미니멀리즘

시각 예술, 음악 및 기타 매체에서 미니멀리즘은 1960 년대와 1970 년대 초기 미국 시각 예술과 가장 강력하게 결합 된 2 차 세계 대전 이후의 서양 미술에서 시작된 미술 운동입니다. 미니멀리즘과 관련된 유명한 예술가로는 Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt, Frank Stella가 있습니다. 그것은 모더니즘의 환원적인 측면에서 파생되며 추상적 표현주의에 대한 반작용이자 최후의 예술 관행에 대한 다리로 해석됩니다.

1960 년대부터 20 세기에 사용 된 용어로 비인간적 인 금욕, 평범한 기하학적 구성 및 산업적으로 가공 된 재료로 특징 지어지는 스타일을 묘사합니다. Burlyuk은 1929 년 뉴욕의 Dudensing Gallery에서 존 그레이엄 (John Graham)의 그림을 전시하기 위해 카탈로그에서 David Burlyuk이 처음 사용했습니다. ‘Minimalism은 Minimalist painting이 순수한 현실주의 인 피사체 그림 그 자체. 1960 년대 계정 통화 및 미니멀리즘에 대한 설명은 상당한 관련성이 있었고 관련 업무의 범위도 상당히 다양했습니다. Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell, Brice Marden의 모노크롬 그림, 팝 아트와 포스트 화보의 측면까지도 포함되었습니다. 추상화 일반적으로 인용 된 사례는 마르셀 뒤샹의 준비물, Kazimir Malevich의 Suprematist 작곡 및 Barnett Newman의 추상 표현주의 회화였습니다. Agnes Martin의 합리적인 그리드 그림은 Sol Lewitt와 같은 Minimalist 아티스트와 관련하여 언급되었습니다.

음악의 미니멀리즘은 종종 La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman 및 John Adams 작곡의 반복 및 반복을 특징으로합니다. 미니멀리스트라는 용어는 대개 구어체로 본질적으로 여유가 있거나 제거 된 것을 말합니다. 따라서 Samuel Beckett의 연극과 소설, Robert Bresson의 영화, Raymond Carver의 이야기, Colin Chapman의 자동차 디자인을 묘사하는 데 사용되었습니다.

최소한의 미술, 시각 미술의 미니멀리즘
시각 예술의 미니멀리즘은 일반적으로 “최소 예술”, “문학 예술”및 “ABC 예술”이라고도 불리는 새로운 예술가가 기하학적 추상화로 옮겨 감에 따라 1960 년대 초 뉴욕에서 나타났습니다. Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman 및 기타의 경우 그림을 통한 탐구. David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd 등 다양한 작가의 작품을 조각합니다. Judd의 조각품은 1964 년 맨해튼의 Green Gallery에서 전시되었으며, Flavin의 첫 번째 형광등 작품 인 반면 Leo Castelli 갤러리와 Pace Gallery와 같은 다른 맨하탄 갤러리도 기하학적 추상화에 중점을 둔 아티스트를 소개하기 시작했습니다. 또한 2 개의 독창적 인 영향력있는 박물관 전시회가있었습니다 : 기본 구조 : 1966 년 4 월 27 일부터 6 월 12 일까지 뉴욕의 유대 박물관에서 회화 및 조각가 큐레이터, 키네 스톤 맥 샤인 (Kynaston McShine)과 조직 (Systemic)이 주관 한 젊은 미국과 영국 조각 1966 년 Lawrence Alloway가 큐레이터 한 Solomon R. Guggenheim Museum에서 Shaped canvas, Color Field 및 Hard-edge painting을 통해 미국 미술계의 기하학적 추상화를 선보였습니다. 그 전시회와 몇몇 다른 사람들을 계기로 최소한의 예술이라는 예술 운동이 나타났습니다.

좀 더 광범위하고 일반적인 의미에서 볼 때, 바우 하우스와 관련된 화가의 기하학적 추상화, 카디 미르 말레 비치 (Kazimir Malevich), 피에트로 몬드리안 (Piet Mondrian)과 데 스티즐 (De Stijl) 운동과 관련된 다른 예술가들의 작품과 러시아의 구성주의 운동, 루마니아 조각가 콘스탄틴 브란 쿠시 (Constantin Brâncuşi)의 작업에 사용되었습니다.

1947 년에서 1948 년 사이 프랑스에서 이브 클라인은 단조로운 20 분간 지속 된 코드와 20 분간의 무음으로 구성된 모노톤 심포니 (1942 년 공식적으로 모노톤 침묵 교향곡)를 고안했다.이 노래는 라 몬트 영의 무인 음악 존 케이지 (John Cage)의 4’33 “. Klein은 1949 년 초 단색을 그렸고 1950 년에이 작품의 첫 번째 개인전을 가졌지 만 그의 첫 번째 공개 상영은 1954 년 11 월 Yves : Peintures라는 아티스트 책을 출간 한 것입니다.

최소한의 예술은 또한 바넷 뉴만, 광고 라인 하르트, 조세프 알베스 (Jose Reinhardt), 파블로 피카소 (Pablo Picasso), 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp), 조르지오 모란 디 (Giorgio Morandi) 등과 같은 다양한 예술가들의 작품에서 영감을 얻었습니다. 미니멀리즘은 또한 1940 년대와 1950 년대에 뉴욕 학교에서 지배적이었던 추상 표현주의의 회화 적 주체성에 대한 반응이었다.

예술가이자 비평가 인 토머스 로슨 (Thomas Lawson)은 1981 년 Artforum 에세이 마지막 출구 : 회화에서 미니멀리즘은 근대주의 회화가 표면적으로나 물질적으로 감소했다는 클레멘트 그린버그의 주장을 그대로 받아 들였다. Lawson에 따르면 미니멀리즘이라는 용어는 “미니멀리즘”이라는 용어가 일반적으로 관련 예술가들에 의해 받아 들여지지 않았음에도 불구하고 비평가가 미니멀리스트로 지정한 예술가 중 다수가 그것을 같은 운동으로 인식하지 못했다고합니다. 또한 클레멘트 그린버그 자신도 예외였다. 1978 년에 모더니스트 페인팅 (Modernist Painting)에 대한 그의 저서에서 그는 그가 말한 것에 대한이 해석을 부인했다.

나는 필자가 쓴 것의 몇 가지 추가적 구조가있다. 나는 평면 ​​예술의 한계 조건뿐만 아니라 회화 예술의 미적 품질의 기준으로서의 평탄 도와 편평성을 고려한다. 더 많은 작품이 예술의 자기 정의를 발전시킬수록 작품은 더 잘 될 수밖에 없다. 나 또는 모든 것을 상상할 수있는 철학자 또는 미술 사학자는 이런 식으로 심미적 인 판단에 도달하면 내 기사보다는 놀랍게도 자신이나 자신에게 더 많은 것을 읽습니다.

이전의 10 년의 주관적인 추상 표현주의와 달리 Barnett Newman과 Ad Reinhardt를 제외하고는; 미니멀리스트들은 작곡가 존 케이지 (John Cage)와 라몬 테 영 (LaMonte Young), 시인 윌리암 카를로스 윌리엄스 (William Carlos Williams), 조경가 프레드릭 로옴 옴스 테드 (Frederick Law Olmsted)의 영향을 받았다. 그들은 자신의 예술이 자기 표현에 관한 것이 아니라고 주장했고, 이전의 10 년과는 달리 예술을 만드는 것에 대한 주관적인 철학은 ‘객관적’이었다. 일반적으로 미니멀리즘의 특징은 은유, 동등한 부분, 반복, 중성 표면 및 산업 자재로 제거 된 기하학적, 종종 입방 형을 포함합니다.

이론가이자 예술가 인 로버트 모리스 (Robert Morris)는 1966 년 아트 포럼 (Artforum) 3 호에 걸쳐 발행 된 3 편의 에세이 인 “Notes on Sculpture 1-3″을 썼다.이 에세이에서 모리스는 자신을위한 개념적 틀과 형식적인 요소를 정의하려고 시도했다. 그의 동시대 인의 관습을 받아 들일 수있는 사람. 이 에세이들은 제 슈트 탈의 개념에 큰 관심을 기울였습니다. “부분들은 … 지각 분리에 최대한의 저항을 일으키는 방식으로 결합되었습니다.” 모리스는 1969 년 아트 포럼 (Artforum)에서 처음 출판 된 “조각 4에 대한 주해”(Artforum, 1969)에서 “배열의 불확정성”을 계속 언급하면서 “표기된 횡 방향 확산과 정규화 된 단위 또는 대칭 간격 없음” 부품의 실제 존재의 문자적인 측면이다. ” 이 에세이가 표현 인 이론의 일반적인 변화는 후기에 후기 주의자로 언급 될 것으로의 전환을 시사한다.

미니멀리즘과 관련이있는 최초의 예술가 중 한 명은 화가 프랭크 스텔라 (Frank Stella)였습니다.이 중 4 명은 뉴욕의 현대 미술관 (Museum of Modern Art)의 도로시 밀러 (Dorothy Miller)가 주관 한 1959 년 쇼 16 명의 미국인이었습니다. Frank Stellas의 검은 색 그림에서 줄무늬의 너비는 캔버스를지지하기 위해 그가 들것에 사용하는 목재의 크기에 의해 결정되며, 측면에서 보았을 때 그림의 깊이로 보입니다. 따라서 캔버스 앞면의 구조에 대한 Stella의 결정은 전적으로 주관적이지는 않았지만 지원의 물리적 구성의 “주어진”특성에 의해 사전 조절되었습니다. 쇼 카탈로그에서 Carl Andre는 “Art는 불필요한 것들을 배제하고 Frank Stella는 줄무늬를 그릴 필요가 있음을 알았습니다. 그의 그림에는 다른 것이 없습니다.” 이러한 환원성 작품은 에너지가 가득차 있고 분명히 주관적이며 감정적으로 위닝 된 빌렘 드 쿠닝이나 프란츠 클라인의 그림과는 현저한 대조를 이루었으며 이전 세대의 추상적 표현주의 자의 선례로 볼 때 덜 제스츄어가되고 종종 우울한쪽으로 기울어졌다 바넷 뉴먼 (Barnett Newman)과 마크 로스 코 (Mark Rothko)의 색채 그림. Stella는 MoMA 쇼에서 즉각적인 관심을 받았지만 Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell, Robert Ryman 등의 다른 아티스트들도 50 년대 후반부터 1960 년대까지 줄무늬, 단색 및 하드 에지 형식을 탐구하기 시작했습니다.

문자 그대로의 그림을 외면하고, 환상적이고 가상적 인 것을 배제하려는 최소한의 예술 경향 때문에 회화 적으로 그리고 조각적인 관심으로 이동하는 움직임이있었습니다. Donald Judd는 화가로서 시작하여 사물의 창작자로 끝났습니다. 그의 독창적 인 수필 인 “특정 대상”(1965 년 Arts Yearbook 8)은 미니멀리스트 미학의 형성을위한 이론의 시금석이었다. 이 에세이에서 Judd는 미국 미술을위한 새로운 영토의 출발점과 잔여의 유럽 예술적 가치에 대한 동시 거부를 발견했습니다. 그는 재스퍼 존스 (Jasper Johns), 댄 플라 빈 (Dan Flavin), 리 본 테코 (Lee Bontecou) 등 당시 뉴욕에서 활발한 다양한 예술가들의 작품에서 이러한 발전의 증거를 지적했다. Judd에 대한 “예비 적”중요성은 George Earl Ortman이 회화의 형태를 뭉툭하고 터프하며 철학적으로 기하학적 인 형태로 구체화하고 증류 한 것입니다. 이 특정 대상은 그림이나 조각으로 편안하게 분류 할 수없는 공간에 거주했습니다. 그러한 사물의 범주 적 정체성은 의문의 여지가 있으며, 잘 착용되고 지나치게 친숙한 관례와의 쉬운 연관을 피하는 것이 Judd에 대한 그들의 가치의 한 부분이었습니다.

이 운동은 현대 주의적 형식주의 미술 평론가와 역사가들에 의해 심하게 비판 받았다. 일부 비평가들은 최소한의 예술이 1960 년대까지 이어지는시기의 회화에 대한 미국의 비평가였던 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 정의한 것처럼 회화와 조각의 현대 변증법에 대한 오해를 표출했다고 생각했다. 미니멀리즘에 대한 가장 주목할만한 비판은 공식주의 비평가 인 마이클 프라이드 (Michael Fried)가 “연극주의”에 기초한 작업에 반대 한 사람에 의해 만들어졌다. Art and Objecthood (1967 년 6 월 Artforum에서 출판 됨)에서 그는 최소의 예술 작품, 특히 최소한의 조각은 관람자의 육체와의 교전을 기반으로한다고 선언했다. 그는 로버트 모리스 (Robert Morris)와 같은 작품이 보는 행위를 일종의 광경으로 바꿔 놓았는데, 행위 관찰의 기법과 작품에 대한 관람자의 참여가 밝혀졌다. 프라이드 (Fried)는 최소한의 예술이 실패한 것처럼 예술 작품 외부의 사건에 대한 관람자의 경험에 대한이 변위를 보았다. 프리드먼의 에세이는 포스트 포럼과 지구 예술가 인 로버트 스미스 손 (Robert Smith Smith)이 Artforum 10 월 호에서 편집장에게 보낸 편지에서 즉시 도전을 받았다. Smithson은 다음과 같이 말했습니다 : “튀김이 가장 두려워하는 것은 그가하고있는 일, 즉 연극에 대한 의식입니다.

Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David 등 이미 언급 된 Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, 브린스 마든, 블링키 팔레르모, 아그네스 마틴, 조 베어, 존 맥 크라켄, 광고 라인 하트, 프레드 샌드 백, 리처드 세라, 토니 스미스, 패트리샤 요한슨, 앤 트루 리트.

사실 추상 표현주의 세대의 예술가 인 광고 라인 하르트 (Ad Reinhardt)는 거의 모든 흑인 회화가 미니멀리즘을 예견 한 것처럼 보였으 나 미술에 대한 환원 적 접근의 가치에 관해 이렇게 말하고있다.

그 안에 물건이 많을수록 미술 작품이 많을수록 더 나 빠지게됩니다. 더 많지는 않습니다. 적은 것이 더 많습니다. 눈은 시력을 맑게하는 위협이다. 누워있는 벌거숭이는 외설적이다. 예술은 자연을 제거하는 것으로 시작됩니다.

라인 하르트 (Reinhardt)의 발언은 한스 호프만 (Hans Hofmann)의 자연에 대한 존중을 자신의 추상적 표현주의 회화의 근원으로 직접 언급하고 모순된다. Hofmann과 Jackson Pollock 사이의 유명한 교류에서 Lee Krasner가 Dorothy Strickler (1964-11-02)와 함께 Smithsonian Institution Archives of American Art와의 인터뷰에서 말했습니다. 크래스 너 (Krasner)의 말 :

호프만을 폴록을 만나고 여기로 옮기기 전에했던 일을 보았을 때, 호프만의 반응은 잭슨에게 물어 보았던 질문 중 하나였습니다. “당신은 자연에서 일합니까?” 주변에는 아직 평생이나 모델이 없었으며 잭슨의 대답은 “나는 자연이다.”였습니다. 그리고 호프만의 대답은 “아,하지만 마음으로 일하면 스스로 반복 할 것입니다.” 잭슨은 전혀 대답하지 않았다. Pollock과 Hofmann 간의 회의는 1942 년에 진행되었습니다.

미니멀리즘 디자인 및 아키텍처
미니멀리즘이라는 용어는 주제가 필요한 요소로 축소되는 디자인 및 아키텍처의 추세를 설명하는데도 사용됩니다. 미니멀리스트 건축 디자이너는 두 개의 완벽한 평면, 우아한 조명 및 건축 디자인에서 3 차원 형상을 제거하여 남겨진 공백 공간 사이의 연결에 중점을 둡니다. [누구에게?]

미니멀리즘 디자인은 일본 전통 디자인과 건축의 영향을 많이 받았다. De Stijl 아티스트의 작품은 중요한 참고 자료입니다. De Stijl은 라인 및 비행기와 같은 기본 요소를 세 심하게 정리하여 표현의 아이디어를 확장했습니다. 가정 디자인과 관련하여, 더 매력적인 “미니멀리즘”디자인은 크기가 더 크기 때문에 최소한의 디자인이 아니며 더 비싼 건축 자재 및 마감재를 사용합니다.

도시 생활의 혼란과 혼돈에 대한 반응으로서 미니멀리즘의 출현을 묘사하는 관찰자들이있다. 예를 들어, 일본의 경우, 도시의 급격한 팽창과 인구 급성장을 경험 한 1980 년대에 미니멀리스트 아키텍처가 주목을 받기 시작했습니다. 이 디자인은 “교통, 광고, 건물 비늘 뒤죽박죽, 도로 주행의 압도적 인 존재”에 대한 해독제로 간주되었습니다. 혼란스러운 환경은 도시화, 산업화 및 기술뿐만 아니라 화재와 같은 재난을 포함하여 2 차 세계 대전과 지진으로 인한 파괴로 인해 건물을 철거해야한다는 일본의 경험도있었습니다. 미니멀리스트 디자인 철학은 다른 나라를 경유하여 일본에 도착하지 않았다는 것을 알아야한다. 그것은 이미 선 (禅) 철학에 뿌리를 둔 일본 문화의 일부였습니다. 디자인 운동을 일본의 영성과 자연에 대한 시각으로 간주하는 사람들이 있습니다.

건축가 Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969)는 그의 미학을 묘사하기 위해 “Less is more”라는 모토를 채택했습니다. 그의 전술은 건물의 필요한 구성 요소를 배치하여 극단적 인 단순함을 나타 냈습니다. 그는 여러 가지 시각적 및 기능적 목적을 달성하기 위해 모든 요소와 세부 사항을 확보했습니다. 예를 들어 바닥을 라디에이터의 역할을하도록 디자인하거나 욕실을 수용하기위한 거대한 벽난로를 설계 할 수 있습니다. Designer Buckminster Fuller (1895-1983)는 엔지니어가 “더 많은 것을 덜하면서”라는 목표를 채택했지만, 그의 관심은 미학보다는 기술과 공학에 집중되었습니다.

Luis Barragán은 모범적 인 미니멀리스트 디자이너 모범입니다. [다른 이들과 함께하는] 미니멀리스트 디자이너 Sejima Kazuyo, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Siza Vieira 알바로, Ando Tado, Alberto Campo Baeza, Taniguchi Yoshio, Peter Zumthor, Hugh Newell Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini, Richard Gluckman [필요]

미니멀리스트 아키텍처 및 공간
미니멀리스트 아키텍처는 1980 년대 후반 런던과 뉴욕에서 인기를 얻었는데, 건축가와 패션 디자이너는 흰색 요소, 차가운 조명, 최소한의 물건과 가구로 넓은 공간을 사용하여 단순함을 달성하기 위해 부티크에서 함께 작업했습니다.

개념 및 디자인 요소
미니멀리스트 아키텍처의 개념은 모든 것을 필수 품질로 끌어 내고 단순성을 달성하는 것입니다. 이 아이디어는 장식이 전혀없는 것은 아니지만 디자인을 개선하기 위해 더 이상 아무 것도 제거 할 수없는 단계로 축소 된 것으로 간주됩니다.

‘에센스’에 대한 고려 사항은 빛, 형태, 재료, 공간, 장소 및 인간 조건의 세부 사항입니다. 미니멀리스트 건축가는 건물의 물리적 특성을 고려하지 않습니다. 그들은 인물을 듣고 세부 사항, 사람, 공간, 자연 및 재료에주의를 기울임으로써 영적 차원과 보이지 않는 것을 고려합니다. 이것이 보이지 않는 무언가의 추상적 품질을 드러내고 그것들의 본질을 찾는 데 도움이된다고 믿는 것입니다 자연광, 하늘, 땅, 공기와 같은 보이지 않는 자질. 또한 주변 환경과의 대화를 통해 건설에 필요한 가장 중요한 자재를 결정하고 건물과 현장 간의 관계를 만듭니다.

미니멀리스트 아키텍처에서 디자인 요소는 단순함의 메시지를 전하기 위해 노력합니다. 기본적인 기하학 형태, 장식없는 요소, 단순한 재료 및 반복 구조는 질서와 필수적인 품질을 나타냅니다. 건물의 자연 채광의 움직임은 단순하고 깨끗한 공간을 드러냅니다. 19 세기 후반 영국의 예술 및 공예 운동이 대중화되면서 사람들은 물질의 심오하고 타고난 특성과 관련하여 ‘물질에 대한 진실’의 태도를 중요하게 생각했습니다. 미니멀리스트 건축가는 단순하고 공통적 인 자료에서 가치있는 자질을 재발견하여 본질과 단순성을 추구하면서 겸손하게 ‘그림을 들어라.’

일본 전통의 영향
단순함에 대한 생각은 많은 문화권, 특히 일본 철학의 일본 전통 문화에서 나타납니다. 일본인들은 선 (禅) 문화를 건물의 미학과 디자인 요소로 조작합니다. 18 세기 중반 이래 미국의 서구 사회에 영향을 미친 건축에 대한 아이디어가 있습니다. 또한, 그것은 19 세기의 미니멀리스트 건축에 영감을주었습니다.

단순함에 대한 선 (禅)의 개념은 자유의 개념과 삶의 본질을 전달합니다. 단순함은 심미적 가치 일뿐만 아니라 진리의 본성을 바라보고 물질과 사물의 내적 본질과 본질을 드러내는 도덕적 인식을 지니고 있습니다. 예를 들어, 료안지 (Ryoanji) 사원의 모래 밭에서는 고려해야 할 돌과 거대한 빈 공간의 설정에서 단순성과 필수성의 개념을 보여줍니다.

Ma의 일본 미학 원리는 공백 또는 열린 공간을 가리킨다. 불필요한 내부 벽을 모두 제거하고 공간을 엽니 다. 공간 배열의 공허함은 모든 것을 가장 필수적인 품질로 줄입니다.

Wabi-sabi의 일본인 미학은 단순하고 평범한 물건의 품질을 중요시합니다. 불필요한 기능 부재, 보물의 조용한 삶, 재료의 타고난 특성을 드러내는 것을 목표로합니다. 예를 들어 꽃꽂이라고도하는 일본의 꽃 예술에는 꽃을 표현하는 핵심 원칙이 있습니다. 사람들은 식물에서 가지, 잎 및 꽃을 끊고 식물의 근본 부분 만 유지합니다. 이것은 본질적으로 본질적인 품질과 타고난 성격의 개념을 전달합니다.

그러나 단지 공간적 개념과는 거리가 먼 Ma는 일상 생활뿐만 아니라 시간에도 적용되기 때문에 일본의 일상 생활의 모든면에서 항상 존재합니다.

미니멀리스트 건축가들과 그들의 작품들
일본의 미니멀리스트 건축가 인 안도 타다오 (Ando Tadao)는 일본의 전통적 정신과 자연에 대한 자신의 인식을 그의 작품에서 전한다. 그의 디자인 개념은 재료, 순수 ​​기하학 및 자연입니다. 그는 보통 콘크리트 또는 천연 나무와 기본 구조 형태를 사용하여 공간의 긴장과 빛의 광선을 얻습니다. 그는 또한 건물과의 관계 및 질서를 형성하기 위해 사이트와 자연 사이의 대화를 설정합니다. 안도의 작품과 일본의 미학적 원리의 번역은 일본 건축계에 큰 영향을 미친다.

다른 일본의 미니멀리스트 건축가 인 Sejima Kazuyo는 SANAA와 같이 Ryue Nishizawa와 함께 독자적으로 일하면서 상징적 인 일본인 Minimalist 건물을 생산합니다. Sejimas의 섬세하고 지적인 디자인은 흰색 미니멀리즘과 관련된 경이로운 건물 유형을 만들기 위해 흰색, 얇은 건축 단면 및 투명한 요소를 사용할 수 있습니다. 작품으로는 New Museum (2010) 뉴욕시, Small House (2000) Tokyo, Plum Trees (2003) Tokyo에 둘러싸인 House 등이 있습니다.

Vitra Conference Pavilion, Weil am Rhein, 1993에서 개념은 건물, 인간 운동, 부지 및 자연 사이의 관계를 모으는 것입니다. 미니멀리즘 이데올로기의 주요 포인트 중 하나는 건물과 사이트 간 대화를 형성하는 것입니다. 건물은 내부와 자연의 채워진 빈 공간을 대조하기 위해 원형과 직사각형의 간단한 형태를 사용합니다. 휴게실에는 외부를 조망할 수있는 대형 조경 창문이 있습니다. 이것은 단순하고 침묵의 건축을 달성하고 공간의 빛, 바람, 시간과 자연을 향상시킵니다.

John Pawson은 영국의 미니멀리스트 건축가이다. 그의 디자인 개념은 영혼, 빛, 그리고 질서입니다. 그는 필수 품질의 아이디어를 넘어서는 지점까지 인테리어의 복잡함과 단순화가 줄어들지 만 공허함 대신 단순함의 선명도와 풍요 로움이 있음을 믿습니다. 그의 디자인에있는 자료는 공간, 표면 및 볼륨에 대한 인식을 나타냅니다. 또한 그는 자신의 생기, 깊이 감, 개인의 감각으로 인해 천연 재료를 사용하는 것을 좋아합니다. 그는 또한 일본 선 철학의 중요한 영향에 매력을 느낀다.

캘빈 클라인 매디슨 애비뉴, 뉴욕, 1995-96, 패션의 캘빈 클라인의 아이디어를 전달하는 부티크입니다. 이 프로젝트의 존 포슨 (John Pawson)의 인테리어 디자인 컨셉은 단순하고 평화 롭고 질서 정연한 공간 배열을 만드는 것입니다. 그는 돌층과 흰 벽을 사용하여 공간의 단순함과 조화를 이루었습니다. 그는 또한 감축을 강조하고 실내 장식을위한 청결감을 얻으려는 에어컨 및 램프와 같은 시각적 인 왜곡을 제거합니다.

Alberto Campo Baeza는 스페인 건축가로 그의 작품을 필수 건축으로 묘사합니다. 그는 빛, 생각 및 공간의 개념을 중요시합니다. 빛은 필수적이며 주민과 건물 사이의 관계를 성취합니다. 아이디어는 공간, 형태 및 건축의 기능 및 맥락을 충족시키는 것입니다. 공간은 필수적이지 않은 장식을 피하기 위해 최소한의 기하학적 형태로 형성됩니다.

Gasper House, Zahora, 1992는 고객이 독립하고 싶어하는 거주지입니다. 높은 벽은 밀폐 된 공간을 만들고 집과 안뜰에 사용 된 돌층은 실내와 외부의 연속성을 보여줍니다. 벽의 흰색 색상은 건물의 단순함과 단합을 보여줍니다. 구조의 특징은 연속적인 수평 집을 형성하는 선을 만들기 때문에 자연광은 건물을 가로 질러 수평으로 투사됩니다.

문학 미니멀리즘
문학적 미니멀리즘은 단어가있는 경제와 표면 묘사에 초점을 둔다. 미니멀리스트 작가들은 부사를 피하고 문맥에 의미를 부여하는 것을 선호한다. 독자는 작가의 지시에 반응하기보다는 오히려 사소한 힌트와 풍자에 근거하여 “측면을 선택”하는 스토리를 만드는 데 적극적인 역할을해야합니다.

제임스 카인 (James M. Cain)과 짐 톰슨 (Jim Thompson)과 같은 작가들의 1940 년대 시대의 범죄 소설은 철저히 정리 된 사실적인 산문 스타일을 채택하여 상당한 효과를 얻었습니다. 어떤 사람들은이 산문 스타일을 미니멀리즘으로 분류합니다. [weasel words]

문학 미니멀리즘의 또 다른 가닥은 1960 년대와 1970 년대 초반의 메타 피 션 트렌드 (John Barth, Robert Coover, William H. Gass)에 대한 반응으로 생겨났다. 이 작가들은 또한 산문을 남겨두고 주제와 심리적 인 거리를 유지했습니다.

미니멀리스트 작가 또는 레이턴 카버, 앤 비티, 브렛 이스튼 엘리스, 찰스 부 코프 스키, 어니스트 헤밍웨이, KJ 스티븐스, 에이미 헴펠, 바비 앤 메이슨, 토비아스 울프 , 그레이스 페리, 산드라 시스 네 로스, 메리 로빈슨, 프레드릭 바르 텔, 리차드 포드, 패트릭 홀랜드, 코맥 맥카시, 알리시아 에리 안.

스티븐 크레인 (Stephen Crane), 윌리엄 카를로스 윌리엄스 (William Carlos Williams), 에즈라 파운드 (Ezra Pound), 로버트 크리 울리 (Robert Creeley), 로버트 그레니에 (Robert Grenier), 아람 사로 안 (Aram Saroyan) “미니멀리즘”이라는 용어는 때로는 일본에서 유래 된 시적 장르 인 하이쿠 (hypiku) 와도 관련이 있지만, Nick Virgilio, Raymond Roseliep, George Swede와 같은 시인들이 영국 문학에 길들여왔다.

아일랜드 작가 Samuel Beckett은 노르웨 이어 작가 Jon Fosse와 마찬가지로 그의 미니멀리스트 희곡과 산문으로 유명합니다.

에반 다라 (Evan Dara)는 작곡가 인 스티브 라이히 (Steve Reich)의 영감을 받아 만든 음악 미니멀리즘 스타일로 60 페이지 섹션으로 구성됩니다. 소설의 주인공의 심리 상태 (흔들림)를 나타 내기 위해이 섹션의 연속적인 텍스트 행은 반복적 인 개발 문구를 기반으로합니다.

최소한의 음악
“최소한의 음악”이라는 용어는 초기에 시각 예술에 적용되었던 미니멀리즘의 개념에서 Michael Nyman에 의해 1970 년 경에 창출되었습니다. 보다 정확하게 1968 년 The Spectator에서 Nyman은 덴마크 작곡가 Henning Christiansen이 작곡 한 10 분짜리 피아노 작곡을 샬롯 무어 먼과 백남준이 연주 한 다른 무명 작품들과 함께 사용했다. 런던 현대 미술 연구소.