이탈리아 바로크 식

이탈리아 바로크 (또는 바로크)는 16 세기 후반부터 18 세기 초반까지 이탈리아 역사와 예술의 문체 시대입니다.

바로크 양식의 이탈리아어는 바로크 양식의 이탈리아의 지방 차원의 역사적 명칭이며 지적, 문학 및 모든 장르의 예술 확장이있는 문화 운동이며 일시적인 위치는 16 세기 말 (Caravaggio)부터 18 세기 중반 세기 (Tiepolo). 전체 기간 동안 고전주의 (16 세기와 17 세기의 고전주의 회화, 볼로냐 학교, 1593 년 이후의 산 루카 Accademia di San Luca의 학문, 18 세기의 신고주의)와 함께 고전주의와 공존한다. 그 세기의 후반부의 -). 그것은 일반적으로 17 세기 또는 Seicento (이탈리아어로 “years six thousand six”- Duecento, Trecento, Quattrocento 및 Cinquentento- 참조)와 함께 확인됩니다.

“바로크”라는 이름은 종종 17 세기의 예술이라고 불립니다. 이 교단은 상대적으로 현대적입니다. Dizionario delle belle arti del disegno (1797)에서 그것을 사용하는 Francesco Milizia에게 빚졌으며, 클래식에 반하는 스타일을 가진 모든 아티스트를 분류합니다. 바로크는 고전주의의 반대편으로 나타난다. 그것은 로마 시대의 고전주의의 질서와 명료성에 대한 고요함과 혼란, 정력 앞에서의 역 동성과 대책이다.

발레리 아노 보잘.
개신교에 대한 반대 종교 개혁의 반응은 매너 주의적 지성주의와 트렌트 공의회에서 제정 된 규범이 성숙 된 이후에 이성을 초월한 감각 유혹에서 대중적인 확장을 모색했다. 예술가들은 루터교 종교 개혁의 우상 숭배와 대조되는 흥미 진진한 이미지를 연출합니다. 고전주의의 선명도와 선형 예리함의 바로 전에 바로 뒤틀림과 혼란, 대비, 재료와 질감의 혼합, 심지어는 예술 자체 (회화, ​​조각, 건축)가 진정한 공생에 합류했다. 이탈리아 바로크 양식의 예술가들 (Gianlorenzo Bernini, Pietro da Cortona)은 르네상스 시대의 천재들과 같은 다양한 예술계에 서있다.

로마의 로마 교황 후원은 이탈리아의 국가 도시들 (로마네스크 바로크 – 번영하는 사보이의 집 – 베네치아 바로크 – 지역 건축 전통을 이어받은 세레 니 시마 공화국의 마지막 황금 시대 – (나폴리 바로크 – 호세 데 리베라, 루카 지오다노 -, 시칠리아 바로크, 롬바르드 세 센토 또는 밀라노 바록 – 지오 리오 체사레 프로카치니 -)의 스페인 도메인을 다루는 데 사용됩니다. 교황은 로마의 주교이자 로마 교황청의 일시 주권자 인 보편적 교회의 머리이며, 도시와 그 도시를 철저히 통제하고 건축물과 예술 프로그램을 시범 적으로 운영했다. 1725 년에는 약 15 만 명의 인구가 로마에만 323 개의 새로운 교회가 세워졌습니다.

베니스에서는 성직자와 문맹자 평신도의 요구에 따라 경건한 저작물이 점점 더 많이 인쇄되었다. 그들은 일상 생활에서 종교의 존재를 끊임없이 기억하면서 컬트와 사적인 헌신에 사용되었다.

지오다노 브루노 (Giordano Bruno), 갈릴레오 (Galileo), 토리 첼리 (Torricelli)의 과학 혁명은 이탈리아에서 민간 및 종교 당국의 수락 또는 억압의 난기류에서 고통 받았다. 대조적으로, 영국에서 그는 승리했다 (베이컨, 뉴턴, 왕립 학회).

이탈리아 고전주의와 바로크 식과 프랑스 바로크 식과 고전주의와의 관계는 매우 가깝다 (Claudius of Lorraine, Nicolas Poussin, 프랑스 아카데미, 1666). 스페인 바로크와 플란더스 바로크의 이탈리아 접촉은 발렌시아 리 베라 (Valencian Ribera -lo spagnoleto)의 설립 외에도 Sevillian Velázquez와 Flemish Rubens-Guilda de Romanistas de Antwerp의 이태리 비옥 한 여행이었습니다. .

역사
17 세기 초반은 로마 카톨릭 종교인들에게 변화의 시간을 선사했습니다. 회중으로서의 힘과 상징적 인 정신을 상징합니다. 로마 카톨릭은 16 세기 초 개신교 개혁에 대응하여 반역 개혁이라는 새로운 삶의 방식 인 회복의 프로그램에 착수했다. 반혁명 개혁의 목적은 세기 초 개신교가 도전 한 학대의 일부를 치료하는 데있었습니다. 교회 내에서, 새로운 카톨릭 문화가 이탈리아 사회에 부과되었다. 그것은 가톨릭 교회의 문제를 다루고 숭배자들 사이의 신앙을 되찾기 위해 모인 추기경위원회 인 파울 바오로 3 세에 의해 부과 된 트 렌트 공의회에서 시작되었습니다. 그 결과 성경의 진리와 이상을 전달하기 위해 예술가가 위임 한 교회를위한 지침이 만들어졌습니다.

세속적 인 건축
새로운 세속적 인 건축은 선구적인 종교적 질서를 확립함으로써 생겨났다. 1524 년에서 1575 년 사이에 바나 바이트, 예수회, 오라토리안 및 테아 티온 계층이 생겨 났으며, 영향력이 확산됨에 따라 점점 더 많은 새로운 교회가 세워지기 시작했습니다. 1725 년까지만해도 로마에만 323 개의 교회가 있었으며, 15 만 명 이하의 영구 인구를 지원했습니다. 이 교회 성장의 급속한 성장으로 인해 가톨릭 신자들의 말을 사람들에게 전파하는 것은 이러한 종교 질서의 책임이되었습니다. 종교 교과서는 성직자 및 문학 숭배자에게 배포하기 위해 베니스에 점점 더 많이 인쇄되고 있었고, 일상 생활에서 그리스도의 현존을 끊임없이 떠올리게하고 대량으로 전달되었습니다.

교회는 이제 확장 된 아름다움과 장식의 격려의 공간이되었습니다.

그들은 마틴 루터 (Martin Luther)가 주도하는 개신교 종교 개혁의 우울한 성향과 크게 대비되는 흥미 진진한 이미지를 제공했습니다.

로마 교회는 예술이 영감을 불러 일으킬 수있는 힘을 깨닫고 낭비와 전시에 몰두했습니다. 그들의 의도는 시청자를 압도하고주의를 끌며 더 많이보고 싶어하도록 만드는 것이 었습니다. 시각적 공간, 음악 및 의식이 결합 된 바로크 식 교회에 입장하는 것은 교회의 충성도를 확보하는 강력한 장치였습니다. 더 크고 아름다운 공간 일수록 더 많은 사람들이 가고 싶어했습니다. 복잡한 기하학, 커브 및 복잡한 계단 배열 및 대규모 조각 장식은 공간 내에서 움직임과 신비감을 제공했습니다.

Il Gesù는 로마에 세워진 많은 반혁교 교회 중 최초의 교회였습니다. 새로운 예수회 주문의 어머니 교회로 봉사했다. Giacomo Barozzi da Vignola가 디자인 한 Il Gesù 교회는 바로 예수회의 명령이 반혁명 시대에 건설되었거나 재건 된 바로크 양식의 교회의 원형이되었습니다. 게수 (Gesu)의 내부는 로마 고전주의가 대규모로 단순함과 결합 될 때 제공 할 수있는 위엄에 대한 연구였습니다. 높은 창문은 둥근 천정 통을 뚫고, 돔의 드럼에있는 창문이 자연광을 내부로 들여다므로 상대적으로 어두운 공간에서 빛과 어둠의 극적인 대조를 만듭니다.

Il Gesù의 계획은 수년간 교회의 표준이되었습니다. 르네상스의 이상적인 중앙 계획 교회에서 새로운 무언가로의 이탈. 라틴 십자가의 변형은 그 공간 안에서 더 큰 공간 통일감을 만들었다. Il Gesù 교회를위한 디자인에서 Vignola는 본당을 넓히고 가로막과 옆 채플을 작게 만들어 주 공간을위한 더 좋고 더 밝은 초점을 만들고 대중에게 더 많은 공간을 허용했습니다. 로마 교황의 문화 후원은 주변의 이탈리아 도시 국가와 비교할 때 극단적 인 다양성의 사례였다. 교황은 카톨릭 교회의 머리가 아니라 도시의 행동 지도자로서의 역할을 수행했다. 그는 [교황]은 건축 된 것과 건축을 위임받은 사람을 통제했습니다.

1605 년, 교황직 초기에 교황 바오로 5 세는 카를로 마데 르노에게 성 베드로 대성당을 재 설계하도록 위촉했다. 미켈란젤로가 Bramante가 시작한 미완성 된 재건 사업을 처음으로 시작한 것은 1546 년, 72 세의 나이였습니다. 미켈란젤로가 죽자, 교황의 제단과 베드로의 무덤을 둘러싼 그리스 – 횡단면의 건설은 북의 꼭대기까지만 완료되었습니다. 돔은 1590 년 자코모 델라 포르타 (Giacomo della Porta)에 의해 약간의 수정을 거쳐 완성되었습니다. 그리스 십자가 계획을 지키거나 Paul을 이끄는 라틴 십자가 계획으로 공간을 확장함으로써 종교적, 예술적 이익에 대한 지속적인 논쟁이었습니다 V는 Maderno의 서비스를 대담하게 커미션. 마데 르노의 초기 프로젝트는 긴 계획을 포함하여 평면도, 건물 및 외관에 새로운 라틴 십자가 솔루션을 만들어 로마의 이미지와 천주교의 정신 및 정신을 즉각적으로 인식 할 수있게되었습니다.

업데이트 된 바실리카 내의 과도한 개방 공간 문제를 해결하기 위해 Pope Urban VII는 Gian Lorenzo Bernini에게 내부 공간을 설계하도록 의뢰했습니다. 베르니니 (Bernini)는 성 베드로의 돔 위에 세워진 볼 더치 노 (baldacchino, 1624 ~ 33)와 같은 대성당 내부의 모습을 많이 담당하게되었습니다. 그것은 공간에서 주요 초점으로 작용하여 조각과 건축을 하나의 예술 작품으로 결합합니다. 복잡한 형태와 화려한 조각품으로, 바로다 키노는 바로크 양식의 거대한 예이며 거대하고 화려한 교회와 카톨릭 종교를 찬미합니다.

이 공간은 건축, 회화 및 조각을 통해 환상을 창조하려는 시도 인 4 각형의 예입니다. 회화와 조각은 결코 끝나지 않는 높이와 극적인 구성의 환영을 만듭니다.

조형 예술
마침표
바로크 양식의 시대는 만장일치가 아닙니다 : 17 세기 후반의 장식용 바로크 양식 (Barocco 장식)으로 식별 할 수있는 “승리의 바로크 양식”은 중년의 “바로크 양식”(Barocco pieno)을 따를 것입니다 세기의; 보급률이 낮을수록 “클래식 주의적”대 “자연 주의적”또는 “티니 브리 스”경향을 정의하기 위해 “냉정한 바로크 식”(차분한 Barocco) 또는 심지어 모순 된 “고전주의 바로크 식”(Barocco classicista) tenebrista “또는”naturalist “).”Early Baroque “또는”초기 “(Barocco iniziale, Early Barocco, Early Baroque)와 같은 다소 시간순으로 표시되는 바로크 시대를 부르는 것이 보통입니다. Caravaggio는 Caravaggio 1699 년에 나폴리에 도착한 리베라 (Ribera)는 1623 년부터 교황이 후원 한 베르니니 (Bernini) 중 하나 인 “완전 바로크 식”또는 “최고급”(Barocco pieno 또는 Barocco pieno, 바로크 식) 그는 1665 년 프랑스 법원에 소환되었고 루카 지오다노 (Luca Giordano) 중 한 명인 “늦은 바로크 양식”, “저작”또는 “최종”(Basso Barocco 또는 Barocco 피날레, Low or Late Baroque 피날레) 1702 년, 1719 년 이후 유럽을 여행 한 Juvarra 또는 1761 년에 마드리드로 불려진 Tiepolo의 여행을 1702 년에 발표했다. Cent XVIII는 한편으로는 개인 영역에서 관능적 인 로코코의 승리를, 다른 하나는 공공 지역에서의 심각한 신고전주의 학계의 승리, 특히 Herculaneum (1738)과 Pompeii (1748)의 유적 발견으로부터의 승리를 의미했습니다. 나폴리의 볼본 카를로스 7 세 (스페인의 카를로스 3 세)의 통치하에있는 로케 호아킨 드 알쿠 비에르 (Roque Joaquín de Alcubierre)와 르 앙티 치타 디에 콜라 노 (1756-1792)의 출간물.

그는 그 자신이 도덕적 인 성격에 대한 도덕적 열정의 펄럭이었다. 만약 내가 현실적인 barocco를 주었고, 나는 클래식 한 barocco를 주었고, aggiudicare ad ogni 아티스트 나 단독 appartenenza에 대해 장대하고 장식적인 barocco를 주었다.

그림
이탈리아 바로크 그림 (바로크 그림, 이탈리아 그림).

1630 년 로마는 의심 할 여지없이 주목할만한 예술적 관심의 중심지였습니다. 급진적 인 Caravaggism의 극단적 인 형식에서 거의 극복되었지만, Velázquez를 도울 수 없었던 “bamblers”와 같은 작은 원형에서 살아 있고 활동적이었던 자연주의에 대한 논란이있었습니다. Roman-Bolognese 라인을 대표하는 고전주의 Poussin의 존재에 의해 풍성하게하는 Reni와 Guercino의. 이들은 로마에서 가장 재능있는 살아있는 예술가들에게 베니스가 다시 관심을 갖게하고, 티티안과 베로니카 작품 연구의 부활로 수년 후에 승리의 바로크 양식을 도입함으로써 끝을 맺을 수있는 해입니다. Pietro de Cortona,하지만 이제는 일반적인 네오 베네치아의 헌신과 같은 속도로 거의 Cortona, Poussin 또는 Andrea Sacchi와 같은 예술가들에게 걸어 갈 수 있습니다.

16 세기의 끝은 볼로냐 학교의 늦은 매너리즘 고전주의 (Carracci, Accademia degli Incamminati, Guercino, Giovanni Battista Caracciolo, Bartolomeo Manfredi 또는 Artemisia Gentileschi와 같은 Caravaggio의 추종자들) Domenichino). 두 경향은시기의 주인 중 한 사람의 작업 (귀도 레니의 경우)에서 보여 지듯이 호환되지 않았습니다.

1630 년대 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)와 안드레아 사치 (Andrea Sacchi)는 로마 아카데미아 디 산 루카 (San Luca)에서 논쟁을 벌였으며, 그들은 회화 적 스타일 ( “Baroque”과 “Classicism”이라고 각각 지칭 됨)을 옹호했다. 토론은 그림의 인물 수에 중점을 두었고 문학적으로 표현되었습니다. 코르토 나는 풍부한 인물로 서사시적인 접근 방식을 선호하며 Sacchi는 “비극적 인”접근 방식을 취하고 있습니다. 메시지 전송에 더 편리하다고 생각합니다.

실제로, Cortona (Giovan Battista Gaulli 또는 Ciro Ferri)와 Sacchi (Nicolas Poussin, Claudio de Lorena 또는 Carlo Maratta)와 가까운 사람들은 색상 사용과 같은 스타일을 많이 공유했습니다. Gian Pietro Bellori의 예술가들의 삶의 1672 년 출판은 Cortona, Bernini 또는 Borromini (Caravaggio가 포함되었지만)와 같은 예술가의 포함을 생략하면서 고전적인 이상주의를 장려했습니다.

로마와 볼로냐 외에도 이탈리아 도시의 나머지 지역은 수세기 전의 전통을 자랑하는 회화 학교의 활력을 유지했습니다. Bernardo Strozzi와 Giovanni Benedetto Castiglione가 제노아에서 두드러졌습니다. 베네치아 Francesco Maffei, Andrea Celesti, Sebastiano Ricci 또는 베테랑 Luca Carlevarijs (이미 XVIII, Jacopo Amigoni, Guardi, Canaletto 또는 Tiepolo에 있음); 밀라노 줄리오 체사레 프로카치니; 나폴리 호세 드 리 베라 스파 뇰레 또는 루카 지오다노 (Luca Giordano) 등에서. 밀라노 캐라바지오 (Milanese Caravaggio)는 로마에서 그의 작품 대부분을 수행하여 나폴리, 말타, 시칠리아, 로마에서의 짧은 인생을 끝냈다.

조각
이탈리아 바로크 조각 (바로크 조각, 이탈리아 조각).

Alessandro Algardi와 Gianlorenzo Bernini는 17 세기 중반에 이탈리아에서 조각의 최대 지수로 경쟁했다. Bernini의 워크샵에서 Antonio Raggi와 Ercole Ferrata가 훈련되었습니다. Ferrata의 제자는 Melchiorre Cafà (산타 카타리나의 축복, 몬테 Magnanapoli)이었다. 제노바에서는 필리포 파로디가 눈에 띄었다. 나폴리, 주세페 산 마르티노, 프란체스코 퀘이 롤로 및 안토니오 코라 디니 (Sansevero Chapel)의 3 개의 특별한 작품을 저술 한 저자는 그리스도 촛불, Disinganno 및 Pudicizia 1752 ~ 1753 년 사이의 데이터 세트); 시실리에서는 자코모 세르 포타 (Giacomo Serpotta) (팔레르모의 웅장한 토치기 장식).

건축물
이탈리아 바로크 건축 (바로크 건축, 이탈리아 건축).

새로운 건축물은 1524 년과 1575 년 사이에 새로운 종교의 질서를 수립 한 결과로 바나 바이트, 예수회, 오로 토리 안, 극장 등이있다. 그 영향력이 확대되어 매너리즘과 바로크 사이의 전환을 특징 짓는 광대 한 아름다움과 장식에 대한 카톨릭 신앙 선전을위한 새로운 유형의 교회 (Propaganda Fide는 1622 년에 설립되었습니다)의 새로운 유형의 건축을 요구했습니다. Il Gesù는 Giacomo Barozzi da Vignola (1568 년 – 표지는 1584- 년 Giacomo della Porta에 의해 수정 됨)에 의해 디자인 된 중앙 계획이있는 교회의 르네상스 이상을 파탄 한 것으로 Jesuit의 모델로 사용되었습니다 교회. 내부는 로마 고전주의가 어떻게 대규모 단순성과 결합 될 수 있었는지 보여주는 예입니다. 높은 창문은 둥근 천장 통을 관통하며, 돔의 드럼 창문과 마찬가지로 자연 채광으로 내부를 비추어 상대적으로 확산 된 공간에서 빛과 어둠의 극적인 대조를 만듭니다. 1605 년 교황은 카를로 마데 르노에게 대성당을 재 설계하도록 의뢰했습니다. 산 페드로의 나중에 Gianlorenzo Bernini (그의 시간의 예술적 생활에 대한 그의 영향력은 “독재”로 묘사되었다)은 실내 장식과 Plaza de San Pedro의 디자인 모두를 돌 보았다.

Bernini와 Borromini 이후, Carlo Fontana는 로마의 가장 영향력있는 건축가 (San Marcello al Corso의 오목한 정면)였습니다.

사보이의 집인 토리노 (Turin)의 법원은 최근 정치적인 진흥 (사보이 왕가의 거주지, 토리노의 별장과 궁전)의 야심적인 작품으로 번역 할 필요가 있었으며 특히 새로운 스타일을 받아들이며 탁월한 트리오를 사용했습니다. 건축가 : Guarino Guarini, Filippo Juvarra 및 Bernardo Vittone.

베네치아 바로크의 건축 양식은 발데 자르 롱 헤나를 가장 큰 지수로 사용했으며, 1630 년의 재앙 이후 중앙 마루가있는 산타 마리아 델라 살루트 (Santa Maria della Salute)의 건축이 시작되었습니다. 바실리카의 8 각형 몸체에서 롱헤나는 성전의 세로 축을 강조하는 산티 시모 레드 덴 토르 (Santissimo Redentore) 성당에서 안드레아 팔라 디오 (Andrea Palladio)가 채택한 것과 유사한 해답 인 두 개의 apses로 각면에 접경 한 성소를 추가했습니다. 중앙 몸체. 바로크 양식은 대운하 (Grand Canal)의 외부 매스 (mass)의 구조에서 분명합니다. 큰 돔으로 덮인 8 각형 몸체는 성소의 왕관과 2 개의 벨 타워 옆에 있습니다. Longhena는 또한 시민 건축물을 건설했습니다. Ca ‘Pesaro는 분명히 전통적인 계획을 제시하지만, 화려하게 꾸며진 파사드에서 빛과 그림자의 역할은 일반적으로 바로크 스타일을 부여합니다. 플라스틱 세부 사항은 아틀란티스, 거대한 머리 및 사자 가면으로 장식 된 Ospedaletto (1670 년대에 완성 된) 교회의 외관에서 끝까지 도달합니다. 당시 다른 베네치아 건축가는 Andrea Tirali (Tolentini, Manfrin Venier Palace), Giuseppe Sardi (Santa Maria del Giglio) 또는 Domenico Rossi (Saint Stae, Ca ‘Corner della Regina)였습니다.

이탈리아 바로크 양식 건축의 마지막 단계는 Luigi Vanvitelli가 카 세르 타 궁전 (Casterta Palace)에서 나폴리 (Naples)로 예시 한 것입니다. 신고전주의 건축 양식으로 옮겨 가면서 다른 Bourbon 궁전 (베르사이유 궁전, 마드리드 왕궁) 모델을 따라 주변 경관에 통합되었습니다. 그것의 차원은 특별하다; 그것은 18 세기 유럽에서 가장 큰 건물로 간주됩니다.

도시 계획
이탈리아 바로크 식 urbanism (바로크 식 urbanism, 이탈리아 도시 계획, urbanism) .54

… 새로운 바로크 거리와 함께, 새로운 바로크 양식의 도시화에 대한 완벽한 공식이 될 트렌드가 있습니다. 새 건물은 그 옆에있는 새로운 건물로, 로마는 눈앞에서도 놀랍고도 멋진 방식으로 변형됩니다. Sixtus V는 도시에서의 기능적 창조에 예술적 요소를 추가하는 것을 잊지 않고 분수와 같은 많은 장식 요소를 사용하고 17 세기와 18 세기 동안 큰 호의를 베푸는 전통을 시작하는 것을 잊지 않기 때문에 그 자체로 묵상의 대상이되었습니다. 바로크 양식의 로마 신화 창조에 중요한 역할을 할 것입니다. 식스 투스 V는 구식 도시와의 확대와 관련이 있지만, 사실 규제 비행기에서 중세 도시를 버리고 자체 역 동성의 변형; 로마의 공익에 대한 도시주의 다음에 로마에 귀속 된 로마 귀족의 사적인 관심에 의해 움직이는 또 다른 것이 있기 때문에 – 교회가 그 모델을 삶의 이상에 대한 표현으로 분명히 선택하는 것이 중요하기 때문에 – 기존의 도시 구조를 수정하지 않고 그 이점을 누릴 수 있습니다. … 대가족의 이러한 건설적인 관행과 글로벌 비전의 부족 … 궁전 개장시 자신의 위치에 적합한 미적 체계를 찾지 만 필요한 인프라를 제공하는 것에 대해 걱정하지 않습니다. ..

정면
이탈리아 건축가들은 예수회 (Il Gesù) 교회의 회중 행렬에서 파르테논 사원의 정면을 더욱 역동적으로 만들고 전통 건축 요소와 정면을 무너 뜨 렸습니다. 비슷한 판타지로 팔라시 외관의 구조도 바뀌 었습니다.

인테리어
피에트로 다 코르 토나 (Pietro da Cortona)는이 환상 주의적 방식의 회화를 사용했던 17 세기의 화가 중 한 사람입니다. 그의 가장 중요한 임무 중 하나는 그가 바르베 리니 (Barberini) 가족 궁전을 위해 그린 벽화였다. Pietro da Cortona의 작곡은 시스틴 성당 (Sistine Chapel)의 미켈란젤로 (Michelangelo) 작곡 이후 로마에서 가장 큰 장식 벽화가되었습니다. The Oxford Companion of Art의 저자 인 해롤드 오스본 (Harold Osborne)은 바르 베리 니 궁전 (Barberini palace)을 위해 완성 된 ‘Divine Providence’

그의 가장 유명한 그림은 천장의 중심이 하늘에 열려있는 것으로 보이는 환상의 승리이며, 아래에서 본 인물들은 방에서 내려올뿐 아니라 밖으로 튀어 나온 것처럼 보입니다. ”

치장 용 벽토는 바로크 식 인테리어의 전반적인 핵심 특성 중 하나가되어 벽 공간, 틈새 및 천장을 향상 시켰습니다.

더 많은 건축 프로젝트를위한 기금을 제공 한 교회에 대한 존경은 더 많은 숭배자들을 도시로 데려 왔으며 성년 동안 많은 사람들이 영구 인구의 5 배에 달하는 것으로 나타났습니다. 이 관광 산업의 호황으로 로마 시민들에게 지속적인 직업 기회가 생겼습니다. 로마의 건설 산업은 곧이 도시에서 가장 큰 고용주가되었습니다.

이탈리아 전역에서 영감을주는 건축가들은 실습을 받았다. 이탈리아의 대부분 지역에서 현지 건축가는 건축 요구를 만족 시켰지만 로마에서는 건축가가 교황청이나 가족 왕조 의뢰를 받아 프로젝트를 진행했습니다. 바르베 리니 (Barberini), 보르 게제 (Borghese), 치기 (Chigi), 팜 필리 (Pamphili)를 포함하여 교황청과 관련된 가족은 매우 훌륭했으며, 차례로 가장 풍부하고 웅장한 일부 빌라가 건축되었습니다. 이 집안 가족들 사이의 경쟁은 그들이 지원 한 교회뿐만 아니라 집안의 세부 묘사의 정교함에서 서로 경쟁하게되었다.

이탈리아의 뜨거운 기후는 재료 선택과 건축 계획에 영향을 미쳤습니다. 마루를 위해, 도와, 대리석 및 돌은 이용되었다; 테라 초 바닥은 시멘트로 만든 대리석 케이스로 만들어졌으며 때로는 인테리어에 사용되기도했다. 이 모든 자료는 공간을 식히는 데 도움이되었습니다. 또한 지리적 위치에 대한 고려가 시공 계획 단계에서 검토되었습니다. 예를 들어, 평균적으로 시실리는 토리노보다 해마다 1,000 시간 더 햇빛을받습니다. 시칠리아가 지은 건축물의 정면은 이탈리아 본토의 현대 건축물과 비교할 때 매우 거대합니다. 이와 같은 지역적 변형은 로마를 포함한 이탈리아 전역에서 볼 수 있습니다.

로마 내부에서의 가구의 역할은 사회적 지위를 강조하고 단순히 장식 요소를 실내에 추가하는 것이 었습니다. 조각은 가구 장식에 선호되는 방법이었습니다. 호두는 주요 가구 목재였습니다. 가구에 대한 강조는 조각 된 뒤집힌 멤버들에게 맡겨졌으며, 그들은 정교하게 하이 백 팔걸이 의자와 탁자에 배치되었습니다.

바로크 시대의 인테리어에 대한 공간적 관계는 르네상스의 블록 구조에서 개방 된 계획으로 바뀌었다. 바로크 양식의 인테리어에는 웅대 한 비율이 일반적이었습니다. 살롱은 과장된 장식에 중점을 두어 높은 우선 순위를 부여 받았는데, 이번에는 액센트를 다른 높이로 통합했습니다. 틈새, entablatures, pediments 및 벽 구호 공간 내에 역학을 만들었습니다.

트롬 프 오일 (trompe l’ oeil)의 영향이나 실내 장식의 건축 적 환영에 대해서는 그림, 조각 및 건축 등 3 가지 예술의 통합이 매우 중요하여 처음부터 어디에서 시작했는지 그리고 어디에서 끝나는 지 처음에는 알 수 없었습니다. 그것은 바로크 인테리어의 모든 공간에서 핵심 소재가되어 틈새, 천장, 벽 등에 사용되는 치장 벽토를 강조하는 모든 유형의 서포트와 재료의 사용을 도왔습니다.

중앙 스페이드를 그린 Ciro Ferri의 프로젝트 인 “cappella spettacolo”( “spectacle chapel”)의 예인 Santa Maria Maddalena dei Pazzi (Florence)의 메인 예배당. 루카 Giordano, 1667-1685에 의해 측면입니다.
베네치아 (1643)의 산 조르지오 마 죠레 (San Giorgio Maggiore) 계단은 제노바 (1564, Università, 1623)의 전임자와 플로렌스 (Laurenziana 도서관의 계단)보다 훨씬 큰 이탈리아의 위대한 내부 기념비적 인 계단 중 첫 번째 계단입니다. 미켈란젤로 (1524 년 – 수십 년 후 완성) -); 또한 알프스 북쪽의 계단 홀에서 위대한 건축 학적 건축물의 선례이기도합니다.