운동 예술은 관객이인지 할 수있는 움직임을 포함하거나 그 효과에 대한 동작에 의존하는 모든 매체의 예술입니다. 작품의 시청자 관점을 확대하고 다차원 적 움직임을 통합하는 캔버스 페인팅은 운동 예술의 초기 사례입니다. 좀 더 적절하게 말하자면, 운동 예술이란 오늘날 자연스럽게 움직이거나 기계가 작동하는 모빌과 같은 3 차원 조각과 인물을 가장 자주 언급하는 용어입니다. 움직이는 부분은 일반적으로 바람, 모터 또는 관찰자에 의해 구동됩니다. 운동 예술은 다양한 겹치는 기술과 스타일을 포함합니다.

운동 예술은 움직이는 부분을 포함하는 작품을 제안하는 미술 운동입니다. 움직임은 바람, 태양, 모터 또는 뷰어에 의해 생성 될 수 있습니다. 운동 예술은 다양한 겹치는 기술과 스타일을 포함합니다.

또한 가상 운동, 또는 오히려 특정 각도 또는 작업 부분에서만 감지되는 움직임을 포함하는 운동 예술의 일부가 있습니다. 이 용어는 또한 “명백한 움직임”이라는 용어와 자주 충돌합니다.이 용어는 많은 사람들이 모터, 기계 또는 전동 시스템에 의해 움직이는 작품을 언급 할 때 사용합니다. 명백한 움직임과 가상의 움직임은 모두 최근에야 op 미술의 스타일로 주장되었던 운동 예술의 스타일이다. 키네틱 아트와 op 아트의 오버랩 양은 예술가와 미술 사학자가 두 가지 스타일을 하나의 포괄적 인 용어로 병합하는 것을 고려하기에 충분하지 않지만 아직 구별되지는 않습니다.

실제적이고 명백한 움직임과 관련된 예술 작품에 적용되는 용어 실제 동작에서 기계, 이동체 및 조명 객체를 포함 할 수 있습니다. 1913 ~ 1920 년에 시작된 Op Art Kinetic art의 명칭으로 Marcel Duchamp, Vladimir Tatlin, Naum Gabo와 같은 몇몇 인물이 처음 작품을 상상했던 가상 또는 겉보기 무브먼트 작품을 포함합니다. Tatlin, Aleksandr Rodchenko 및 Man Ray가 첫 번째 모바일을 구축 한 직후 Bauhaus의 Ludwig Hirschfeld-Mack 및 Kurt Schwerdtfeger와 함께 Thomas Wilfred와 Adrian Bernard Klein이 색을 띄기 시작했습니다. 1920 년대와 1930 년대 라즐로 모홀 – 나기 (László Moholy-Nagy)와 알렉산더 칼더 (Alexander Calder)가 실제 운동에 대한 예술적 연구를 계속 추구 했음에도 불구하고, 1950 년 이후로 돌파구가 운동 예술, 그리고 그 후속 확장, 마침내 발생했다.

여러 소스에서 개발 된 모니 커로서의 키네틱 아트. 키네틱 아트는 클로드 모네 (Claude Monet), 에드가 드가 스 (Edgar Degas), 에두아르 마네 (Édouard Manet)와 같은 19 세기 후반의 인상주의 화가들의 기원을 원래는 캔버스에 인물의 움직임을 강조하면서 실험했다. 인상주의 화가들의이 삼중주는 모두 동시대 인 들보 다 훨씬 생생한 예술을 창조하고자했습니다. 드가의 무용수와 경주마 초상화는 그가 “사진 리얼리즘”이라고 생각했던 것의 예입니다. 19 세기 후반에 Degas와 같은 예술가들은 생생하고 경쾌한 풍경과 초상화로 사진을 향한 운동에 도전 할 필요성을 느꼈습니다.

1900 년대 초반, 특정 예술가들은 자신의 예술을 동적 인 동작으로 더 가깝게 성장 시켰습니다. 이 스타일을 명명 한 두 명의 예술가 중 한 명인 Naum Gabo는 “운동 리듬”의 예로 그의 작품을 자주 썼습니다. 그는 움직이는 조각 Kinetic Construction (또한 Standing Wave, 1919-20라고 불렀다)이 20 세기에 처음으로 그런 느낌을 받았다고 느꼈다. 1920 년대부터 1960 년대까지, 운동 예술의 스타일은 휴대폰과 새로운 형태의 조각품을 실험 한 많은 다른 예술가들에 의해 재구성되었습니다.

운동 예술의 연속은 예술 작품이 외부 영향, 특히 사람의 조작에 반응하는 진화 된 인공 두뇌 예술이다. 기술 구조는 종종 바람, 물 및 중력의 자연적 힘에 의해 주도됩니다. 그러나 엔진, 움직임 및 수동 드라이브도 사용됩니다. 오늘날의 운동 예술가들은 기술의 최첨단에 놓여 있으며, 컴퓨터로 제어되는 물체는 더 이상 희귀하지 않습니다.

풍모:
운동 예술은 운동 검색을 기반으로하지만 대부분의 작품에서 움직임은 가상이 아닌 실제입니다.
작업을 수행하기 위해 작가는 엄격한 계획 구조를 고려하고 준수합니다.
운동 작품의 대부분은 3 차원이며 2 차원 평면에서 분리됩니다.
바람, 물, 엔진, 빛, 전자기학과 같은 움직임을 만드는 자원은 거의 무한합니다.

운동 작품의 종류 :
운동 감각을 일으키는 방식에 따라 다양한 종류의 운동 작품이 있습니다.
안정성 (Stability) : 요소가 고정되어 있으며, 움직임을 인식하기 위해 시청자가 그 요소를 감싸 야하는 방식으로 배열 된 작품.
이동성 : 그들은 서로 다른 원인으로 인해 실제 움직임을 만들어내어 구조가 끊임없이 변화하는 작품입니다.
침투 관 : 일반적으로 실제 공간에있는 조립체로 관람자가 여행 할 때 그것을 인식 할 수 있어야합니다.

기원과 초기 개발
“예술가가 페이지에서 그림과 풍경을 들어 올리고 예술이 딱딱하지 않다는 것을 부인할 수 없도록 증명”하기 위해 만든 진보 (Calder, 1954)는 구성 스타일의 중요한 혁신과 변화를 가져 왔습니다. Édouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet은 인상주의 운동에서 이러한 변화를 주도했던 19 세기의 세 예술가였다. 비록 그들이 각각 자신의 작품에 움직임을 통합하는 독특한 접근법을 취해 왔지만 현실 주의자가 될 의도로 그렇게했습니다. 같은시기 오귀스트 로댕 (Auguste Rodin)은 초기 작품이 예술에서의 운동 운동의 발전을지지하는 예술가였다. 그러나 Auguste Rodin의 추후의 비판은 Manet, Degas, Monet의 능력에 간접적으로 도전하여 순간을 정확하게 포착하고 실생활에서 볼 수있는 활력을주는 것은 불가능하다고 주장했다.

에두아르 마네
마네의 작품을 어느 시대 또는 예술 방식으로도 귀결시키는 것은 거의 불가능합니다. 진정으로 새로운 스타일의 위기에 처한 그의 작품 중 하나는 Le Ballet Espagnol (1862)입니다. 그림의 윤곽은 서로 관련하여 깊이를 제안하고 설정과 관련하여 제스처와 일치합니다. Manet은 또한이 작품에서 평행성이 부족하다는 점을 강조하여 시청자에게 잠시 떨어져있는 순간을 예상하고 있습니다. 이 작품의 흐릿하고 흐릿한 색상과 그림자 감은 비슷하게 순간적으로 시청자를 배치합니다.

1863 년 Manet은 Le déjeuner sur l’ herbe와 함께 평평한 캔버스에서 운동 연구를 확장했습니다. 빛, 색 및 구성은 동일하지만 배경 그림에 새로운 구조를 추가합니다. 그녀가 전경에있는 그림에서 멀리 떨어진 것처럼 백그라운드에서 굽은 여성은 완전히 축소되지 않습니다. 간격을 두지 않으면 Manet의 스냅 샷 생성 방법 인 Le Ballet Espagnol의 전경 오브젝트가 흐릿 해지는 것과 유사한 침투성이 거의없는 움직임이 생깁니다.

에드거 드가
Edgar Degas는 Manet의 지적 확장 인 것으로 여겨지지만 인상파 공동체를위한보다 급진적 인 인물이다. 드가의 주제는 인상파 시대의 전형이다. 그는 발레 댄서와 경마의 이미지에서 큰 영감을 얻습니다. 그의 “현대 주제”는 결코 움직이는 예술을 창조하려는 자신의 목표를 모호하게 만들지 않았습니다. 그의 1860 작품에서 Feunes는 고전적인 인상파 누드를 이용하지만 전반적인 개념을 확장합니다. 그는 그들을 평평한 풍경에 배치하고 극적인 몸짓을주고, 그에 대해 이것은 “운동중인 젊은이”라는 새로운 주제를 지적했습니다.

그의 가장 혁명적 인 작품 중 하나 인 오페라 오페라 (L’ Opera de l’ Opera) (1868)는 명확한 운동 형태를 해석하고 캔버스의 평탄함을 넘어 다차원 운동을 제공합니다. 그는 무용수가 배경을 완전히 채우는 동안 오케스트라를 관객의 공간에 직접 배치합니다. Degas는 인상주의 스타일의 움직임을 암시하고 있지만, 1800 년대 후반에는 거의 볼 수 없었던 방식으로 거의 다시 정의합니다. 1870 년대에 Degas는 Voiture aux Courses (1872)와 같은 작품에서 단발 모션 말을 좋아하면서 이러한 추세를 이어갔습니다.

Chevaux de Course와 함께 1884 년까지는 역동적 인 예술을 창조하려는 그의 시도가 실현되었습니다. 이 작품은 일련의 경마와 폴로 경기의 일부이며, 그림은 조경에 잘 통합되어 있습니다. 말과 그들의 주인은 강렬한 심의의 순간에 붙잡힌 다음 다른 프레임에서 우연히 떠돌아 다니는 것처럼 묘사됩니다. 인상파와 전반적인 예술 공동체는이 시리즈에 깊은 인상을 받았지만 실제 사진에이 시리즈를 기반으로한다는 사실을 깨닫고 충격을 받았습니다. 드가는 그의 사진 통합에 대한 비판에 시달리지 않았고 실제로 모네가 유사한 기술에 의존하도록 영감을 주었다.

클로드 모네
드가와 모네의 스타일은 한 가지면에서 매우 유사했습니다. 둘 다 그들의 예술에서의 변화와 움직임의 느낌을 만들기 위해 직접적인 “망막의 인상”에 대한 예술적 해석을 기반으로했습니다. 그림의 기초가 된 주제 나 이미지는 세계의 객관적 견해에서 나왔습니다. 드가 (Degas)와 마찬가지로, 많은 예술 사학자들은 그것이 그 시대에 사진이 가졌던 잠재 의식적인 영향이라고 생각합니다. 그의 1860 년대 작품은 Degas와 Manet의 작품에서 볼 수있는 많은 운동 징후를 반영합니다.

1875 년 모네의 터치는 Le Bateau-Atelier su Seine으로 시작하여 그의 새로운 시리즈에서 매우 신속하게됩니다. 풍경은 거의 전체 캔버스를 삼켜 버리고 부정확 한 붓놀림으로 인해 움직임이 충분하기 때문에 그림이 동작의 일부입니다. Gare Saint-Lazare (1877-1878)와 함께이 그림은 많은 미술 사학자들에게 모네가 인상파 시대의 스타일을 재정의하고 있음을 증명합니다. 인상주의는 처음에는 색상, 빛 및 움직임을 격리하여 정의되었습니다. 1870 년대 후반, 모네는 인상파 시대의 대중적인 주제에 초점을 맞추면서 세 가지를 모두 합친 스타일을 개척했습니다. 예술가들은 모네의 붓놀림에 종종 맞았는데, 이는 그림에서의 움직임 이상 이었지만 눈에 띄는 진동이었습니다.

오귀스트 로댕
Auguste Rodin은 처음에는 Monet의 ‘진동 작업’과 Degas의 공간적 관계에 대한 독자적인 이해에 깊은 인상을 받았습니다. 작가이자 미술 평론가 인 Rodin은이 스타일을지지하는 여러 작품을 출간했습니다. 그는 모네 (Monet)와 드가 (Degas)의 작품이 “예술은 훌륭한 모델링과 움직임을 통해 삶을 포착한다”는 착각을 일으켰다 고 주장했다. 로댕은 1881 년에 자신의 작품을 처음으로 조각하고 제작할 때 그의 초기 관념을 거부했다. 조각은 로댕을 아무 철학자도, 누구도 풀 수 없다고 느낀 고뇌에 빠지게했다. 예술가는 어떻게 조각품처럼 견고한 작품에서 움직임과 극적인 동작을 부여 할 수 있습니까? 이 수수께끼가 발생한 후, 그는 Manet, Monet, Degas와 같은 남성을 의도적으로 공격하지 않은 새로운 기사를 출간했으나 인상파는 움직임을 전달하는 것이 아니라 정적 인 형태로 제시하는 자신의 이론을 전파했습니다.

20 세기 초현실주의와 초기 운동 예술
20 세기의 초현실주의 스타일은 운동 예술 스타일로 쉽게 전환되었습니다. 모든 예술가들은 예술적으로 묘사하기에 사회적으로 용인되지 않는 주제를 탐구했습니다. 예술가는 전적으로 풍경화 나 역사적인 사건을 그렸을뿐만 아니라 새로운 스타일을 해석하기 위해 일상과 극단을 탐구해야 할 필요성을 느꼈습니다. 알버트 글라이즈 (Albert Gleizes)와 같은 예술가들의 지원으로 잭슨 폴락 (Jackson Pollock)과 맥스 빌 (Max Bill)과 같은 다른 전위 예술가들은 마치 운동 예술의 초점이 된 기이 한 것들을 발견 한 것처럼 새로운 감흥을 느꼈습니다.

알버트 글레이즈
Gleizes는 19 세기 후반과 20 세기 초의 유럽의 예술, 특히 프랑스의 철학자로 이상적이었습니다. 큐브리즘에 관한 1912 년의 그의 이론과 논문은 어떤 예술적 토론에서도 명성을 얻었습니다. 이 평판은 1910 년대와 1920 년대의 플라스틱 스타일이나 리드미컬 한 예술 운동을 지원할 때 상당한 영향력을 행사할 수있게 해준 것입니다. Gleizes는 운동 이론을 발표했다.이 이론은 운동 이론을 운동을 고려할 때 발생하는 사고 방식과 결합하여 운동의 심리적, 예술적 사용에 더 분명하게 표현했다. 인간의 창조가 외부 감각의 총 포기를 의미한다는 그의 출판물에서 반복적으로 주장한다. 그에게 로댕 (Rodin)을 포함하여 많은 사람들에게 예술을 움직이게 만든 것은 바로 그것입니다.

Gleizes는 예술의 리듬에 대한 필요성을 강조했다. 그에게 리듬은 시각적으로 즐거운 2 차원 또는 3 차원 공간에서의 인물의 일치를 의미했습니다. 피규어는 수학적으로 또는 체계적으로 배치되어 서로 상호 작용하는 것처럼 보입니다. 피규어에는 너무 한정적인 기능이 없어야합니다. 그들은 거의 불명확 한 모양과 구성을 가질 필요가 있으며, 거기에서부터 관객은 그림 자체가 그 한정된 공간에서 움직이고 있다고 믿을 수 있습니다. 19 세기 중반의 예술가들의 그림, 조각, 평평한 작품들조차도 어떤 공간에 큰 운동이 있었다는 것을 사람들이 어떻게 보여 줄 수 있는지 보여주기를 원했다. 철학자로서, Gleizes는 또한 예술적 운동의 개념과 이것이 어떻게 관객에게 어필 하는지를 연구했습니다. 운동 예술이 인기를 얻었던 것처럼, Gleizes는 1930 년대까지 그의 연구 및 출판물을 업데이트했습니다.

잭슨 폴록
폴록이 그의 유명한 작품을 많이 만들었을 때, 미국은 이미 운동 예술 운동의 최전선에 서 있었다. 그가 가장 유명한 작품을 만들 때 사용한 새로운 스타일과 방법은 1950 년대에 운동 화가의 도전받지 않은 지도자로 자리 잡았으며, 그의 작품은 1950 년대 미술 평론가 Harold Rosenberg가 만든 액션 페인팅과 관련이있었습니다. 폴락은 자신의 그림의 모든면을 애니메이션화하려는 자유로운 의욕을 가지고있었습니다. 폴록은 반복적으로 “나는 모든 그림 속에있다”고 말했다. 그는 스틱, 흙손, 나이프와 같이 대부분의 화가들이 사용하지 않을 도구를 사용했습니다. 그가 창조 한 모양은 그가 “아름답고 엉뚱한 물건”이라고 생각했던 것이 었습니다.

이 작풍은 그의 똑 기술로 진전했다. 폴락은 반복적으로 페인트와 페인트 붓을 버킷으로 가져 와서 캔버스가 구불 구불 한 선과 들쭉날쭉 한 선으로 덮일 때까지 주위를 가볍게 흔들었다. 그의 작업의 다음 단계에서 Pollock은 드문 소재로 자신의 스타일을 테스트했습니다. 그는 1947 년 대성당이라는 제목의 알루미늄 페인트로 첫 작품을 그렸고 그곳에서 재료 자체의 단결을 파괴하기 위해 그의 첫 번째 “튀는 소리”를 시험해 보았습니다. 그는 자신이 강제 감금에서 미술의 재료와 구조를 자유롭게 해 나가고 있다는 것을 진심으로 믿었습니다. 그것이 그가 항상 존재했던 움직이거나 움직이는 예술에 어떻게 도달했는지입니다.

최대 빌
막스 빌은 1930 년대 운동 운동의 거의 완전한 제자가되었다. 그는 운동 예술이 순전히 수학적 관점에서 실행되어야한다고 믿었습니다. 그에게 수학 원리와 이해력을 사용하는 것은 객관적인 운동을 만들 수있는 몇 가지 방법 중 하나였습니다. 이 이론은 그가 만든 모든 예술 작품과 그가 어떻게 창조했는지에 적용됩니다. 청동, 대리석, 구리 및 황동은 그가 조각품에 사용했던 재료 중 네 가지입니다. 또한 그는 자신이 처음 조각품에 접근했을 때 시선을 사로 잡는 것을 즐겼습니다. Suspended Cube (1935-1936)로 건축 한 그는 완벽하게 대칭을 이루는 모바일 조각을 만들었지 만 시청자가 다른 각도에서 보았을 때 비대칭의 측면이 있습니다.

모빌과 조각품
Max Bill의 조각품은 운동학이 탐구 한 운동 스타일의 시작에 불과했습니다. Tatlin, Rodchenko 및 Calder는 특히 20 세기 초반의 고정 된 조각품을 가져 와서 가장 작은 움직임의 자유를주었습니다. 이 세 명의 예술가는 예측할 수없는 움직임을 테스트하기 시작했으며, 거기에서 기술 향상으로 인물의 움직임을 제어하려고 시도했습니다. “모바일”이라는 용어는 중력 및 기타 대기 조건이 작가의 작업에 미치는 영향을 수정하는 능력에서 비롯됩니다.

운동 예술에서의 모빌의 스타일에는 거의 차이가 없지만 한 가지 차이점이 있습니다. 관객이 자신의 움직임을 제어 할 때 모빌은 더 이상 모빌로 간주되지 않습니다. 이것은 가상 운동의 특징 중 하나입니다. 작품이 자연스러운 특정 상황에서만 움직이거나 관객이 움직임을 약간조차 제어하면 그림은 가상의 움직임 아래서 작동합니다.

또한 키네틱 아트 원리가 모자이크 예술에 영향을 미쳤습니다. 예를 들어, 운동에 영향을받는 모자이크 조각은 뚜렷한 그림자와 움직임을 만들기 위해 3 차원 모양이있는 밝은 타일과 어두운 타일 사이의 명확한 구분을 사용합니다.

타 틀린
블라디미르 타 틀린 (Bradimir Tatlin)은 많은 예술가와 미술 사학자들에 의해 모바일 조각품을 완성한 최초의 인물로 여겨지고 있습니다. 모바일이라는 용어는로드 첸코 (Rodchenko) 시대까지는 만들어지지 않았지만, 타 틀린 (Tatlin)의 작업에는 매우 적용 가능합니다. 그의 모바일은 벽이나 받침대 만 있으면되는 일시 정지 된 릴리프이며 영원히 정지 상태로 남습니다. 이 초기 모바일, Contre-Reliefs Liberes Dans L’ espace (1915)는 불완전한 작업으로 평가됩니다. 이것은 리듬 스타일이었습니다. Pollock의 리듬 스타일과 비슷하게 비행기의 수학적 연동에 의존하여 자유롭게 공중에 매달린 작업을 만들었습니다.

Tatlin은 자신의 예술이 명확한 시작이나 명확한 끝이 필요한 대상이나 제품이라는 것을 결코 느끼지 못했습니다. 그는 무엇보다 그의 작품이 진화하는 과정이라고 느꼈다. 1936 년에 모바일이 진정으로 완성 된 것으로 여겨지는 많은 아티스트들과 그는 격렬하게 의견을 달리했습니다.

로드 첸코
그의 작업이 완료되었다고 주장하는 Tatlin의 친구 인 Alexander Rodchenko는 중단 된 휴대폰에 대한 연구를 계속하고 “객관주의가 아닌”것으로 생각한 것을 만들었습니다. 이 작풍은 움직일 수없는 캔버스 그림이나 물건보다는 모빌에 덜 초점을 둔 연구였습니다. 그것은 관객의 마음에 새로운 아이디어를 발산하는 방법으로 다른 재료와 질감의 객체를 병치시키는 것에 중점을 둡니다. 작품과의 불연속성을 만들어서, 관객은 그림이 캔버스 또는 그것이 제한된 매체에서 벗어나고 있다고 생각했습니다. 그의 캔버스 작품 중 하나 인 Dance, Objectless Composition (1915)은 다양한 질감과 재질의 항목과 모양을 함께 배치하여 시청자의 관심을 끄는 이미지를 만듭니다.

그러나 1920 년대와 1930 년대에 Rodchenko는 비 객관주의 이론을 모바일 연구에 통합하는 방법을 발견했습니다. 그의 1920 작품 Hanging Construction은 어떤 천장에서나 끈에 매달려 자연스럽게 움직이는 목재 이동 장치입니다. 이 모바일 조각은 여러 평면에 존재하는 동심원을 가지고 있지만 전체 조각은 수평 및 수직으로 만 회전합니다.

칼더
알렉산더 칼더 (Alexander Calder)는 많은 사람들이 운동 예술에서 휴대폰의 스타일을 확고하고 정확하게 정의했다고 믿는 예술가입니다. 수년간 그의 작품을 연구하면서 많은 비평가들은 칼더가 다양한 출처의 영향을 받았다고 주장합니다. 어떤 사람들은 중국풍의 windbell이 가장 초기의 휴대폰의 모양과 높이와 매우 흡사 한 물건이라고 주장합니다. 다른 예술 사학자들은 Shade (1920)를 포함한 Man Ray의 1920 년대의 이동 전화가 Calder의 예술 성장에 직접적인 영향을 미쳤다고 주장한다.

칼더 (Calder)가 처음이 주장을 들었을 때 그는 즉시 그의 비평가에게 훈계했다. “나는 결코 내 자신이 아닌 다른 어떤 것의 산물이 될 것입니다. 내 예술은 내 것이고 왜 내 미술에 대해 진실이 ​​아닌 것을 말하고있는 것입니까?” Calder의 첫 번째 모바일 중 하나 인 Mobile (1938)은 Man Ray가 Calder의 스타일에 명백한 영향을 미친다는 사실을 많은 미술 사학자에게 입증 한 작품이었습니다. Shade와 Mobile은 둘 다 벽에 붙어있는 하나의 끈이나 공중에있는 구조를 가지고 있습니다. 두 작품은 공기가 통과 할 때 진동하는 주름진 특징을 가지고있다.

확실한 유사성과 관계없이 Calder의 모바일 스타일은 이제 운동 예술 분야의 표준으로 불리는 두 가지 유형을 만들었습니다. 객체 모바일과 일시 중단 된 모바일이 있습니다. 지지대상의 객체 모빌은 다양한 모양과 크기로 제공되며 어떤 방식 으로든 이동할 수 있습니다. 매달린 휴대폰은 처음에는 색이있는 유리와 긴 나무 줄에 매달린 작은 나무로 만들어졌습니다. 오브제 모빌은 원래 고정 된 조각품이었던 칼더 (Carlder)의 신흥 스타일의 일부분이었습니다.

칼더의 가장 초기 대상물은 운동 예술이나 움직이는 예술과 거의 관련이 없다는 것이 유사한 모양과 입장을 기반으로 논쟁의 여지가 있습니다. 1960 년대까지, 대부분의 미술 비평가들은 칼더가 Cat Mobile (1966)과 같은 창작물의 스타일을 완성했다고 믿었습니다. 이 작품에서 칼더 (catder)는 고양이 머리와 꼬리가 무작위로 이동하도록 허용하지만 몸은 고정되어 있습니다. 칼더 (Carder)는 중단 된 휴대 전화의 추세를 시작하지 않았지만 그는 모바일 건설에서 그의 독창적 인 독창성으로 인정받는 예술가였습니다.

그의 초기 정지 휴대폰 중 하나 인 McCausland Mobile (1933)은 단순히 두 대상의 모양 때문에 다른 많은 현대 휴대폰과 다릅니다. 로드 첸코 (Rodchenko)와 타 틀린 (Tatlin)과 같은 대부분의 모바일 아티스트들은 가단성이 없거나 원격 공기 역학적으로 보이지 않기 때문에 이러한 모양을 사용하지 않을 것입니다.

칼더 (Calder)가 자신의 작품을 만들 때 사용한 방법의 대부분을 누설하지 않았다는 사실에도 불구하고 그는 수학적 관계를 사용하여 그것을 만들었다 고 인정했습니다. 그는 단지 무게와 거리의 직접적인 변화 비율을 사용하여 균형 잡힌 이동 수단을 만들었다 고 말했다. Calder의 공식은 그가 만든 모든 새로운 모바일과 함께 변경되었으므로 다른 아티스트도 결코 정확하게 작업을 모방 할 수 없었습니다.

가상 운동
1940 년대에 이르러서는 새로운 스타일의 휴대폰과 많은 종류의 조각품과 그림이 관중의 통제를 통합했습니다. 칼더 (Calder), 타 틀린 (Tatlin),로드 첸코 (Rodchenko)와 같은 예술가들은 1960 년대까지 더 많은 예술 작품을 제작했지만 다른 관객에게 호소 한 다른 예술가들과 경쟁하기도했습니다. 빅터 바사리 리 (Victor Vasarely)와 같은 예술가들이 예술에서 가상 운동의 첫 번째 기능을 개발했을 때 운동 예술은 많은 비판을 받았다. 이 비판은 운동 예술이 휴면기에 있었던 1960 년대까지 수년간 지속되었다.

재료 및 전기
Vasarely는 1940 년대에 대화식으로 여겨지는 많은 작품을 창작했습니다. 그의 작품 중 하나 인 Gordes / Cristal (1946)은 전기적으로도 작동하는 일련의 3 차원 형상이다. 그는 박람회 및 미술 전시회에서 처음으로이 그림을 보여 주었을 때 입체 모양까지 사람들을 초대하여 스위치를 누르고 색상과 빛의 쇼를 시작했습니다. 가상 운동은 모빌과 관련 될 수있는 운동 예술의 스타일이지만,이 운동 스타일에는 운동 예술에 대한 두 가지 더 구체적인 구분이 있습니다.

명백한 운동과 op 미술
명백한 운동은 1950 년대에만 진화 된 운동 예술에 의한 용어입니다. 미술 사학자들은 시청자와 독립적 인 모바일 방식의 모든 유형의 운동 예술이 명백한 움직임을한다고 믿었습니다. 이 스타일에는 Pollock의 물방울 기술에서부터 Tatlin의 첫 번째 모바일에 이르기까지 다양한 작품이 포함됩니다. 1960 년대에는 다른 예술 사학자들이 착시 현상을 언급하는 “op art”라는 문구를 개발했으며 캔버스 또는 고정 된 광학적으로 자극적 인 예술을 개발했습니다. 이 문구는 일반적으로 고정되어있는 휴대 전화를 포함하는 운동 예술의 특정 측면과 종종 충돌합니다.

1955 년 파리의 Denise René 갤러리에서 열린 Mouvements 전시회에서 Victor Vasarely와 Pontus Hulten은 광학과 발광 현상을 기반으로 한 환상적인 그림을 그리며 새로운 환상적인 표현을 선보였다. 이 현대적 형태의 “운동 예술”이라는 표현은 1960 년 취리히 박물관 (Museum für Gestaltung)에서 처음으로 나타나 1960 년대에 주요 발전을 발견했습니다. 대부분의 유럽 국가에서는 일반적으로 브리짓 라일리 (Bridget Riley)가 대표하는 op art와 Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael이 대표하는 운동을 기반으로하는 예술과 같이 시각적 인 착각을 주로 사용하는 광학 예술 형식을 포함합니다 Soto, Gregorio Vardanega 또는 Nicolas Schöffer. 1961 년부터 1968 년까지 François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein 및 Vera Molnár에 의해 설립 된 GRAV (Groupe de Recherche d’ Art Visuel)는 옵토 – 키네틱 아티스트의 집단입니다. 1963 년 선언에 따르면 GRAV는 대중의 직접적인 참여에 호소했다. 특히 상호 작용하는 미로의 사용을 통해 행동에 영향을 미쳤다.

2013 년 11 월에 MIT 박물관은 Arthur Ganson, Anne Lilly, Rafael Lozano-Hemmer, John Douglas Powers 및 Takis의 작품을 다루는 5,000 개의 움직이는 부품, 운동 예술 전시회를 열었습니다. 이 전시회는 미술관과 관련된 특별 프로그램을 특징으로하는 박물관에서 “운동 예술의 해”를 시작합니다.

네오 키네틱 아트 (Neo-kinetic art)는 Wuhu International Sculpture Park와 베이징을 비롯한 많은 공공 장소에서 상호 작용하는 동적 조각을 발견 할 수있는 중국에서 인기가 있습니다.

마찬가지로 미래에 “키네틱 아트”는 예술의 경계가 모호 해지고 지속적인 확장이 예상되는 장르입니다. 특히 조명 분야의 촛불을 그대로 사용했던 남정 파이크의 작품은 살아있는 개미가 둥지를 틀고있는 모습을 높이 평가하는 야나기 유키노리의 작품이 물고기를 썩은 것으로 논쟁을 일으켰다. Lee Bul와 같은 단일 운동 “운동”을 ​​만드는 것은 드문 일이 아니며 장래에 예술 작품에서 “움직임”에 대한 아이디어가 어떻게 확장 될지 더 이상 예측할 수 없습니다.