스페인 바르셀로나의 근현대 미술

바르셀로나의 문화적 유산은 엄청납니다. 이 도시는 오늘날 세대에 영감을 준 문화 및 예술 작품과 밀접하게 연결된 과거를 가지고 있습니다. 20 세기는 사회적, 정치적, 경제적, 기술적, 문화적 변화의 시대였습니다. 카탈로니아는 스페인 남북 전쟁의 극적인 사건과 프랑코 독재의 억압을 통해 살았습니다. Generalitat의 전환과 복원과 새로운 자율성 법령은 최근 몇 년 동안 카탈로니아 문화를 활성화 할 것입니다.

전환기 동안 스페인의 정치적 상황은 예술적 파노라마를 다른 나라와 다르게 만듭니다. 팝아트 나 초현실주의와 같은 움직임은 여기에서 큰 반향을 일으키지 않습니다. 제 2 공화국 당시 카탈로니아는 유럽 건축의 최전선에있었습니다. 퇴폐적 인 신고전주의에서 유럽의 합리주의로. 현대 건축의 진보를위한 카탈로니아 예술가 및 기술자 그룹은 공간의 합리적 사용을 옹호하고 특정 기능적 정당화없이 건설적인 요소를 경멸했습니다. 내전 후 프랑코 정권의 공식 예술을 강요하려는 시도에도 불구하고 50 년대에는 Coderch, Bohigas 및 Martorell, Bofill, Moragas, Sostres, Busquets 및 Sert와 같은 제작자가 등장합니다. 문화적 억압과 프랑코의 관습주의에 직면하여 일련의 아방가르드 플라스틱 예술가들은 특정 비공식주의로 진화하고 있습니다. 추상적 유형의 현재. 이들은 Tàpies, Tarrats, Ponç 및 Hernàndez Pijuan입니다. 나중에 Guinovart의 작업에 반영된 것처럼 형상으로 돌아갑니다.

누 센티스 메
20 세기는 Enric Prat de la Riba가 옹호 한 카탈로니아주의 옹호에 대한 정치적 이념과 병행하여 새로운 세기 xx에 생산 된 혁신에 접근하는 카탈루냐 문화를 갱신하려는 시도입니다. 운동의 주요 이론가는 La Veu de Catalunya 신문에서 세기 초에 젊은 카탈로니아 제작자의 작품을 칭찬하는 일련의 기사를 썼던 Eugeni d ‘Ors가 될 것입니다. 모더니즘이 옹호하는 북유럽 가치와는 달리 Noucentisme는 지중해 세계로 돌아가 고전적인 그레코-라틴 문화로 돌아 왔습니다.

Noucentista 아키텍처는 종종 모더니스트와 공존하고 혼합되며, 역사주의와 고전주의 경향이 지속됨에 따라 그 경계를 엿보기가 어렵습니다. 하이라이트에는 Josep Goday (바르셀로나 우체국 건물, 1926-1927), Nicolau Maria Rubió i Tudurí (Montjuïc 정원 및 Pedralbes 왕궁, Montserrat de Pedralbes 성모 교회), Josep Francesc Ràfols (하우스 Méndiz , Vilanova i la Geltrú, 1925), Francesc Folguera (바르셀로나, Sant Jordi의 집, 1928-1932), Cèsar Martinell (El Pinell de Brai의 포도주 양조장, 1917), Rafael Masó (Farinera Teixidor, 1910, Masó 집, 1911) .

주목할만한 이정표는 Josep Puig i Cadafalch의 일반 프로젝트와 함께 Montjuïc 산 주변의 도시화를 포함하는 1929 년 바르셀로나 국제 전시회였습니다. 전시회를 위해 몬 주익 국립 궁전 (현재 MNAC 본부)과 올림픽 경기장, 카를 레스 부이 가스 매직 분수, 그리스 극장, 포 블레 에스파뇰과 같은 건물이 지어졌습니다. 그는 또한 합리주의의 걸작 인 Ludwig Mies van der Rohe의 작품 인 독일 파빌리온을 강조했습니다.

이 그림은 Palau de la Generalitat (1913-1917)의 Sant Jordi 홀의 벽화와 같은 냉정한 고전주의 작품의 저자 인 우루과이 예술가 Joaquim Torres-Garcia의 그림에서 첫 번째 참조를 가지고 있습니다. Cézanne의 그림과 그의 구조 감각, 그리고 입체파에 영향을받은 Joaquim Sunyer는 전통과 현대를 완벽하게 결합한 그림의 비전을 제공했습니다. Josep Maria Sert는 Goya의 영향을 받아 개인적이고 바로크적이고 웅장한 스타일로 자신을 액자 화하여 국제적으로 매우 성공적인 벽화를 만들었습니다. Xavier Noguéshe는 카탈로니아 포퓰리즘을 반영한 이상화 벽화로 구현 된 아이러니 한 세계의 창조자였습니다. Josep Aragay는 사실적인 캐릭터의 작품을 만들었지 만 특정 바로크 풍미를 가졌습니다. Francesc d ‘와 같은 인물로 포스터, 판화 및 목판화도 개발되었습니다.

이 조각품은 지중해 공기의 단단하고 콤팩트 한 비 유적 작품의 저자 인 Josep Clarà의 뛰어난 인물을 가지고 있습니다 (The Goddess, 1908-1910; Youth, 1928). Roussillon의 Aristello Maillol은 강력한 여성 인물을 만듭니다 (Mediterrània, 1902-1905). Manolo Hugué는 고전주의와 원시주의를 혼합 한 스타일을 가지고 있습니다 (Bacant, 1934). 다른 뛰어난 조각가로는 Frederic Marès (바르셀로나 공물, 1928), Enric Casanovas (Monument to Narcís Monturiol, 1918), Julio Antonio (Tarragona to the heroes of 1811, 1910-1919), Apel • les Fenosa (Guitarist, 1923) 등이 있습니다. . 또한 당시 최고의 조각가들이 참여한 1929 년 국제 전시회를 위해 카탈루냐 광장에서 수행 된 공동 프로젝트에 주목할 가치가 있습니다.

이 당시 특히 중요한 것은 가구, 보석, 태피스트리, 도자기, 스테인드 글라스 등과 같은 분야에서 생산되는 작품에서 분명한 아르 데코 스타일과 관련된 디자인이었습니다.

아방 가르 디즘
카탈로니아가 유럽의 예술 운동을 인식 한 1 차 세계 대전과 남북 전쟁 사이의 번영기 이후 전후시기는 문화적 쇠퇴의시기였습니다. 그럼에도 불구하고 카탈로니아 예술은 이론적, 기술적 또는 물질적 분야에서 예술 개념의 급진적 변화를 수반하는 아방가르드라고 불리는 다양한 운동과 연결됩니다. 연속적인 아방가르드 “isms”(입체파, 미래파, 다다이즘, 초현실주의, 표현주의 등)는 예술로 사회를 변화시키는 것을 목표로하며 사람들의 문화적 쇄신에 전념하는 프로젝트를 제안합니다. 추상 미술은 형상의 손실을 의미하여 세기 후반에 비공식 주의자 또는 무형의 경향을 제시했습니다.

Noucentisme을 갱신하려는 첫 번째이자 일시적인 시도는 1918 년 바르셀로나에서 설립되어 1919 년에 해산 된 Agrupació Courbet이었습니다. 그들은 프랑스 현실주의 화가 Gustave Courbet의 마스터라고 주장하며, 혁명적 태도를 달성하고자합니다. Josep Llorens i Artigas와 Josep Francesc Ràfols가 주도한 Joan Miró, Josep de Togores, Josep Obiols 및 Olga Sacharoff와 같은 이름이 나타났습니다.

건축에 관해서는 1929 년에 GATCPAC 그룹 (카탈로니아 인 현대 건축의 진보를위한 카탈로니아 예술가 및 기술자 그룹)이 스페인에 새로운 흐름을 도입 할뿐만 아니라 Noucentista 고전주의의 새롭고 해방적인 의지로 바르셀로나에 등장했습니다. 합리주의의 국제적 파생물. 불행히도 그의 작업은 남북 전쟁 발발로 인해 중단되었습니다. 하이라이트로는 스페인에서 합리주의를 시작한 르 코르뷔지에의 제자 인 Josep Lluís Sert; 그는 현재 바르셀로나에서 재건 된 1937 년 파리 만국 전람회를위한 공화국 파빌리온의 저자였으며, 현재 바르셀로나에서 재건되어 Guernicaof Picasso와 Central Antituberculosis Dispensary (1934-1938, Josep Torres i Clavé와 함께) 및 미로 재단 (1972).

이 조각품은 국제적으로 유명한 두 예술가의 작품으로 전적으로 선두를 달리고 있습니다. Noucentisme에서 시작된 Pau Gargallo는 금속 조각품, 강력한 표현주의 및 특정 도식과 원시 주의적 분위기를 만들었습니다 (Gran Ballarina, 1929, The Prophet, 1933); Juli González는 용접 철을 사용하여 거의 추상적 인 형태에 접근했습니다 (Woman combing her hair, 1932, L’ home cactus, 1939).

초현실주의
1920 년대 프랑스에서 예술적 창조의 환상과 무의식에 대한 주장으로 등장한 카탈로니아에서는 비 유적 초현실주의를 대표하는 살바도르 달리와 더 추상적 인 초현실주의에 기인 한 조안 미로라는 두 가지 큰 이름을 부여합니다. Dalí는 완벽한 기술과 환상적이고 섬뜩한 개인 세계의 재현과 강력한 심리적 성찰 (The Persistence of Memory, 1931; The Angelus of Gala, 1935; Soft Self-Portrait, 1941)을 결합하여 나중에보다 현실적인 스타일로 진화했습니다. 종교적, 과학적 영향 (Madonna de Port-Lligat, 1948; Atomic Leda, 1949). Miró는 작은 인물로 가득한 마법적이고 꿈 같은 세계를 창조했으며,이를 통해 현실을 분해하고 분석하는 새로운 방법을 모색하여 물체와 공간 간의 새로운 관계를 보여주었습니다 (Terra llaurada, 1924; Carnestoltes d’ Arlequí, 1925;

조각에서는 Dalí와 Miró 자신의 작품 외에도 ADLAN 그룹 (Friends of New Art)의 활동이 눈에 띄었습니다. 1932 년 미술 평론가 Sebastià Gasch가 설립하여 Dadaist를 기반으로 한 조각 언어를 갱신하는 것을 목표로합니다. 미국 조각가 Alexander Calder의 영향을받은 초현실주의 원칙. Àngel Ferrant, Eudald Serra 및 Ramon Marinello는 그들의 계급에서 두드러졌습니다.

세트에 제공
전쟁과 그에 따른 많은 예술가들의 망명과 프랑코 독재에 의한 억압으로 인한 문화적 위기 이후, 1940 년대 후반에 개인 갤러리에서 전시회와 Maillol Circle과 같은 문화 운동으로 카탈루냐 예술계가 다시 표면화되기 시작했습니다. Dau al Set를 결성 한 그룹을 포함하여 새로운 세대의 젊은 예술가들이 등장했습니다. 1948 년 같은 이름의 잡지를 중심으로 만들어져 1956 년까지 출판되었지만 1951 년부터 해체 된 것으로 간주 될 수 있습니다. Antoni Tàpies가 구성했습니다. 겸손한 Cuixart, Joan Brossa, Joan Josep Tharrats, Joan Ponç 및 Arnau Puig는 유럽의 흐름과 처음으로 연결되어 특정 마법의 초현실주의에서 다소 추상적 인 비공식주의로 진화하는 예술을 만듭니다. (Joan Ponç의 경우 제외) ,

비공식주의
전후 운동은 Umberto Eco가 공식화 한 “공개 작업”이라는 개념에 따라 더 나은 개념적 자유와 시청자와의 새로운 연결을위한 형식의 거부를 의미했습니다. 일반적으로 작품의 색상과 소재가 돋보이는 추상적 인 작품입니다. Antoni Tàpies는 국제적으로 유명한 화가이자 전후 스페인 예술의 첫 번째 위대한 혁신 가로 눈에 띄었습니다. “재료 회화”의 주요 대표자이자 작은 상징적 형상을 가진 성찰적 작품의 저자 인 “Zoom, 1946” 십자가의 수, 1947; 백색 타원형, 1957).

겸손한 Cuixart는 재료 페인팅과 제스처 페인팅을 결합하여 오일을 금속 파일링과 혼합하여 작품에 빛을 발했습니다 (Omorka, 1958). Josep Guinovart는 때때로 불에 의해 변형되는 재료의 혼합물로 대형 그림을 만듭니다 (Ávila, 1963; Christ of the Glories, 1968). Albert Ràfols Casamada는 거의 무색 인 크고 매끄럽고 거친 표면의 그림을 그린 타키 즘에 자신을 돌렸다 (Tribute to Schönberg, 1963). Joan Hernandez Pijuanit은 강한 사회적 책임을 지닌 포스트 입체파 표현주의 스타일을 가지고 있습니다 (Painting, 1959).

이 조각품은 전쟁 이전의 아방가르드 정신을 되찾고 혁신적인 표현 형태를 찾고 새로운 재료로 실험을 시도합니다. 이 세대의 예술가들과 새로운 스타일의 보급 센터는 Saló d’ Octubre가 될 것이며 Domènec Fita, Manuel Cusachs, Salvador Aulèstia, Moisès Villèlia 등과 같은 이름이 나타날 것입니다. Antoni Tàpies, Leandre Cristòfol 및 Josep Guinovart와 같은 예술가들도 조각에 전념했습니다.

현대 미술
1980 년대부터 특정 정상화가 시작되었으며, 당시 패션의 개념 예술에 자신을 돌린 아티스트가 등장했습니다. 예를 들어 Francesc Abad 또는 Jordi Benito는 강한 반사 하중으로 액션과 설치를 수행했습니다.

1980 년대 이후로 포스트 모던 트렌드가 등장했습니다. 이전 스타일의 재 해석은 아티스트에게 어떤 기술이나 스타일을 자유롭게 사용하고 개인적인 방식으로 변형 할 수있는 자유를 제공했습니다. 가장 큰 지수 중 하나는 바르셀로나에 뿌리를 둔 마요르카 예술가 인 Miquel Barceló입니다 (Big spanish dinner, 1985, L’ estació de les raines, 1990). Joan-Pere Viladecans는 종이 펄프와 공격적인 색상의 지원을 강조하면서 개인적인 그림을 그립니다 (나비의 전염, 1984). Ferran García Sevillahe는 생생한 색채 범위와 함께 원시 예술에 가까운 간판으로 가득 찬 비유적인 그림을 그립니다 (Cent 18, 1987).

조각에서 최근 몇 년간의 주요 이름은 Josep Maria Subirachs입니다. Noucentisme에서 형성되었으며 추상화로 끝나는 표현적이고 도식적 인 스타일로 진화했습니다. 그는 Passion of the Sagrada Família, Montserrat의 Ramon Llull 기념비 (1976), Barcelona의 Plaça de Catalunya에있는 Francesc Macià 기념비 (1991)의 파사드의 저자입니다. Valencian Andreu Alfaro는 비공식주의에서 시작하여 Antoine Pevsner (Paths of Freedom, 1963)에서 영감을받은 기하학적 구성주의로 진화합니다. 런던에서 훈련을받은 자비에르 코르 베로는 미니멀리즘에 가까운 기하학적 형태와 유기적 형태의 작품을 집필했습니다 (Piano, 1965). Susana Solano는 미니멀 한 조각에서 큰 차원과 강한 견고 함의 작품으로 진화하여 존재의 취약성을 증명하는 폐쇄 감을 반영합니다 (Sea of ​​Galilee, 1986).

건축에 관해서는 1950 년대 전후 위기 이후 카탈루냐 지중해 전통을 전위적인 국제적 흐름과 합성하는 R 그룹을 활성화하려는 새로운 시도가있었습니다. 그 구성원은 다음과 같습니다 : Josep Antoni Coderch, 대중적인 건축과 핀란드 건축가 Alvar Aalto의 작품에 영향을받은 지중해 캐릭터의 작품 (Trade building, 1966-1969); Park Hotel의 저자 Antoni de Moragas (1950-1954); Pallars Street에있는 주거용 건물의 저자 인 Oriol Bohigas (1955- 1960, Josep Martorell과 함께).

1960 년대와 1970 년대 사이에 소위 바르셀로나 학교가 탄생했습니다 – Bohigas가 제안한 이름에 따라 – 그룹 R의 상속인은 이탈리아의 신 현실주의에 기인합니다. 이것은 이탈리아의 신 현실주의에 기인합니다. 기능과 디자인에 특별히 중점을 둔 전통적인 재료의 사용. 여기에는 모니터 빌딩 (1969-1970)의 저자 인 Frederic de Correa와 Alfons Milà (팀을 구성)가 포함됩니다. 그리고 Banca Catalana (1965-1968)의 저자 인 Enric Tous와 Josep Maria Fargas.

1980 년대 건축은 절충주의 경향과 함께 역사적인 언어의 자유로운 사용으로 두드러지는 새로운 포스트 모던 트렌드에 기인했습니다. 그들은 카탈로니아 국립 극장 (1991 년-1996 년)의 저자 인 현재의 리 카드 보필 (Ricard Bofill)의 지수이다. 및 Òscar Tusquets (Girona의 Bank of Spain, 1981-1983; Sant Cugat Sesgarrigues의 Chandon 셀러, 1987-1990).

바르셀로나의 또 다른 깊은 변화는 1992 년 올림픽 게임의 계기가되었으며, 이는 Arata Isozaki의 Palau Sant Jordi, Bernat Picornell 수영장, 타워와 같은 건물로 올림픽 링을 세웠던 Montjuïc의 리모델링을 의미했습니다. Santiago Calatrava의 커뮤니케이션 및 Lluís Companys 올림픽 경기장 재활. 또한 주목할만한 것은 포 블레 노우의 올림픽 빌리지 건설로, 두 개의 큰 고층 빌딩 인 아트 호텔과 맵 프레 타워가 건설되었습니다. 마지막으로, 2004 년 세계 문화 포럼에서 Diagonal Mar에 준 충동.

공공 예술
바르셀로나 야외의 기념비와 조각 세트는 건축, 박물관 네트워크 또는 공원 및 정원 세트와 같은 다른 요소와 함께 카탈로니아 수도에 수여하는 훌륭한 공공 예술 샘플을 구성합니다. 스탬프는 바르셀로나의 주요 정체성 특징 중 하나로서 항상 예술과 문화에 전념해 왔습니다.

도시의 공공 예술 유산은 광범위하지만 공공 장소에 위치한 대부분의 기념물과 조각상은 19 세기부터 시작되었습니다. 공공 도로에 명시 적으로 보존 된 첫 번째 기념물은 1673 년에 지어진 Plaça del Pedró에있는 Santa Eulàlia 기념비입니다. 공공 예술로 간주되는 다른 이전 작품은 공공 건물의 정면에있는 틈새 내부에있는 분수 또는 동상이지만, 많은 경우 이후에 공공 자산이 된 사적위원회였습니다. 19 세기까지이 도시는 중세 성벽으로 둘러싸여 있었고, 도시는 군사 기지로 간주되어 성장이 제한되었으며 사용 가능한 작은 공간은 주로 인구의 일상 활동에 사용되었습니다.

주변 계획의 도시 확장을 선호하고 가장 큰 영토를 의미하는 Ildefons Cerdà가 준비한 Eixample 프로젝트에 반영된 성벽을 허물고 요새 도시에 기부하면서 상황이 바뀌 었습니다. 도시가 가진 확장. 카탈로니아 수도의 표면적에서 또 다른 중요한 증가는 19 세기 말과 20 세기 초 사이에 인접하는 여러 지방 자치 단체의 합병이었습니다. 이 모든 것은 새로운 도시 공간의 적응과 공공 도로에 대한 시립 예술위원회의 증가를 의미했으며, 이는 또한 1888 년의 유니버설 전시회 및 1929 년의 국제 전시회와 같은 도시에서 개최 된 다양한 행사에서 선호되었습니다. 1992 년 올림픽과 2004 년 세계 문화 포럼.

시설
지중해 도시인 바르셀로나는 문화 세계와 관련된 모든 분야를 아우르는 매우 광범위한 레저 서비스를 제공합니다. Gran Teatre del Liceu 또는 모더니스트 Palau de la Música Catalana와 같은 오페라 및 음악 전용 100 주년 극장, 훌륭하고 현대적인 강당, 조형 예술 전용 대형 기관, 가장 아방가르드 예술 센터, 공간이 있습니다. 아름다운 혁신과 가장 고전적인 극장 또는 아트 갤러리와 유산 예술 전용 공간을위한 것입니다.

바르셀로나 현대 미술관
MACBA라는 약어로도 알려진 바르셀로나 현대 미술관은 현대 미술 및 문화 관행 전시회에 전념하고 있습니다. 바르셀로나의 라발 지구에 위치하고 있으며 바르셀로나 현대 문화 센터에서 매우 가깝습니다. Generalitat de Catalunya에 의해 국가 관심 박물관으로 선언되었습니다. 2015 년부터 Ferran Barenblit가 감독을 맡았습니다.

MACBA 컬렉션은 박물관의 중추이며 20 세기 후반부터 현대 예술 창작의 기본 선의 궤적을 조사합니다. MACBA 컬렉션 컬렉션은 1950 년대 후반부터 현재까지 제작 된 5,000 개 이상의 작품으로 구성되어 있습니다.

이 컬렉션은 1997 년 6 월 19 일 카탈로니아 제너럴 리타 트, 바르셀로나 시의회 및 재단 현대 미술관 간의 MACBA 컨소시엄에 서명하면서 공식적으로 제작되었으며, 이전에 예치 된 모든 기금과 기증 된 다른 작품 세트를 통합했습니다. 또는 Sandra Álvarez de Toledo 또는 Telefónica 재단이 Onnasch Collection과 같은 다른 기관 또는 개인 수집가에 의해 기탁됩니다.

컬렉션은 유럽 팝아트 작품과 60 년대와 70 년대 아방가르드 작품을 통합하여 50 년대의 물질적 추상화로 시작됩니다. 또한 사진 조각과 미니멀리스트 조각의 귀환을 증언하는 작품도 있습니다. 80의 가장 최근 작품으로 끝납니다. 남미, 아랍 세계, 동부 국가의 예술가들에게 특별한 관심을 기울인 전 세계 예술가들의 작품을 통합합니다.

2007 년에 MACBA 연구 및 문서 센터가 설립되어 기존 컬렉션을 보완하는 수집의 측면을 개발했습니다.

그 후 2011 년 “La Caixa”재단과 박물관은 현대 미술 컬렉션에 합류하여 5,500 개의 작품을 소장했습니다. 이 조합의 결과로 2011 년 가을에는 Bruce Nauman, Cristina Iglesias, Antoni Muntadas 및 Xavier Miserachs와 같은 저명한 예술가들의 작품과 함께 Volume. 전시가 열렸습니다. 2012 년 초 빌바오 구겐하임 미술관에서 ‘거꾸로 거울’전시가 열렸습니다.이 전시는 두 단체의 52 명의 예술가가 만든 93 개의 작품으로 구성되어 있습니다.

카탈로니아 국립 미술관
약자 MNAC로도 알려진 카탈로니아 국립 미술관은 세계에서 가장 중요한 카탈로니아 미술 컬렉션을 보존하고 전시한다는 사명으로 모든 예술을한데 모은 바르셀로나시의 미술관입니다. 로마네스크에서 현재까지 모든 것을 보여주는 세계. 2019 년에는 837,700 명이 방문했습니다.

Generalitat de Catalunya, Barcelona City Council 및 General State Administration에 의해 설립 된 자체 법적 성격을 가진 컨소시엄입니다. 공공 행정 이외에도 협력하는 개인 및 민간 단체는 박물관 이사회에 대표됩니다. 현재 감독은 Josep Serra입니다.

박물관의 본부는 1929 년 국제 전시회를 계기로 개관 한 Palau Nacional de Montjuïc에 있습니다. 또한 전체 박물관 세 기관의 일부 : Vilanova의 도서관 박물관 Víctor Balaguer, Olot의 Garrotxa 박물관 및 시체스의 Museu Cau Ferrat의 관리는 독립적이며 소유권은 각 시청에 있습니다.

MNAC Modern Art Collection은 바르셀로나 시의회가 당시 현대 미술의 작은 컬렉션을 미술 궁전에 설치했을 때 1888 년 유니버설 전시회에서 탄생했습니다. 컬렉션은 미술 전시회에서 시의회 자체 인수로 상당히 확장되었습니다. 현재 현대 미술 컬렉션은 XIX 세기 초부터 40 세기 xx까지 최고의 카탈로니아 미술 작품을 제공합니다. 투어는 신고전주의, 낭만주의 및 사실주의의 가정을 따르는 예술가로 시작됩니다. 신고전주의에는 화가 Josep Bernat Flaugier와 조각가 Damià Campeny가 포함됩니다. 낭만주의와 관련하여 우리는 특히 초상화를 재배 한 Claudi Lorenzale과 카탈로니아 조경의 전통을 시작한 Lluís Rigalt와 같은 나사렛 화가들을 언급해야합니다.

별도의 장은 장르 회화로 국제적으로 성공하고 그의 최신 작품에서 고급 접근 방식을 지적한 세기 xix의 카탈로니아 최고의 화가 인 Marià Fortuny에게 적합합니다. 또한 Romà Ribera와 Francesc Masriera와 같은 일화 적 사실주의를 선택한 화가들과 Fortunian 전통의 상속자 인 Sitges School의 “광명 주의자”도 있습니다. 조각에서 Vallmitjana 형제는 현실적인 전통의 최고의 대표자로 돋보입니다. 19 세기 컬렉션에는 또한 AADisdéri, Jean Laurent, Le Jeune 및 Charles Clifford의 작품과 함께 스페인 지리의 다양한 장소의 이미지와 함께 역사적인 사진 전시회가 포함됩니다.

현대 미술 컬렉션의 중추 중 하나는 카탈로니아에서 매우 예술적이고 문화적으로 중요한 운동 인 모더니즘입니다. 회화에서 가장 확인 된 현재는 프랑스 인상주의의 특정 측면을 파리의 작품에 통합 한 Ramon Casas와 Santiago Rusiñol이 이끄는 혁신적 인물입니다. 또 다른 흐름은 Alexandre de Riquer와 Joan Brull의 그림으로 대표되는 상징 주의자이며 그림 작가 Pere Casas Abarca의 일부 사진에서도 볼 수 있습니다. 똑같이 중요한 것은 Isidre Nonell, Marià Pidelaserra, Ricard Canals, Hermen Anglada Camarasa, Nicolau Raurich 및 Joaquim Mir와 같은 2 세대 모더니즘 예술가의 존재입니다. 이미 20 세기에 카탈로니아 그림을 하나로 가져 왔습니다. 가장 화려한 순간의.

Julio Romero de Torres, Joaquim Sorolla, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos 및 José Gutiérrez Solana, 사진 작가 Ortiz Echagüe 및 프랑스 예술가 Boudin, Sisley 및 Rodin과 같은 스페인 화가도 있습니다. 모더니스트 조각의 경우 Miquel Blay와 Josep Llimona의 창작물은 로댕의 분명한 영향으로 강조되어야합니다. 모더니스트 장식 예술 컬렉션은 Josep Puig i Cadafalch, Gaspar Homar 및 Antoni Gaudí가 바르셀로나의 Passeig de Gràcia에있는 Amatller, Lleó Morera 및 Batlló 주택에서 각각 선보인 뛰어난 인테리어 디자인 세트를 보여줍니다. Joan Busquets와 건축가 Josep Maria Jujol의 가구 세트를 잊지 않고 단조, 도자기, 유리 제품 및 보석류에서 개체의 주목할만한 예를 들었습니다.

MNAC에서 널리 대표되는 다른 운동은 Noucentisme로, 고유의 본질과 지중해에 대한 탐색을 구현합니다. 모호한 세잔의 영향을받은 Joaquim Torres-García와 Joaquim Sunyer의 고전 작품과 Josep Clarà와 Enric Casanovas의 조각 누드가 대표적입니다. Manolo Hugué의 조각품과 Xavier Nogués의 그림은 두드러진 인기있는 악센트로이 운동을 완성합니다. 1920 년경, 비 유적 전통을 이어 가거나 아방가르드로 도약해야하는 딜레마에 직면해야하는 새로운 세대의 예술가들이 등장했습니다. 화가 Josep de Togores와 Francesc Domingo i Segura와 같은 이들 중 일부는 전쟁 간 국제적 현실주의의 맥락에서 자신의 목소리를 가진 작품. Torres-García 자신, Rafael Barradas 및 Salvador Dalí와 같은 다른 사람들은

바르셀로나 디자인 박물관
바르셀로나 디자인 박물관은 장식 예술 박물관, 도자기 박물관, 섬유 및 의류 박물관 및 그래픽 아트 캐비닛의 컬렉션을 통합하여 시작된 바르셀로나 문화 연구소 (Barcelona Institute of Culture)에서 2014 년 12 월에 개관 한 박물관입니다. 이 박물관은 Plaça de les Glòries Catalanes의 Disseny Hub Barcelona 건물에 있으며,이 분야의 선구적인 두 기관인 Foment de les Arts i del Disseny (FAD) 및 Barcelona Center de Disseny (BCD)와 본사를 공유하고 있습니다. 카탈로니아에서 디자인의 홍보 및 개발.

20 세기 말, 시의회는 대중이 가장 폭넓게 고려하여 디자인을 이해할 수있는 통합 공간 인 단일 센터를 만드는 것을 고려했습니다. 디자인 세계와 관련된 모든 바르셀로나 컬렉션과 유산 기금을 보관할 공간을 짓기로 결정했고, Oriol Bohigas는 Plaça de les Glòries에 건물을 짓도록 의뢰 받았습니다. 처음에는 바르셀로나 디자인 박물관이라고 불렀습니다.

몇 년 동안 박물관 프로젝트와 건물의 이름은 Disseny Hub Barcelona (DHUB)였습니다. 프로젝트의 의도는 박물관, 센터 및 실험실 역할을 동시에 수행하면서 디자인 세계에 대한 이해와 활용을 촉진하는 데 전념하는 센터를 만드는 것이 었습니다. 이 프로젝트는 디자인 세계에서 공간 디자인, 제품 디자인, 정보 디자인 및 패션 디자인의 4 개 분야에 활동을 집중했습니다. 디자인의 세계와 연결된 사람과 기관이 형성 한 네트워크의 만남의 중심이되고 싶었고,이 분야와 관련된 정보를 공유하고 싶었습니다. 목표는 자체 자금과 디자인 세계의 현재에 대한 지속적인 분석을 사용하여 디자인 세계와 관련된 연구 및 경제 활동을 모두 자극하는 것이 었습니다. 이 기간 동안

2012 년 Pilar Vélez가 새로운 방향을 취함에 따라 프로젝트 방향이 바뀌었고 건물 (Disseny Hub Barcelona)의 개념이 박물관 (Museu del Disseny de Barcelona)에서 분리되었습니다. 새로운 담론 라인은 장식 예술에서 디자인 및 현대 응용 예술에 이르기까지 담론을 생성하는 데 중점을 둡니다. 새로운 박물관은 2014 년 12 월 13 일에 개관 할 예정이며 2015 년 1 월 31 일까지 개장합니다. 새로운 박물관은 4 개의 컬렉션을 통합하여 70,000 개 이상의 장식, 디자인 및 예술 작품을 감상 할 수 있습니다.

바르셀로나 현대 문화 센터
바르셀로나 현대 문화 센터 (CCCB)는 바르셀로나 라발에 위치한 문화 센터입니다. 시각 예술, 문학, 철학, 영화, 음악 및 공연 예술이 프로그램으로 연결되는 현대 문화의 창조, 연구, 보급 및 토론을위한 공간입니다. 학제 간.

그 목표 중 하나는 학문 세계를 창조와 시민권과 연결하는 것입니다. 이를 위해 전시회, 토론, 축제, 콘서트, 영화 사이클, 강좌, 컨퍼런스를 조직하고 제작하며, 새로운 기술과 언어를 기반으로 창조를 장려하고 현대 문화에 대한 토론, 생각 및 성찰을 생성하려고 노력합니다., 도시와 대중 현재 문제뿐만 아니라 공간. 유기적 수준에서 그것은 Diputació de Barcelona와 Ajuntament가 각각 75 %와 25 %의 비율로 프로젝트에 자금을 지원하는 1988 년에 공동으로 만든 공공 컨소시엄에 의존합니다. 그것은 2011 년까지 센터를 담당했던 Josep Ramoneda의 지휘로 1994 년에 개장했습니다. 그 이후 CCCB는 수십 개의 전시회와 수백 개의 모든 종류의 컨퍼런스, 토크 및 프레젠테이션을 제작했습니다.

CCCB는 주제 전시회 및 기타 대면 및 디지털 형식과 같은 자체 제작의 일련의 중앙 프로젝트를 통해 창의적인 연구 및 지식 생산에 중점을 둡니다. 국제 토론, CCCB Lab, Kosmopolis 문학 플랫폼 , 베타 활동 라인 : 21 세기 문화와 디지털 시대의 큰 변화를 통합적으로 다루는 프로젝트; Xcèntric 실험 영화 프로젝트, 유럽 도시 공공 공간 상, 국제 문화 혁신 상, CCCB 아카이브 플랫폼 및 기타 관련 제안 및 축제.

바르셀로나 환경의 예술가, 크리에이터 그룹, 큐레이터 및 독립 문화 에이전트와 동시에 연결되는 국제 에이전트 및 기관과의 네트워크에서 작동하며 창의적 자본에 참여하고 가시성을 제공하기위한 제안을 지원합니다. 그는 또한 새로운 교육 제안을 연구하고, 지속적인 비판적 검토를 통해 지식 및 생산 형식에 대한 작업을 수행하고, 공개 요청 및 동적 화 및 중재 과정에서 구체화되는 협업 및 실험 작업을 기반으로 한 방법론을 찾습니다.

CCCB는 21 세기 사회의 도전, 문학적 세계의 확장과 같은 문제를 해결합니다. 예술, 과학, 인문학 및 기술의 교차점 시청각 은하의 헤게모니; 문화 연구 및 혁신에 대한 헌신; 새로운 청중이 제기하는 도전과 새로운 물리적 및 가상 커뮤니티의 출현. 언어와 어휘의 갱신, 공유지의 재 탄생; 참여와 공동 창조의 도전; 프라이버시와 투명성 사이의 갈등; 새로운 사회적, 정치적 모델의 출현; 과학 기술 혁명의 위험과 기회.

1994 년부터 CCCB는 100 개 이상의 임시 전시회를 계획했습니다. 그는 문학과 도시 계획과 같은 주제를 다루었습니다. 일부는 센터 직원이 예약하고 큐레이팅했으며 다른 일부는 전문가가 의뢰했습니다. 또한 World Press Photo, Loop Festival, Primavera Pro, Courses of the Institut d’ Humanitats de Barcelona와 같은 전시회 또는 활동을 주최합니다.

CaixaForum 바르셀로나
CaixaForum Barcelona는 “la Caixa”재단이 관리하는 문화 센터입니다. 몬 주익 (바르셀로나) 산에 위치해 있으며, 20 세기 초 Josep Puig i Cadafalch가 설계 한 오래된 모더니스트 스타일의 Casaramona 공장 건물을 차지하고 있으며 나중에 문화 센터로 새롭게 사용하기 위해 재건되었습니다.

CaixaForum은 모든 청중을 대상으로하는 다양한 전시회와 문화 및 교육 활동을 제공합니다. 스페인의 다양한 지역으로 확장되는 CaixaForum 센터 네트워크의 일부입니다 : CaixaForum Madrid, CaixaForum Lleida, CaixaForum Palma, CaixaForum Tarragona, CaixaForum Girona, CaixaForum Zaragoza 및 CaixaForum Sevilla.

CaixaForum은 회화, 드로잉, 조각 또는 사진에서 문화, 영화, 건축 및 현대 미술의 역사에 이르기까지 다양한 주제로 임시 전시회 프로그램을 대중에게 제공합니다. 대영 박물관 및 루브르 박물관과 같은 주요 국제 박물관과의 협력 덕분에 바르셀로나 중심부에서 독특한 작품과 엄청난 명성을 가진 예술가의 작품을 즐길 수 있습니다. 센터의 전시 제안은 어린이를 위해 설계된 교육 공간과 큐레이터 회의 또는 주제별 회의주기와 같은 보완 활동을 갖추고 있기 때문에 모든 유형의 대중에게 적합합니다.

CaixaForum은 학교, 가족, 성인, 조직 된 그룹을위한 가이드 투어 또는 커피와 사교 모임, 오디오 가이드와 함께 전시회 및 모더니스트 공장에 대한 중재 방문을 강력히 약속합니다. 주말에 CaixaForum은 현대 미술 전시회에 대한 무료 마이크로 방문과 인상을 교환하고 전문 중재자와 함께 작품에 대해 더 깊이 탐구 할 수있는 기회를 제공합니다.

또한 CaixaForum은 예술, 사상, 문학 또는 음악에 대한 유익한 회의주기, 영화주기, 콘서트, 쇼 및 워크샵을 포함하여 모든 청중을 대상으로하는 광범위한 문화 활동 프로그램을 보유하고 있습니다. FOUND 레이블에 따라 센터는 크리에이터와의 만남, 전자 음악 쇼 또는 다큐멘터리 영화 사이클과 같은 활동을 통해 가장 문화적으로 불안한 젊은 대중을 위해 특별히 설계된 프로그램을 제공합니다. 7 월과 8 월, CaixaForum의 “Summer Nights”는 도시의 필수 문화 행사 중 하나입니다.

CaixaForum에는 전문 서지 및 디자인 개체를 갖춘 LAIE 서점과 전시회에서 영감을 얻은 일일 메뉴와 테마 메뉴를 제공하는 카페 레스토랑도 있습니다.

바르셀로나 피카소 박물관
바르셀로나의 피카소 미술관은 파블로 피카소의 조형 시대에 대한 지식을 볼 수있는 참고 박물관입니다. 화가의 작품 4,249 개 이상; 아티스트의 청소년 작품 세계에서 가장 완벽한 컬렉션을 보유하고 있습니다. 바르셀로나 리베라 지구의 Carrer de Montcada에 위치해 있습니다. 1963 년 3 월 9 일에 처음으로 대중에게 문을 열었으며, 세계 최초의 피카소 미술관이되었으며 작가의 생애에서 유일한 미술관이되었습니다. Generalitat de Catalunya에 의해 국가 관심 박물관으로 선언되었습니다.

가장 많이 대표되는 기간은 유아 및 학교 단계 (Málaga, A Coruña 및 Barcelona, ​​1890-97), 형성기 (Barcelona, ​​Horta de Sant Joan 및 Madrid, 1897-1901), 파란색 기간에 해당합니다. (1901-04), Barcelona는 1917 년 작품과 Las Meninas 시리즈 (1957)의 세트를 제작합니다.

박물관에 전시 된 대부분의 그림은 1890 년에서 1917 년 사이의시기와 관련이 있습니다. 이것은 피카소의 어린 시절과 학창 시절과 같은 특정 순간에 관한 매우 중요한 컬렉션입니다. 말라가, 라 코루냐, 바르셀로나, 1890 년에서 1897 년 사이 -그가 1897 년부터 과학과 자선과 같은 작품을 만들었을 때, 1897 년에서 1901 년 사이 바르셀로나와 Horta de Sant Joan과 마드리드에서 훈련을 받았을 때. 그의 블루 시대 작품과 1917 년 그의 바르셀로나 시대 작품도 있습니다. 예를 들면 Harlequin . 박물관에는 1957 년에 그려진 Las Meninas 시리즈를 제외하고는 1917 년 이후의 그림이 거의 없습니다.

판화 및 석판화 컬렉션은 기본적으로 1962 년에서 1982 년 사이의 기간을 다룹니다. 피카소 자신은 1968 년 사 바르 테스가 사망 한 후 제작 된 각 작품의 사본을 박물관에 제공했습니다. 또한 그가 다양한 판본을 위해 만든 삽화 중 일부는 다음과 같습니다. 포함. 미술관의 전시는 작가의 미망인 재클린이 기증 한 도자기로 마무리됩니다.

2009 년과 2010 년 사이에 웹 사이트를 통해 박물관 컬렉션에 대한 온라인 방문이 가능해졌습니다. 현재 (2010 년 10 월) 박물관 컬렉션의 65 % 이상을 온라인으로 볼 수 있습니다.