인테리어 초상화 (portrait d’ intérieur) 또는 독일의 Zimmerbild (room picture)는 17 세기 말 유럽에 등장했으며 19 세기 후반에 큰 유행을 즐겼습니다. 그것은 어떤 사람들도없는 생활 공간에 대한 세밀하고 상세한 표현을 포함합니다. 이 그림들은 일반적으로 수채화로 표현되었으므로 창의력이 거의 없다면 훌륭한 기술 숙달이 필요했습니다. 20 세기 중반 경에 이러한 장면이 여전히 만들어졌지만 사진은이 스타일의 그림을 고의적 인 고풍의 형태로 바 꾸었습니다.

인테리어 초상화라는 용어는 주로 개인적인 인테리어의 표현을 다루고 거의 독점적으로 Biedermeier의 문화 시대에 널리 퍼진 장르의 그림을 의미합니다.

영국에서 인테리어 초상화를 “대화 작품”과 혼동해서는 안됩니다. 어떤 활동에 종사하고 종종 옥외에 배치 된 사람들의 집단으로 구성된 장면을 지칭하는 용어. 진실한 내부 조각은 방 및 장식 만 보여 주지만 이전 활동은 실내에 기사를 배치하여 제안 할 수 있습니다.

드로잉, 수채화 물감, 구 아슈 (gouaches)와 같은 다양한 믹싱 기법이 있습니다. 그들은 상대적으로 작았으며, 평균 조경 크기는 약 32.5 × 22.5cm 였고, 더 큰 편차가 발생했거나 줄어들었지만 거의 발생하지 않았습니다. 대부분의 경우 일러스트레이션은 박스 세트의 원칙을 따랐다. 초점은 종종 중심에서 왼쪽으로 약간 벗어났습니다. 이 작품은 아마추어의 작품이 아니라 전문 예술가의 작품이었습니다. 일부는 전문 화가의 실내 화가였습니다. 장르가 잠시 동안 누린 감상의 분명한 예는 유명한 건축 화가 Eduard Gaertner가 베를린 시티 팰리스에서 인테리어를 만들기 위해 왕가에 의해 위탁 한 수채화 물감 시리즈입니다.

특정 인테리어의 상태는 가구의 모양과 배치, 벽지, 커튼 및 카펫의 색상과 패턴, 예술 작품, 일상 물건 또는 장식품이있는 객실 디자인과 같은 특정시기에 매우 정확하게 설명되었습니다. 인테리어에 대한 이러한 세부적인 재현은 동시대 인들이 자신의 사적인 환경의 대상을 얼마나 집중적으로 다루 었는지를 보여 주며 동시에이를 문서화하기를 원했음을 분명히합니다. 사람들은이 사진에 거의 출연하지 않았고, 그렇다면 개개인의 특징을 간신히 가졌지 만 각 방의 목적에 부합하는 소규모 활동을 보여주었습니다. 무엇보다도 개인은 사적인 환경에 대한 정확한 설명을 통해 간접적으로 존재했습니다.

방 사진은 보통 특정한 경우에 개인적인 선물로 위임 받았다. 프 러시안 프린세스 엘리자베스 (Prussian Princess Elisabeth)는 젊은 시절 결혼 한 다름슈타트 (Darmstadt)에 갔을 때 부모님에게 베를린 보육원의 사진을 전했습니다. 그리고 헤세 – 다름슈타트의 루드비히 2 세 (Grand Duke Ludwig II)의 수채화 물감은 사후에 사본으로 사후에 수령되었습니다. 잎은 아마도 공개적으로 발행되지 않고 판매되지 않았을 수도 있습니다. 그들은 앨범에 합쳐져서 사회에서 여성에게 인기가 높은 일자리를 얻었고 가정 환경에서 그들을 보았습니다. 그들의 감정적 인 의미에 더하여,이 선집은 또한 예술 이해의 이미지, 교육 수준 및 소유자의 사회적 지위였습니다.

초기 인테리어 초상화
인테리어는 16 세기 독일인과 초기 네덜란드의 그래픽 작품, 17 세기 네덜란드의 그림에서 오랫동안 존재했으며 정면과 친밀한 초상화의 배경으로 사용되었습니다. 17 세기 네덜란드에서는 인테리어의 이미지가 초기 예술 장르가되었습니다.

유럽 ​​중세 시대에 로마네스크와 고딕 교회와 대성당의 내부뿐만 아니라 개인 주택에도 관심이 쏠 렸습니다. 수도원과 세속적 인 내부 (로마네스크와 고딕)는 금욕주의와 최소한의 가구에서 달랐다. 그러나 그때조차도 임명에 의해 구내의 재분배가 있습니다 – 부엌, 홀, 식당, 주인을위한 침실, 객실과 침실, 하인, 무기고, 보호자를위한 주거. 제한된 수의 중세 내부 또는 그 모서리는 현대 미니어처, 늦은 이방인의 그림, 초기 네덜란드 그림의 작품에 반영되어 있으며, 후자는 중세 시대의 경험에 의존했다. 인테리어의 이미지는 도식 이미지에서 천천히 진화했다.

초기 네덜란드 그림의 걸작은 신혼 부부 Arnolfini의 작품 인 Jan van Eyck (1434, National Gallery (London))의 초상화였습니다. 아티스트는 네덜란드에서 오랫동안 정착 해 온 이탈리아 상인과 결혼 한 버거 하우스의 내부에서 결혼 서약의 순간을 선보였다. 얀 반 아이크 (Jan van Eyk)는 신혼 부부의 나이와 성격의 차이를 숨기지 않고 평범한 초상화의 경계를 넓히면서 감히 웃어 넘기는 옷을 재현했습니다. 신혼 부부는 창문에서 부드럽고 반짝 거리는 빛에 비춰 방에 있습니다. 중년의 전통에 따라, 얀 반 아이크 (Jan van Eyk)는 방안에 실용적이고 상징적 인 의미를 지닌 여러 가지 물건을 배치했습니다. 조명이 달린 촛불 – 결혼식의 힌트, 창문의 오렌지 – 즐거움의 힌트, 방 강아지 – 충성의 알레고리, 도끼 또는 마구 – 기호 경건 등등. 그러나 가사의 이미지의 특수성은 일상 생활의 현실과 사물과의 관계, 통치자의 순결함, 편리함, 안녕과 안락함에 대한 열망과 같은 가정과 같은 내재적이며 유쾌한 시각으로 돌아 간다. 네덜란드 등은 유목민 광장에서 궁전을 개조 할 수있는 시끄럽고 유목민 인 이탈리아 인에게는 일반적이지 않습니다. 이탈리아 인테리어의 불편 함과 불일치는 네덜란드와 독일 여행자들에게 불평했다.

인테리어의 수많은 이미지는 독일 그래픽의 주인에 의해 만들어졌습니다. 그 중에는 종교적 장면 ( “포고령”, “스트레칭”)과 건국의 아버지 ( “셀의 성 제롬”)의 이미지가 있습니다. 셀에있는 성 제로 닌의 이미지는 사실상 통일되고 논리적으로 중세 시대의 거장에서 중생과 매너리즘의 주인으로 변모했으며, 각자는 신학자의 세포에 대한 자신의 해석을 제출했다.

세속적 인 이야기들 중에는 여가 시간에 드문 사람들의 이미지에 주목합니다 (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), “원형 춤에서의 춤”조각) 또는 그들 자신의 워크샵에서 장인들의 이미지를 조각 한주기 (조각가 Yost Amman, “Brewer”, “Tkach Kilimar”, “Printing House”, “Pharmacy”, “Hairdressing Salon”, “Studio stained glass”) 인테리어는 사람들이나 국내 상황에서 분리되지 않습니다. 그러나 장인은 현대 가구, 생활 용품, 공작 기계, 악기 및 그 시대의 의상을 자유롭게 재현 해 냈습니다. 장인들과 조각하는 사이클에서 정확하게 기술적 인 특징을 가진 공예품입니다 기능, 특정 기능 및 심지어 기술의 기능까지도 포함합니다.

17 세기 실내 초상화
이러한 유형의 장면은 17 세기 말에 처음 나타납니다. 그 당시의 의도는 완전히 서술 적이었습니다. 그들은 일반적으로 아트 갤러리, 개인 도서관 또는 호기심의 캐비닛의 내용을 보여주기 위해 특별히 수행되었습니다. 최초의 알려진 사례 중 하나는 1693 년에 작성된 런던의 사무엘 피피스 (Samuel Pepys) 도서관을 묘사 한 것입니다. 그들은 오늘날 연구자와 장식가에 의해 여전히 가치가 있습니다. Pepys의 경우, 그 당시의 학자가 책을 책장 (그 당시의 혁신)에 정리하고, 낭독 대를 사용하고, 편안함을 위해 쿠션을 배치하고,지도를 교수형에 처하는 방법을 직접 볼 수 있습니다.

네덜란드의 예술은 플랜더스와 함께 단일 국가 정치적 구성의 구성원이었던 15 세기와 16 세기에 네덜란드의 영토에 속한 모든 지역의 예술에서 논리적으로 성장했습니다. 17 세기부터는 주와 예술 부문이 있었기 때문에 기원은 독특하지만 특성은 다른 두 개의 국립 예술 학교가 형성되었습니다. 고백의 차이는 또한 예술적 구별에 기여했다. 네덜란드 남부와 플랑드르 (Flanders)는 17 세기에 종교 예술에 새로운 개화기가 있었던 카톨릭교의 품에 머물렀다. 바로크 스타일. 네덜란드는 문화적으로 현실적인 지침과 바로크 스타일주의의 제한된 사용을 가진 개신교 국가가되었다.

17 세기 초 네덜란드는 수년 동안 자기 확신과 활력을 경험했습니다. 스페인의 강력한 제국으로부터의 독립을위한 투쟁이 성공적으로 끝났기 때문에. 서구 유럽의 정치지도에 방금 나타난 젊은 주를 인정하는 데 오랜 시간이 걸렸습니다. 자기 주장과 쾌활함은 주민들의 행동과 카톨릭 이태리에서 내려온 종교적 제한을 적극적으로 박탈당한 국가 예술에 내재 된 것이었다. 가톨릭 모델의 종교 그림을 인식하지 못하고 우상 파괴의 단계를 넘어서던 개신교의 지배로 종교 그림 주문이 크게 줄어 들었습니다. 그리고 반대로, 장르에 세속적 인 주제가 폭발적으로 확산 될 것입니다. 특별한 기술력과 발전으로 인물, 풍경, 일상 장르, 정물, 인테리어 등의 장르가 이탈리아 나 프랑스의 유명한 현대 미술 센터에서도 알려지지 않았던 것은 네덜란드의 예술 분야였습니다.

네덜란드 예술가들은 자신의 집과 외부 집을 페인트 칠하게되어 기쁩니다. 유명한 잰 허머 (Jan Wermer)의 거의 모든 작품이 아늑하고 풍성한 인테리어로 제공됩니다. 피규어가있는 인테리어의 주인은 Jan Stan, Peter de Hooh, Gerard Terborh입니다. 수년간 우상 파괴 이후 사라진 피터 샌 마름 (Peter Sanremad), 안토니 데 램프 (Antony de Lorme)에 의해 그려진 교회의 고행 인테리어. 더 따뜻한 감정은 엠마뉴엘 드 위트 (Emmanuel de Witte)의 그림에서 신성한 실내 장식으로 태양에 비추고 세부 사항이 어지럽게 흩어지지 않습니다. 불쌍한 직조 공, 예술가, 바리톤, 공증인, 공예가, 작은 장인, 단조 대장장이의 반 농민 주택은 Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrian van Gasbeck, Cornelis Belt에 의해 기록되었습니다. 작곡의 몫은 실내의 의무적 인 코너와 함께했습니다. 그것은 “자신의 사무실에서 과학자”입니다. Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomeus Maton, Constantine Nettsher, 도미니크 반 톨 (Dominique van Tol)은 신학자 또는 점성가 (서적, 지구본 포함)로 성인 또는 회색 인물로 변종을 만들었습니다. 네덜란드 주인들의 회화 인테리어는 태어날 때부터 사망 할 때까지 또는 17 세기의 네덜란드 미술 특별 장르 인 “해부학 교습”(모든 사람들이 방문한 곳)으로 이어집니다.

17 세기의 네덜란드 예술은 17 세기 유럽의 예술적 상황에서 특이한 현상이되었습니다. 네덜란드에 의해 설립 된 예술가들에 의해, 유럽의 다른 유럽 미술 학교의 예술가들이 갈 것입니다.

다른 의도를 지닌 새로운 유형의 실내 초상화가 등장한 것은 18 세기의 마지막 4 분의 1 때가되었습니다. 이 유형은 건축 회사에서 처음 생겨 났으며 고객의 이익을 위해 수행되었습니다. 제임스 아담과 스코틀랜드의 형제 로버트 아담, 프랑소와 – 조셉 베란 거와 같은 위대한 건축가는 잠재 고객을 유치하기 위해 이전 프로젝트의 수채화를 실행할 것입니다. 이것은 부유층들과 유능한 사람들 사이에 일시적 유행을 만들어 자신들의 방의 그림을 위탁하고, 후손을 위해 보이고 보존했습니다. 이 그림들은 종종 앨범으로 편집되었습니다. 이 열풍은 영국에서 특히 유행했습니다. 거기에서, 그것은 유럽 전역에 널리 퍼졌습니다.

비더 마이어 (Biedermeier)의 특징은 윤리적 태도가 아니라 스타일 질문으로서의 단순성과 겸손에 대한 발전이었습니다. 형식이 넘치고 금이 풍부하게 적용되는 대신 단순하고 공식적으로 축소 된 대상과 심플하면서도 멋지게 제작 된 자료가 심미적 인 품질의 증거로 간주되었습니다. 이 겸손한 겸손의 특별한 종류는 값이 비쌌습니다. 고귀하고 부유 한 부르주아 계급이 그것을 감당할 수 있었고, 그들은 성취도를 사진에 기록했습니다.

18 세기의 시대 구분
얼마 동안은 18 세기의 예술. 프랑스에서는 로코코와 고전주의 (또는 18 세기 후반의 신고전주의주의) 나 비생산적인 왕들로 나뉘어져있었습니다. 프랑스의 예술에서 우위를 차지하는이 단순한 접근법은 오히려 도식적이며 현실에서의 역사적 패턴과 그 흔적에 의존하지 않습니다. 단순한 접근 방식은 다른 사건에 중점을 둔 진정한 변화를 무시하고 대결 투쟁의 열기와 서유럽 예술의 독특한 현상 인 혁명적 고전주의와 같은 기간의 중요성을 밀어 냈습니다.

아이디어와 스타일 변화의 투쟁에 대한 실제 그림은 훨씬 복잡하고 불쾌한 다단계였습니다.

18 세기의 첫 번째 수십 년. – “바로크 식”고전주의와 매우 독특하고 더 비슷한 학문적 고전주의입니다.
문체의 방향은 사전 코코 (pre-coco)라는시기가 있었고, 약한 콩나물은 반드시 프랑스어가 아닌 여러 다른 주인의 작업을 돌파했다. (네덜란드 인 Nicholas Berchem, 베니스의 이탈리아 Rosalba Career)
로코코 (17 세기의 학문적 고전주의와 20 세기 말의 신고전주의를 통치)
계몽주의는 로코코와 동시에 그리고 동 기적으로 개발되었고 실제로 1789-1793 년 2 년 간의 반역 혁명을 준비했습니다.
18 세기 후반의 고전주의. 감상주의와 공존하면서 단기간의 혁명적 고전주의와 프랑스 예술 (나폴레옹과 그의 원수 지지자들) 제국에 부과했다.
고전주의 (그리고 제국)는 1830 년대와 1850 년대까지 지속되었고 낭만주의와 공존했다.
거의 모든시기에 대통령 장르라고 선언 된 역사적인 회화는 초상 장르에 굴복하면서 주도적 위치를 잃었습니다. 거의 모든 세기의 유명한 예술가들에게 프랑스와 이탈리아의 로코코 지지자들은 초상주의 작가 였고 그 초상화는 아이디어 투쟁의 중심에 있었으며 실질적으로 예술적 탐구로 향했다. .

로코코 그림 실내
파리에서 18 세기 초반에는 로코코 스타일이 탄생했습니다. 페인팅에서 새로운 스타일의 형성에는 프랑스의 앙뜨랑 왓 아우 (Antoine Watteau) 예술가와 베니스 로잘바 커리어 (Venice Rosalba Career)의 이탈리아 인이 참여했으며 부유층과 후원자 인 Pedro Croz가 적극 지원했습니다. Germain Bofran은 수많은 호텔 (프랑스 귀족의 개인 도시 소유지)의 궁전 장식에서 Rococo를 시작한 인테리어 디자이너 중 첫 번째 중요한 인물이되었습니다. Hotel Subiz의 타원형 홀은 새로운 스타일의 모델이되었습니다. 고전적인 구조 및 원주 형 필라 스터를 거부하고, 아치형 창문, 채소 장식을 사용하여 그림 삽입물에 붙어 천장에 전달했습니다. 보통 건물은 목재 패널로 대체되고, 그림과 거울은 이상하고 굴곡 진 장식품으로 가볍고 변덕 스럽습니다. 인테리어의 중요한 특징은 무성하고 무거운 바로크 식 가구를 대신하는 가볍고 편안한 가구입니다.

예술은 귀족으로 남아 있으며 사회의 특권 국가의 필요를 충족시킵니다. 귀족을 기쁘게하고 여가에 쉽게 맞아주는듯한 로코코 (천박함, 쾌락 숭배, 바람 피기 등)의 예술은 마치 귀족을 기쁘게하는 것처럼 존재합니다. Germain Boffran을 비롯한 극단적 인 재능을 지닌 수많은 예술가가 로코코의 스타일을 다루는 것이 아니라면 패션 페이지 중 하나 였을 것입니다. 고딕 시대 이후 처음으로 인테리어는 식물상 또는 물결 모양의 장식으로 교체하여 주문을 거부했습니다. 패션, 수리 및 다른 스타일의 건물 재개발의 변화는 로코코의 내부 보존에 기여하지 못했습니다. 중요한 예술적 가치에 대한 개념은 나중에 나옵니다. 19 세기에 그들은 20 세기의 그림과 사진에서 일련의 수채화 물감 (Hau Edward Petrovich, Great Gatchina 궁전 내부에 그려져 있음)에 기록 될 것입니다. 영국의 바위에있는 로코코 희귀 품의 상당한 예술적 가치는 역사가들이 빅토리아 앤 앨버트 박물관 (Norfolk Nawas Music Hall)의 노퍽 누우 스 궁전 (Norfolk Nouus Palace)의 독특한 장식으로 옮겨 가게합니다. 이곳은 과거의 중요한 전시회가 될 것입니다.

19 세기 Apogee
실내 초상화의 역사적으로 중요한 첫 번째 예는 1812 년 Malmaison에있는 Josephine 황후가 세운 작은 미술관을 나타냅니다. Auguste-Siméon Garneray의 수채화 작품에서 수갑, 미술품 컬렉션 및 목도리를 볼 수 있습니다. . 따라서 새로운 요소가 나타납니다 : 장식의 심리적 요소와 눈에 띄는 인간 존재. 하나는 소유자의 감정과 생각을 느낄 수 있습니다. 이러한 의미에서이 그림들은 진정으로 “초상화”가되었습니다.

19 세기에는 여러 가지 요소에 의해 설명되는 이러한 그림 표현의 유행을 경험할 것입니다. 높은 사회 계급에서는이 현상이 가정에 편안함, 친밀감, 가족의 중요성이 커짐에 따라 발생합니다. 동전 기능은 점점 더 전문화되어 가고 있습니다. 예를 들어, 식당 컨셉은 이제 표준 6입니다. 다른 한편으로 귀족적인 취향을 복사하고자하는 새로운 중산층의 개발은 운동을 증가시킵니다. 세기가 진행됨에 따라 가구는 시리즈로 제조되는 산업 기술 덕분에보다 합리적인 가격이되었습니다. 선택. 마지막으로, 장식 모드가 신속하게 갱신되며, 이전 스타일은 신 고딕, 신 고전, 신 루이 15 세 등으로 재 방문됩니다. 따라서 집 소유자는 자신의 인테리어를 기억하거나 제공하거나 유언하도록 주문하는 것이 일반적입니다 .

19 세기에이 그림들의 엄청난 인기는 많은 요인들로 설명 될 수 있습니다. 누보 부자와 부르주아지 가운데서도 위안과 친밀감, 그리고 가족의 위대한 중요성이 가정에 주어졌습니다. 이 기간에는 한때 매우 부자들에게만 알려 졌던 전문화 (예 : 별도의 식당)도있었습니다. 이 새로운 “중간 계급”은 귀족의 취향을 복사하기를 열망했으며 산업화로 훨씬 다양한 종류의 가구를 쉽게 구입할 수있었습니다. 마지막으로 꾸미기 스타일이 끊임없이 바뀌고 부활하기 때문에 실내 초상화는 기억을 보존하고 차세대에 남겨 두는 방법이었습니다.

빅토리아 여왕은 자신의 사랑스러운 가족 생활과 가정의 안락함을 대중들에게 세련되게 보여주기 위해이 초상화를 아주 좋아했습니다. 유럽 ​​열풍은 유럽 왕실 가족 전체에 확산되었습니다. 화려하게 꾸며진 궁전 (겨울 궁전, Tsarskoye Selo, Gatchina 궁전, Peterhof 궁전, Pavlovsk 궁전 …)의 수가 많기 때문에, Tsars는 실내 초상화의 가장 열정적 인 위원 중 하나였습니다. 거의 모든 비공개 방을 제외한 모든 방은 적어도 한 번 렌더링되었습니다. 몇 번이나. 이 수채화 물감은 그들의 장르 중에서 가장 좋은 것으로 간주됩니다.

직후의 역사적 섹션에서 이미지는 잠시 동안 자신의 개인적인 기억 가치를 유지했지만 미학적 견해와 개별 습관의 변화를 통해 의미를 잃어 버렸다. 이 특별한 방식으로 자신의 4 개의 벽을 문서화하려는 욕구는 이전만큼 널리 퍼지지 않았습니다. 여전히 “현대적인”사진 매체를 사용하기를 희망하는 사람. 그러나 비더 마이어 (Biedermeier)의 회화는 창작과의 거리가 멀어짐에 따라 다시 문화사에 관한 중요한 정보원이되었다.

20 세기의 부활
20 세기와 오늘날, 일부 예술가들은이 전통을 영속시킵니다. 예술가는 수채화 또는 기름으로 주문을 받아 일하는 실내 초상화의 예술을 오늘날까지 영속시킵니다. 주택 소유자는 자신의 주택에 대한 견해를 주문하고, 제공하거나, 자녀에게 물려 줄 것을 요청합니다. 생활의 행복 또는 사랑하는 장소에서 살았 음을 입증합니다. 장식자는 또한 특별한 분위기를주고 자하는 프로젝트에이 아트를 사용합니다.

전문 예술가
교양있는 젊은 여성이 수채화 물감을 칠하는 것을 배웠을 때, 많은 사람들은 자신의 방 또는 그들이 수업을받은 곳을 그렸습니다. 살아남은 사례의 대부분은 익명이며 드물게 고품질이지만, 종종 기술 전문 지식이 부족한 부분을 보완하는 매력이 있습니다.

그러나 귀족의 일부 구성원은 전문가에 대한 진정한 재능을 가지고있었습니다. 예를 들어, 폴란드 백작 Artur Potocki는 로마에서 런던에 이르기까지 호텔 객실과 그가 머물렀던 다른 장소의 수채화를 그림으로 널리 여행했습니다.

그럼에도 불구하고 사실상 모든 최고 품질의 작품은 수채화로 탁월한 기교와 원근법의 숙달 … 특히 근대의 눈에 대한 섬세한 사진 효과를 만들어내는 2 ~ 3 개의 소실점을 가진 원추의 전망을 가진 전문가가 제작했습니다.

프랑스의 Jean-Baptiste Isabey와 Eugène Lami, 영국의 건축가 John Nash와 가구 제조사 Thomas Sheraton과 같은 몇 안되는 예외를 제외하고는이 초상화들을 독점적으로 다룬 몇 안되는 예술가들이 오늘날에도 여전히 익숙합니다. 이전에 언급되지 않은 그들을 제작 한 유명 예술가들 중에 :

영국 : William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
프랑스에서는 : Charles Percier, Adrien Dauzats.
독일 : Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
러시아에서는 Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (형), Alex Brullov, Karl Brullov (형), Pyotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
폴란드에서는 알렉산더 그리 글리 스키 (Aleksander Gryglewski).