오래된 마스터 프린트는 서양 전통에서 인쇄 과정에 의해 제작 된 예술 작품입니다. 이 용어는 예술 무역에서 현재까지 남아 있으며 15 번째부터 예술적 인쇄물과 함께 급속하게 성장한 장식용, 공리 용 및 인기있는 인쇄물의 광대 한 범위에서 판화로 제작 된 “미술”의 작품을 구별하는 쉬운 대안은 영어로 존재하지 않습니다 세기 이후. 15 세기의 지문은 희귀 한 것으로서 원유 또는 단순한 작업자 같은 예술적 품질을 지니고 있어도 오래된 마스터 지문으로 분류됩니다. 약 1830 년의 날짜는 대개이 기간의 인화가 적용되는 기간의 끝으로 표시됩니다.

그들의 소개의 순서대로 사용되는 주요 기술은 목판화, 조각, 에칭, mezzotint 및 aquatint이지만 다른 것들도 있습니다. 서로 다른 기술이 종종 하나의 인쇄물에 결합됩니다. 드문 경우를 제외하고는 실크 나 모조 피지와 ​​같은 직물에 인쇄 된 오래된 마스터 지문이 종이에 인쇄됩니다.

알브레히트 뒤러 (Albrecht Dürer), 렘브란트 (Rembrandt), 프란시스코 고야 (Francisco Goya)와 같은 많은 위대한 유럽 예술가들이 헌신적 인 판화 제작자였습니다. 그들 자신의 날에, 그들의 국제적 명성은 크게 그들의 그림보다 훨씬 더 널리 퍼진 그들의 지문에서 나왔습니다. 예술가들 사이의 영향은 동일한 이유 때문에 인쇄물 (때로는 그림)에 의해 단일 도시를 넘어 주로 전달되었습니다. 따라서 인쇄물은 미술사의 개별 그림을 자세하게 분석 할 때 자주 제기됩니다. 오늘날 컬러 사진 복제물과 공공 갤러리 덕분에 그들의 그림은 보전의 이유로 그 그림이 드물게 전시되어있는 반면 훨씬 더 잘 알려져 있습니다. 그러나 일부 박물관 인쇄소에서는 방문객들이 약속을 지켜 가끔씩 만 자신의 소장품을 볼 수 있습니다.

역사
목판 인쇄
가장 오래된 기술은 목판화 또는 목판 인쇄입니다.이 인쇄는 중국의 직물에 인쇄하는 방법으로, 그리고 아마도 이집트에서는 비잔틴 시대에 인쇄 할 수있는 방법으로 발명되었습니다. 이것은 섬유에 패턴을 인쇄하는 방법으로 1300 년 이전에 비잔틴 또는 이슬람 세계를 통해 유럽에 도달했습니다. 종이는 이슬람 스페인을 경유하여 유럽을 거쳐 중국으로 이르렀고 13 세기 말에 이탈리아에서, 그리고 14 세기 말에 부르고뉴와 독일에서 생산되었습니다. 종교적 이미지와 카드는 1395 년 볼로냐 (Bologna)의 독일인이 인쇄 한 것으로 종이에 인쇄 된 것으로 기록되어 있습니다. 그러나 1400 년 전에 생존 한 가장 인상적인 유럽의 이미지는 옷감에 인쇄되어 벽이나 가구의 교수형으로 사용됩니다 , 제단과 lecterns를 포함하여. 일부는 자수하는 패턴으로 사용되었습니다. 일부 종교 이미지는 치유 속도를 높이기 위해 붕대로 사용되었습니다.

조각
금속 조각은 중세 시대의 금세 공예의 일부 였고 종이에 새겨진 디자인을 인쇄하는 아이디어는 아마도 팔린 조각에 디자인을 기록하는 방법으로 시작되었을 것입니다. 화가로서 훈련받은 일부 예술가는 1450 ~ 1460 년경에 관여하게되었지만, 많은 조각사들이 금세기 배경에서 계속해서 작업했습니다. 처음부터, 목판화와는 달리 사치품 상인의 손에 조각상이 있었는데, 적어도 블록의 절단은 목수의 낮은 거래와 조각 나무 조각과 관련이있었습니다. 조각 작업은 다른 화가들, 특히 화가와 조각가를위한 모델로 매우 초기부터 중요했으며, 많은 작품들이 살아남습니다. 특히 소도시의 작품은 지문에서 직접 작곡을합니다. 예술가의 패턴으로 봉사하는 것이 많은 지문, 특히 수많은 일련의 사도직을 창작하기위한 주요 목적이었을 수 있습니다.

살아남은 판화는 대다수가 종교적이지만 목판화를 비롯한 다른 유형의 예술보다 세속적 인 이미지의 비율이 더 큽니다. 부유 한 15 세기 주택에는 틀림없이 벽과 내부의 벽에 세속적 인 이미지가 포함되어 있었고 옷감이 매달려 있었음에도 불구하고이 유형의 이미지는 극히 적은 숫자로 살아 남았습니다. 교회는 그 이미지를 유지하는 것이 훨씬 낫습니다. 판화는 상대적으로 비싸고 네덜란드에서부터 남부 독일, 스위스, 북부 이탈리아에 이르는 도시의 벨트에 점점 풍요롭게 된 도시의 중산층에게 판매되었습니다. 조각은 목판화와 같은 유형의 이미지, 특히 헌신적 인 이미지와 카드 놀이에도 사용되었지만, 많은 것은 앨범이나 책에서 눈을 뗄 수 없도록 유지되어 많은 부분을 보존하는 탁월한 상태로 판단하기 위해 수집 된 것 같습니다. 500 년이 넘는 종이.

이탈리아 판화
목판화와 판화의 판화는 수십 년 동안 알프스 산맥의 북부에있는 북부 이탈리아에서 출현했으며 비슷한 용도와 특성을 지니고 있었지만 현저하게 다른 예술적 스타일 내에서도 처음부터 세속적 인 주제의 훨씬 더 많은 부분을 차지했다. 가장 이른 이탈리아의 목판화는 위에서 언급되었습니다. 조각은 아마도 1440 년대에 피렌체에 처음 왔을 것입니다. Vasari는 일반적으로 그의 동료 피렌체 인, 금 세공인과 nielloist Maso Finiguerra (1426 ~ 64)가이 기법을 발명했다고 주장했다. 이제는 이것이 틀렸음이 분명하며, 투기 적 근거 이외에는 그에게 귀속 될 수있는 지문이없는 것으로 간주됩니다. 그는 인쇄 된 판화를 인쇄판에서 만들지 않았을 수 있습니다. 피렌체 스타일의 판화에 영향을 미쳤던, 아마도 그가 처형했을 수도 있고 아닐 수도있는 복잡한 niello 종교 장면이 많이 있습니다. 일부 신문의 노출과 유황 연기가 이들로부터 생존합니다. 이들은 플로렌스 바르 겔로 (Bargello)에있는 많은 사람들로, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관 (Metropolitan Museum of Art)에 소장되어 있으며 규모가 크고 잘 조직 된 작은 인물로 구성된 장면을 묘사합니다. 피렌체의 우 피지 (Uffizi)에도 그림이 있습니다.

뒤러의 영향
15 세기의 마지막 5 년 동안, 20 세기 후반과 뉘른베르크에서 자신의 워크샵을 가진 뒤러는 유럽 예술 센터를 통해 매우 빠르게 확산되는 최고 품질의 목판화와 조각을 제작하기 시작했습니다. 1505 년경에 대부분의 젊은 이탈리아 인쇄소 제작자들은 자신의 기술 발전을 자신의 스타일에 적응시키기 전에 계속해서 Dürer의 조경 배경의 전체 지문이나 큰 부분을 직접 복사하는 단계를 겪었습니다. 인쇄물의 복사는 이미 판화 문화의 큰 부분으로 받아 들여졌지만 Dürer ‘s처럼 자주 인쇄 된 것은 없습니다.

듀러 역시 화가 였지만 뉘른베르크 지역의 민간 주택을 쉽게 이용할 수있는 사람들을 제외하고는 자신의 그림 중 몇 점을 볼 수있었습니다. 그가 Schongauer와 Mantegna의 발자취를 더 훌륭하게 따라가는 방법에 대한 교훈은 대단히 광범위하게 그의 지문을 통해 대륙 차원의 평판을 개발할 수 있었고 다른 판화가들은 인쇄물 제작에 더 많은 관심을 갖기 시작했습니다.

복제 인쇄물
인쇄물 인쇄는 이미 일반적이었고 많은 15 세기의 지문은 회화의 사본 이었음에 틀림 없으나 그 자체로 볼 수있는 것이 아니라 그 자체의 이미지로 보입니다. Mantegna의 워크샵은 그의 작품 인 Caesar (현재 Hampton Court Palace)를 복제하거나 여러 그림을 그렸습니다.이 그림은 생식 지문 (reproductive prints)이라고하는 그림을 묘사 한 것으로 이해할 수있는 최초의 지문이었습니다. 예술의 혁신 속도가 증가하고 비전문가의 비판적 관심이 높아지면서 그림의 믿음직한 묘사가 분명한 필요를 채웠습니다. 시간이 지남에이 요구는 거의 오래된 마스터 프린트를 질식시키는 것이 었습니다.

북쪽 인쇄
1500 년에서 1550 년까지 Dürer를 무시할 수있는 예술가는 없었지만 그의 후류에 있던 몇몇 예술가들은 매우 독특한 스타일을 유지하는데 어려움이 없었습니다. Lucas Cranach 장로는 Dürer보다 겨우 한 살 밖에되지 않았지만, Matthias Grünewald를 연상케하는 강렬한 북부 스타일로 우드 컷을 만들기 시작한 지 약 30 일이되었습니다. 그는 또한 chiaroscuro 목판화 기술의 초기 실험자였습니다. 그의 스타일은 나중에 연화되어 뒤러의 영향을 받았다. 그러나 작센에 기반을 둔 독일 개신교에서 지배적 인 그림을 그리기 위해 노력했다. 비교적 초기에 그의 생산적인 스튜디오를 아들에게 넘겨 주었다.

작은 주인들
리틀 마스터스 (Little Masters)는 듀어 (Dürer)와 마르 칸토 니오 라이 몬디 (Marcantonio Raimondi)의 소형 요소를 결합하고, 세속적 인, 종종 신화 적이며 에로틱 한 것보다는 오히려 세속적 인 것에 초점을 맞춘, 대부분 부르주아 시장을위한 매우 작은 세밀하게 조각 된 조각상을 제작 한 여러 인쇄사 그룹의 용어입니다. 종교적인 주제에. 가장 재능있는 사람은 형제 Bartel Beham과 오래 살았던 Sebald Beham입니다. 게오르그 펜츠 (Georg Pencz)와 마찬가지로, 그들은 뉘른베르크 출신이었고 한동안 무신론위원회에서 추방되었습니다. 그룹의 다른 주요 멤버 인 하인리히 알 데크 리버 (Heinrich Aldegrever)는 재세례 주의자들과 함께 설득력을 가진 루터교 신자였으며 아마도 어쩌면 장식 프린트를 제작하는 데 많은 시간을 할애해야했을 것입니다.

매너 니스트 프린트 메이킹
이탈리아 인쇄업자들 중 일부는 Raimondi와 그의 추종자들, 또는 독일인들과 매우 다른 방향으로 갔고, 실험과 개인적인 작업을 위해 그 매체를 사용했습니다. 파르 미지 아니노 (Parmigianino)는 자신이 직접 에칭을 제작 한 후, 우고 다 카르피 (Ugo da Carpi)와 긴밀히 협력하여 chiaroscuro woodcuts 및 기타 지문을 제작했습니다.

프랑스 인쇄
Fontainebleau의 학교로 알려져있는 이탈리아 예술가는 Fontainebleau에 그의 showpiece Chateau를 꾸미기 위하여 프랑스의 Francis I 임금에 의해 1530 년대에서 고용되었다. 긴 프로젝트 동안 에칭은 알려지지 않은 상황에서 생산되었지만 Fontainebleau 그 자체와 주로 Chateau의 벽 그림과 회 반죽을 주로 사용하는 1540 년대에 생산되었습니다 (지금은 많이 파괴되었습니다). 엄밀히 말하자면 기술적으로는 건조하고 고르지 않은 편이지만 대부분은 이상하고 정교한 분위기를 강력하게 불러 일으 킵니다. 최고의 대부분은 Primaticcio 또는 Antonio Fantuzzi가 디자인 한 Leon Davent입니다. Davent와 같은 몇몇 예술가들은 나중에 파리에 가서 지문을 계속 만들어 냈습니다.

네델란드 인쇄
Cornelius Cort는 앤트워프 (Antwerp) 조각가였으며, 통제되고 강력한 스타일을 지닌 Cock의 출판사에서 교육을 받았으며, 극적인 조명 효과를 묘사하는 데 탁월합니다. 그는 이탈리아로 갔고 1565 년에 티치아노는 그의 그림 (티티안이 자신의 작품을 독점적으로 복제 할 수있는 “특권”또는 권리를 확보했다)을 인쇄했다. 티치 아노는 그가 원하는 효과를 얻기 위해 상당한 어려움을 겪었습니다. 그는 Cort가 그림만으로는 작업 할 수 없다고 말했기 때문에 그를 사용할 특별 그림을 제작했습니다. 결과는 매우 효과적이었고 성공적이었으며 Titian의 죽음 이후 Cort는 로마로 이주하여 다음 세대의 가장 성공적인 판화 제작자, 특히 Hendrik Goltzius, Francesco Villamena 및 Agostino Carracci (이탈리아의 마지막 주요 예술가)를 가르쳤습니다. 에칭의 퍼짐에 저항하십시오.

17 세기
17 세기에는 상업 및 재생산 판화의 꾸준한 증가가있었습니다. Rubens는 그 전에 Titian과 마찬가지로 워크샵에서 훈련받은 조각사를 자신이 원하는 특정 스타일로 변경하는 데 큰 어려움을 겪었습니다. 그 이후의 세대는 매우 개성 있고 개인적인 스타일을 지닌 많은 지문을 가진 판화 제작자를 배출했다. 이제는 에칭이 그런 예술가들을위한 보통의 매체가되었다.

18 세기
영국의 William Hogarth의 매우 인기있는 판화는 기술적 인 판화 효과에 거의 관심이 없었습니다. 많은 사람들은 혼잡 한 도덕적 구성을 가능한 명확하게 전달하기 위해 착수 한 자신 만의 회화 (놀랍게도 희귀 한 일)의 복제본을 제작했다. 알지 못하는 사이에 같은 목적을 가진 자신의 원본 지문과 구별 할 수는 없습니다. 그는 인쇄물 가격을 중산층 및 고등 근로자 시장에 도달 할 수 있도록 가격을 매겼으며이 분야에서 훌륭하게 성공했습니다.

오래된 마스터 프린트 기술
각 무덤은 다르며 자체 용도가 있습니다. 조각사는 burin 또는 graver라고 불리는 경화 된 강철 도구를 사용하여 표면을 디자인합니다.이 디자인은 가장 전통적으로 구리 판입니다. 그러나 현대 손 조각 예술가들은 무기, 보석류, 오토바이, 개체 등 다양한 응용 분야에서은, 니켈, 강철, 황동, 금, 티타늄 등의 다양한 금속을 절단하기 위해 장벽이나 발톱을 사용합니다. 현대적인 전문 조각가는 게임 장면과 스크롤을 만드는 고급 작업에서 mm당 최대 40 줄의 해상도로 조각 할 수 있습니다. 몰딩 된 부품의 대량 생산에 사용되는 다이는 때때로 손으로 새겨 져 부품 번호와 같은 특정 정보 또는 특정 정보를 추가합니다.

손으로 조각하는 것 외에도 인간의 기교가 적고 손으로 직접 제어 할 수없는 조각 기계가 있습니다. 그들은 일반적으로 팬터그래피 시스템을 사용하여 레터링에 사용됩니다. 반지 내부와 더 큰 조각의 외부에 대한 버전이 있습니다. 이러한 기계는 일반적으로 반지, 로켓 및 프리젠 테이션 피스의 비문에 사용됩니다.

도구 및 gravers 또는 burins
그레이 버는 다양한 선 유형을 산출하는 다양한 모양과 크기로 제공됩니다. burin은 꾸준하고 고의적 인 모양과 깨끗한 가장자리로 특징 지워지는 독특하고 인식할만한 품질의 라인을 만들어냅니다. 앵글 틴트 툴은 인쇄물 제작에 일반적으로 사용되는 약간 구부러진 팁을 가지고 있습니다. 피렌체 라이너는 여러 줄이 절개되어있는 평평한 바닥 도구로 넓은 영역에서 채우기 작업을 수행하거나 신속하게 실행할 수있는 균일 한 음영 선을 만드는 데 사용됩니다. 링 그레이 버는 반지 안의 비문을 자르기 위해 보석 조각가가 사용하는 특정 모양으로 만들어집니다. 플랫 그레이 버는 글자의 채우기 작업과 대부분의 악기 조각 작업에서 “흔들 거리는 (wriggle)”자르기, 배경 제거 또는 밝은 자르기를 만드는 데 사용됩니다. 나이프 그레이 버는 선 조각과 매우 깊은 커팅을위한 것입니다. 둥근 그레이와 반경이있는 플랫 그레이는 일반적으로 실버에 밝은 컷 (밝은 컷 조각이라고도 함)과 니켈 및 강철과 같은 딱딱한 금속을 사용합니다. 정사각형 또는 V- 포인트 그레이 버는 일반적으로 정사각형 또는 길쭉한 다이아몬드 모양이며 직선을 절단하는 데 사용됩니다. V- 포인트는 목적과 효과에 따라 60도에서 130도까지 가능합니다. 이 gravers는 아주 작은 절단 점을 가지고 있습니다. mezzotint rocker, roulets 및 burnishers와 같은 다른 도구는 텍스처 효과에 사용됩니다. 번 닝 도구는 특정 석재 세팅 기술에 사용될 수도 있습니다.

공구 형상
도구 기하학은 손 조각에서 정확성을 위해 매우 중요합니다. 대부분의 응용 프로그램을 위해 날카롭게 할 때, 그레이브는 그레이버의 맨 위에있는 “얼굴”과 그레이버의 바닥에있는 “뒤꿈치”를 가지고 있습니다. 모든 도구 또는 응용 프로그램에서 뒤꿈치가 필요하지는 않습니다. 이 두 표면은 만나 금속을 자르는 지점을 형성합니다. 뒤꿈치의 기하학적 구조와 길이는 금속 표면을자를 때 부드럽게 그레이버를 유도하는 데 도움이됩니다. 도구의 포인트가 깨지거나 미세한 레벨 에서조차도 조각기는 제어하기가 어려워 져 예상치 못한 결과가 발생합니다. 현대 기술로 인해 치핑과 파손에 저항하는 새로운 유형의 탄화물이 생겨났습니다.이 기술은 재래식 금속 도구보다 재 절단 (resharpening) 시간이 길어졌습니다.

도구 선명도
신나 또는 burin를 날카롭게하는 것은 돌 또는 날카롭게하는 것을 요구한다. 더 단단한 카바이드 및 스틸 그레이 버에는 다이아몬드 등급의 샤프닝 휠이 필요합니다. 이 절단기는 세라믹 또는 주철 랩을 사용하여 광택 마감 처리가 가능합니다. 이는 밝은 절단을 만드는데 필수적입니다. Sharpening 시간을 줄이기 위해 수작업으로 제작 한 저속, 가역의 선명 화 시스템이 몇 가지 있습니다. 일정한 각도와 지오메트리에서 툴을 제자리에 고정시키는 고정 장치를 사용하여 정확한 포인트를 산출하기 위해 예리한 것에서 추측 할 수 있습니다. 도구를 선명하게하기 위해 “느낌”과 근육 기억에 전적으로 의존하는 오늘날의 소수의 조각사가 있습니다. 이 마스터 조각사는 수년 동안 견습생으로 일하면서 수작업으로 현대 기계를 구할 수있는 수십 년 전에 대부분의 기술을 습득했습니다. 이 조각사들은 일반적으로 이탈리아와 벨기에 같은 국가에서 훈련을 받았으며 손으로 조각하는 데는 부자와 전통이 풍부합니다.

삽화 디자인
일부 전문적이고 고도로 숙련 된 핸드 조각가가 조각하기 직전에 종이에 직접 또는 금속 표면에 직접적으로 최소한의 윤곽을 그릴 수 있지만 디자인이나 아트 워크는 일반적으로 미리 준비됩니다. 조각 작업은 날카로운 부분이있는 표면, 레이저로 표시된 부분, 미세한 영구 마커 (아세톤으로 제거 가능) 또는 연필로 그려진 부분, 잉크젯 또는 레이저 출력물과 함께 다양한 화학 물질을 사용하여 전사 한 것 또는 점각 무늬로 가볍게 쓸 수 있습니다. 조각사는 작품을 만들 때 손으로 그리는 기술, 저작권이없는 디자인 및 이미지, 컴퓨터에서 생성 된 아트웍 또는 일반적인 디자인 요소에 의존 할 수 있습니다.