후기 모더니즘

시각 예술 분야에서, 후기 근대주의는 2 차 세계 대전의 여파와 21 세기 초반 사이에 만들어진 가장 최근의 예술의 전반적인 생산을 포함합니다. 이 용어는 후기의 모더니즘과 포스트 모더니즘의 유사점을 종종 가리키며 차이점이 있습니다. 1950 년대 이래로 제작 된 예술의 주된 용어는 현대 미술입니다. 현대 미술이라는 레이블이 붙은 모든 예술이 모더니스트 또는 포스트 모더니즘이라고 할 수는 없으며, 광범위한 용어는 모더니즘이나 후기 모더니스트 전통에서 계속 작업하는 예술가들뿐만 아니라 포스트 모더니즘이나 다른 이유로 모더니즘을 거부하는 예술가를 포함합니다. 아더 단토 (Arthur Danto)는 예술의 끝 (After the End of Art)에서 동시대성은 더 넓은 용어 였고 포스트 모던 적 대상은 근대성과 근대성을 대체하는 현대 운동의 하위를 대표한다고 주장했다. Hilton Kramer, Robert C. Morgan, Kirk Varnedoe, 장 프랑수아 리오타르 (Jean-François Lyotard) 등은 포스트 모던 시대의 대상이 근대 주의적 작품과 관련이 있다고 주장했다.

후기 모더니즘과 포스트 모더니즘 예술이라는 두 용어를 포괄하는 특수 용어는 현대 미술의 궁극적 인 단계, 모더니즘의 끝에서의 예술 또는 현대 미술의 특정 경향으로 간주 될 수있는 것을 나타내는 데 사용됩니다.

근대 및 포스트 모던 시대로의 분열에 반대하는 사람들이 있습니다. 모든 비평가들이 모더니즘이라고 불리는 단계가 끝나거나 끝날 것이라는 점에 동의하는 것은 아닙니다. 모더니즘 이후의 모든 예술은 포스트 모던이라는 데 동의하지 않습니다. 현대 미술은 약 1960 년 이후로 작품을 나타 내기 위해 널리 사용되는 용어이지만 다른 용도로 많이 사용됩니다. 포스트 모더니즘 예술은 모더니즘과 보편적으로 분리되어 있지도 않으며, 많은 비평가들은 그것을 현대 미술의 또 다른 위상으로보고 있거나 또 다른 형태의 후기 근대주의로보고있다.

포스트 모던이라는 용어의 모든 용도와 마찬가지로 그 적용에 대한 비판이 있지만,이 시점에서이 비평가는 소수에 속합니다. 이것은 포스트 모더니즘으로 표현 된 예술의 위상이 받아 들여지고 있다는 것을 말하는 것이 아니라 추상 표현주의의 절정기 이후 미술에서의 움직임을 묘사하는 용어의 필요성이 잘 확립되었다는 것을 말하는 것은 아니다. 그러나 변화의 개념이 합의에 이르렀는데 그것이 포스트 모더니스트 변화인지 늦은 모더니즘 시대 이건 불확실하지만, 예술 작품에 대한 지각의 심오한 변화가 발생했고 새로운 시대 적어도 1960 년대 이후 세계 무대에서 부상하고있다.

문학에서 후기 근대주의라는 용어는 제 2 차 세계 대전 이후에 만들어진 문학 작품을 의미합니다. 그러나 후기 근대 문학에 대한 몇 가지 다른 정의가 존재한다. 가장 흔한 것은 1930 년에서 1939 년 또는 1945 년 사이에 출판 된 작품을 말합니다. 그러나 1945 년 이후에 쓰는 Basil Bunting (1900-85) 및 TS Eliot (1888-1965)와 사망 한 Samuel Beckett와 같은 근대 주의자가 있습니다 1989 년에는 “후기 근대 주의자”로 묘사되었습니다. Eliot은 1950 년대에 두 편의 희곡을 출간하였고, Bunting의 긴 모더니스트 시인 “Briggflatts”는 1965 년에 출판되었습니다. 시인 Charles Olson (1910-1970)과 JH Prynne (1936-)은 20 세기 후반, 누가 늦은 근대 주의자로 묘사되었는지. 늦은 모더니스트 문학이 1930 년 이전에 만들어진 모더니스트 작품과 중요한 점에서 다른 점이 있는지에 대한 의문이 더있다. 최근의 모더니즘 늦기라는 말은 적어도 한 비평가에 의해 다시 정의되고, 이 사용법으로 2 차 세계 대전, 특히 홀로 코스트 (Holocaust)와 원자 폭탄의 투하로 모더니즘의 이데올로기가 크게 재 형성되었다는 생각이 들게된다.

포스트 모더니즘과의 차이점
후기의 모더니즘은 모더니즘의 트렌드에서 비롯된 반응과 모더니즘의 일부 측면을 거부하는 모더니즘의 개념적 잠재 성을 완전히 개발하는 움직임을 묘사한다. 어떤 묘사에서는 미술에서의 시대로서의 포스트 모더니즘은 완성 된 반면 다른 것들에서는 현대 미술에서 지속적인 운동이다. 예술에서 언급되는 모더니즘의 특정한 특징은 일반적으로 형식적 순수성, 중간 특이성, 예술을위한 예술성, 예술에서 진정성의 가능성, 예술에서 보편적 진리의 중요성 또는 가능성, 그리고 전위 예술의 중요성이다 독창성. 이 마지막 점은 예술에있어서의 특별한 논쟁 중 하나이다. 많은 기관들은 몽타주, 미래 지향, 최첨단 및 진보적 인 것이 현재의 예술 사명에 결정적이며, 따라서 포스트 모던은 그러므로 ” 우리 시대의 예술 “.

하나의 압축 된 정의는 포스트 모더니즘이 모더니즘의 예술적 방향에 대한 거대한 내러티브를 거부하고, 높고 낮은 형태의 예술 사이의 경계를 근절하고, 충돌, 콜라주 및 단편화로 장르와 협약을 혼란시키는 역할을하는 것입니다. 포스트 모더니즘 예술은 모든 입장이 불안정하고 성실하지 못하다는 것을 믿어 의심치 않는다. 따라서 아이러니, 패러디와 유머가 비판이나 그 이후의 사건으로 전복 될 수없는 유일한 입장이다.

이러한 특성 중 많은 부분이 예술의 현대적 움직임, 특히 높고 낮은 형태의 예술 사이의 분리에 대한 거부에있다. 그러나 이러한 특성은 포스트 모던 아트의 근본 요소로 간주됩니다. 그러나 포스트 모더니즘과 모더니즘 사이의 가장 중요한 점 중 하나는 예술의 움직임으로서 모더니즘의 궁극적으로 진보적 인 입장이며, 새로운 작품은보다 “전방을 향한”진보적 인 자세를 취하는 반면 포스트 모던 운동은 일반적으로 개념을 거부한다 예술 자체에서 진보와 진보가있을 수 있으며 따라서 예술 프로젝트 중 하나는 “전위 예술의 신화”를 뒤집어 엎어야한다는 것입니다. 이것은 포스트 구조주의 철학자들이 “metanarratives”라고 부르는 것에 대한 부정에 관한 것이다.

로잘린 크라우스 (Rosalind Krauss)는 전위주의가 끝났으며 신자유주의 시대가 자유주의와 진보 후 정상에 존재한다는 견해의 중요한 신호 중 하나였다. 이 견해의 한 예가 로버트 휴즈 (Robert Hughes)에 의해 “The Future That Was”장의 The Shock of the New에 설명되어있다.

이 새로운 아카데미는 어디에서 시작 했습니까? 그것의 기원에서 전위 예술 신화는 예술가를 전조로 삼았다. 중요한 일은 미래를 준비하는 것입니다. 전조의 숭배는 터무니없는 예언 적 주장으로 풍경을 어지럽 혀서 끝 맺었다. 문화 전위 예술에 대한 아이디어는 1800 년 이전에는 상상조차 할 수 없었습니다. 자유주의의 부상으로 인해 촉진되었습니다. 종교적 또는 세속적 인 법원의 취향이 후원을 결정한 곳에서, “파괴적인”혁신은 예술적 품질의 표시로서 존중되지 않았습니다. 아티스트의 자율성도 낭만주의와 함께 올 것입니다.

– Robert Hughes, 새로운 충격
포스트 모던이라는 용어의 모든 용도와 마찬가지로 그 적용에 대한 비판이 있습니다. 예를 들어 커크 바네도에 (Kirk Varnedoe)는 포스트 모더니즘과 같은 것은 존재하지 않으며 모더니즘의 가능성은 아직 고갈되지 않았다고 말했다. 이 비평가들은 현재 소수에 속합니다.

힐튼 크레이머 (Hilton Kramer)는 포스트 모더니즘을 포스트 모더니즘의 창안이라고 묘사하고 있습니다. Jean-François Lyotard는 Frederic Jameson의 분석에서, 높은 모더니즘 시대와 근본적으로 다른 포스트 모더니즘 단계가 있다고 주장하지 않는다. 그 대신, 현대 모더니스트 스타일에 대한 포스트 모던적인 불만은 새로운 모더니즘을 탄생시킨 높은 모더니즘의 실험의 일부입니다.

현대 미술의 급진적 인 움직임
모더니즘과 근대 예술의 급진적 인 움직임과 후기 근대주의와 포스트 모더니즘에 대한 영향력있는 선구자로 간주되는 급진적 인 경향은 1 차 세계 대전과 특히 그 여파로 드러났다. 큐비즘, 다다 (Dada), 초현실주의와 같은 예술 작품에 산업 공예품을 사용하는 것은 물론, 콜라주, 영화와 같은 예술 작품, 예술 작품을 만드는 수단으로 재생산의 등장 등의 기술을 도입했습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso) 모더니스트와 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)은 반란군이 발견 된 대상에서 중요하고 영향력있는 작품을 창작했습니다.

Fauvism, 입체파, 다다, 초현실주의의 선례
20 세기 초 Henri Matisse와 André Derain이 Fauvist 화가와 Pablo Picasso와 Georges Braque의 놀라운 혁신과 큐비즘과 전위 예술을 세계적으로 성공시킨 Marcel Duchamp는 조각품으로서 소변을 전시했습니다. 그의 요점은 그것이 소설 작품 인 것처럼 사람들이 소변기를 보게하는 것이 었습니다. 그는 그의 작품을 “Readymades”라고 불렀다. 분수대 (Fountain)는 RUT MUTT라는 가명으로 서명 한 소변기로, 1917 년에 예술계에 충격을주었습니다.이 Duchamp의 다른 작품들은 일반적으로 Dada로 분류되어 있습니다.

다다이즘은 초현실주의, 미래주의, 추상 표현주의와 함께 기존 스타일과 형식에 도전하려는 모더니스트 성향의 일부로 볼 수 있습니다. 연대 기적 관점에서 다다 (Dada)는 모더니즘 내에서 확고하게 자리 잡고 있지만, 포스트 모더니즘을 예상하는 많은 비평가들이 있지만, Ihab Hassan과 Steven Connor와 같은 다른 사람들은 모더니즘과 포스트 모더니즘의 전환점으로 간주하고있다.

Fauvism과 Henri Matisse는 특히 후기 현대주의의 중요한 이정표 인 추상 표현주의와 색칠 그림 모두에 중요한 영향을주었습니다. 댄스는 일반적으로 “마티스의 커리어와 현대 회화의 발전의 핵심 포인트”로 알려져 있습니다. 파란 색의 단순한 디자인과 순수한 느낌에 중점을 둔이 작품은 뉴욕의 MoMA에서 본 미국인 예술가들에게 엄청난 영향을 미쳤습니다.

높은 예술과 문화
운동으로서의 모더니즘의 정의를위한 점화 지점은 중요한 전후 예술가들과 맛 – 제작자들에 의한 키치와 같은 대중 문화의 엄격한 거부였습니다. 특히 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)는 자신의 논문 ‘아방가르드와 키치 (Avant-Garde and Kitsch)’를 처음으로 공개했습니다. 1940 년대와 1950 년대에 그린버그는 명료하고 강력한 예술 평론가였습니다. 특히 미국 추상 표현주의에 대한 글과 20 세기 유럽 근대주의는 설득력있게 높은 예술과 문화의 사례를 만들었다. 1961 년 Art and Culture에서 Beacon Press는 Clement Greenberg의 영향력있는 에세이 컬렉션을 처음으로 출판했습니다. 그린버그는 형식 주의적 미술 평론가로 일컬어지며, 그의 가장 중요한 에세이 중 상당수는 현대 미술사와 현대주의와 후기 모더니즘의 역사에 대한 이해에 결정적으로 중요합니다.

Jackson Pollock : 추상적 표현주의
1940 년대 후반 폴록의 급진적 인 회화 적 접근은 그를 따르는 모든 현대 미술의 잠재력에 혁명을 일으켰습니다. Pollock은 어느 정도 예술 작품 제작에 대한 여정이 예술 작품만큼이나 중요하다는 것을 깨달았습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)가 큐비즘과 조각품을 통해 세기의 전환기에 접어 든 회화와 조각의 혁신적인 개혁과 마찬가지로 폴락 (Pollock)은 20 세기 중반의 예술이 만들어지는 방식을 재정의했습니다. 폴록의 움직임 – 이젤 회화와 관습으로부터 벗어남 -은 동시대의 예술가들과 그 이후의 모든 예술가들에게 해방의 신호였습니다. 아티스트들은 잭슨 폴록의 작업 과정을 아티스트 자료, 산업 자재, 이미지, 비 이미지, 페인트의 선형 뼈대 던지기, 물방울, 드로잉, 얼룩이짐, 칫솔질 등을 사용하여 사방에서 바닥에서 작업하면서 원시 사 캔버스를 사면에서 작업한다는 것을 깨달았습니다. 이전 경계를 초월한 예술 작품. 추상 표현주의는 일반적으로 예술가가 새로운 예술 작품을 창작 할 수있는 가능성과 정의를 확장하고 발전 시켰습니다. Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philips Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt 및 다른 사람들의 혁신은 수문을 열어 모든 미술의 다양성과 범위를 넓혔습니다. .

네오 다다, 콜라주 및 조립
추상 표현주의와 관련하여 예술품 소재가 결합 된 제조 품목이 출현하여 이전의 회화 및 조각 협약에서 벗어났습니다. 1950 년대 팝 아트와 설치 예술의 선구자였던 로버트 라우스 첸 버그 (Robert Rauschenberg)의 작품은 예술품의 흐름을 보여 주며 박제 된 동물, 새, 상업 사진 등 거대한 물리적 인 물건을 모은 것입니다.

레오 스타 인버그는 1969 년에 포스트 모더니즘이라는 용어를 사용하여 Rauschenberg의 “평판 형”사진 평면을 묘사하며, 선사 시대와 근대주의의 회화 영역과 호환되지 않는 다양한 문화 이미지와 유물을 포함합니다. Craig Owens는 Steinberg의 관점에서 “자연에서 문화로의 전환”이 아닌 Rauschenberg의 작업의 중요성을 확인하면서 야당을 수락 할 수 없다는 것을 증명하는 것으로 나아갑니다.

Steven Best와 Douglas Kellner는 모더니즘과 포스트 모더니즘 사이의 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)의 영향을받은 과도기적 단계의 일부로 Rauschenberg와 Jasper Johns를 확인합니다. 두 사람은 높은 모더니즘의 추상화와 회화 적 제스처를 유지하면서 일반 작품이나 작품 자체의 이미지를 사용했다.

1960 년대와 1970 년대의 추상적 인 회화와 조각
기하학적 추상화는 1950 년대와 1960 년대의 추상적 인 회화와 조각에서 많은 조각가와 화가들의 작품에서 중요한 방향으로 나타났습니다. 그림 색칠에서, 미니멀리즘, 단단한 그림 및 서정적 추상화가 급진적 인 새로운 방향을 구성했습니다.

Helen Frankenthaler, Morris Louis, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn David Smith, Anthony Caro, Mark Di Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, 이삭 위트 킨, 앤 트루 잇, 케네스 스넬슨, 알 홀드, 로널드 데이비스, 하워드 Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam, Peter Reginato 등이 1960 년대의 추상적 인 회화와 조각을 특징으로하는 예술가들이었습니다. 서정적 인 추상화는 색칠과 추상 표현주의와의 유사성을 특히 페인트의 자유로운 사용법 – 질감과 표면에서 공유합니다. 직접 드로잉, 붓글씨, 산산조각, 얼룩진 페인트, 물감 붓기, 쏟아진 페인트의 효과는 추상적 표현주의 및 색칠 그림에서 볼 수있는 효과와 표면적으로 유사합니다. 그러나 스타일은 현저하게 다릅니다. 1940 년대와 1950 년대의 추상적 표현주의와 액션 페인팅과는 차별화되는 것은 구성과 드라마에 대한 접근법이다. 액션 페인팅에서 볼 수 있듯이 붓질, 높은 구성의 드라마, 역동적 인 구성 긴장이 강조됩니다. 서정적 인 추상화에는 작곡 무작위성, 전반적인 구성, 낮은 키 및 편안한 구성 드라마 및 프로세스, 반복 및 온통 감성에 중점을 둡니다. 로버트 마더 웰, Adolph Gottlieb, 필립 Guston, 리 크라스너, Cy Twombly, 로버트 Rauschenberg, 재스퍼 존스, 리처드 Diebenkorn, 조세프 Albers, 엘머 Bischoff, 아그네스 마틴, 알 Held, 샘 프란시스와 같은 강력하고 영향력있는 1960 년대와 1970 년대 예술가 동안, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas 및 Brice Marden, Samuel Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, 엘리자베스 머레이, 래리 폰스, Walter Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento 및 수십 명의 사람들이 계속해서 중요하고 영향력있는 작품을 제작했습니다.

미니멀리즘과 미니멀리즘
1960 년대 초 미니멀리즘은 미술에서 추상적 인 움직임으로 나타났습니다 (말레 비치, 바우 하우스 및 몬드리안을 통한 기하학적 추상화에 뿌리를두고 있음). 미니멀리즘의 선구자로 등장한 중요한 예술가로는 Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Barnett Newman, Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre, Robert Smith, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris 및 Ronald Bladen 다른 이들 사이. 이 예술가들은 또한 리처드 터틀 (Richard Tuttle)의 예와 같이 모양의 캔버스를 자주 사용했습니다. 최소한의 예술은 관계적이고 주관적인 회화, 추상 표현주의 표면의 복잡성, 그리고 액션 페인팅 분야에 존재하는 정서적 인 정신 분석과 논쟁의 개념을 거부했다. 미니멀리즘은 극단적 인 단순성이 예술에 필요한 모든 숭고한 표현을 포착 할 수 있다고 주장했다. 프랭크 스텔라 (Frank Stella)와 같은 화가와 관련된 회화와 조각의 미니멀리즘은 다른 영역과는 대조적으로 후기 현대주의 운동이며 문맥에 따라 포스트 모던 운동의 선구자로 해석 될 수 있습니다.

할 포스터 (Hal Foster)는 미니멀리즘의 핵심 주제 인 도널드 저드 (Donald Judd)와 로버트 모리스 (Robert Morris)가 그린버그 모더니즘을 그린 미니멀리즘의 정의에서 인정하고 초과하는 정도를 검토한다. 그는 미니멀리즘은 모더니즘의 “막 다른 골목”이 아니라 “오늘날 정교한 포스트 모던 관행으로의 패러다임 변화”라고 주장했다.

1960 년대 후반이라는 용어는 로버트 핀 커스 – 위튼 (Robert Pincus-Witten)에 의해 미니멀리즘이 거부 한 내용과 맥락적인 상음을 지닌 미니멀리스트 파생 미술을 묘사하고 에바 헤세 (Eva Hesse), 키이스 소 니어 (Keith Sonnier), 리처드 세라 (Richard Serra) 전 미니멀리스트 Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va 등이 있습니다.

Rosalind Krauss는 1968 년 Morris, LeWitt, Smithson, Serra와 같은 예술가들은 논리적 조건이 더 이상 근대 주의자로 묘사 될 수없는 상황에 접어 들었다고 주장한다. 토지 예술과 건축을 포함하는 조각 범주의 확장은 “포스트 모더니즘으로의 전환을 초래했다.”

Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken 등의 미니멀리스트들은 자신의 커리어의 나머지 부분에 대해 근대주의 회화와 조각품을 제작했습니다.

프로세스 아트
그러나 1960 년대 후반까지 프로세스 예술은 그림과 조각, 서정적 추상화와 후기 미니멀리즘 운동, 그리고 초기 개념 미술을 포함한 혁명적 개념과 운동으로 부상했다. Hannah Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va, Michael Heizer, Eva Hesse, Robert Smith, Walter De Maria, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, 로렌스 와이너 (Lawrence Weiner), 조셉 코 수트 (Joseph Kosuth), 앨런 사렛 (Alan Saret)은 1960 년대에 등장한 일부 과정 작가들이었다. Pollock에서 영감을 얻은 프로세스 아트는 스타일, 내용, 재료, 배치, 시간 감각, 크기, 크기 및 플라스틱 및 실제 공간의 다양한 백과 사전을 실험하고 사용합니다.

팝 아트
“팝아트”라는 용어는 Lawrence Alloway가 제 2 차 세계 대전 시대의 소비주의를 기념하는 그림을 묘사하는 데 사용되었습니다. 이 운동은 추상적 표현주의와 그것의 초점을 해석학적이고 심리적 인 내부에 대해 거부했으며, 대량 생산 시대의 중요한 소비 문화, 광고 및 도상을 묘사 한 예술에 찬성하여 종종 찬성했다. David Hockney의 초기 작품과 Richard Hamilton, John McHale, Eduardo Paolozzi의 작품은이 운동에서 가장 중요한 사례로 간주되었습니다. 후기 미국의 사례에는 Andy Warhol과 Roy Lichtenstein의 경력과 Benday 도트의 상업적 재현에 사용 된 기법이 포함되어 있습니다. Duchamp의 급진적 인 작품, 반항적 인 Dadaist와 유머 감각이 뚜렷한 관계가 있습니다. Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein 및 기타와 같은 팝 아티스트가 있습니다.

일반적으로 팝아트와 미니멀리즘은 모더니스트 운동으로 시작되어 패러다임의 변화와 1970 년대 초기의 형식주의와 반정매주의 사이의 철학적 분리로 인해 일부 사람들은 이러한 움직임을 선구자로 보거나 포스트 모던 예술로 전환하게되었습니다. 포스트 모더니즘 예술에 영향을 미치는 다른 현대 운동으로는 개념 예술, 다다와 초현실주의, 예술 작품의 기초로 녹음이나 재생산을 사용하는 조립, 몽타주, 콜라주, 브리 콜라주 및 예술 형식과 같은 기법의 사용이 있습니다.

팝 아트가 근대주의 근대 운동인지 아니면 포스트 모던인지에 관한 의견이 다릅니다. Thomas McEvilly는 Dave Hickey와의 의견에 비춰볼 때 시각 예술 분야의 포스트 모더니즘은 포스트 모더니즘이 시각 예술에서 지배적 인 태도가되기까지는 약 20 년이 걸렸지 만 1962 년 팝 아트의 첫 번째 전시회에서 시작되었다고 말합니다. Frederic Jameson 역시 팝 아트를 포스트 모더니즘으로 간주합니다.

팝 아트가 포스트 모던이라는 한 가지 방법은 예술과 대중 문화 사이에서 Andreas Huyssen이 “위대한 분열”이라고 부르는 것을 무너 뜨리는 것입니다. 포스트 모더니즘은 “높은 모더니즘의 범주 적 확실성에 대한 세대간의 거부”에서 나온다. 모더니즘은 단지 “높은 예술”을 의미하며, “높은”예술을 구성하는 것이 모더니즘을 근본적으로 오해하고 있다는 것을 전제로합니다.

공연 예술과 사건
1950 년대 후반과 1960 년대 후반에 걸쳐 광범위한 관심사를 가진 예술가는 현대 미술의 경계를 넓히기 시작했습니다. 뉴욕의 Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman 및 Yoko Ono는 공연 예술 작품의 선구자였습니다. 줄리안 벡 (Julian Beck)과 주디스 말리 나 (Juith Malina)의 리빙 극장 (Living Theatre)과 같은 그룹은 조각가와 화가가 협력하여 환경을 만들어 냈습니다. 관객과 출연자 사이의 관계를 근본적으로 바꾸어 놓았습니다. 뉴욕의 Judson Memorial Church, Judson 댄서, 특히 Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton 및 기타 작가와 협연 한 Judson Dance Theatre Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg 및 Billy Klüver와 같은 엔지니어가 있습니다. 이러한 퍼포먼스는 흔히 관객 참여로 조각, 춤, 음악 또는 사운드를 결합하여 새로운 예술 형식을 창안하기 위해 고안되었습니다. 작품은 미니멀리즘의 환원 철학, 즉흥적 표현과 추상 표현주의의 표현력으로 특징 지워졌다.

같은 기간 동안 – 1950 년대 후반부터 1960 년대 중반까지 다양한 전위 예술가들이 Happenings을 창작했습니다. 사건은 신비스럽고 때로는 자발적이고 비공식적 인 예술가들과 그들의 친구 및 친척들로 구성된 다양한 장소에서 모였습니다. 부조리, 신체 운동, 의상, 자발적인 누드, 다양한 무작위로 보이는 운동과 겉으로보기에는 단절된 행동으로 연습을 통합하는 경우가 많습니다. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms 및 Robert Whitman은 Happenings의 주목할만한 창작자였습니다.

플럭서스
Fluxus는 1962 년 George Maciunas (1931-78)가 리투아니아 태생의 미국 예술가에 의해 선정되었고 느슨하게 조직되었습니다. 플럭서스 (Fluxus)는 뉴욕시의 사회 연구를위한 뉴 스쿨 (New School for Social Research)에서 존 케이지 (John Cage)의 1957 ~ 1959 실험 작곡 수업을 시작합니다. 그의 많은 학생들은 음악에 대한 배경이 거의 또는 전혀없는 다른 미디어에서 일하는 예술가였습니다. Cage의 학생들은 Fluxus 창립 멤버 Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht 및 Dick Higgins를 포함했습니다.

플럭서스는 자신에게 미적이면서도 단순성을 높이는 것을 권장했습니다. 그 이전의 Dada와 마찬가지로 Fluxus는 예술가 중심의 창의적 관행에 찬성하여 기존의 시장 주도 예술 세계를 비판하면서 반독리주의와 반 예술 감성의 강력한 현재를 포함했습니다. Fluxus 아티스트는 현재 보유하고있는 자료가 무엇이든 상관없이 자신의 작품을 만들거나 동료와 함께 제작 과정에서 공동 작업하는 것을 선호했습니다.

안드레아스 위센 (Andreas Huyssen)은 포스트 모더니즘에 대한 플럭서스의 주장을 “포스트 모더니즘의 마스터 코드 또는 궁극적으로 표현할 수없는 예술 운동으로 – 포스트 모더니즘의 숭고한 것”이라고 비판한다. 대신 Fluxus는 전위 적 전통 안에서 네오 다다이스트의 주요 현상으로 간주됩니다. 그것은 냉전 시대의 이데올로기 적 소품으로 작용했던 온건하고 길들여 진 모더니즘이 1950 년대의 관리 문화였던 것에 반발을 불러 일으켰지 만 예술적 전략 개발에있어서 큰 발전을 의미하지는 않는다.

높고 낮은
1990 년 클레멘트 그린버그의 아방가르드와 키치에 대한 일종의 반응으로 커크 바네도에 (Kirk Varnedoe)와 아담 고프 니크 (Adam Gopnik)는 뉴욕 현대 미술관 (Museum of Modern Art)에서 현대 미술과 대중 문화를 높이 평가하고 낮추었습니다. 이번 전시회는 예술가와 고등 문화가 대중 문화를 통해 그리고 대중 문화에서 끌어 당기는 정도를 설명하려고 시도했다. 더글러스 크림프 (Douglas Crimp)와 힐튼 크레이머 (Hilton Kramer)를 경멸의 코러스로 함께 불러올 수있는 유일한 이벤트로 당시에는 보편적으로 패닝되었지만. 이번 전시는 후기 근대주의와 포스트 모더니즘의 갈등을 벤치마킹 한 것으로 기억됩니다.

포스트 모더니즘 예술과 관련된 움직임

개념 예술
개념 예술은 1960 년대 후반 현대 미술에서 중요한 발전으로 자리 잡았으며 현상 유지에 대한 영향력있는 비판을 전달했습니다. 늦은 모더니즘은 1960 년대 후반에 팽창하고 수축했으며 개념 예술은 모더니즘과 완전히 단절되었습니다. 때로는 포스트 모던 (artmodern)이라는 라벨이 붙여 지는데, 이는 포스트 모던 (artmodern)으로 분류됩니다. 개념 예술은 자주 그것을 직면하는 많은 사람들에 의해 개최 개념을 직면, 불쾌하거나 공격하도록 설계 되었기 때문에, 특정 논쟁으로 간주됩니다. 뒤샹은 개념 예술의 전조로 볼 수 있습니다. 따라서 분수대가 전시 되었기 때문에 그것은 조각품이었습니다. 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)은 유명한 체스 (arthes)를 포기했다. 전위 예술가 데이비드 튜더 (David Tudor)는 로웰 크로스 (Rosell Cross)와 공동으로 작곡 한 리 유니언 (Reunion, 1968)이라는 작품을 만들었는데,이 작품은 체스 게임을 특징으로하며, 각각의 움직임은 조명 효과 나 투사를 유발합니다. 시사회에서 게임은 John Cage와 Marcel Duchamp 사이에서 진행되었습니다. 존 케이지 (John Cage)의 33 분의 4 분의 침묵과 Rauschenberg의 Erased De Kooning Drawing으로 유명한 몇 가지 예가 있습니다. 많은 개념 작업은 관객이 대상을 보거나 예술로 행동하는 것으로 만들어지는 입장을 취합니다. 작품 자체의 고유 한 특성으로부터

설치 미술
포스트 모던 (postmodern)이라고 일관되게 묘사 된 예술에서 중요한 일련의 움직임은 설치 미술과 개념 상 유물의 창작을 포함합니다. 예를 들어, “내가 원하는 것에서 보호”와 같은 특정 메시지를 전달하기 위해 예술 장치를 사용하는 Jenny Holtzer의 징후가 있습니다. 설치 미술은 제작되고 발견 된 물건의 광대 한 콜라주로 구성된 대형 작품을 보관할 수 있도록 현대 미술 박물관을 위해 선택된 공간을 결정하는 데 중요합니다. 이러한 설치 및 콜라주는 움직이는 부품 및 조명과 함께 종종 전기가 통합니다.

그들은 종종 환경 문제를 일으키기 위해 설계되었습니다. Christo와 Jeanne-Claude의 Iron Curtain은 교통 체증을 유발하기위한 일련의 배럴이었습니다.

인터 미디어 및 멀티미디어
포스트 모던이라는 용어와 관련이있는 예술의 또 다른 경향은 다양한 매체를 함께 사용하는 것이다. Intermedia는 Dick Higgins가 만든 용어로 Fluxus, Concrete Poetry, Founded objects, 퍼포먼스 아트 및 컴퓨터 아트 라인을 따라 새로운 예술 작품을 전달하고자했습니다. 히긴스 (Higgins)는 아티스트 Alison Knowles와 결혼 한 Marcel Duchamp의 추종자 인 Something Else Press의 발행인이었습니다. Ihab Hassan은 “형식의 융합, 영역의 혼란”인 Intermedia를 포스트 모더니즘 예술의 특성에 대한 그의 목록에 포함시킵니다. “멀티미디어 아트”의 가장 일반적인 형태 중 하나는 비디오 아트라고하는 비디오 테이프 및 CRT 모니터를 사용하는 것입니다. 여러 예술을 하나의 예술로 결합하는 이론은 상당히 오래되었고 주기적으로 부흥되었지만 포스트 모던 적 표현은 흔히 극적인 하위 텍스트가 제거 된 퍼포먼스 아트와 결합되어 있으며, 남아있는 것은 예술가의 구체적인 진술이다. 질문 또는 행동의 개념적 진술.

세출 및 신 개념 미술
The Allegorical Impulse : Postmodernism의 이론으로, Craig Owens는 포스트 모더니즘 예술의 특성으로서의 우화 적 충동의 재현을 확인한다. 이 충동은 Sherrie Levine과 Robert Longo와 같은 예술가의 세출 예술에서 볼 수 있습니다. 왜냐하면 “우화 적 이미지는 적절한 이미지입니다.” 세출 미술은 예술적 천재성과 독창성에 대한 모더니스트 개념을 깨뜨리고 현대 미술보다 양면성과 모순이며 동시에 이데올로기를 설치하고 파괴한다.

신 표현주의
Georg Baselitz와 Julian Schnabel과 같은 신 표현주의 예술가의 작품에서 볼 수있는 1970 년대 후반과 1980 년대 초반의 조각과 회화의 전통 예술 형태로의 회귀는 포스트 모더니즘 경향으로 묘사되어 왔고, 포스트 모던 시대에 등장한다. 그러나 상업 미술 시장과의 강력한 연관성은 포스트 모던 운동으로서의 지위와 포스트 모더니즘 자체의 정의에 관해 의문을 제기했다. 할 포스터 (Hal Foster)는 신 표현주의가 미국의 레이건 – 부시 시대의 보수적 인 문화 정치에 연루되었다고 주장한다. 펠릭스 가타리 (Félix Guattari)는 “독일의 신 표현주의”라 불리는 대규모 판촉 활동을 무시한다. 포스트 모더니즘이 모더니즘의 마지막 헐떡 거림 일 뿐이라는 것을 증명하기에는 너무 쉬운 방법 “이라고 주장했다. 이러한 신 표현주의에 대한 비판은 개념적 페미니즘 미술 관행이 현대 미술을 체계적으로 재평가 한 것과 같은시기에 돈과 홍보가 미국에서 현대 미술 세계의 신뢰성을 유지함을 보여줍니다.

제도적 비판
Marcel Broodthaers, Daniel Buren 및 Hans Haacke의 작업에서 예술 기관 (주로 박물관 및 미술관)에 대한 비판이 제기됩니다.

21 세기의 후기 근대주의 회화와 조각
21 세기 현대 회화의 시작에서 현대 조각과 현대 미술은 일반적으로 다원주의라는 특징을 특징으로하는 몇 가지 인접한 방식으로 계속됩니다. 회화, 조각 및 현재 예술의 “위기”와 현재의 예술 비평은 오늘날 다원주의에 의해 제기되고 있습니다. 나이를 대표하는 스타일에 관해서는 합의가 없으며 필요가 없습니다. 어떤 태도로 나아가는 태도가 있습니다. “계속되고있는 모든 것”, 결과적으로 “아무것도 일어나지 않는”증후군; 이것은 확고하고 명확한 방향과 예술적인 고속도로의 모든 차선이 가득 채워져있는 미적인 교통 체증을 만듭니다. 결과적으로, 예술의 장엄하고 중요한 작품은 다양한 스타일과 미적 기질로 만들어지기 시작하는데, 시장은 장점을 판단하기 위해 남겨집니다. 1984 년 Frank Stella의 La scienza della pigrizia (The Science of Laziness)는 스텔라가 2 차원에서 3 차원으로 전환 한 예이며 후기 모더니즘의 훌륭한 예입니다.

Hard-edge painting, geometric abstraction, appropriation, hyperrealism, photorealism, expressionism, minimalism, lyrical abstraction, pop art, op art, abstract expressionism, color field painting, monochrome painting, neo-expressionism, collage, intermedia painting, assemblage painting, digital painting, postmodern painting, Neo-Dada painting, shaped canvas painting, environmental mural painting, traditional figure painting, landscape painting, portrait painting, are a few continuing and current directions in painting at the beginning of the 21st century. The New European Painting of the 1990s and the beginning of the 21st century, with painters like Gerhard Richter, Bracha Ettinger and Luc Tuymans, has opened a complex and interesting dialogue with the legacy of American color field and lyrical abstraction on the one hand and figurality on the other hand.