1974 년 Mondadori 가족이 기증하고 1983 년부터 Palazzo Te에서 상설 전시 된이 컬렉션에는 Federico Zandomeneghi의 19 작품과 Armando Spadini의 13 작품이 포함되어 있습니다.

몬다 도리 가족의 결정은 대중이 아놀도 몬다 도리 (Arnoldo Mondadori)가 그러한 열정으로 수집 한 그림에 접근하기를 원하며 박물관의 유익한 목적에 의해 결정되었다.

Federico Zandomeneghi (1841-1917)는 19 세기 후반 이탈리아 예술가들 사이에서 중요한 인물이었으며 최근 몇 년 동안 그의 작품에 대한 여러 전시회가 열렸습니다.

태어날 베네치아는 피렌체에서 마키 아이올리와 함께 조형을 경험 한 후 1874 년 파리로 이주했다. 그는 Al caffè와 La grande danseuse와 같은 작품에서 분명히 볼 수 있듯이 Degas의 그림에 특히 영향을 받았습니다.

Palazzo Te (La lezione, Il risveglio, Il compito)에 전시 된 매우 독창적 인 파스텔은 잔도 메네 기 (Zandomeneghi)의 빛과 빛나는 색상의 능숙한 사용을 보여줍니다. 또한 일상 생활 장면, 특히 여성 대상이 그의 주목을받는 몸짓과 느낌에 초점을 맞추는 주목할 만하다.

그의 마지막 몇 년은 정물 작품에 전념했으며 Palazzo Te 컬렉션에서도 잘 표현되었습니다.

Palazzo Te의 Armando Spadini (1883-1925)의 그림은 수집가로서의 Arnoldo Mondadori의 선호에 대해 많은 것을 밝힙니다. 오일에 대한 그의 사랑과 가벼운 공기와 친밀하고 친근한 장면에 대한 그의 연구. 이러한 예로는 Maternità, Bambini all’aria aperta, Bambina (Anna) tra i fiori 및 Il mattino가 있습니다.

친밀감 공개
이 전시회에는 만 투아 출신의 두 명의 중요한 화가 잔도 메네 기 (Zandomeneghi)와 스파 디니 (Spadini)의 작품도 전시되어 있습니다. 두 예술가 모두 빛을 사용하여 모양을 만들었습니다. Zandomeneghi는 고도로 구조화 된 인물을 그렸으며 Spadini는 밝은 색상을 사용하여 일상의 친밀한 캐릭터를 나타냅니다.

베네치아 인상파
Palazzo Te의 현대 미술 컬렉션의 핵심은 Arnoldo Mondadori (1889 년 11 월 2 일, 1971 년 6 월 Poggio Rusco-8)로 기부되었습니다. Mantua 지방에서 태어난 유명한 출판사는 Federico Zandomeneghi와 Armando Spadini의 작품을 공공 기관에 기부하기로 결정했습니다. 그의 소망은 Segrate에서 회사가있는 아트 갤러리를 여는 것이 었습니다. 그의 아내 Mimma Berardi와 그의 형제들은 1907 년에 20 세기 가장 중요한 이탈리아 출판사였던 도시인 Mantua 박물관에이 컬렉션을 기증하기로 결정했습니다. 기부의 일부는 Palazzo Te에서 처음 전시되었습니다 1974 년, 1983 년에 전체 컬렉션이 전시되었습니다. 이 그림은 대부분 만토바 출신의 현대 예술가들의 작품입니다. 이 컬렉션은 Arnoldo Mondadori의 취향을 반영합니다.이 그림에는 거의 국내적인 것들이 있습니다. 빛의 사용은 중요한 역할을하며 프랑스 인상파를 떠올리게합니다. 베니스 출신의 Federico Zandomeneghi는이 빛의 사용에 대한 가장 훌륭한 예를 보여줍니다. 여기에서 그는 일상의 장면과 동화 같은 분위기를 만듭니다. 1884 년 파리로 이주하여 르누아르와 데 가스와 친구가되었으며 1879 년부터 8 차 인상파 전시회에 참가했습니다.이 그림은 요리사가 접시를 들고있는 모습을 보여줍니다. 다른 색상의 색조 사이에 현저한 대비. 이 작업은 1881 년에 완료되었습니다.

카페에서 (Femme au bar)
이것은 아마도 작가의 가장 유명한 작품 일 것입니다. 이 장면은 19 세기의 80 년대 경이로운 생활 양식의 중심지 인 파리에서 열립니다.

잔도 메네 기 (Zandomeneghi)는 훌륭한 초상화 화가 였는데, 여기 베일을 쓴 여자는 매혹적이고 유혹적인 방식으로 앉아있다. 한 사람은 술을 마시고 다른 사람은 손만 본다. 그녀의 붉은 입술, 그녀의 검은 드레스에 큰 꽃과 노란 장갑이 눈에 띄며, 그녀는 관객에게 자신을 제공하는 것처럼 보이며 감각적 인 남성 그룹에 둘러싸여 있습니다.

꽃 다발
1894 년에 지어진이 그림의 스타일은 특히 Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)의 작품을 연상시킵니다. 특히 그의 영향은 아이의 뺨과 옷의 분홍색 그늘에서 볼 수 있습니다. 그녀는 구성 균형이 완벽하지만 꽃의 매우 큰 꽃다발의 무게로 거의 부서진 것처럼 보입니다. 측면 산책을 묘사하는 큰 부분은 거의 비어있는 반면 그림의 윗부분은 꽃잎이 폭발합니다.

화가의 연구에서
잔도 메네 기 (Zandomeneghi) 작품의 기본 특징은 파스텔 색상으로 그림을 그리는 느낌을 준다는 것입니다.

사실 그의 그림의 구성 요소는 길고 짧고 병치되며 때로는 겹치는 색상의 선입니다.

그는 고요한 엑스터시로 인물을 포착하여 그들이하는 일에 완전히 몰두했습니다. 1896 년의이 그림에서, 꽃을 쓴 모자를 쓴 여인은 화가의 작품을 행복하게 관찰하고, 우산에 우아하게 기대어 놓습니다.

포 그라운드의 카펫은 훌륭합니다. 우리는 손을 뻗어 닿을 수 있다는 인상을 받았습니다. 항상 여기에 묘사 된 아 틀 리에 내부에는 흩어져있는 그림이 있으며, 단지 스케치 만하더라도 표현력이 뛰어납니다.

판타스틱 헤리 아
흡수 된 어린 소녀는 나무 앞에서 그녀의 흰색과 분홍색 드레스를 보여줍니다. 주된 색상은 여기 녹색과 분홍색입니다. 그녀가 머리에 쓰고있는 리본의 빨간색은 시청자의 시선을 사로 잡습니다. 인상파는 잔도 메네 히에게 색상을 분리하고 검은 색을 제거하여 훨씬 더 밝은 효과를 얻는 기술을 가르쳤다.

미에 트
20 세기 초반에 그려진이 작품은 매우 이탈리아 인의 작품입니다. 이탈리아 국기뿐만 아니라 Macchiaiuoli의 작품과 Giovanni Fattori (1825-1908)의 작품에 묘사 된 캐릭터와 비슷한 소녀의 특징을 생각하게하는 것은 색상의 선택뿐만 아니라 소녀의 특징이기도합니다. 나이가 들어감에 따라 작가는 프랑스 경험에서 빛의 사용에 대해 배운 내용을 제쳐 두지 않고 고향의 고전 예술으로 돌아가는 것처럼 보였습니다.

꽃과 소녀
어린 소녀는 지배적 인 색상이 파란색과 회색 인 추상 공간에서 움직이는 것처럼 보입니다. 그녀의 드레스는이 파란 헝겊 조각의 바닥에서 나오고있는 것처럼 보입니다. 또한 빨간 머리의 활은 파란색입니다. 그녀는 긴 줄기를 가진 꽃을 들고 있고, 그녀의 태도는 독창적입니다. 1915 년경에 그려진 작은 명품으로 일상의 우아함과 반음계의 매력이 있습니다.

춤추는 사람
20 세기 첫 10 년간이 작품에 대한 명백한 언급은 Edgar Degas (1834-1917)의 그림이다. 위대한 프랑스 인상파 화가의 가장 좋아하는 주제는 실제로 무용수였으며, 모든 종류의 포즈로 묘사되었으며, 종종 무대에서 벗어 났으며, 준비 또는 준비 운동을했습니다. Zandomenghi의 소녀의 경우는 완전히 자신의 생각에 잠겨 있습니다. 우리는 Degas의 그림을 특징 짓는 은혜와 움직임을 찾지 못합니다. 양말의 분홍색과 그녀의 tutu의 파란색 사이의 대비를두면이 작품이 매우 강력합니다. 또한 두 가지 세부 사항에 특히주의를 기울일 필요가 있습니다. 한면에는 기계적인 품질의 거울이 있고 다른면에는 부드럽고 가벼운 커튼이 있습니다. 두 요소는 중앙에 서있는 댄서를위한 무대를 결정 짓는 것 같습니다.

콜리 플라워
1917 년에 시작된이 작품에서 인상파 화가들과 잔도 메네 기 (Zandomeneghi)에 의한 정물화에 대한 관심은 명백해진다. 이것은 시대의 그림에서 볼 수있는 주요 테마 중 하나는 아니지만 Manet의 작품에서 볼 수 있듯이 물체의 모양에 초점을 맞출 수있는 주제입니다. 상황이 풀리지 않는 것처럼 보입니다. 여기에서 야채는 획과 색상을 실험 할 변명의 여지가 거의 없으며 그러한 친숙한 물건은 고상한 것으로 보입니다.

사과
이 작품은 회화의 공식적인 측면에 훨씬 더 많은 관심을 기울입니다. 예를 들어 Cezanne에서와 같이 과일은 다른 색이 사용되는 그림의 다른 영역 사이에 볼륨을 만들고 대비를 만들기 위해 사용됩니다. 잔도 메네 기 (Zandomeneghi)는 종종 특정 강성을 비판합니다. 그러나 그의 예술은 삶의 일부 측면을 고정 시켜서 끝없는 거울 안에 놓아 둔다. 또한 캔버스를 면밀히 살펴보면 연속적으로 색상을 재구성하고 파리보다 더 베네치아 인 빛인 빛으로 재생하는 빠른 스트로크를 만들 수 있습니다.

임산부
피렌체 아르만도 스파 디니는 로마 학교의 창시자로 여겨진다. 그의 짧은 인생에서 그는 이탈리아에서 중요한 일련의 전시회에 참여했다. 또한 그는 1924 년 베니스에서 열린 국제 미술 전시회에서 개인전을 열었습니다. 어머니와 아이는 Spadini의 작품에서 되풀이되는 주제입니다. 품질. 1911 년에 완성 된이 작품에서, 졸고있는 아이는 친밀감을 묘사하는 부르주아 환경에서 행복한 어머니의 가슴에 의지합니다.

가족 그룹
스페 디니조차도 외국 예술가들과의 소수의 교류에도 불구하고 인상파 그림의 중요성을 잘 알고 있습니다. 이 어머니, 아들, 딸 및 하녀 그룹에서 몸과 드레스는 감각의 소용돌이에서 풀려 나오는 것처럼 보이며 르누아르의 그림을 불러 일으 킵니다. 그러나 우리는 이미 20 세기 후반에 있습니다. 작가는 어머니의 긴 팔과 태피스트리의 꽃 장식 패턴에서 포스트 인상파의 전형적인 획과 움직임을 만들어 자연스럽게 캐릭터를 포용합니다.

과일 접시와 소년
Spadini를 사용하면 스케치와 완성 된 작품을 구분하기가 어렵습니다. 그러나 여기서 분명하게 드러나는 것은 어린 시절이 무엇인지, 행복과 어리둥절 함을 포함한 성실한 감정의 지속적인 혼합을 묘사하는 능력입니다. 여기에서 아이는 주변 현실을 생생한 눈으로 탐험하면서 과일로 가득 찬 아름다운 접시 옆에 앉아 몸을 뻣뻣하게하고 밝은 색으로 그림을 비 춥니 다. 작품 날짜는 1913 년입니다.

꽃들 사이에서 소녀
1915 년경의 화가의 걸작 중 하나가 여기에 있습니다. 캔버스 뒷면에는 암탉의 스케치가 있습니다. 다시, 르누아르는 떠오르는 이름입니다. 어린 소녀의 이미지가 그녀가 파악하려고하는 꽃과 훌륭하게 섞여서 젊음을 애무하는 것처럼 보이기 때문에 여기서 공황 인상주의에 대해 이야기 할 수 있습니다. 색상의 승리에서, 우리는 그녀의 머리카락 아래에서 나오는 동안 번창하는 웅장한 귀 장식물을 발견했습니다. 눈과 입술은 부드럽게 웃는 얼굴에 쪼개져 페인트되어 거의 완전히 빛으로 표현됩니다.

야외에서 소년
여기에 표현 된 것은 어린 시절에 대한 화가의 사랑이며 수사법이없는 것으로 묘사되어 있습니다. Spadini는 현실과 밀접한 관계를 유지합니다. 이것은 1915 년으로 거슬러 올라간이 작품에 의해 증명되며, 여기에는 두 명의 어린이 (작은 어린이와 몇 년 된 어린이)가 묘사되어 있으며 공원을 통해 잠겨있는 경이로움이 있습니다. 그 뒤에있는 나무는이 어려운 시대를 잘 표현하기 위해 완벽한 환경, 녹색 빛과 자주색 그림자를 제공합니다. 왼쪽의 아이는 턱에 작은 손을 대고, 다른 손으로 공이 무엇인지 잡고, 미래가 그를 위해 무엇을 준비하고 있는지 추측하고 마치는 것처럼 보입니다.

녹색 소년
아이는 손으로 누군가가 테이블에 남긴 다양한 종류의 야채를 탐구하는 것 같습니다. 여기에서 색상이 강해지고 빨간색은 캔버스의 많은 영역에서 볼 수 있으며 아기의 뺨에서도 볼 수 있습니다. 파란 눈과 두꺼운 검은 머리카락과는 대조적으로 파란색 반사가 나타납니다. 이 그림은 왼쪽 상단에 색상이 차지하는 영역이 있기 때문에 Expressionist로 올바르게 정의 할 수 있습니다. 아마도 벽장 일 수도 있지만 더 이상 비유적인 참조가 없기 때문에 객체를 파악하기가 어렵습니다. 인상주의의 전형적인.

아침
1918 년에 거슬러 올라간 또 다른 걸작. 작가는 같은 이름을 가진 그림의 예비 스케치를 만들었습니다. 그 안에 어머니를 덮는 꽃이 빠져 있습니다. 그림은 꽤 크고 인상적입니다. 잘 지어진 어린이는 그를 감탄하는 청중을 향합니다. 여자는 꽃이 달린 커튼으로 아름답게 꾸며진 침대에 앉아 있으며 어두운 담요는 잔물결이 펼쳐지는 것 같습니다. 그녀는 아들을 포옹하고 애무하고 있습니다. 이 그림은 의문의 여지가없는 본드의 힘을 묘사합니다. 당시의 비평가들은 루벤스와 르누아르의 영향에 대해 이야기했다. 왜냐하면 스파 디니의 등장 인물의 특징은 때때로 플랑드르 화가의 과잉을 생각 나게하기 때문이다. 그러나 장면의 단맛은 직접적이고 성실하게 전달됩니다.

빌라 보르 게세의 나무
로마의 위대한 공원은 여기에 매우 표현적인 방식으로 그려져 있습니다. 푸른 잔디와 잎은 가장 큰 나무의 거의 단풍에 녹는 것처럼 보입니다. Spadini는 볼륨 또는 사물의 정확한 표현과 관련이 없습니다. 가장 중요한 것은 표현, 활기차고 느낌의 진실입니다. 따라서 그의 그림은 종종 구성 균형의 기적이 거의 없습니다.

나체상
1918 년에 시작된이 작품은 당시 유럽 현대 미술에서 일어난 위대한 혁명을 반영합니다. 이 운동에 대한 화가의 참여는이 벌거 벗은 여자, 태피스트리 및 색상의 파도에 흩어져있는 침대, 과일 그릇의 극단적 인 합성에서 은혜와 단순함에서 볼 수 있습니다. 여기서는 Spadini가 배운 것만이 아니라는 것이 분명합니다 Manet의 위대한 교훈 이었지만 그는 또한 Henri Matisse의 작품과 접촉했다. 벌거 벗은 형태로 부드러운 관능이 나타나며, 이는 단순하고 진실 된 방식으로 우리에게 자신을 보여주는 어린 소녀의 흡수 된 표현을 전달합니다.

연구 그림
Spadini의 세 자녀 인 Anna, Andrea, Maria는이 작품의 주인공으로, 화가의 생애 마지막 몇 년 동안 구성되었습니다. 더 이상 아이들이 아닌 소년들은 우리가 볼 수없는 무언가 나 누군가를 봅니다. 마치 이야기 나 음악을 듣는 것처럼 집중되어있는 것 같습니다. 정확히 무엇을 알지 못합니다. 화가는 그룹으로 운동을하면서 세 소년의 부동성을 작은 감각의 회오리 바람으로 바꾸어 앉은 방의 벽을 가로 지르는 것처럼 보입니다. 어떤 곳에서는 몸과 가운에 대한 세부 사항이 사라집니다. 안나의 머리카락에 검은 리본이있는 것처럼 작곡의 중심이기도합니다.

고양이
고양이는 아마도 사람의 감정과 감정을 더 잘 접할 수있는 애완 동물 일 것입니다. 여기서 그의 화가 2 년 전에 화가는 어머니와 아이들을 묘사 한 많은 그림에서 사용 된 것과 같은 은혜를 가진 고양이 어머니와 자식 장면을 묘사합니다. 세 마리의 새끼 고양이는 어머니의 고양이 주위에 붐비고 있으며, 그녀의 침묵하는 자부심에는 여전히 무관심합니다. 그들은 다른 색깔과 다른 포즈를 가지고 있으며, 세 마리의 새끼 고양이는 활기차고 승리의 삶의 걸작입니다.

여자의 머리
이미 아픈, Spadini는 그의 아내 Pasqualina를 묘사 한이 작품을 작곡했습니다. 이 그림은 성스러운 주제를 나타내는 것으로 정의 될 수 있으며, 실제로 몇 년 전 화가는이 머리와 관련하여 보여야 할 모세의 발견에 대해 작업했습니다. 여기의 스타일은 심각하고 퇴색하며 인생의 끝을 받아들이는 것으로 보입니다. 아름답고 슬픈 얼굴은 감동과 색상의 주인 인 Spadini의 주요 재능 인 감정을 묘사하는 능력을 나타냅니다.

팔라 초 테
Palazzo Te는 만토바에있는 유서 깊은 기념비적 인 건물입니다. Federico II Gonzaga의 의뢰로 1524 년에서 1534 년 사이에 건축 된 매너리즘 건축 양식의 훌륭한 예는 이탈리아 건축가 Giulio Romano의 가장 유명한 작품입니다. 이 단지에는 현재 시민 박물관이 있으며 1990 년부터 고대 예술과 건축 전시회를 주최하는 Palazzo Te의 국제 문화 예술 센터가 있습니다.