아르헨티나 파빌리온의 주제는 예술가 Juan Carlos Distéfano가 만든 “형태의 반란”입니다. 파빌리온에는 29 개의 인간 크기 조각품이 모여 전시되어 La Rebeldía de la Forma (형태의 반란을 의미) 전시를 구성하기 위해 아름답게 늘어서 있습니다. 각 조각은 깊은 인간 경험과 조건의 배열을 나타냅니다. 일부는 공중에 매달려 있었고 일부는 가을 중반에 중단되었습니다. 조각품들은 얼굴에 냉담한 표정을 가진 것 같았습니다. 작품의 의미는 아르헨티나 역사의 이야기를 표현한 것입니다. 다른 사람들은 인간의 상태와 폭력과 사회적 불의와 같은 문제에 대한 논평입니다.

얼굴을 하늘로 들어 올린 La portadora de la palabra [워드 베어러]는 토마스 아퀴나스 (Thomas Aquinas)의 Summa를 가슴에 대고 손바닥을 들어 올리면서 조심스럽고 공개적인 제스처를 취합니다. 육체 안에 담겨있어서, 그는 역사 ​​자체의 표시, 기억의 강도를 지니고 있습니다. 한나 아렌트 (Hannah Arendt)가 지적한 것처럼, “내일이 어제와 같이 될 가능성은 항상 압도적입니다”라고이 현대의 상징은 우리에게 가능한 미래에 엄숙하게 경고합니다. Juan Carlos Distéfano의 예술은 인간의 상태를 반영한 ​​것입니다. 그 안에서 몸 / 몸은 특권이있는 경험의 지형입니다. 그의 인물은 긴장과 추락으로 날아가거나 허물어지고 공간과 물질과의 관계가 바뀝니다. 그의 Kinderspelen에서 Distéfano는 어린 시절의 플레이어가 지구에 걸렸고 산산이 부서져서 확장 된 공간을 할당하고 황무지에 놀이터를 설계하는 동안 실제 총기가 문제로 구체화됨에 따라 신체 밀도를 인정한 것으로 보입니다.

Distéfano의 첫 전시회는 60 년대에 열렸습니다. 당시 그의 작품은 “자기 훈련의 한계를 넘어서는 현재의 표현”으로 불렸다. 그는 즉시 IX 상 파블로 비엔날레 (São Pablo Biennial)에 참여하도록 선발되었으며, 그의 작품 중 일부는 “도덕적”이유로 검열되었다. 다른 예술가들이 연대에 항의했기 때문에 궁극적으로 전시되었습니다. 그의 작품은 아르헨티나 철학자 오스카 테란 (Oscar Terán)이 그 시대의 네 영혼을 불렀던 역사적 순간에 라틴 아메리카 미술 장면의 일부를 형성했다. 혁명, 봉기의 체 게바라 영혼. ”

1976 년부터 시작된 아르헨티나 역사에서 가장 끔찍한시기와 1984 년 이후 민주주의의 귀환으로 이어진 60 년대와 70 년대의 환상에서 Distéfano의 예술은 끊임없이 역사와 기억에 대한 의문을 불러 일으켰습니다. 아르헨티나의 역사와 기억은 가장 확실하지만, 우리는 외상 문제 (홀로 코스트가 역사적인 외상의 보편적 척도 임)가 정확히 세계의 사람들이 서로를 인식하고 그리고 / 또는 활성화하는 시점이라는 것을 잘 알고 있습니다. 예술, 자신의 경험, 다른 역사적 외상과 그 기억에 대한 은유로 작용하는 원래의 참조를 오염. 아마도 Arendt로 돌아와서 미래의 참여를 가능하게하는 작업을 활성화하기 위해이를 수행합니다.

전기
Juan Carlos Distéfano (b. 1933 년 8 월 29 일 부에노스 아이레스에서)는 조각가이자 Griselda Gambaro의 남편으로 1982 년 Konex Platinum 상을 수상한 아르헨티나 조각가입니다. 1992 년 아르헨티나에서 지난 10 년간 시각 예술의 가장 관련성이 높은 인물로 Konex de Brillante를 받았습니다.

그의 삶
1933 년 8 월 29 일 부에노스 아이레스의 빌라 셀리나에서 태어났습니다. 부에노스 아이레스에있는 에스 쿠 엘라 나시 오날 데 아르 테스 그라스 피 카스 9 번과 에스 쿠 엘라 나시 오날 데 벨라 아르 테스 마누엘 벨 그라노에서 공부했습니다.

1960 년에서 1970 년 사이에 그는 Instituto Di Tella의 시각 예술 센터의 그래픽 디렉터입니다. 1968 년부터 그는 조각 작품과 그림 사이에 뚜렷한 조음으로 조각에 전념했습니다.

1970 년 아르헨티나 국립 예술 재단 및 이탈리아 대사관이 수여하는 Francisco Romero 장학금을 받았습니다. 1976 년 그래픽 디자인을 포기하여 조각에 전념했습니다.

1977 년 (아르헨티나에서 군사 쿠데타 후) 스페인에 정착했다.

1955 년 이후 그리 셀다 감 바로와 결혼 한 후, 아르헨티나 군부 독재에 의해 아내의 소설 “승리 죽음”이 금지되어 유배되었다. 그는 1977 년에서 1980 년 사이에 스페인에 살았습니다.

1982 년에는 비유 조각상을위한 Konex Platinum Prize, 그리고 1992 년에는 시각 예술을위한 화려한 Konex의 상을받을 자격이 있습니다.

그의 작품
Distéfano는 Rubén Fontana와 함께 1960 년대 아르헨티나 문화의 중심점에 위치한 Instituto Di Tella의 그래픽 이미지를 정의했습니다.

비평가 Fabián Lebenglik은 Distéfano에 대해 언급했습니다.

그의 성찰의 중심은 신체와 폭력 사이의 십자가입니다. 그의 작품에서 인체는 다른 계급과 폭력 정도에 의해 강요, 소진, 스트레칭, 수축, 팽창 및 물체와 혼동됩니다. 그들은 아르헨티나의 유쾌하고 피의 역사를 특징 짓는 사회적, 정치적 폭력의 고통에 의해 넘어간 (그리고 등록 된) 몸이다.

그는 사용하는 기술적 절차의 유형으로 인해 생산이 적고 번거로운 단계로 나뉘어 제작되었습니다. 처음에는 화가였으며 그는 베이 코니 안 패턴에 반응하는 네오 피거 레이션 안에있었습니다. 휴고 몬존에 따르면 :

우리 예술가에게서, 영국 화가처럼 거의 빈틈이없는 공간과 빈 공간에 접해 있고, 그 모양은 그물, 플라스틱 한계 내에서 그림을 둘러싸는 경향이 있으며, 대부분 곡선을 이루었습니다. 색상이 종속 된 조각 내부 모델링에

그것은 새로운 시대의 형상화, 특이한 관계의 연인, 갑작스러운 삭감, 폭발성 혼합물의 또 다른 결과였습니다

그것은 라틴 아메리카 예술, 특히 르네상스 유럽 스타일 식민지 조각과 이집트, 에트루리아, 아즈텍 예술과 Lorenzetti, Brueghel, Signorelli 및 Van Gogh와 같은 예술가의 영향을받습니다.

그는 CoBrA 그룹, 영국인 Alan Davie 및 Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé 및 Jorge de la Vega의 신화적인 움직임에서 영향을 인정하지만, 항상 그룹이나 경향과 결혼하지 않고 혼자 일했습니다. 그의 신화주의는 초현실적이지 않습니다.
Distéfano 조각의 주제는 1976 년과 1983 년 사이의 아르헨티나 독재에 대한 명확한 암시, 다른 사람들에게 폭력, 폭력, 육식 동물의 동물성, 고문-고문 된 악령, 십자가에 못 박힌, 무의식적 형태에 대한 성경 이야기 고문, 고문을받은 영혼의 지옥으로의 비극, 비극적 인 운명, 이유없이 저주받은 드라마.

그의 모든 작품은 질식 느낌, 압제 적 상태, 압박 효과를 전달합니다.

파괴와 공포, 경멸과 타락, 사나움과 테러가 만연합니다. 그러나 거리, 위치 및 스케일이 변경되는 엄격한 기하학적 순서는 정반대의 문제가 아닙니다.

알몸의 인간 모습은 그것을 짓밟고 압축하는 구조물에 노출되어 눈물에 잔인한 긴장을 안겨줍니다. 이 우울하고, 고통스럽고, 무릎을 꿇고, 굴욕을 당하고 결코 서있는 인물은 아름다움의 이러한 작품의 주인공입니까? 경련과 반발.

고통스런 표정, 열상, 태아, 불편하고 외상이있는 자세, 줄어든, 한심한, 겁에 질리고 겁에 질린 인물, 넘어지고, 거짓말하고, 매달리고, 앉아 있고, 자유가 완전히 결여 된 뒤틀린 표정을 가진 뒤틀린 캐릭터. 피부가 벗겨지고, 해체되고, 폭발하고 쇠약해진 시체.
신분을 잃은 인간, 보이지 않는 눈, 해외에서 오는 고통을 겪고 영구적 인 경고 상태에있는 존재.

삐걱 거리고, 거짓말하고, 뒤틀리고, 보호되지 않고, 취약하고 악천후와 사람에게 노출되는 인물 : 뚫을 수없는 늪 물과 익사하는 딱딱한 연기, 방해되는 액체의 점도, 심연으로 열리는 계단 계단.

그 주제 중에는 치열한 싸움, 인종 폭동, 죽음의 가면, 학살, 살인, 재난, 죄악, 강간 및 학살이 나타납니다.

그의 작품은 다음과 같이 영구히 전시되었습니다.

부에노스 아이레스 메모리 파크
말바
국립 미술관
이탈리아 대사관
미국 예술에 대한 국가 기부금
칠레 현대 미술관
스위스의 개인 소장품

예술 기술
먼저 점토로 곰팡이를 바르고 석고 곰팡이를 얻은 다음 에폭시 에나멜로 페인트하여 폴리 에스테르로 전달하십시오. 1998 년 부에노스 아이레스에있는 국립 미술 박물관 소장 Jorge Glusberg에 따르면, Distéfano의 작품의 구체화는 세 단계로 구성됩니다.

“처음으로, 유리 울로 강화 된 폴리 에스테르로 만든 구호 그림은 캔버스, 압축 목재 또는 스테인리스 스틸 지지대에 사용되었습니다. 사용 된 페인트의 유형은 기름기 많은 템페라 또는 아크릴입니다. 그런 다음 균일 한 색상의 폴리 에스테르로 만든 초기 조각으로 에폭시 수지 기반 페인트로 부분적으로 페인트를 칠한 글래스 울 (glass wool), 마지막으로 페인트를 추가하는 방법보다 아티스트에 따르면 더 중요한 솔루션의 결과물 인 최종 조각품. 폴리 에스터 수지는 몰드에 적용되는 첫 번째 방법으로, 유리를 그리는 것처럼 거꾸로 페인팅합니다. 즉, 처음에는 앞에 나타날 것, 그다음에는 뒤에 나오는 것, 조각품이 가지고있는 음영, 최대 1 개 또는 2 개의 기본 음영을 제공 한 다음 라미네이트가 실행되므로 모양에 색상이 포함됩니다. 따라서 Distéfano의 표현 시스템은 그림과 조각의 아말감으로 분해됩니다. 아티스트 w 초기 그림에서 선량, 그림 공간에서 일반 공간에 이르기까지 조각 된 그림에서 채색 된 조각에 이르기까지. ”

Distéfano 자신의 말에서 :
“예술은 근본적으로 욕망과 관련이 있다고 생각합니다. 더 많은 것은 에로틱 한 것으로 말할 것입니다. 예술 작품을 만드는 것은 에로틱 한 드라이브에 반응하는 것입니다. 제 작품은 결코 투기적인 과정이 아닙니다. 프로그램은 없습니다. 나는 임펄스를 위해 일하는 것을 좋아한다. ”

을 더한:
“Virtuosity는 나에게 최소한 관심이 없다. 그것은 단지 기술의 실연이며, 예술과 관련하여 기술은 서커스 운동의 범주로 축소된다”.

그는 대중에게 등고선을 쓰다듬어 조각품을 만질 수있는 소수의 조각가 중 한 사람입니다.

전시회:

출품작 :

1974 년 Telaraña II (Spider Web II)
이카루스 I (1978)
특정 요점 II
깨달은 II
방해받지 않은 행동 III (1998)
부에노스 아이레스의지면 비둘기. Gómez Cornet II에 경의를 표함 (2008)

베니스 비엔날레 2015
2015 년 아트 비엔날레 (Art Biennale)는 2011 년 Bice Curiger (조명)에서 기획 한 전시회와 Massimiliano Gioni 백과 사전 (2013)으로 시작된 일종의 3 부작을 마무리합니다. La Biennale은 All The World ‘s Futures를 통해 현대 예술에 대한 미학적 판단, 아방가르드 예술과 “비 예술”예술의 종말 이후의 “중요한”문제에 대한 유용한 판단에 대한 연구를 계속하고 있습니다.

오쿠이 엔 위저 (Okwui Enwezor)가 기획 한 전시회를 통해 라 비엔날레 (La Biennale)는 외세와 현상의 압박에서 예술과 인간, 사회, 정치 현실 사이의 관계를 관찰하기 위해 돌아왔다. 세계는 감성, 예술가들의 활력과 표현력, 그들의 욕구, 영혼의 움직임 (내부 노래)을 요구한다.

La Biennale di Venezia는 1895 년에 설립되었습니다. Paolo Baratta는 2008 년부터 1998 년부터 2001 년까지 사장으로 재직했습니다. La Biennale은 새로운 현대 미술 트렌드의 연구 및 홍보의 선두에 서서 전시회, 축제 및 연구를 조직합니다. 모든 특정 분야 : Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930), Theatre (1934). 그 활동은 최근 완전히 개조 된 ASAC (History Archives of Contemporary Arts)에 기록되어 있습니다.

지역 사회와의 관계는 교육 활동과 가이드 방문을 통해 강화되었으며, 베네토 지역과 그 밖의 지역에서 점점 더 많은 학교가 참여하고 있습니다. 이를 통해 새로운 세대 (2014 년 교사 3,000 명, 학생 30,000 명)에 창의성을 전파합니다. 이러한 활동은 베니스 상공 회의소에서 지원되었습니다. 특별 투어를하고 전시회에 머무르는 대학 및 연구소와의 협력도 확립되었습니다. 2012 년부터 2014 년까지 3 년 동안 227 개 대학 (79 개 이탈리아 및 148 개 국제 대학)이 비엔날레 세션 프로젝트에 참여했습니다.

모든 분야에서 저명한 교사들과 직접 접촉하여 젊은 세대의 예술가들에게 더 많은 연구 및 제작 기회가 주어졌습니다. 이것은 현재 비엔날레 컬리지 국제 프로젝트를 통해보다 체계적이고 지속적으로 진행되고 있으며, 현재 댄스, 극장, 음악 및 시네마 섹션에서 운영되고 있습니다.