현대 무용은 고전적 형태에 대한 반응으로서, 아마도 신체와 함께 더 자유롭게 표현할 필요가 있음을 나타냅니다. 그것은 무용가를 통해 고전 발레처럼 아이디어, 감정, 감정을 표현하려고하지만 20 세기와 21 세기의 신체 운동을 혼합하는 무용 수업입니다.

그 기원은 19 세기 말로 거슬러 올라갑니다. 처음에는 고전 발레의 엄격한 기술 대신에 무용수가 맨발로 춤을 추며 무대에서 전통적인 것보다 덜 단단한 점프를하는 것처럼 보였습니다. 시간이 지남에 따라 고전 기술이 부재로 인해 두드러졌고 플라멩코, 종족 춤, 심지어는 요가와 같은 다른 신체 기술의 움직임까지 소개되었습니다. 2 차 세계 대전이 끝날 때까지이 새로운 스타일의 춤은 현대 무용이라고 불 렸지만 1940 년대 후반부터의 진화는 이후의 현대 무용 표현을 선호하게되었습니다. 요즘 현대 기술은 스타일이 혼합 된 소용돌이 모양으로 변해가고 심지어 어떤 스타일이 닮았는지 또는 어떤 패턴이 뒤따른지는 분명하지 않게됩니다.

안무가는 일반적으로 창의적인 결정을 내립니다. 그 또는 그녀는 작품에 추상 또는 서사 특성이 있을지 여부를 선택합니다. 댄서들은 기술과 훈련에 따라 선정됩니다. 안무는 음악이나 춤을 추는 소리와의 관계에 따라 결정됩니다. 현대 무용에서 음악의 역할은 다른 장르의 음악과는 다르다. 왜냐하면 그것은 작품의 배경이 될 수 있기 때문이다. 안무가는 공연의 전반적인 구성에 대한 복장과 미적 가치의 선택을 감독하고 그것이 댄서의 움직임에 어떻게 영향을 미치는지 살펴 봅니다.

현대 무용은 종종 고전 발레를 거부하거나 반란하는 것으로 간주됩니다. 사회 경제적 요인과 문화적 요소도 개발에 기여했다. 19 세기 후반에 Isadora Duncan, Maud Allan, Loie Fuller와 같은 댄스 아티스트는 현재 공연을 위해 미적 또는 자유 댄스라고 불리는 새로운 형태와 관행을 개척했습니다. 이 댄서들은 발레의 엄격한 운동 어휘, 특히 발레에 적절하다고 여겨지는 운동의 제한된 세트를 무시하고 운동의 자유를 추구하기 위해 코르셋과 뾰족 구두를 신은 것을 중단했습니다.

현대 무용은 특정 미적 감각을 달성하기 위해 컨셉에 대해 이야기하거나 환경을 제안하거나 움직임을 표현할 수 있지만 항상 이야기를 전할 필요는 없습니다. 현대 무용은 안무가 또는 통역자의 필요에 따라 새로운 형태의 운동을 창안하고 혁신을 추구하는 반면, 기존 무대를 통해 만들어진 클래식 무용은 항상 성문화되어 있습니다. 고전 무용은 천상과 더불어 미묘한 관계, 구조화되고 완벽한, 미묘한 존재와의 관계를 추구합니다. 오히려 Apollonian의 개념과 연결되어 있습니다. 현대 무용은 인간과 열정, 비 구조, 범법과 더불어 세속과의 관계를 추구합니다. Dionysian의 개념과 연결되어 있습니다.

20 세기 전반에 걸쳐 사회 정치적 관심사, 주요 역사적 사건 및 다른 예술 형식의 개발은 미국과 독일에서 모더니스트 댄스의 지속적인 발전에 기여했습니다. 1960 년대로 이전하면서 춤에 대한 새로운 아이디어가 등장하기 시작했습니다. 초기 춤 형식과 사회 변화에 대한 반응이었습니다. 결국 포스트 모던 댄스 아티스트는 현대 무용의 형식주의를 거부하고 공연 예술, 즉흥적 인 접촉, 릴리스 기술 및 즉흥 연주 같은 요소를 포함합니다.

미국 현대 무용은 대략 세 가지 시대 또는 시대로 나눌 수 있습니다. Isadora Duncan, Loie Fuller, Ruth St. Denis, Ted Shawn 및 Eleanor King의 작업으로 특징 지어지는 Early Modern period (1880-1923 년)에서는 예술적 관행이 근본적으로 바뀌었지만 명확하게 구별되는 현대 무용 기술은 아직까지 없었습니다 나타났다. 중앙 현대 시대 (1923-1946 년)의 안무가 인 Martha Graham, Doris Humphrey, Katherine Dunham, Charles Weidman, Lester Horton은 미국의 운동 스타일과 어휘를 뚜렷하게 발전시키고 명확하게 정의되고 인식 가능한 무용 교육 시스템을 개발했습니다. 후기 현대 (1946-1957 년)에서 호세 리몬, 펄 프라이머스, 머스 커닝햄, 탈리 비티, 에릭 호킨스, 안나 솔 콜 로우, 안나 할 프린, 폴 테일러는 분명한 추상화와 전위 운동을 도입하여 포스트 모던 댄스.

현대 무용은 참여한 아티스트의 후속 세대와 함께 발전해 왔습니다. 예술적 내용은 스타일과 기법이있는 것처럼 한 안무가에서 다른 안무가로 변신하고 이동했습니다. 그레이엄 (Graham)과 호튼 (Horton)과 같은 예술가들은 오늘날에도 전세계에서 가르쳐지고있는 중부 현대 시대의 기술을 개발했으며 오늘날에는 수많은 다른 종류의 현대 무용이 존재합니다.

배경
역사가들은 미국과 유럽의 사회 경제적 변화가 댄스 세계에서 교대를 시작하는 데 도움이되었다고 제안 했음에도 불구하고 현대 무용은 흔히 고전 발레를 거부하거나 반란하는 것으로 간주되었다. 미국에서는 산업화의 증가, 중산층의 증가 (가처분 소득과 자유 시간이 증가), 빅토리아 사회 구조의 쇠퇴가 건강과 신체 건강에 새로운 관심을 불러 일으켰습니다. “이 무대에서 발레와의 불만에서와 같이 사회 구조의 거부로부터 새로운 춤이 나오기 시작했습니다.” 그 기간 동안 “체조 선수들은 현대 무용의 길을 준비하는 데 도움을 주었고 체조 연습은 춤을 갈망하는 젊은 여성을위한 기술적 출발점이되었습니다.” 여자 대학은 1880 년대 말에 “미적 춤”과정을 제공하기 시작했습니다. 에밀 라트 (Emil Rath)는 당시이 새로운 예술 작품에 대해 오랫동안 썼다.

“음악과 리듬 신체 운동은 동시에 존재하게되는 쌍둥이 자매입니다 … 오늘 우리는 Isadora Duncan, Maud Allan 등의 예술 작품에서 다른 사람들이 묘사하려는 춤의 사용을 봅니다 음악 마스터가 자신의 작곡에서 표현하는 무브먼트 – 해석 춤. ”

무료 댄스
1877 년 : Isadora Duncan은 중심이나 몸통, 맨발, 느슨한 머리카락, 자유로운 의상, 정서적 표현에 대한 유머의 결합에 대한 스트레스로 현대 무용의 전신이었습니다. 그녀는 고전 그리스 예술, 민속 춤, 사회 춤, 자연, 자연력, 그리고 뛰어 다니는 것, 달리는 것, 뛰는 것, 뛰는 것, 갑작스런 움직임과 같은 새로운 미국 육상 운동에 영감을 받았습니다. 그녀는 발레가 추악하고 의미없는 체조라고 생각했습니다. 그녀가 인생의 여러 시점에서 미국으로 돌아 왔지만 그녀의 일은 그다지 잘받지 못했습니다. 그녀는 유럽으로 돌아와 1927 년에 니스에서 사망했습니다.

1891 년 : Loie Fuller (버클리 스커트 댄서)는 가스 조명이 실크 의상에 미치는 영향을 실험하기 시작했습니다. 풀러 (Fuller)는 혁명적 인 조명 장비 및 반투명 실크 복장과 함께 사용 된 자연스러운 동작 및 즉흥 연주 기법을 개발했습니다. 그녀는 컬러 젤과 발광 화학 물질을 사용하여 무대 조명의 장치와 방법을 특허했으며 실크 무대 의상을 입혔습니다.

1905 : Ruth St. Denis, 배우 Sarah Bernhardt와 일본 댄서 Sada Yacco의 영향을 받아 인도 문화와 신화에 대한 번역을 발전 시켰습니다. 그녀의 공연은 빠르게 인기를 얻었고 동양의 문화 예술을 연구하는 동안 그녀는 광범위하게 여행했다.
유럽의 표현주의와 초기 현대 무용

유럽에서 Mary Wigman, Francois Delsarte, Emile Jaques-Dalcroze (Eurhythmics), Rudolf Laban은 인간의 움직임과 표현에 대한 이론과 유럽식 현대 표현주의 춤의 개발을 이끌어 낸 교수법을 개발했습니다. 다른 개척자로는 Kurt Jooss (Ausdruckstanz)와 Harald Kreutzberg가 있습니다.

급진적 인 춤
유럽의 대공황과 파시즘의 위협으로 인해 급진적 인 춤추는 사람들은 경제적, 사회적, 민족적, 정치적 위기를 극적으로 표현함으로써 의식을 높이려고 노력했습니다.

Hanya Holm, Mary Wigman의 학생이자 드레스덴의 Wigman School의 강사는 1931 년 Wigman Techniques, Laban의 공간 역학 이론을 소개하고 1931 년 Hanya Holm Studio가 된 New York Wigman School of Dance를 창립했습니다. 자신의 춤 기법을 미국 현대 무용에 적용합니다. 탁월한 안무가 인 베닝 턴 (Bennington, 1934)은 미국 최초의 댄스 페스티벌 (American Dance Festival) 창립 작가였습니다. Holm ‘s dance work 메트로 폴리탄 데일리 (Metropolitan Daily)는 NBC에서 방송되는 최초의 현대 무용 작곡이었고 Kate Me에 대한 labanotation 점수는 Kate (1948)가 미국에서 저작권이있는 최초의 안무이었다. Holm은 콘서트 댄스와 뮤지컬 공연 분야에서 광범위하게 안무를 맡았습니다.

Anna Sokolow-Martha Graham의 학생이자 Sokolow의 Louis Horst 학생이 자신의 무용단을 만들었습니다 (1930 년경). 극적으로 현대의 이미지를 제시하면서, Sokolow의 작곡은 일반적으로 추상적이어서 흔히 인간의 움직임의 시간과 진실의 긴장과 소외를 반영하는 인간 경험의 전체 스펙트럼을 보여줍니다.

호세 리온 (José Limón) – 1946 년, 도리스 험프리 (Doris Humphrey)와 찰스 위드 먼 (Charles Weidman)과 함께 공부하고 공연을 한 후, 캄프만 (Humphrey)과 함께 자신의 회사를 예술 감독으로 설립했습니다. 그녀의 멘토링 아래서 Limon은 그의 무용단 The Moor ‘s Pavane (1949)을 만들었습니다. Limón의 안무 작품과 기법은 현대 무용 연습에 강한 영향을 미치고 있습니다.
Merce Cunningham – Martha Graham과 함께했던 전 발레 학생이자 연주자 인 그는 1944 년 존 케이지 (John Cage)와의 첫 번째 뉴욕 개인 콘서트를 선보였다. Cage의 영향을 받아 포스트 모더니즘 프로세스를 사용하여 현대주의 이데올로기를 받아 들인 커닝햄은 기회 절차와 안무 및 커닝햄 기술 20 세기 무용 기술의 대포에. Cunningham은 포스트 모던 댄스의 씨앗을 비선형, 비클 라마틱, 비 심리학 추상 작품으로 설정했습니다. 이 작품들에서 각 요소는 그 자체로 표현력이 풍부하고 관찰자 (대부분은)가 의사 소통하는 것을 결정한다.

Erick Hawkins-George Balanchine의 학생 인 Hawkins는 솔로이스트이자 Martha Graham의 댄스 회사에서 첫 번째 남성 댄서가되었습니다. 1951 년, 운동 과학의 새로운 분야에 관심이있는 호킨스는 자신의 학교를 개설하고 대부분의 신체적 춤 기술의 선구자 인 자신의 기술 (호킨스 기술)을 개발했습니다.

Paul Taylor-Juilliard School of Music 및 코네티컷 대학 댄스 스쿨 학생. 1952 년 American Dance Festival에서의 연주는 여러 주요 안무가의 주목을 끌었습니다. Merce Cunningham, Martha Graham 및 George Balanchine의 회사에서 (그 순서대로) 수행하면서 그는 1954 년에 Paul Taylor Dance Company를 설립했습니다. 일상적인 제스처와 현대주의 이데올로기의 사용은 그의 안무의 특징입니다. Paul Taylor Dance Company의 전 구성원은 Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner 및 Senta Driver를 포함했습니다.

Alany Nikolais-Hanya Holm 학생. Nikolais가 Masks, Props, Mobiles (1953), Totem (1960), Count Down (1979)과 같은 작품에서 멀티미디어를 사용하는 것은 다른 안무가들과 비교할 수 없었습니다. 복잡한 소리와 세트로 좁은 공간과 의상에 무용수를 소개 할 때 그는 자신이 방해하는 장애물을 극복하는 물리적 인 작업에 집중했습니다. 니콜라스는 댄서를 자기 표현의 예술가가 아니라 물리적 공간과 운동의 특성을 조사 할 수있는 재능으로 보았다.

유럽 ​​학교

1 세대 : 유럽 개척자

철학자와 사상가

François Delsarte (프랑스어, 1811-1871)
그는«표현 체조»(Bode) 또는 나중에«리듬 체조»라는 이름으로 현대 무용을위한 영감을주었습니다. 그는 영적인 상태가 신체의 태도와 움직임을 통해서만 표현 될 수 있다는 것을 단언합니다. 기술에 대한 관심은 이전 기술보다 훨씬 큽니다. 몸을 세 가지 변수 영역으로 나눕니다.

하체는 힘을 표현한다.
몸통과 팔은 영적이고 감정적 인 표현입니다.
그리고 머리 – 목, 제스처는 정신 상태를 반영합니다.
그의 아이디어는 미국으로 옮겨졌다. Genevieve Sebbins와 함께 Steele Mackaye가 제자 중 한 사람에게 퍼뜨려 뉴욕의 최고의 학교를위한 아이디어를 전파했습니다.

유럽에서 그는 세브 빈스의 학생 인 헤드 위그 칼 마이어 (Hedwig Kallmeyer)가 아이디어를 보급합니다. 1930 년에 그녀는 독일에서 표현적이고 문화적인 문화 연구소 (Institute of Expressive and Corporal Culture)를 창립했으며, 이곳에서 델 사르 테 (Delsarte) 시스템을 여성 체육의 한 형태로 가르치고 있으며,이를 통해 그녀는 학교에 그녀의 입학을 성취합니다. 또한 전통적인 체조 운동에 대한 반응 인 미용 및 건강을 발행합니다.

Delsarte는 다음과 같은«조화로운 운동의 법칙»을 개발합니다.

조화 자세의 법칙 : 균형 잡힌 자연스러운 위치는 그리스 동상의 완벽한 휴식 위치입니다.
반대 운동의 법칙 : 모든 운동은 평형 원리에 의해 다른 부분의 반대 운동을 요구한다.
고조파 기능의 법칙 : 근력은 근육의 크기와 직접적으로 관련이 있어야합니다.

Emile Jaques-Dalcroze (스위스, 1865-1950)
그는 리듬 체조의 창시자였습니다. 그는 다재다능한 사람이었습니다. 음악가, 안무가, 배우, 작곡가 및 교육자입니다. 그의 음악적 지식과 육체적 지식은 사람의 발달을 위해이 두 가지 활동을 배우는 필요성을 깨닫게했으며, 여기에서 신체 운동을 통해 음악 리듬의 법칙을 조사하기 시작했습니다.

제네바 음악원 (Geneva)의 솔 페지 오 (Solfeggio) 학생들이 관찰 한 내용은 리듬 체조의 근원이었습니다.

그는 어떤 사람들은 정상적으로 청중 적으로 진행되었다고 관찰했다. 그러나, 그들은 소리, 지속 감과 연속의 리듬을 측정하는 능력이 부족했습니다.
그는 음악의 결과로 신체의 특정 부분의 비자발적 인 움직임 (예 : 발로 땅바닥에 쳐짐)에 종종 반응하여 음향학과 더 높은 신경계 사이에 어떤 관계가있을 수 있다고 추측했습니다.
모든 어린이들이 같은 방식으로 반응 한 것은 아닙니다. 많은 사람들이 자신의 움직임을 조정할 수 없으며 신경질적인 지시 본문에 올바르게 응답하지 않습니다.

이러한 관찰을 바탕으로 그는 다음과 같이 결론 내렸다.
음악에서 역동적이고 역동적 인 모든 것은 귀뿐만 아니라 만져도됩니다.
그는 순수 청각 음악이 불완전하다고 생각했다.
음악 부정맥은 일반적인 부정맥의 결과입니다.
내면의 고조파 음악적 상태가없이 음악적 하모니를 생성하는 것은 불가능합니다.
Dalcroze 방법은 리듬과 움직임을 통한 음악 교육 방법입니다. 그것은 음악 표현을위한 통합되고 자연스러운 느낌을 개발하기 위해 음악 개념을 언급하는 비유로 다양한 움직임을 사용합니다. 그의 방법으로 그는 리듬, 솔 피지 및 즉흥 연주라는 세 가지 핵심 요소를 지적합니다. 그 목적은 학생의 인식, 인식 및 행동 능력을 조화시키는 데 있습니다. 그것은 어린이의 신경 반응을 조절하고, 반사 신경을 발달시키고, 일시적인 자동화 작용을 제공하고, 억제력에 맞서 싸우고, 감수성을 다듬고, 역동 성을 강화시키는 것을 목표로합니다.

Dalcroze 리듬은 그 자체로 예술이 아니라 다른 예술에 도달하는 수단 또는 도구입니다. 그의 기여는 혁명적이었습니다. 개인 개발에서 음악의 중요성을 지적하고 나중에 음악 치료법의 시작을 표시 한 것은 처음이었습니다.

사용 된 작업 내용은 다음과 같습니다.

물리적 재조정 연습
마음 교육을위한 운동
활발한 연구와 신체 리듬의 창조자.
활발한 연구와 음악 리듬의 창조자.

기술 제작자

루돌프 라반 (헝가리, 1879-1958 년)
운동을 이해하는 데 필수적인 과학에 관심이있는 그는 수학, 물리학, 화학, 해부학 및 생리학을 전공했습니다. 그는 자연과 재배 활동을 찾아 전 세계를 여행했습니다. 발레가 가장 큰 관심을 끌었다. 그는 “포인트”의 선언적 적이었고, 표현적인 제스처가 Isadora Duncan과 같은 라인에서 영혼과 몸을 완전히 해방시켜야한다고 믿었습니다.

라반은 세 가지 시스템을 정의하는 움직임과 춤의 개념을 정교하게 해석합니다.

Labanotation : 그것은 상징을 통해 움직임을 기억하는 방법입니다. 그것은 움직임, 역 동성, 공간 그리고 모든 신체 활동의 기록되고 신뢰할 수있는 언어의 기술을 확립합니다.
20 면체 기술 : 댄스 학생들이 이동하는 지점을보고 이동의 정확도를 향상시킬 수 있습니다.
표현적이고 자유로운 창조적 인 춤 또는 현대 교육 춤 : 움직임에 영향을 미치고 잉태하는 방법에 대한 연구 및 반성을위한 지침으로 봉사 할 목적으로 운동에 대한 일련의 원칙과 개념을 수립합니다. 이런 방식으로, 개인은 특정 주제에 기초하여 운동을 탐구하고 익숙해 져야하며, 자신의 기술을 발견하고 자신의 신체 언어를 개발해야합니다.
라반의 경우, 춤은 개인이나 그룹의 체현 적 표현의 형태이며, 각자는 자신의 춤을 가지고 있습니다. 그러한 이유 때문에 같은 사람의 기술이 자신의 성격을 강화시키는 행동의 다양한 가능성을 촉진시켜야합니다.

현대 무용 세션에는 다음 요소가 포함될 수 있습니다.

신체 훈련 : 신체 및 신체 조건.
운동 연구 : 그것은 세션의 중심입니다. 경험과 일련의 개인 및 집단 운동이 경험됩니다.
작문 : 이전에 작업 한 주제의 도메인을 확인합니다.
의식적인 관찰 : 비판적 정신에 찬성하는 이전 작곡의 관찰, 적극적 또는 수동적 휴식.

라반의 다른 공헌 내용은 다음과 같습니다.

움직임의 합창단 : 감정을 표현하기 위해 여러 명의 댄서가 동일한 움직임을 강조하는 특징이 있습니다.
4 가지 측면에서 그것들을 고려한 움직임 기술 :
시간 : 당신은 속도와 느린 속도와 두 가지 사이의 변화 (가속과 감속)에 관심이 있습니다.
무게 : 운동을 강하고 가벼운 것으로 간주하십시오. 시간과 무게의 요소는 움직임에 역동적 인 품질을 부여합니다.
공간 : 그것은 우리가 움직이는 방향과 우리가하는 방향 모두에 관련됩니다.
흐름 :이 요소는 전체 움직임을 관통하고 정지되거나 유지되는 감각을 부여합니다.

Mary Wigman (독일어, 1886-1973)
RV Laban의 제자는 “창조적 인 직감”의 요소로 기여합니다. 댄서의 직업이 직업이라고 생각하십시오. 그는 무용수의 훈련에 영향을 주어 자신의 학교를 만들었습니다. 현대 체조의 진화에 대한 그의 영향은 몸짓의 과장된 표현과 수축과 이완의 전환, 역동적 인 움직임과 쾌활한 리듬으로 변화하는 긴장되고 긴장된 지속적인 태도를 기반으로합니다. 그는 춤을 가르치고 훈련하는 데 여러 단계를 사용합니다. 즉, 반주가없는 춤의 일부인 드럼을 타는 타악기를 소개하고 마지막으로 음악이 도착합니다.

커트 조스 (Kurt Jooss, 1901-1979)
그는 독일어 교사, 댄서 및 안무가였습니다. 루돌프 라반 (Rudolf Laban)과 함께 무용을 공부 한 후 그는 학교와 그의 회사 인 Ballets Jooss를 설립했습니다. 그는 1930 년 에센 (Essen)의 오페라 하우스에서 무용 선생이되었으며, 그 곳에서 발레 The Green
2 세대
헤럴드 크로이츠 버그
그레트 팔루카
베라 스코 넬
도아 호이어
Sakharov : Alexandre Sakharov와 Clotilde von Derp

3 세대
냉전의 중간에, 고전 – 현대 무용은 다른 유럽 국가에서 매우 다른 방식으로 발전했습니다. 라반 (Laban)과 메리 위그먼 (Mary Wigman)의 영향력은 수많은 예술가들과 학교를 만들지 못하는 안무가들에게 통역되고 있습니다. 지정학 (유럽은 “철의 장막”으로 나뉘어 짐)으로서의 경제적 상황 (유럽은 두 번의 전쟁에서 회복)도 학교의 창설이나 무용의 안정된 운동을 선호하지 않습니다.

프랑스, 스페인, 스웨덴, 독일, 오스트리아의 Modern Dance에서 다양한 북미 안무가와 교육가를 설립하는 것도 중요합니다. Graham, Limón, Horton 및 Cunningham 기술의 보급은 현재 유럽 무용의 미래 발전에 중요 할 것입니다.

미국에서

미국의 초기 현대 무용
1915 년 Ruth St. Denis는 남편 인 Ted Shawn과 함께 Denishawn 학교와 댄스 회사를 설립했습니다. 세인트 데니스 (St. Denis)는 창의적인 작업의 대부분을 담당했으며 숀 (Shawn)은 교수법과 작곡을 담당했습니다. Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman은 학교의 모든 학생들과 댄스 회사의 회원이었습니다. Duncan, Fuller, Ruth St. Denis 모두 유럽을 여행하면서 풀러의 작품을 유럽 전역에서 거의 지원받지 못했습니다. 세인트 데니스 (St. Denis)는 그녀의 일을 계속하기 위해 미국으로 돌아왔다.

마사 그레이엄은 종종 현대의 20 세기 콘서트 댄스의 창립 어머니로 여겨지고 있습니다. 그레이엄은 발레를 너무 일방적 인 것으로 보았다 : 유럽인, 제국주의 자, 비 미국인. 1916 년 Denishawn 학교에서 학생이 된 후 1923 년 뉴욕으로 이주하여 뮤지컬 코미디, 음악 홀에서 공연을했으며 자신의 안무를 맡았습니다. 그레이엄은 자신의 댄스 기술 인 그레이엄 기술을 개발하여 수축과 방출의 개념에 중점을 두었습니다. Graham의 가르침에서, 그녀는 학생들이 “느끼기”를 바랐다. “느끼기”란 바닥에 접지한다는 인식을 높이는 동시에 몸 전체에 에너지를 느끼고 청중에게 신호를 보내는 것입니다. 그녀의 주요한 춤 기고는 신체의 ‘중심'(발레가 사지에 중점을 두는 것과 대조적으로), 호흡과 움직임 사이의 조화, 댄서와 바닥과의 관계에 중점을 둡니다.

1923 년 : 그레이엄은 그리니치 빌리지 졸리의 솔로 아티스트로 활동하기 위해 데니 숀을 떠난다.
1928 : Humphrey와 Weidman은 Denishawn을 떠나 자신의 학교와 회사를 설립했습니다 (Humphrey-Weidman).
1933 년 : Shawn은 매사추세츠의 Becket에있는 Jacob ‘s Pillow 농장을 기반으로 한 모든 남성 댄스 그룹 Ted Shawn과 그의 Men Dancers를 발견했습니다.
교사의 기술과 구성 방법을 흘린 후 초기 현대 무용수는 현대 무용 연습의 기초가 된 자신 만의 방법과 이데올로기 및 춤 기법을 개발했습니다.

마사 그레이엄과 루이스 호르스트

도리스 험프리와 찰스 위드 먼
Helen Tamiris는 원래 자유 운동 (Irene Lewisohn)과 발레 (Michel Fokine)에서 훈련을 받았으며 Tamiris는 Isadora Duncan과 간략하게 공부했지만 개인 표현과 서정시 동작에 중점을두고 싫어했습니다. Tamiris는 각각의 춤은 그 자체의 표현 방법을 만들어야하고 개인 스타일이나 기법을 개발하지 않아야한다고 믿었습니다. 안무가 Tamiris는 콘서트 댄스와 뮤지컬 공연 모두에서 미국 테마를 기반으로 한 작품을 만들었습니다.

Lester Horton – 캘리포니아 (현대 무용의 중심지 인 뉴욕에서 3,000 마일 떨어진 곳)에서 근무하기로 결정한 Horton은 아메리카 인디언 무용과 현대 재즈를 포함한 다양한 요소를 통합 한 자체 접근 방식을 개발했습니다. Horton의 댄스 기술 (Lester Horton Technique)은 표현의 자유를 허용하는 유연성, 힘, 조정 및 신체 인식을 포함한 전신 접근법을 강조합니다.

대중화
1927 년에 월터 테리 (Walter Terry)와 에드윈 데논 (Edwin Denby)과 같은 무용 비평가들이 음악이나 드라마의 평론가가 아닌 운동 전문가의 관점에서 접근하기 시작한 신문이 정기적으로 나왔다. 교육자들은 현대 무용을 대학 및 대학 커리큘럼으로 받아 들였는데 처음에는 체육 교육의 일부 였고, 다음은 공연 예술이었다. 많은 대학 교사들은 1934 년 Bennington College에서 설립 된 Bennington Summer School of Dance에서 교육을 받았습니다.

Bennington 프로그램 중 Agnes de Mille은 “모든 종류의 예술가, 음악가 및 디자이너가 잘 어울리고 두 번째로 대륙 전역에 걸쳐 대학 콘서트 시리즈를 예약하는 책임자가 모두 모 였기 때문에 둘째. … 유럽의 고객들을 선호하는 세 가지 독점적 경영자의 제한적인 제약으로부터 자유로 워야합니다. 결과적으로 미국 무용단이 전국적으로 미국을 여행하기 위해 고용 된 것은 처음으로 그들의 지급 능력의 시작이었습니다. ”

아프리카 계 미국인 현대 무용
현대 무용의 발전은 아프리카 계 미국인 댄스 아티스트의 공헌을 순수 모던 댄스 작품으로 만들 었는지 또는 아프리카와 카리브해의 영향으로 모던 댄스를 혼합했는지에 관계없이 받아 들였습니다.

캐서린 던햄 (Katherine Dunham) – 아프리카 계 미국인 무용가이자 인류 학자. 원래 발레 댄서였던 그녀는 1936 년에 그녀의 첫 번째 회사 인 Ballet Negre를 설립했으며 이후 일리노이 주 시카고에있는 Katherine Dunham Dance Company를 설립했습니다. 던햄은 1945 년 뉴욕에 학교를 오픈하여 뉴욕에서 발레와 현대 무용 기술로 융합 된 아프리카와 카리브 운동 (유연한 몸통과 척추, 관절부 골반, 팔다리 분리, 폴리 리듬 운동)을 혼합 한 캐서린 던햄 기법을 가르쳤습니다. .

Pearl Primus – 댄서, 안무가, 인류 학자 인 Primus는 아프리카와 카리브 해의 댄스를 통해 공기 중에 크게 도약하는 강한 극적인 작품을 창작했습니다. Primus는 종종 흑인 작가의 작품과 인종 및 아프리카 계 미국인 문제에 대한 그녀의 춤을 기반으로합니다. Primus는 Langston Hughes The Negro가 Rivers (1944), Lewis Allan의 Strange Fruit (1945)에 기반한 작품을 만들었습니다. 그녀의 댄스 컴퍼니는 아프리카 계 미국인, 카리브해 및 아프리카의 영향에 현대 무용 및 발레 기법을 혼합하는 방법을 가르치는 Pearl Primus Dance Language Institute로 발전했습니다.

Alvin Ailey – Lester Horton, Bella Lewitzky 및 Martha Graham 학생 인 Ailey는 수년간 콘서트 및 연극 무용 작업을했습니다. 1958 년 Ailey와 젊은 아프리카 계 미국인 댄서 그룹이 뉴욕의 Alvin Ailey American Dance Theatre로 공연했습니다. Ailey는 텍사스의 “혈액 기억”, 영감과 복음, 영감과 영감을 받았다. 그의 가장 유명하고 비판적으로 유명한 작품은 계시록 (1960)입니다.

현대 무용 유산
현대 무용의 유산은 20 세기 콘서트 댄스 양식의 계보에서 볼 수 있습니다. 다양한 댄스 형식을 종종 만들어 내지만 많은 정형 무용 예술가들은 자유로운 춤으로 거슬러 올라갈 수있는 공통의 유산을 공유합니다.

포스트 모던 댄스
포스트 모더니즘 댄스는 1960 년대 미국 사회에서 정치와 예술의 진리와 이데올로기에 의문을 제기했을 때 개발되었습니다. 이 기간은 예술에 대한 사회적, 문화적 실험으로 나타났습니다. 안무가들은 더 이상 특정 ‘학교’또는 ‘스타일’을 만들지 않았습니다. 서로 다른시기의 춤의 영향은 더욱 모호 해지고 단편적으로 변했습니다. 포스트 모던 댄스가 음악을 거의 또는 전혀 연주하지 않는 것이 일반적입니다.

현대 무용
1950 년대 현대 무용 요소와 고전 발레 요소를 결합한 무용 형식으로 현대 무용이 등장했습니다. 1950 년대에 개발 된 일본의 현대 무용 인 부토 (Butoh)와 같은 무형의 무릎을 쓴 아프리카 무용과 같은 비 서구 무용 문화 요소를 사용할 수 있습니다. 시적이고 일상적인 요소, 파선, 비선형 운동, 반복 같은 현대 유럽 주제에서도 파생됩니다. 많은 현대 무용수들이 주어진 발라드의 기술적 측면을 따라 가기 위해 고전 발레에서 매일 훈련을받습니다. 이 댄서들은 효율적인 신체 운동, 공간 활용, 세부 사항에 대한주의를 따르는 경향이 있습니다. 오늘날 컨템포러리 무용에는 대중 문화와 TV 쇼에 의해 선이 흐려져 콘서트 댄스와 상업 댄스가 모두 포함됩니다. 트레버 베팅 하우스 (Treva Bedinghaus)에 따르면 “현대 무용수는 자신의 내면의 감정을 표현하기 위해 춤을 사용하여 종종 자신의 내면에 더 가까이 다가 가기도합니다. 일상적인 안무를하기 전에 현대 무용수는 어떤 감정을 청중에게 전 해주는 지 결정합니다. 잃어버린 사랑이나 개인적인 실패와 같은 그들의 마음에 가까운 주제를 선택하십시오. 댄서는 이야기하고자하는 이야기와 관련된 음악을 선택하거나 전혀 음악을 사용하지 않기로 선택한 후 의상을 선택합니다. 그들의 선택한 감정을 반영합니다. “