러운 환경이 인식을 바 꾸었습니다. 1964 년에«Op Art»라는 별명이 붙은이 아방가르드 예술은 엄청난 인기를 얻었으며 예외적 인 히자 킹 현상을 알 수있었습니다. 광고 대행사, 디자이너, 주요 브랜드 및 패션계가 그 짜릿한 모양을 포착 한 반면 영화는 Op Art에 예기치 않은 각도를 부여했습니다. 움직임과 빛의 예술, 그것은 시각적 연극을 승화시킬 수있는 전임자 였고, 근대성에 대한 욕구를 통해 그것을 삼키려고 노력한 추종자였다. 드라마부터 스릴러까지
이 전시회는 상호 승화, 팝 또는 바로크 전달, 콜라보레이션 및 모방과 함께 조롱과 오해로 강조된 두 예술 사이의 열정적 인 이야기에 방문객을 몰입시킵니다. 거의 30 개의 영화, 150 개의 작품 및 문서의 지원으로이 약탈적인 매력의 기원과 무언의 측면을 탐구하고 영화가 Op Art에 자신의 본질을 드러내는 것을 고려합니다. 그래서 그것은 근대성에 휩싸이고 해방을 갈망하고 전쟁의 유령에 휩싸인 10 년의 정신을 보여줍니다. 모순이 가득한이 시대는 시각 예술과 영화 사이의 결실을 맺는 완전히 새로운 미학을 창조했습니다.
Hippolyte Hentgen, 보이지 않는 비키니
보이지 않는 비키니… 제목은 우리가 어렸을 때 소비했던 고전 스릴러와 만화책의 기억을 활용하는 것 같은 불가능한 퀘스트의 시작을 예고 할 수 있습니다. 갤러리 곳곳에 흩어져있는 Hippolyte Hentgen의 작품은 수많은 단서 나 서사 조각처럼 떠오르며 미스터리를 부추 깁니다. 어떤 그림에서도 분리 된 큰 손, 다리, 발은 마치 텍스 에이버리에 의해 기꺼이 납작하게 펴지고, 쪼개지고, 분쇄 된 캐릭터를 도망친 것처럼 만화에서 똑바로 들어 올린 것처럼 보입니다. 애니메이션과 만화가 보유한 2 차원 적 운명에서 해방 된 호스 녹은 형태도 대중 문화를 연상시키는 무언가를 가지고있다. 그것’ Claes Oldenburg의 부드러운 조각품이나 그의 동시대 테레사 부르가와 키키 코 겔닉이 제작 한 비닐 피규어는 형태가없는 몸과 담배와 신문과 같은 사소한 물체의 퍼레이드를 볼 때 거의 생각하지 않습니다. 이 팝 참조는 buxom 핀 업과 의성어를 결합한 교수형을 포함하여 강화됩니다.
결코 접촉하지 않으려는 우주의 혼합을 가진 Hippolyte Hentgen 장난감. 이 상상력 박물관에서는 아방가르드 작품, 코믹 스트립, 애니메이션, 인기 일러스트레이션 및 편집 만화가 어우러져 장르의 계층과 완전히 분리 된 환상적이고 기쁜 우주를 형성합니다. 물론이 보이지 않는 비키니는 프렌치 리비에라와 그 나른한 몸매와 고정 관념에 대해 약간 날카 롭고 제한되지 않은 고개를 끄덕입니다. 방문자가 자유롭게 작곡 할 수있는 소설의 서곡. 그러나 그것은 또한 MAMAC의 컬렉션을 채우는 수많은 위대한 이름의 작품을 불경스럽고 비명을 지르며 고의적으로 장난스럽게 취합니다.
Lars Fredrikson
스웨덴에서 태어난 Lars Fredrikson은 1960 년에 프랑스 남부에 정착했습니다. 지칠 줄 모르는 호기심이 많고 창의적인 예술가 인 그는시, 조형 실험, 극동 철학 및 현대 기술을 통해 발전된 독특하고 민감한 우주를 창조했습니다. 그의 연구는 Zeitgeist에 뿌리를두고 있습니다. 백남준처럼 Fredrikson은 텔레비전과 일반적으로 전자 제품의 플라스틱 잠재력에 대해 매우 일찍 탐구했지만 보이지 않는 구조와 무작위성에 대한 그의 연구는 John Cage의 작업과 매우 유사합니다. 이러한 관행은 에너지, 텔루르, 항성 또는 내부와 같이 일반적으로 보이지 않는 흐름을 인식 할 수 있도록 만드는 단일 추구로 연결되었습니다.
아티스트 Lars Fredrikson의 회고전은 NMNM, New National Museum of Monaco와의 협력을 통해 탄생했습니다. 여기에서는 지금까지 보지 못한 주요 작가의 작품과 중요한 공공 및 개인 소장품에서 빌린 작품이 처음으로 함께 전시되었습니다. 이 전시회는 “키네틱”작품과 이녹스 조각의 우주적 차원으로 시작하여 팩스를 통해 콜라주와 그림으로 넘어 가기 전에 사운드 설치에 이르기까지 프레드릭 슨이 개척자 중 한 명이었습니다. 이 쇼는 Maeght Foundation과의 친밀감, 시인들과의 여러 협업, 특히 프랑스의 예술 학교에서 최초의 사운드 스튜디오를 설립 한 Villa Arson과의 관계에 대해 조명하여 여러 세대에 영향을 미쳤습니다. 오늘까지 사운드 아티스트. 이런 식으로,
Charlotte pringuey-cessac. 원시 소리
Primal Sound는 400,000 년 전 니스에서 인간의 삶에 대한 첫 번째 증거부터이 그룹이 남긴 컷 스톤에 대한 증언에서 오늘날 아티스트 Charlotte Pringuey가 이끄는 경험까지 시간 여행으로의 초대입니다. 과거의 생생한 기억을 소환하는 Cessac. 수세기에 걸친이 여정은 시인 Rainer Maria Rilke가 빌린 표현 인 Primal Sound의 아이디어를 기반으로합니다. 그는 최초의 축음기의 잠재력을 경이로움으로 발견 한 후«놀라운 일»을 꿈꿨습니다.«해골, 돌, (…), 나무의 균열에서 지속되는 창조의 수많은 서명을 소리에 넣는 것 , 곤충의 걸음 “. 과거 세계의 회상, 과거의 증인들과의 친밀한 대화, 그리고 그녀가 비활성으로 보이는 것에 투자 한 마법 같은 생각,
고고학에서 사용하는 선사 시대, 방법론 및 도구는 그녀의 작업의 기초를 구성하며, 그 자료는 그녀가 경험과 이야기를 개발하여 과학과 시적 면허, 역사가 남긴 인쇄물과 현대의 재창조 사이를 헤매게합니다. 여정으로 생각되는 니스의 그녀의 전시회는이 최초의 인간 활동의 진원지 인 테라 아마 타의 선사 시대 박물관에서 MAMAC까지 펼쳐집니다. 여기에는 13 세기와 13 세기의 매장이 장례식으로 가득 찬 “Colline du Château”가 포함됩니다. 유해는 2013 년에 발견되었습니다.
니스 현대 미술관
Mamac이라고도 불리는 근현대 미술관은 1990 년 6 월 21 일부터 니스에서 개관 한 근현대 미술관입니다. Garibaldi 광장 옆과 “Coulée Verte”의 연장선에있는 도시 중심부에 위치한 MAMAC는 1950 년대부터 오늘날까지 국제 전후 예술에 대한 다이빙을 제공합니다. 350 명 이상의 예술가 (평균 200 개 전시)의 약 1,400 점의 작품을 소장하고있는이 박물관은 무엇보다도 유럽의 새로운 현실주의와 미국 팝 아트 간의 독창적 인 대화를 제공합니다. 박물관은 또한 미니멀 아트와 아르테 포 베라의 주요 작품을 전시합니다. 20 세기 예술의 두 명의 주요 예술가가 컬렉션의 중심을 형성합니다. Yves Klein은 Yves Klein Archives의 장기 대출 덕분에 가능해진 세계에서 유일무이 한 영구 공간을 갖추고 있습니다. 그리고 Niki de Saint Phalle. 전후의 저명한 여성 예술가 인 Niki de Saint Phalle은 2001 년에 박물관에 큰 기부를했습니다. 따라서 MAMAC는 현재 세계에서 가장 큰 예술가 기금 중 하나를 소유하고 있습니다.
박물관은 또한 1950 년대 후반부터 1970 년대 초까지 지역 예술 현장의 특이점과 중요성에 대해 조명합니다. Nice와 Côte d’ Azur는 Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben과 같은 저명한 예술가들과 Supports / Surface와 같은 그룹과 함께 새로운 예술적 제스처를 실험하고 발명하는 중요한 장소였습니다. 개성과 관행의 특이성에도 불구하고 세 가지 주요 문제가 발생합니다. 즉, 일상 생활을 전유하는 행위 (특히 New Realists와 함께), 제스처 및 태도의 예술 (Fluxus 사용), 그림의 분석적 탐구 (Support / 표면 및 그룹 70). 이 연구는 지난 60 년 동안의 유럽과 미국의 예술적 창작물에 대한 관점에서 볼 수 있습니다.
건축가 Yves Bayard와 Henri Vidal이 설계 한 Place Garibaldi 옆에 위치한 박물관 건물은 Cours du Paillon을 가로 지르는 4 각류 아치 모양입니다. Paillon 표지에 개발 된 프로젝트의 기념비 성은 Promenade des Arts라고 불리는 테라스를 통해 박물관과 극장을 연결하는 것을 가능하게합니다. 광장 계획으로 건축은 신고전주의의 규칙에서 영감을 받았습니다. 사용 가능한 표면적은 3 개 층의 9 개 전시실에 걸쳐 약 4,000m2입니다. 부드러운 외관은 흰색 카라라 대리석으로 덮여 있습니다. 입구와 상점은 강당과 박물관의 현대 갤러리가있는 이브 클라인 광장을 내려다 보는 Esplanade Niki de Saint Phalle 수준에 있습니다. 박물관 공간은 1 층에 임시 전시 전용으로,
이 공간은 박물관 소장품 전용 1.200m2 2 세트를 포함하여 5 층으로 구성되어 있습니다. 한 층과 프로젝트 룸은 지난 60 년 동안의 주요 예술가들의 주제별 전시와 모노 그래프를 번갈아 가며 국제적인 임시 쇼를 진행합니다. 대중이 이용할 수있는 옥상 테라스는 니스의 숨막히는 전경을 제공합니다.
니스의 중심부에 위치한 MAMAC (Museum of Modern and Contemporary Art)는 건축가 Yves Bayard와 Henri Vidal이 설계하여 1990 년에 개장했습니다. 대중에게 개방 된 옥상 테라스는 니스의 숨막히는 전경을 제공합니다. 300 명의 예술가로부터 1300 개 이상의 작품이 풍부한 컬렉션은 지역 및 국제 예술사를 연결합니다.
미술 평론가 피에르 레스 타니 (Pierre Restany)가 쓴 신 현실주의의 구성 선언은 1960 년 10 월 27 일 파리의 Yves Klein ‘s에서 서명되었습니다. 그러나 예술가들은 이미 1949 년에 Hains와 Villeglé라는 기반을 마련한 것이 지난 10 년 동안입니다. 그들의 첫 번째 “유연한 포스터”를 함께 “분리”; Klein은 그의 첫 번째 Monochromes와 Tinguely의 첫 번째 애니메이션 조각품을 만듭니다.
1960 년은 생생한 해입니다. Tinguely는 뉴욕에서 처음으로 자폭하는 기계를 만듭니다. 클라인은 그의 “인류학”과 “우주”를 만듭니다. 파리에서 César는 Salon de Mai에서 세 대의 압축 자동차를 보여주고 Arman은 “The Full”이라는 제목의 쇼에서 Iris Clert Gallery를 쓰레기로 채 웁니다.
새로운 현실 주의자들의 공통된 특징은 추상의 거부, “현대적 자연”에 대한 인식, 즉 공장과 도시, 광고, 대중 매체, 과학과 기술에 대한 인식이다. 이러한 현실에 기반을 둔 그들의 과정은 Roland Barthes가 그의 저서 Mythologies에서 1956 년에 제안한 소비자 사회와 그 우상에 대한 훌륭한 분석을 반영합니다. 이 그룹은 물체의 시적 측면을 사용하여 물체를 새로운 모험에 참여시킵니다 : 파편, 포스터 분리, 조립, 압축 또는 산업 기술에서 나온 요소의 축적.
1961 년 뉴욕 현대 미술관에서 열린 The Art of Assemblage라는 전시회는 팝아트 예술가들과 함께 새로운 현실 주의자들의 친밀함을 봉헌합니다.
American Pop Art는 Lawrence Alloway가 주역이었던 독립 그룹에서 나온 영국 팝 아트의 유산을 기반으로하여 1956 년 런던에서 This is tomorrow 상징적 인 전시회를 조직했습니다. 미국 측에서는 Neo-Dada 예술가 Robert Rauschenberg와 Jasper Johns를 통해 운동이 광범위하게 나타났습니다. 그것의 핵심은 Andy Warhol, Roy Lichtenstein 및 Tom Wesselmann과 같은 예술가가 그들의 예술을 전시 한 뉴욕에 있습니다. 팝 아티스트는 소비자 사회와 현대 소비 사회와 관련된 피해를 직접적으로 언급합니다. 그들은 현실로의 회귀를 옹호하고, 상품과 새로운 형태의 대중 문화 : 영화 스타, 광고 및 만화의 세계로 전환하여 미국 사회의 가치를 배경으로 상징적이고 분리 된 차원을 부여했습니다.
MAMAC은 세계에서 가장 큰 Niki de Saint Phalle의 작품 컬렉션 중 하나를 보유하고 있습니다. 200 개가 넘는 작품을 통해 정기적으로 전시되는 작품을 변경할 수 있습니다. 니키 드 생 팔 (Neuillysur-Seine, France, 1930 – La Jolla, United States, 2002)은 그녀의 삶에서 예술 작품을 만들었다. 본능 이외의 특별한 예술 교육과 이것이 그녀의 운명이라는 확신없이 그녀는 자신의 작업에 전적으로 헌신합니다. 그녀를위한 예술은 치료 였고 그녀의 예술적 욕구는 그녀가 어려움을 극복하고 고통을 강조하며 질병에 직면했을 때 대처하는 데 도움이되었습니다. Niki de Saint Phalle이 그녀의 아티스트 친구 Marina Karella에게 보낸 1979 년 편지의 제목 인 “Champagne, glacier et fleurs”는 강하고 예민하며 카리스마있는 그녀의 성격을 요약합니다. 그녀는 반역자 였고 무기를 사용하기로 선택했습니다.
이들 중 첫 번째 작품은 1961 년에 만들어졌습니다. “Tirs”[촬영]은 그녀가 예술가로서의 인정을 받고 프랑스에서 악명을 떨치고 빠르게 국제화 되었음에도 불구하고 얻은 일련의 작품입니다. 그녀는 또한 석고로 덮인 캔버스에 페인트로 채워진 가방을 놓고 소총으로 캔버스를 쏘아서 독창적 인 작품을 만들었습니다. 작품이 촬영되고 그 결과는 새로운 창의적 작품입니다. 작가는 외적인 몸짓으로 그녀의 내면의 분노와 폭력을 표현했다. 그녀는 11 살에 학대를 당했던 아버지와 어머니, 교회 사회와 그 모든 불의를 쏘았습니다.
그녀의 첫 번째 Tirs 전시회에 이어 New Realists는 그녀를 유일한 여성 회원으로 그룹에 초대했습니다. 1963 년 Niki de Saint Phalle이 Tirs에서 멀어 졌을 때 그녀는 하얀 석고로 조각품을 만들기 시작했는데, 그중 일부는 신부, 마음, 심지어 출산하는 여성을 대표하는 시리즈의 경우처럼 치명적이거나 혼란 스러웠습니다. 그녀의 조각품은 Niki de Saint Phalle이 종종 회수 된 물건을 추가 한 와이어 프레임 위에 천과 양모로 만들어졌습니다. Niki de Saint Phalle이 묘사 한 여성들은 여전히 결혼이나 모성에 매여 있었고, 그녀는 그들을 자유롭게하려고 노력하고있었습니다. 1964 년까지 Niki de Saint Phalle은 “Nanas”시리즈를 채택하여 여성 인물을 다시 강조했습니다. 대담한 색상과 넉넉한 곡선의이 조각은 전통에서 해방 된 현대 여성을 상징합니다. 나나는 검은 색이고
예술가는이 기념비적 인 프로젝트에 그녀의 삶의 대부분을 바쳤습니다. 그녀의 조각품은 1972 년 예루살렘에있는 골렘 미끄럼틀이나 1966 년 스톡홀름에서 니키가 지은 나 나스 (길이 28m) 중 가장 큰 혼 (Hon)과 같은 실제 건축 조각으로 바뀌 었습니다. 그녀는 파리 근처 Millyla-Forêt에서 Jean Tinguely의 Cyclope (1969-1994)에 적극적으로 참여했습니다. 그러나 의심 할 여지없이 1978 년에 시작된 Tuscany 프로젝트 인 Jardin des Tarots는 그녀의 가장 포괄적 인 작업이었습니다. 그녀는 전체 프로젝트를 자체 자금으로 조달했으며 완료하는 데 20 년 이상이 걸렸습니다. 예술은 그녀의 생명을 구했을지 모르지만, 그녀가 폴리 에스터 조각품을 만들 때들이 마신 공기는 그녀가 평생 동안 고통을 겪게 될 폐 문제의 원인이었습니다. 2001 년 사망하기 1 년 전, 그녀는 MAMAC에 많은 중요한 작품을 기증했습니다.
이브 클라인
흑백 모험
비 물질의 대가에게 헌정 된 세계 유일의 갤러리를 둘러보세요. Yves Klein은 1928 년 4 월 니스에서 태어났습니다. 그의 부모는 둘 다 화가였다 (Marie Raymond와 Fred Klein). 1946 년에 그는 니스에서 Arman과 시인 Claude Pascal을 만났고, 그와 함께 지역 해변에서 시적 모험을 나누었습니다.
그는 Claude Pascal과 함께 유도를 배웠고 (그는 4 단이 될 것입니다), 두 사람은 Klein의 손자국과 발자국이있는 흰색 셔츠를 입고 맨발로 Jean Médecin 거리를 산책했습니다. Klein과 Arman은 선 철학에 관심이 있었고, Klein이 1947-1948 년 사이에 처음으로 파란색 단색을 그렸던 Arman의 가족에 속한 지하실 벽에있었습니다. 1955 년 파리에서 그는 Tinguely, César, Raysse 및 Restany를 만났고 Salon des Réalités Nouvelles에서 단일 색상의 그림을 선보였습니다. Expression de l’ univers de la couleur mine orange [Expression of the Universe of the Universe of the Color Lead Orange], (M60), 1955 년 “Yves le Monochrome”에 서명을했으나 거절 당했고 상당한 혼란을 불러 일으켰습니다.
1956 년부터 “Yves : peintures”전시회가 이어졌습니다. Propositions Monochromes, Gallery Colette Allendy in Paris, Yves Klein : Proposte monocrome epoca blu, Milan에서 1957 년 Pigment pur, 다시 Gallery Allendy에서 그는 실용성을 발표했습니다. IKB (International Klein Blue)로 알려진 울트라 마린 블루를 설립 한 후 “블루 시대”를 적용했습니다. 1958 년 파리의 Iris Clert Gallery에서 열린 Vide 전시회의 주요 미디어 행사에 이어 클라인이 완전히 비어있는 갤러리를 선보였습니다. 벽은 예술가가 흰색으로 칠했고 갤러리 창은 파란색으로 칠했습니다. Ile Saint-Louis에서 그의 친구 Robert Godet이 주최 한 그는 “살아있는 붓”경험 중 첫 번째 경험을 조율했습니다.
최초의 인류학은 1960 년 3 월 파리 국제 미술관 (Gallerie internationale d ‘Art contemporain)에서 공개적으로 공개되었으며, 세 명의 여성 누드 모델이 파란색 페인트로 덮이고 기어 다니며 종이로 덮힌 바닥 위로 이동했습니다. 모델은 또한 “지휘자”Klein의 지시에 따라 Monotone-Silence Symphony의 사운드에 맞춰 벽에 몸을 각인했습니다. 클라인은 1962 년 6 월 파리에서 세상을 떠났고, 공허함의 힘을 보여주고 물과 불을 조각하고 공기의 건축물을 발명 한 후 매우 서정적 인 깊이의 작품을 남겼습니다. 그 증거는 “Cosmogonies”시리즈에 있습니다. ” 자연의 순간 상태 “, 파리와 니스 사이를 자동차 지붕을 타고 이동하는 캔버스의 대기 행동 징후를 기록하고,
3 층
말로 연주하십시오. 표지판에서 플레이하십시오.
MAMAC, La Cambra 또는«Ben ‘s Museum»의 상징적 인 작품은이 필수 예술가의 작품에서 글을 쓰는 장소에 대한 설명을 제공합니다. 그의 매끄럽고 엉성한 거의 유치한 서예는 우리를 1950 년대 후반 니스에서 시작된 변화의 바람과 태도의 예술로 되돌아갑니다. 이 기념비적 인 작품 주변에는 단어, 글, 언어가있는 다른 게임이 전시되어 있습니다. 벽, 그림 및 종이에 글리프와 알파벳이 발명되고 철자, 무용시, 태그 및 십자말 풀이가 그려집니다. 이 전시회는 컬렉션의 작품과 박물관의 역사와 관련된 다양한 세대의 예술가들의 대출 및 발표를 결합합니다. 벽과 글의 관계가 강조됩니다.
작품은 시청자, 독자, 발언자 또는 심지어 배우의 신체와 관련이 있습니다. 일부 작품은 프로필이 매우 낮고 방문자가주의를 기울여야하고, 다른 작품은 소리를 지르고, 작업을 수행하고, 상상력을 불러 일으 킵니다. 그것들을 해독하는 핵심 질문은 작품을 이해하는 것과 그것을 해석하는 열쇠를 반영합니다. 말은시와 어린 시절의 세계를 불러 일으키지 만, 우리 사회에서 예술가의 자리에서 세계와 탁월한 정치적 관계를 맺습니다.
미국 추상 미술
1960 년대 중반 미국에서 최소한의 예술이 등장했습니다.
미니멀리즘을 통해 예술은 전통적인 관습을 피하는 급진적 인 전환을 겪는 완전히 신선한 관점에서 고려되었습니다. 이 변화의 가장 주목할만한 측면은 관객과 작품 사이의 새로운 관계로, 대상에 대한 미학적 인식을 그 본질까지 재창조했습니다. 예술 작품은 공간을 독점했고, 그 공간은 더 이상 미학적 공간이 아닌 실존 적 공간이되었다. 이전에는 예술 작품이 관객과는 별개의 영역을 차지했습니다. 최소한의 예술은 주변 공간과의 관계에서 자신의 몸의 의식이 지배적 인 예술가에게 새로운 활동 영역을 열어 초대형 캔버스와 받침대의 쓸모없는 결과를 낳았습니다.
FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice-ADAGP, Paris, 2019 삼각형 등) 및 부피, 표면 및 평탄도 문제로 구입했습니다. 최소한의 자원을 통해 최대한의 효과를 얻기 위해 노력한이 예술가들은 작업에서 주관성의 흔적을 제거하고 종종 산업 재료와 기술을 통합했습니다.
이 운동의 지지자는 Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Kenneth Noland, Franck Stella 및 Richard Serra입니다.
개념 미술은 1960 년대에 등장했습니다. 그것은 작품을 생산하는 것이 더 이상 엄격하게 필요하지 않을 정도로 대상에 대한 아이디어의 우선권을 주장했습니다. 예술적 실천의 의미와 목적에 의문을 제기하여 전통 예술 분야의 경계를 넓혔습니다. 1969 년 Sol LeWitt는 다음과 같이 선언했습니다. “아이디어는 예술 작품이 될 수 있습니다. 그것들은 결국 어떤 형태를 찾을 수있는 발전의 사슬에 있습니다. 모든 아이디어가 물리적으로 만들어 질 필요는 없습니다.”
이 방에는 Sol LeWitt, Joseph Kosuth, Robert Morris, James Lee Byars, Ed Ruscha 등의 컨셉 아티스트가 있습니다.
알버트 추박
Albert Chubac는 1925 년 제네바에서 태어났습니다. 제네바에서 장식 예술과 미술을 공부 한 후 그의 작품은 Klee, Kandinsky, Miró, Matisse 및 Picasso에 대한 그의 관심과 같은 몇 가지 조형기의 영향을 받았습니다. 1950 년 Nicolas de Staël을 만났습니다. 그의 여행은 이탈리아, 스페인, 그리스, 이집트, 알제리입니다.
MAMAC 컬렉션의 작품과 귀중한 도움으로 제작 된 전시회 : Yves Klein Archives, Centre national des arts plastiques (파리), Jean Dupuy, Estate Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (뉴욕 / 파리), JeanBaptiste Ganne, Eric Guichard , Arnaud Labelle-Rojoux, 라 승계 Arman, Lilja Art Fund Foundation, Loevenbruck (파리), Stéphanie Marin, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Régent, Sharing Art Foundation, Ben Vautier, Bernar Venet 및 익명을 원했던 수집가 .
거의 추상적 인 그의 첫 번째 그림에서 그는 블록에 적용된 원색 팔레트를 사용했습니다. 그런 다음 그는이 기술을 “변형 가능한”나무 조각에 적용했습니다. 이 조각품의 아이디어는 시청자가 요소를 전환 할 수 있도록하는 것이 었습니다. 나중에 그는 유색 플렉시 글라스의 발광 특성을 탐구했습니다.
2004 년 Albert Chubac는 근현대 미술관을 위해 니스시에 약 100 점의 작품을 기증했습니다. MAMAC는 2004 년에이 기부금을 선보였으며, 이로써 프랑스에서 작가의 작업을위한 기준점이되었습니다.