한국화는 한국이나 해외 한국인이 만든 모든 그림을 포함합니다. 그것은 일시적인 형태의 빛을 사용하여 포스트 모더니즘 개념 예술을 통해 암각화처럼 오래된 예술을 포함합니다. 서예는 유화에서는 거의 발생하지 않으며 한국 서예에서 다루어진다. 동아시아의 예술처럼 공간의 아름다움은 한국화에 중요합니다.

소개
일반적으로 한국화의 역사는 처음으로 독립된 형태로 등장 할 때 약 108 년으로 거슬러 올라갑니다. 그 시간과 고구려 고분에 등장하는 그림과 벽화 사이에는 연구가 거의 이루어지지 않았다. 조선 시대까지는 한국의 풍경, 안면의 특징, 불교의 주제, 한국 천문학의 급속한 발전에 따른 천문 관측에 중점을 두면서 중국의 영향력이 가장 큰 영향을 미쳤다.

한국화의 역사를 통틀어서, 뽕나무 종이 나 실크에 검은 붓꽃 모양의 단색 작품이 끊임없이 분리되어 있습니다. 색채가 풍부한 민속 예술이나 민화, 의식 예술, 무덤 그림, 축제 예술 등이있다.

학자들, 특히 유교 예술계의 학자들은 그라데이션 내에서 단색 그림에서 색을 볼 수 있고 색의 실제 사용이 그림을 조잡하게하고 상상력을 제한한다고 느꼈습니다. 한국의 민속 예술과 건축 틀의 그림은 외부의 목재 틀을 밝게하고 중국 건축의 전통과 인도 예술에 영감을받은 풍성한 부유 한 탈로와 원색의 초기 불교 적 영향으로 다시 보았다.

1945 년 이후의 한국 화가들은 서구의 접근 방식 중 일부를 동화시켰다. 두꺼운 impasto 기술과 전면 브러시 스트로크를 가진 특정 유럽 작가들이 한국의 관심사를 먼저 포착했습니다. Gauguin, Monticelli, Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Braque와 같은 예술가들은 예술 학교에서 가장 많이 배웠으며 책을 쉽게 구할 수 있고 조기에 한국어로 번역하여 매우 영향력이있었습니다. 그리고 이것들은 황색 황토색, 황색 카드뮴, 나폴리 옐로우, 붉은 땅, 시에나 등 현대 한국 예술가들의 색조 팔레트가 그려져 있습니다. 모두 두꺼운 색으로 칠해졌으며 거칠게 칠해졌으며 종종 짙은 질감의 캔버스 나 두꺼운 자갈 무늬의 수제 종이를 보여줍니다.

컬러 이론은 공식적인 관점에서 사용되어 왔고 화가에 대한 주된 영향은 도예 예술이기 때문에 회화 적 예술과 팝 그래픽 사이에는 아직 중복이 존재하지 않습니다.

장르 주제
Buddha 또는 Buddhist 수도사를 보여주는 Buddhist art의 예상 장르와 조용한 산악 환경에서 휴식을 취하는 학자들의 유교 예술은 일반적으로 동아시아의 예술 경향을 따른다. Nimbus 색상은 반드시 금색이 아니므로 밝은 색상으로 제안 할 수 있습니다. 얼굴은 사실주의적이고 인성과 나이를 나타내는 경향이 있습니다. 커리큘럼은 약간의 배려로 마무리되었습니다. 얼굴은 일반적으로 2 차원이며, 3 차원 차원입니다. 중세와 르네상스 시대의 서구 예술 에서처럼, 도예와 얼굴은 특정 회화 적 기술을 전문으로하는 2 ~ 3 명의 예술가가 종종 수행합니다. Iconography는 불교 도상법을 따른다.

학자들은 전통적인 난로 파이프 모자 또는 기타 랭킹 모자와 학자의 단색 옷을 입는 경향이 있습니다. 일반적으로 그들은 산 근처 또는 산장에있는 찻집에서 휴식을 취하거나 선생님이나 멘토와 함께 사진을 찍을 것입니다.

전 세계에 걸쳐 친숙한 사냥 장면은 한국의 미술에서 자주 볼 수 있으며 몽골어와 페르시아어 사냥 장면을 연상케합니다. 멧돼지, 사슴, stags 및 시베리아 호랑이도 사냥되었습니다. 특히 치명적인 스피어스와 스피어 핸들링 메이스는 사냥터 내에서 사냥꾼이 동물의 초기 도발을 유도 한 후 지상의 궁수가 기수에 의해 사용되었습니다. 불상은 한국인의 얼굴 특징을 가지고있는 경향이 있으며 쉬운 휴식 위치에 있습니다.

카테고리

타오 – 샤머니즘 회화
장수 상징 :이 장르의 민속화 중에서 가장 장엄하게 10 장수의 그림이 그려져 있습니다. 태양, 구름, 산의 물, 대나무, 소나무, 기니, 사슴, 거북이 및 불멸의 버섯을 포함한 10 개의 장수 상징 (Shipjangsengdo)은 종종 하나의 그림으로 모두 함께 제시됩니다.

호랑이 : 호랑이는 한국 민속화에서 가장 인기있는 주제 중 하나였습니다. 동양의 신화적인 “화이트 호랑이”수호신에서 비롯된 것 같지만, 한국 민속 전통에 등장하는 호랑이의 특징은 사나운 짐승으로 묘사되는 것이 아니라 친근하고 때로는 재미 있고 어리석은 동물로 묘사됩니다.

산의 정신과 용의 왕 : 인기있는 산의 정신과 용의 모티프는 한국 역사의 유명한 두 명의 인물 인 단군과 문무에서 유래했습니다. 단군은 산의 정신으로 변한 한국인의 전설적인 조상이다. 용의 왕은 보통 파도 속에서 구름을 타고 날아 다니는 거대한 동물로 묘사됩니다.

불교 회화
전국의 불교 사원과 암자에는 의식 용 대형 아이콘 이미지부터 경전 용 그림 및 유명한 승려와 초상화에 대한 일화에 이르기까지 다양한 민속화가 보관되어 있습니다. 이 성전은 단순한 구성과 밝은 색으로 유명합니다.

유교 그림
이 분류의 민속 그림은 유명 인사들의 인기있는 주제에 대한 인물 디자인, 유명한 학자들의 삶의 이야기를 묘사 한 그림, 강에서 뛰어 올라 잉어가 뛰어난 학업 성취를위한 열망을 형상화 한 용으로 변모 한 장면을 묘사 한 것입니다. 공무원의 성공적인 경력.

장식 그림
대다수의 고대 민속화는 장식적인 목적으로 사용되었습니다. 이 그림들은 일반적으로 상대적으로 가난한 기술로 인기있는 주제를 반복하지만 샤머니즘, 도교, 불교 및 유교와 같은 다양한 신앙을 조화시키는 국가의 종교 전통을 입증합니다.

고구려 화가
크게 무덤 그림에서 보존 된 고구려 예술은 그 이미지의 활력으로 유명합니다. 고구려의 무덤과 다른 벽화에서는 세세한 예술 작품을 볼 수 있습니다. 예술 조각의 대부분은 원래 그림 스타일을 가지고 있습니다.

고구려 무덤 벽화는 고구려 기간 370 년경 AD 668 년 경에 AD 500 년경에 지어졌습니다. 2005 년까지 70 개의 벽화가 발견되었는데 대부분 황해남도 아낙 지역 평양 인근의 태동강 유역에서 발견되었다.

고려 왕조
고려 시대에는 불교의 예식에서 유난히 아름다운 그림이 만들어졌다. 보살의 그림 인 Avalokiteshvara (한국 : Gwaneum Bosal)는 특히 우아함과 영성으로 유명합니다. 고려의 대표적인 가족들의 후원으로 불교 성도들 또는 수도사들의 세련되고 상세한 그림들과 같은 고품질의 불교 회화들이 생산되었습니다.

법원 화가 이영과 학자 화가 이재현은 불교 전통을 넘어 중요한 고려인으로 간주된다.

조선 왕조
유교의 영향은이시기의 불교를 대신하였으나 불교 요소가 남아 있었지만 불교 예술이 쇠퇴 한 것은 사실이 아니며 왕실 미술관이나 조선 왕조의 대중적 취향에 대해서는 공개적으로 밝혀지지 않았다. ; 그러나 민간 가정과 조선 왕조의 여름 궁전에서 불교 예술의 단순함은 큰 감사를 받았다. 그러나 그것은 순수 예술로 간주되지 않았다.

조선 왕조로 이어진 과도기에 한국의 일부 불교 화가들이 일본으로 떠났다. 일본의 소가 학교 설립자 인 이수문 (1400-1450?)은 1424 년에 한국에서 일본으로 돌아 왔을 때 장직 한 성직자 인 쇼 코쿠 지 (Shokoku)의 추종자와 함께 보트 타기를했다. 일본 전통이 선언했다. 쇼팽 요시모치 (Shogun Yoshimochi)가 전설적인 조 세츠 (Josetsu)의 아들이라고 주장하는 그의 “메기와 조롱박”그림을 이순신이 숙련 된 것으로 보았다. 이순신은 일본 선 미술의 원본과 나란히 그려져 영향을 받았다. 그의 일본 이름 Ri Shubun 또는 한국 Shubun에 의해 일본에서 알려졌다. 일본 미술의 모든 바늘 포인트 전통은 이순신에서 시작되어 아시카가 (Ashikaga) 쇼군들에 의해 후원 된 궁전 학교보다 더 자연스러운 예술가 그룹 인 소가 학교 (Soga School)라고 알려진 학생들을 통해 계속되었습니다.

조선 왕조가 군사적 지원을 받으면서 고려의 문체가 진화하고 불교의 도상 (대나무, 난초, 매화, 국화, 친숙한 매듭을 짓는 기호)은 여전히 ​​장르 그림의 일부분이었다. 색깔이나 형태 모두 실제 변화가 없었고, 통치자는 예술에 관한 명령에서 제외되었다. 명나라 이상과 수입 기술은 초기 왕조의 이상화 된 작업에서 계속되었다.

초기 왕조 화가는 다음을 포함합니다 :

15 세기의 화가.
중기 시대의 회화 스타일은 사실성이 향상되었습니다. “진정한 시각”이라 불리는 전국 그림 스타일의 풍경이 시작되었습니다. 이상적인 일반적인 풍경의 중국 전통 스타일에서 정확하게 렌더링 된 특정 위치로 이동합니다. 사진이 아닌 스타일은 한국 미술의 표준 스타일로 확립되고 지원되기에 충분한 학문이었습니다.

중반의 화가는 다음을 포함합니다 :

황 지중 (1533 년생)
중후반의 조선 왕조는 한국화의 황금 시대라고 할 수 있습니다. 중국의 만주 황제 가입과 명나라 왕조의 붕괴와 한국인 예술가들이 민족주의와 특정 한국인의 내적 수색을 토대로 새로운 예술적 모델을 구축하도록 강요 한 것과 맞먹습니다. 이시기에 중국의 영향력이 현저히 줄어들었고, 한국 미술은 그 과정을 거치면서 점차 독특 해졌습니다.

주요 화가의 목록은 길지만 가장 유명한 이름은 다음과 같습니다.

정선 (1676-1759), 중국의 명나라 우족 학교의 영향을받은 문학가. 많이 다이아몬드 산 풍경에 의해 가져 가게된다.
윤 듀서 (1668 ~ 1715).
그의 이름 인 김홍도 (1745-1806?)는 많은 자연 작업 활동에서 공통적이고 노동 계급의 사람들로 붐비는 장면을 매우 화려하게 꾸몄다. 그의 그림은 엽서 나 사진 같은 사실주의를 백인 팔레트에 담았다. , 블루스, 그린. 그의 작품에는 서예가 거의 없다. 그러나 그들은 유머 감각과 다양한 동작과 움직임을 가지고있어서 오늘날까지 매우 모방되어 있습니다.
신윤복 (Shin-Yon-bok, 1758-?)은 혜원을 펜 이름으로 불렀다. 그는 그의 강한 빨강 및 파랑 및 잿빛 산 풍경으로 유명합니다.
장윤엽 (1843-1897)은 그의 이름에서 오웬 (Owon)이라고도 불리는 한국의 조선 후기 화가이자 조선의 3 대 대선 중 하나였다.
사용 된 서예는 종종 신중하게 수행됩니다.

“문학과 학교”의 다른 중요한 예술가는 다음을 포함합니다 :

이경윤
강세황
채색은 조선 시대의 정물화 장르로서 지배적 인 주제가되는 책을 특징으로한다. 채색은 18 세기 후반부터 20 세기 전반에 걸쳐 번성하여 왕에서 평민까지 모든 사람들이 즐겁게 책을 읽으며 한국 문화를 배웠습니다.

일본 점령기의 예술가들
1945 년 중반부터 한국의 예술가들은 무조건 일본을 항복 한 후 한국이 동맹국들에 의해 해방되었을 때 매우 힘들었다.

1880 년대부터 일본의 서구 예술의 대중화는 한국 전통 예술에 대한 낮은 의견을 불러 일으켰습니다. 그럼에도 불구하고 일본 철학자 야나기 소 엣츠 (Yanagi Sōetsu)가 1924 년에 한국 공예 박물관을 결성 한 것은 한국 미술을 여전히 높이 평가 한 일본의 예술가들에 대한 강한 예이다.

일본은 또한 박수근 (Park Su-Gun)과 같은 많은 젊은 한국 작가들을 배출 한 한국 미술 전시회를 개최했다. 이 날까지는 일본의 직업에 따른 숨겨진 미술을 회고 적으로 보여 주거나 일본의 예술적 요구에 따라 타협을 강요당한 사람들 간의 갈등에 대한 논의는 없었다. 그것은 일본에서 공부하고 일한 예술가들과 함께 민감한 문제이며 다른 대안없이 타협의 정당성과 자기 방어를 강요받는 일본식으로 그려졌습니다.

조선 말기와 일본 점령기를 연결하는 것은 주목할만한 예술가였다.

치 운영 (1853-1936)
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