음악에서 모더니즘은 20 세기 초반에 일어난 음악 언어의 변화와 발전의 시대를 이끄는 철학적이며 미학적 인 태도로, 구식 음악 범주를 도전하고 재 해석하는 다양한 반응의시기, 새로운 방식으로 이끈 혁신 음악의 조화, 멜로딕, 음향 및 리듬 측면을 조직하고 접근하며 시간의 예술에서 모더니즘의 더 큰 식별 가능한시기와 밀접한 관련이있는 심미적 세계관의 변화. 그것과 가장 관련이있는 실용적인 단어는 “혁신”입니다. 그것의 주요 특징은 “언어 적 다양성”입니다. 이는 어느 음악 장르도 지배적 인 위치를 차지한 적이 없다고 말합니다.

모더니스트 음악은 1910 년과 1975 년 사이에 대략 그린 유럽의 전통 (또는 클래식 음악)을 말합니다. 그것은 낭만주의와 포스트 낭만주의의 음악이 선행되어 현대 클래식 음악에 뒤 이은 것입니다. 모더니즘이 끝나고 현대 음악이 시작된 정확한 순간은 여전히 ​​전문가들 사이에서 논쟁 거리입니다. 때로는 모더니스트 음악은 20 세기 음악과 동일시되지만, 후자는 미적 시대 대신 연대순 시간을 다루고 있습니다. 근대주의 음악은 전통과 영구 혁신으로 인한 단절이라는 모더니즘의 철학적, 미학적 가치에 기반을두고 있습니다. 이것 때문에 그것은 아방가르드와 밀접하게 연결되어 있습니다. 이전시기와는 달리이시기의 거의 모든 작곡가는 동시에 또는 단계적으로 여러 가지 다른 음악 운동에 참여했습니다.

예를 들어 아놀드 oen 베르크 (Arnold Schoenberg)가 색채가 풍부한 포스트 – 톤 및 12 톤의 작품에서의 음조 거부와 이고르 스트라빈스키 (Ernst Stravinsky)의 운율적인 리듬에서의 이탈을들 수 있습니다.

정의
음악 학자 Carl Dahlhaus는 모더니즘을 다음과 같이 설명합니다.

역사적인 불연속의 명백한 점 … 말러, 스트라우스, 드뷔시의 “돌파구”는 깊은 역사적 변화를 의미합니다 … 1890 년대의 분리 된 분위기를 전달하기 위해 이름을 검색한다면 (음악적으로 상징적 인 분위기는 스트라우스의 돈 후안 (Don Juan)의 오프닝 바), 허먼 바흐 (Hermann Bahr)의 “모더니즘”이라는 용어로 되돌아 가서 양식적으로 개방 된 “모더니스트 음악”을 확장하는 것보다 더 나쁠 수있다. 1890 년부터 1910 년에 이룬 20 세기 현대 음악의 시작까지.

에로 타 라스 티 (Eero Tarasti)는 음악의 모더니즘을 “전통적 음조의 해체와 음조의 기초의 변형, 무신론의 새로운 모델을 찾는 것, 다태주의 또는 다른 형태의 변형 된 음조”로 정의한다. 세기.

다니엘 올브라이트 (Daniel Albright)는 “미적 건축의 한계를 시험하는”음악적 모더니즘에 대한 정의를 제시하고 다음과 같은 모더니스트 기법이나 스타일을 제시합니다.

표현주의
새로운 객관성
초현실주의
추상화
신고전주의
네오 바르바주의
미래파
미적 방법

원칙
모더니즘의 이름은 20 세기가 근본적인 사회 및 기술 변화의 시대가되면서 미술이 미적 기초로서 이러한 원칙을 채택하고 개발해야한다는 개념에 기반을 둔 일련의 움직임에 주어진다. 모더니즘은 19 세기 후반의 진보적 인 정신과 기술 진보의 엄격함에 대한 애착을 가지고 있으므로 시간과 전통의 예술의 규범과 형식주의에서 벗어난다. 이런 식으로 모더니즘의 주된 특징은 특정한 음악적 언어가 지배적 인 위치를 차지하지 않는다는 것을 이해하는 복수의 언어이다.

기술적으로 말하자면, 음악 모더니즘은 이전의 시대와 구별되는 세 가지 주요 특징을 가지고있다.

음조의 확장 또는 포기.
확장 된 기술의 사용.
컴포지션의 사운드와 새로운 사운드의 통합.

주요 기술, 스타일 및 움직임

미래파
미래주의는 20 세기 유럽의 초기 전위 운동 중 하나였습니다. 이 예술 운동은 이탈리아 시인 Filippo Tommaso Marinetti가 미래주의 선언문을 썼고 1909 년 2 월 20 일 파리의 Le Figaro 신문에 출판했다.

이 운동은 과거의 예술적 전통과 예술사의 통상적 인 징조로 인해 틈을 찾았다. 그는 현대 생활을 칭찬하려고 노력했습니다.이 두 가지 주제는 기계와 운동이었습니다. 미래주의는 어떤 표현 수단에 의존했다. 플라스틱 예술, 건축,시, 광고, 패션, 영화 및 음악; 다시 세계의 프로필을 구축하기 위해.

음악 분야의 최초의 미래 작품은 1910 년에 시작되었다. 같은 해에 미래파 음악가들의 선언이 서명되었다. 주요 미래파 작곡가는 이탈리아의 Francesco Balilla Pratella와 Luigi Russolo였습니다. Russolo는 이전에 Pratella에 의해 수행 된 연구의 결과로서 1913 년 소음의 예술을이 선언문에 안다. “잡음 음악”은 배경 음악 또는 연주자의 움직임을위한 일종의 점수 또는 가이드로서 공연에 통합되었으며, 또한 Intonarumorior라는 “소음 토너”라는 소음 기계를 발명했습니다.이 소음 기계는 가혹하게 비판되었습니다. 그의 가장 중요한 작품 중에는 1910 년 Los Relámpagos가 있습니다.

루소로 (Russolo)는 구체적인 음악의 선구자였으며, 자연적으로나 테크닉 (인공 언어, 단어 또는 모호한 언어)에 상관없이 모든 사운드가 사용 된 조잡한 언어였습니다.

색조와 무신론의 위기
음조의 중심이없는 유럽 음악의 첫 번째 선례는 프란츠리스트 (Franz Liszt)의 바가 텔라 (Bagatella)와 함께 1885 년의 음조가 없으며 이미 “음조의 위기”를 말한시기입니다. 이 위기는 모호한 코드의 사용 빈도가 점점 더 높아지고, 고조파 가능성이 적으며, 음조 음악 내에서 가능한 가장 특이한 멜로디 및 리드미컬 한 억양으로 인해 발생했습니다. 예외적 인 것과 정상적인 것의 구분이 점점 더 흐려지면서 결과적으로 음색과 하모니가 서로 관련되어있는 통사론적인 연결 고리가 풀어지게되었습니다. 하모니 사이의 관계는 불확실했으며 관계와 그 결과는 너무 약해져 거의 작동하지 않았습니다. 기껏해야 톤 시스템의 확률은 너무 어둡게되었다. 최악의 경우, 그들은 구성이나 청취에 대한 지침을 거의 제공하지 않는 통일성에 접근하고있었습니다. 20 세기 초 클로드 드뷔시, 알렉산드르 스키 아빈, 벨라 바 토크, 폴 힌드 미스, 세르게이 프로코피예프, 칼 러글 스, 이고르 스트라빈스키, 에드가 바세와 같은 작곡가는 전심적으로 또는 부분적으로 음색이 무언가로 기술되었다. Aleksandr Skriabin 그는 Mysterium, Poema del éxtasis, Prometheus와 같은 특별한 인상주의와 무관심의 스타일을 만들었습니다 : 간격으로 형성된 일반적인 트라이어드 코드에서 멀리 떨어진 “신비한 코드”라고 불리는 쿼터와 트리톤에 의한 화음의시 세 번째

“자유로운 무차별 성”또는 “자유 색채 성”으로 알려진 무신론의 첫 번째 단계 (dodecaphonism의 조상)는 전통적인 화음 조화를 피하기위한 의식적인 시도를 암시합니다. 이시기의 가장 중요한 작품은 알반 버그 (Alban Berg)의 오페라 우zz (Wozzeck) (1917-1922)과 아놀드 berg 버그 (Arnold Schönberg)의 피에로르 루나 이르 (Pierrot Lunaire, 1912)입니다. Schoenberg (1908 년에서 1923 년까지)의 자유로운 atonal 조각의 첫 번째 기간은 간격 셀에 통합 요소로서, 확장 외에도 톤의 행으로 변형 될 수 있으며, 개별 메모는 ” 기본 세포의 상태 또는 둘 이상의 기본 세포의 상호 연결을 허용하는 기본 요소로서 기능한다. Charles Ives, Henry Cowell, George Antheil과 같은 미국의 다른 작곡가들은 관객들의 음악 관습 경멸에 대한 충격적인 음악을 제작했습니다. 그들은 자주 인기있는 음악을 응집 또는 다성, 극단적 인 부조화 및 명백히 시행 할 수없는 리드미컬 한 복잡성과 결합 시켰습니다. Charles Seeger는 Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger 및 다른 사람들이 사용하는 기술인 부조화 대위법의 개념을 강조했습니다.

원시주의
원시주의는 현대 또는 근대 주의적 언어로 특정 지역의 가장 오래된 민속을 구하기 위해 노력한 예술 운동이었다. 원시주의를 대표하는 민족주의와 마찬가지로, 원시주의는 불규칙한 지표와 악센트, 타악기와 다른 음색, 모달 스케일, 다 중조와 조동의 조화를 더 많이 사용했다. 음악 내에서이 운동의 두 거물은 러시아 이고르 스트라빈스키와 헝가리 벨라 바르톡 이었지만, 두 작품 모두 교단의 “원초 주의자”를 능가한다.

스트라빈스키의 주요 문체의 첫 번째 작품 (일부 초기 작품은 제외)은 그가 디아길레프 (Diaghilev)를 위해 작곡 한 세 개의 발레에 의해 출간되었습니다. 이 발레에는 몇 가지 공통된 특징이 있습니다. 매우 큰 오케스트라에서 연주하도록 만들어졌습니다. 테마 및 음모 모티프는 러시아의 민속에 기반합니다. Rimski-Kórsakov 브랜드를 개발 및 계측에 사용합니다. 발레단 중 첫 번째 작품 인 The Firebird (1910)는 독창적 인 소개 (낮은 줄의 삼중주)와 오케스트레이션의 스윕으로 유명합니다. Petrushka (1911)는 또한 득점이 뚜렷하고 러시아 민속 신화를 사용하는 Stravinsky 발레의 첫 발레이다. 그러나 그것은 세 번째 발레 인 봄의 헌납 (The Encecration of Spring, 1913)에 있으며, 이는 일반적으로 스트라빈스키의 “원시 러시아 시대”의 신격화로 간주됩니다. 여기서, 작곡가는 이교도 러시아의 야만적 인 태도를 사용하여 공격적 해석, 폴리 토닉 하모니 및 작업 전반에 걸쳐 나타나는 갑작스러운 리듬에 이러한 감정을 반영합니다. 이 작품에는 몇 가지 유명한 구절이 있지만 두 가지가 특히 주목됩니다. 바순 음악을 기반으로 한 첫 번째 테마는 거의 등록 범위를 벗어난 음표로 소리가납니다. thestrings을위한 아치의 발 뒤꿈치 만 사용하여 두 개의 겹치는 화음의 리드미컬 한 불규칙한 공격 (짧은 스트로 미스 셀을 가져 와서 그 accentuation을 이동시키는 러시아 스트라빈스키 시대의 전형적인 자원을 사용함)과 영구적으로 변하는 초기의 재조직 모티프, 매번 강조되는 코드로 코드를 배가시킵니다. 봉헌은 일반적으로 원초주의 또는 스트라빈스키의 가장 중요한 작업 일뿐 아니라 전통과의 단절과 전 세계에 대한 영향에 대한 20 세기 전체의 것으로 간주됩니다.

이 스타일의 다른 뛰어난 작품으로는 나이팅게일 (1914), 르네상스 (1916), 병사 (1918)의 역사, 4 개의 피아노와 타악기의 본래 조합에 보컬 참여를 위해 설치된 결혼식 (1923) 등이 있습니다. 이 작품들에서 뮤지션은 러시아 민족주의 학교의 상속을 실질적으로 고갈시킬 때까지 제한했다.

Bartok은 헝가리 음악가로 동유럽의 작곡가, 피아니스트 및 민속 음악 연구원 (특히 발칸 제국 출신)으로 유명합니다. Bartók는 민족 음악과 음악을 결합시키는 관계에 기반한 민속 음악학의 창시자 중 한 명입니다. 그의 연구에서 그는 매우 개인적이고 혁신적인 스타일을 개발했습니다.

미토 탈리스
마이크로 토 털리즘은 마이크로 톤 (반음 이하의 음악적 간격)을 사용하는 음악입니다. 미국의 음악가 찰스 아이브스 (Charles Ives)는 “피아노 건반 사이의 음표”와 같은 유머러스 한 방식으로 마이크로 톤을 정의했습니다. 1895 년에 바이올린으로 실험 한 Julián Carrillo (1875-1965)는 네 번째 바이올린 끈에서 방출 된 G와 A 릴리스 사이에서 뚜렷하게 다른 16 개의 소리를 구별합니다. 그는 이러한 미세한 구별을 Sonido라고 불렀고 그는 음악 이론과 음악 물리학에 관해 썼습니다. 그는 3, 4, 4, 5, 6, 7 등과 같이 옥타브의 모든 부분을 토대로 음악 스케일을 나타내는 간단한 숫자 표기법을 발명했습니다 (그는 대부분의 시간에 네 번째로 썼습니다). , 8 번째 및 16 번째 결합 된 표기법은 모든 상상할 수있는 하위 구분을 나타 내기위한 것입니다. 그는 새로운 악기를 발명했으며, 다른 사람들은이를 마이크로 레인지 (micro-ranges) 제작에 적용했습니다. 그는 많은 양의 마이크로 음 음악을 작곡하고 30 곡을 작곡했습니다. 1910 년대와 1920 년대에이 옥타브의 4 분의 1 및 다른 세분은 Charles Ives, Alois Haba (1/4 및 1/6 음색), Ivan Wyschnradsky (1/4, 1/6, 1/12 및 비 옥타브 가능 비늘), Ferruccio Busoni (3 분의 1 음색의 피아노를 성공적으로 실험하지 못했음), Mildred Couper 및 Harry Partch. Erwin Schulhoff는 프라하 음악원 (Prague Conservatory)에서 쿼터 음색으로 작곡 수업을 들었습니다. 1940 년대와 1950 년대의 주목할만한 마이크로 음원 작곡가 또는 연구원으로는 Adriaan Fokker (옥타브 당 31 개의 동일한 음색)와 Groven Eivind가 있습니다. 마이크로 음계 음악은 결코 받아 들여지지 않았고 앞으로 Vanguardia의 음악가들에 의해 독점적으로 고려되었습니다.

두 번째 비엔나 학교, dodecafonismo 및 serialism
Arnold Schoenberg는 20 세기 음악에서 가장 중요한 인물 중 하나입니다. 그의 초기 작품은 Richard Wagner와 Gustav Mahler의 영향을받은 늦은 로맨틱 스타일에 속하지만 결국에는 음조 음악을 쓰는 음조 작곡 시스템을 포기했습니다. 시간이 지남에 따라 그는 전통 음조 조직을 대체하기 위해 1923 년에 그것을 암시 해 dodecaphonism의 기법을 개발했습니다.

그의 학생들 인 Anton Webern과 Alban Berg도 12 톤 시스템의 사용을 개발하고 심화 시켰으며, 이러한 기술을 자신의 규칙에 따라 사용하는 것을 보았습니다. 이 세 곳은 La Trinidad Schoenberg 또는 비엔나 제 2 학교라고 잘 알려져 있습니다. 이 이름은이 새 음악이 하이든, 모차르트 및 베토벤의 첫 번째 비엔나 학교와 동일한 혁신적인 효과를 발휘했음을 강조하기 위해 만들어졌습니다.

도데 카 포니 스모 (Dodecafonismo)는 음계의 12 음표가 동등한 것으로 취급되는 구성 기법 (음조의 주요 – 부 시스템과는 달리)이 정립 된 관계에 놓여있는 구성 기술 노트 간의 계층 구조. Sch 베르그 (Schönberg)의 12 대 음악 창시자는 법률에 따라 한 음표를 다른 음표보다 더 많이 사용하는 것을 금지했습니다. 12 음표는 12 음표를 반음계로 표시해야합니다. 모든 12 개의 반음 또는 음표가 똑같이 중요하다는 원칙에 따라 작성되었습니다. 내부 관계는 12 개의 음으로 구성된 시리즈의 사용으로 설정됩니다. 작곡가는 그들이 끝날 때까지 반복하지 않는 조건으로 나타나는 순서를 결정합니다.

이 연쇄론은 한단계 앞선 12 진법을 나타내며 Schoenberg, Webern의 제자에 의해 창안되었습니다 : 서로 다른 높이의 연속뿐만 아니라 서로 다른 기간의 승계에 대한 질서가 확립되었습니다 (분기와 같은 “인물” 음, 8 분 음표 등) 및 연역 (음향 강도 레벨)의 연속성뿐만 아니라 조음 기능도 제공합니다. 이 시리즈는 모두 작업 과정에서 반복됩니다. 이 기법은 국부적 인 연속성 (serial serialism)이라고 불려서 국사법의 제한된 연속성과 구별됩니다. 역설적이게도, 수 년 동안 인기를 잃은 Webern의 점묘 스타일은 1950 년대와 1960 년대에 유럽에서 각기 다른 사운드가 신중하게 배치되어 유럽에서 표준이되었으며 Olivier Messiaen과 같은 전후 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen 및 Igor Stravinsky가 있습니다.

신고전주의
음악의 신고 전파는 조화, 멜로디, 형태, 음색 및 리듬 측면에서 전통적 관습을 따르는 20 세기의 움직임을 지칭하지만, 작곡하기위한 출발점으로 훌륭한 음색 부조화 및 신조 된 리듬과 섞여있다 음악. 이고르 스트라빈스키, 폴 힌드미스, 세르게이 프로코피예프, 드미트리 쇼스타코 비치, 베라 바 토크는 대개이 스타일에서 언급 된 가장 중요한 작곡가이지만, 다리우스 밀워우와 그의 동시대 인 프란시스 프 랑크 (Francis Poulenc)와 아서 호네 거 (Arthur Honegger) (The Six)도 마찬가지다.

네오 클라스기주의는 1 차 세계 대전에 대응하여 예술에서의 합리적인 모델로의 일반적인 복귀와 동시에 태어났다. 더 작고, 더 부족하고, 더 많은 명령을받은 사람들은 많은 사람들이 참호로 사람들을 밀어 넣었던 감정적 인 채도에 대한 반응으로 생각한 경향이 있었다. 경제적 인 문제가 소그룹을 선호한다는 점을 감안할 때, “덜한 것”을 추구하는 것은 결과적으로 의무적 인 관행이되었습니다. 스트라빈스키의 병사의 역사는 이런 이유에서 신고전주의 작품의 씨앗입니다. 콘서트에서도 마찬가지입니다. Dumbarton의 오크, 관악기 또는 심포니의 교향곡에서. Stravinsky의 신고전주의 풍 최고봉은 그의 오페라입니다. The Progress of the Libertine ( “Rake ‘s Progress”) : 잘 알려진 현대주의 시인 인 WH Audren의 대본.

신고전주의주의는 미국에 흥미있는 청중을 발견했다. Nadia Boulanger의 학교는 스트라빈스키의 음악에 대한 이해를 바탕으로 한 음악적 아이디어를 발표했습니다. 그의 학생들 중에는 Elliott Carter (초기에는), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla 및 Virgil Thomson과 같은 신고전주의 음악가가 있습니다.

신고 전파의 가장 큰 특징은 세 번째를 고정 된 간격으로 사용하는 멜로디이며 ostinato, 고조파 블록 및 폴리 리듬의 자유로운 혼합에 불협화음을 색 상적으로 추가합니다. 네오 클라스기주의는 청중들로부터 큰 호응을 얻었고, 진정한 현대 음악으로서 무신론에 반대하는 사람들에 의해 내면화되었다.

전자 및 콘크리트 음악
20 세기의 기술적 발전으로 작곡가는 전자 매체를 사용하여 소리를 낼 수있었습니다. 프랑스에서는 세계에서 기존의 소리를 만들어내는 구체적인 학교 음악이 개발되었습니다. 피에르 쉐퍼 (Pierre Schaeffer)의 발명가에 따르면 그는 콘크리트라고 불리우며, 이는 전통적인 악기로 추상화 된 것이 아니라 구체적인 물체에 의해 만들어 졌다고 말했다. 이러한 수단을 가진 첫 번째 작품은 에드거 바레 세 (Edgar Varese)로 1958 년 브뤼셀 전시회의 필립스 전시관에서 Poème électronique를 발표했습니다. 1951 년 Schaeffer는 Pierre Henry와 함께 파리의 콘크리트 음악 연구 그룹을 만들었습니다. 곧 올리비에 메시아 넨, 피에르 부레즈, 장 바라크, 카를 헤인즈 스톡 하우젠, 에드가 바레 세, 이아니스 제나 키스, 미셸 필립, 아서 호네 거 등 다른 중요한 작곡가들이 참석했습니다.

무작위 음악과 급진적 인 아방가르드
모더니즘 자체가 전위적인 음악이지만, 전위 예술은 음악의 개념이 한계를 넘어서는 가장 급진적이고 논쟁적인 움직임을 의미합니다. 소음, 녹음, 감각과 같은 요소를 사용하여 더 이상 초과하지 않습니다. 유머, 기회, 즉흥 연주, 연극, 부조리, 조롱 또는 놀라움. 이 급진적 인 흐름 내에 일반적으로 존재하는 장르에는 무작위 음악, 라이브 전자 음악, 뮤지컬 극장, 의식 음악, 프로세스 구성, 음악 발생 또는 직관적 인 음악 등이 있습니다. 이 모험으로 모험을 떠난 가장 초월적인 작곡가 중에는 미국의 존 케이지와 유럽의 칼린 스츠 스톡 하우젠 (Karlheinz Stockhausen)이 있습니다.

무작위 음악 또는 급진적 전위 음악은 확립 된 지침에 의해 규제되지 않는 요소의 사용을 기반으로하는 음악 구성 기술이며 우세한 역할을 획득하는 경우 비 구조 시퀀스를 기반으로 한 즉흥 연주입니다. 그러한 즉흥적 형질은 저자의 창안 또는 해석 자체의 발전에 고정 될 수있다. 따라서 연주자가 작품의 최종 구조를 결정하거나, 각 섹션을 다시 배열하거나, 심지어는 여러 섹션을 동시에 해석하여 무작위로 작곡하는 경우가 빈번합니다.

현대 음악에서 무작위 창조가 제안 된 가장 뛰어난 양상은 동등한 지위의 다양한 해법을 부과하는 이동형이다. 즉흥 연주가 지배적 인 변수 형식; 작품 진행에있어 최대의 기회를 구성하는 소위 진행중인 작업이 있습니다. 이들 모두에서 클래식 악기는 일반적으로 피아노와 신디사이저, 디스토 터 및 녹음 테이프와 같은 전자 실행 수단에 특별히주의하여 통합됩니다.

미세 다성 및 음량
David Cope의 말에 따르면, micropolifonía는 “서로 다른 선, 리듬 및 음색의 동시성”에 관한 것입니다. 이 기술은 György Ligeti가 개발했습니다. “개별 목소리의 복합음은 하모니가 갑자기 바뀌지 않고 다른 것으로 바뀌는 고조파 – 뮤지컬 흐름에 맞춰져 있으며, 식별 가능한 간간 조합 점차 희미 해지고 있으며, 이러한 흐림으로부터 새로운 인터벌 조합이 형성되는 것을 느낄 수 있습니다. “«마이크로 폴리포 니아는 클러스터와 비슷하지만 정적 인 것보다 역동적 인 라인을 사용하는 것과는 다릅니다. Ligeti의 작품에서 micropolifonía의 첫 번째 예제는 오케스트라 구성 Apparitions의 두 번째 운동에서 일어난다. 그들은 또한이 기술의 적용에서 Atmosphères 오케스트라와 그의 Requiem의 첫 번째 운동 인 소프라노, 메조 – 소프라노, 혼합 합창단 및 심포니 오케스트라와의 협연이 마지막 작업은 Stanley Kubrick 2001 : A Spac의 사운드 트랙의 일부이기 때문에 큰 인기를 얻었습니다. 전자 오딧세이

micropolifonía의 기술은 피아노와 같은 대용량 그룹 또는 다성 악기와 함께 적용하기가 더 쉽습니다. 100 개의 메트로놈에 대한 Poem Symphonique가 “비교할 수없는 복잡성을 지닌 마이크로 폴리포니”를 만들어 냈습니다. Ligeti의 피아노 작품 중 많은 부분이 스티브 라이히 (Steve Reich)의 복잡한 “미니멀리즘”과 피그미족의 음악에서 파생 된 리드미컬 한 구성에 적용된 마이크로 폴리 포니 아 (micropolifonía)의 예입니다.

본질적으로 micropolifonía와 관련이있는 음악 질감의 사운드 또는 사운드 덩어리는 다른 전통적인 텍스처와 달리 음악의 질감인데, “제스처의 주요 트레이너로서 질감, 음색 및 다이내믹을 선호하는 개별 음악 높이의 중요성을 최소화합니다 영향».

이 기술은 음악 모더니즘에서 사용 된 클러스터에서 시작하여 나중에 1950 년대와 60 년대 말까지 오케스트라 글쓰기로 확장되었습니다. 사운드 매스는 “사운드와 노이즈의 경계를 흐리게합니다”. 텍스처는 “매우 흥미로운 높이의 분포에서 단일 한 물체의 음색이 합쳐진 상태, 예를 들어 아름다운 화음의 북극 광과 매우 유사한 상태로 배열되어 융합 된 사운드를 생성합니다. 롤 접시 받침대에 달려있다. ”

미니멀리즘
60 년대의 몇몇 작곡가들은 이제 우리가 미니멀리즘이라고 부르는 것을 탐구하기 시작했습니다. 미니멀리즘에 대한보다 구체적인 정의는 전체 사운드 프레임을 생성하기 위해 조각이 서로 겹쳐지며 종종 반복되는 음악에서의 프로세스의 숙달을 의미합니다. 초기 사례로는 En do (Terry Riley)와 Tamborileando (Steve Reich)가 있습니다. 이 작품들 중 첫 번째 작품은 라일리를 미니멀리즘의 아버지로 여겼다. 압축 된 멜로디 셀에 의해 구성된 곡으로, 세트의 각 연주자가 자신의 템포로 연주합니다. Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams, Michael Nyman 등 작곡가의 미니멀리스트 물결은 평범한 청취자에게 음악을 접할 수 있기를 희망하면서 극적이고 음악적인 질문을 구체적으로 표현했습니다. 형식을 취하지 않고 기술 아래에 숨기지 않고 음조의 메이저 및 마이너 트라이어드로 돌아가지만 전통적인 고조파 기능을 사용하지 않고 명시 적으로 만듭니다.

미니멀리즘과 이전 음악의 주요 차이점은 통역사가 좋아하는 다른 셀을 “단계적으로”사용하는 것입니다. 리차드 바그너 (Richard Wagner)의 Das Rheingold에 대한 서곡과 비교해보십시오. 세포의 트라이 어드를 사용함에도 불구하고 각 부분은 동일한 충동에 의해 제어되고 동일한 속도로 움직입니다.

미니멀리스트 음악은 전통적인 청취자에게 논란의 여지가 있습니다. 그것의 비난 론자는 그것을 너무 반복적이고 빈 것을 발견한다, 그것의 제안자는 수시로 영원한 고정 성분이 작은 변화에있는 더 중대한 관심사를 일으킨 ㄴ다는 것을이라고와 주장한다. 어쨌든 미니멀리즘은 미니멀리스트 (Karlheinz Stockhausen, György Ligeti 등)로 분류되지 않은 많은 작곡가에게 영감을 주었고 영향을주었습니다. Arvo Pärt, John Tavener, Henryk Goriki와 같은 작곡가는 교향곡 3 번이 90 년대 최고의 베스트셀러 앨범이었으며, 심오한 종교적 의미의 작품에서 “행복한 미니멀리즘”이라고 불리는 것에 큰 성공을 거두었습니다.

재즈의 영향
세기의 시작부터 흑인 음악과 재즈는 미국 내외의 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 미국 내에서, 찰스 아이브스 (Charles Ives) 그리고 무엇보다도 조지 거쉰 (George Gershwin). 그러나 재즈와 연결된 아프리카 계 미국인 작곡가들도 두 곡의 경계가 명확하지 않은 작품으로 진출했다. 윌 메리언 쿡, 스콧 조플린, 듀크 엘링턴과 같은 작곡가는 미국의 학습 음악에 확실한 영향력을 행사했습니다. jazz와 고전적인 스타일의 언어를 결합한 가장 중요한 작품 중 일부는 George Gershwin이 작곡 한 Rhapsody in Blue, Claude Debussy의 Children ‘s Corner, Maurice Ravel의 D & Sol의 피아노 협주곡, Ragtime for the Ragtime, 스트라빈스키 악기 또는 Paul Hindemith의 피아노 모음 (1922) 등이 있습니다.

20 세기 후반에는 재즈와 클래식 음악의 기술을 통합 한 개발 방식을 제공하려는 50 대와 60 대에 음악을 만드는 스타일에 적용되는 Third Stream, 문자 그대로 Third Stream이라는 운동이 나왔습니다. 제 3의 스트림이라는 용어는 50 년대 후반의 혼의 작곡가이자 솔리스트 인 Gunther Schuller가 유럽의 학문 분야와 음악 형식, 그리고 재즈의 정신 및 기법 사이에 다리를 놓기 위해 노력하는 일부 예술가를 개발하는 음악을 설명하기 위해 만들어졌습니다. 이를 위해 슐러 (Schuller)는 뉴 잉글랜드 음악원 (New England Conservatory)에서 “Third Stream Department”를 설립했습니다. 넓은 의미에서 세 번째 흐름은 여러 종류의 음악 사이의 음악 장벽을 없애는 일반적인 과정의 일부입니다. 6 스타일의 기원은 일반적으로 쿨 (Cool)과 웨스트 코스트 (West Coast) 재즈의 포 뮬레이션에서 생성 된 진화에서 고쳐집니다.이 재즈는 두 음악가의 경계에 다른 많은 뮤지션을 배치합니다. 트롬본 연주자이자 첼리스트 데이비드 베이커 (David Baker), 피아니스트 란 블레이크 (Ran Blake) 또는 색소폰 연주자이자 편곡가 인 밥 그라 팅거 (Bob Graettinger)는 진정한 세 번째 스트림을 검색하는 데 가장 참여한 음악가 중 일부 였지만이 환경에서 상당한 수의 뮤지션 재즈 : Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George Russell 등이 있습니다. Jacques Loussier의 바흐 음악에 대한 합의와 같이 훨씬 더 명백한 합병을하지 않아도됩니다.

시네마틱 음악
1930 년대 초 사운드 필름이 등장한 이래로 음악은 산업과 영화의 예술에서 중요한 역할을했습니다. 러시아의 프로코피예프 (Prokofiev)와 쇼스타코비치 (Shostakovic)와 같은 많은 위대한 작곡가들도이 지역으로 모험을 갔다. 그러나 거의 독점적으로 영화를 통해 일하기를 바친 일부 작곡가는 주목을 끌고있다. 1940 년대의 장편 영화의 음악 화가 콘서트 음악 분야의 기술 혁신에 비해 수십 년 뒤처졌지만 1950 년대에는 근대 영화의 음악이 등장했습니다. 엘리아 카잔 (Elia Kazan) 감독은 재즈의 영향과 불협화음에 대한 아이디어에 대해 개방적이었고, Streetcar Named Desire (1951)의 악보와 블루스와 재즈의 요소가 조화 된 Alex North와 함께 작업했습니다. 카잔은 Leonard Bernstein과 함께 음악 On the Waterfront (1954)에 접근했고, 결과는 Aaron Copland와 Igor Stravinsky의 초기 작품을 “하모니와 흥미로운 부가 리듬에 기반한 재즈”로 연상시켰다. 1 년 후 Arnold Schoenberg에서 영감을 얻은 Leonard Rosenman은 East of Eden (1955)과 Cause Without Rebel (1955)에 대한 평등성을 실험했습니다. Alfred Hitchcock과의 10 년간의 협력에서 Bernard Herrmannhe는 Vertigo (1958), Psychosis (1960) 및 Los pájaros (1963)에서 아이디어를 실험했습니다. 비범 한 재즈 음악의 사용은 재즈 스타 듀크 엘링턴 (Duke Ellington)이 오토 프레밍 너 (Otto Preminger) 해부학 (Anatomy of a Murder) (1959)의 저작에 이르기까지 또 다른 현대적인 혁신이었습니다.

유명한 음악
문화 연구 교수 앤드류 굿윈 (Andrew Goodwin)은 “용어의 혼란을 감안할 때 포스트 모던 (postmodern) 텍스트의 동일시는 예외적으로 다양하고 텍스트 인스턴스의 일관성이 결여되어있다”고 적고있다. 둘째, 인기있는 음악에는 경련과 진위성에 대한 논쟁이있다. 모더니즘 ‘은이 두 분야의 각각에서 아주 다른 것을 의미합니다 …이 혼란은 포스트 모던 시대의 록 음악을 이해하기위한 조형 적 시도에서 분명합니다. ” 굿윈은 대중 음악에서 모더니즘의 사례는 “상업적 ‘록앤 팝 (rock and pop)’주류에 반대하는 아트의 부르조아 적 개념을 보존하려는 명백한 노력에서 문화적 융합에 대한 포스트 모던 적 명제를 훼손하기 때문에 일반적으로 인용되지 않았다.

대중 음악의 모더니즘은 1950 년대 후반 로스 앤젤레스 로큰롤 라디오 방송국 인 KRLA가 공중 공간 “모던 라디오 / 로스 앤젤레스 (Modern Radio / Los Angeles)”로 더빙하기 시작한 이른시기에 명명되었습니다. 저자 Domenic Priore는 다음과 같이 믿고 있습니다 : “모더니즘의 개념은 도시가 막 국제적, 문화적 중심지로 등장하기 시작한 시점에 그레이터 로스 앤젤레스 지역의 건설에 묶여있었습니다.” 곧 이어 몇 가지 예가 Ike & Tina Turner (1966)의 정교하게 배열 된 “River Deep-Mountain High”와 Beach Boys (1966)의 “Good Vibrations”을 포함합니다. 밴드 멤버들과 노래 공동 기자 인 브라이언 윌슨 (Brian Wilson)은 “현대적이고 전위적인 R & B의 취향”을 원했고 음악을 “고급 리듬과 블루스”라고 생각했지만 그의 밴드 메이트들로부터 비평을 받았다. 너무 현대적 “이라고 주장했다.

Goodwin은 프로그레시브 록이 포스트 모더니즘의 “저주”로 여겨 져야한다고 주장하지만 벨벳 언더 그라운드, 헨리 카우, 소프트 머신, 하트 필드와 북쪽의 아트 락과 프로 그레시브 록 아티스트는 근대주의 포부를 전시 할 것입니다.